Considerado como uno de los mejores DJs del techno, Anthony Child es el hombre detrás de Surgeon, un artista que ha estado en la escena electrónica británica desde principios de los noventa, sacudiendo clubes y festivales con su extraordinaria y eficaz producción que genera tensión dinámica en el oyente. Su sonido, que va desde lo más industrial hasta el funk, no teme en pasar por ritmos que giran en torno al dub, swing y la música experimental para demostrar que también puede ser algo inteligente, sensual y bailable.

Al oriundo de Birmingham, creador de Dynamic Tension Records, Counterbalance y SRX, se le ha visto pasar por más de treinta países dejando caer su música en recintos como Tresor, Chubu, Berghain, Griessmuehle, Wigwan, al igual que se la ha visto lanzar música en Ideal Trax, Downwards, Tresor, Token, y crear proyectos con personas como Regis y Lady Starlight.

Conversamos con él largo y tendido.

Sorprende todo lo que has hecho, teniendo en cuenta que nunca quisiste ser DJ. ¿Cómo ese amor de compartir música con la gente ha hecho que tu propuesta siempre sea renovadora y sorprenda al público electrónico en general?

“Gracias, es una presentación muy generosa y amable. Para responder a tu pregunta: siempre me alegra descubrir nueva música y dedico mucho tiempo y esfuerzo a eso. Puede ser difícil conectarse de inmediato con la música. Darle tiempo y paciencia siempre vale la pena.”

¿Recuerdas cómo fue la primera vez que te has sentido feliz con la música electrónica?

“Mi padre tenía algunas rarezas en su colección de discos que me atrajeron desde una edad muy temprana. Desde los cinco años, recuerdo haber tocado sus LPs del compositor electrónico japonés Isao Tomita, Laurie Anderson y Space Themes por el taller radiofónico de la BBC. Eso siempre me alegro.”

¿Esa experiencia tendría que ver con las fiestas House of God organizadas con Karl O’Connor?

“Bueno, debo ser claro contigo: Karl O’Connor nunca ha estado involucrado en la organización de las fiestas de House of God. Él vino a los primeros eventos que tuvimos antes de que nos conociéramos bien. La escena de fiestas y clubes y las producciones musicales provienen de la ciudad, pero al mismo tiempo no siempre están conectadas directamente.”

Tengo entendido que en los noventa la escena electrónica de Birmingham era muy heterogénea. ¿Cómo crees que las fiestas House of God ayudaron a cambiar la visión del pueblo?

“Fue toda la escena musical la que provocó ese cambio del que hablas. La mayoría de las personas involucradas vivían en la misma parte de Birmingham. Bandas como Broadcast y Plone, y personas que organizaron fiestas de techno, drum & bass y ambient: todos salimos juntos de allí. Tal vez, un pueblo fuera de Birmingham, que sólo conoce los registros de House Of God y Downwards, supone que eso es todo lo que estaba allí pero, realmente, no fue así. Para mí, era un grupo social muy amplio que estaba involucrado en muchos proyectos creativos diferentes.”

“Siempre estaré profundamente agradecido de que Jeff haya elegido incluir dos canciones de mi primera edición en su CD de mix Live at The Liquid Rooms”.

¿Qué representa Live at The Liquid Room en tú vida?

“Siempre estaré profundamente agradecido de que Jeff (Mills) haya elegido incluir dos canciones de mi primera edición en su CD de mix Live at The Liquid Rooms. Sé que él es muy deliberado sobre todo lo que hace así que realmente aprecio que los haya incluido en ese set. Esa es la razón por la que toqué en Japón casi todos los años desde 1996. El sello de aprobación de Jeff significa mucho, especialmente en Japón.”

¿Ha pensado usted en cómo sería su futuro si Jeff Mills no hubiera incluido dos producciones tuyas en el cd mix?

“Supongo que podría haber disminuido ese interés inicial de mis presentaciones en Japón, pero en ese momento Karl y yo también contábamos con el apoyo de Davel Clarke y DJ Hell, que realmente ayudaron a exponer la música a un público más amplio.”

Hablemos de Luminosity Device, un álbum que desdibuja ese lenguaje de techno oscuro y puro que la gente siempre imagina en tus producciones. ¿Qué piensa si le digo que cada canción se comporta como una flexibilidad muscular que adopta una forma más gomosa gracias al uso de sintetizadores analógicos?

“¡Hey! Esa es una descripción divertida. ¡Me gusta! Realmente disfruto escuchar las interpretaciones de mi música de diferentes personas. Me agrada saber cómo los hace sentir.”

Es difícil decirle que cuente la historia detrás de cada canción, ¿pero podría hablar un poco sobre cómo era su situación al terminar ‘The Primary Clear Light’ y ‘The Etheric Body’?

“Nunca pienso de una manera tan literal sobre mi música. Sé que ocupa el reino de los sentimientos y las emociones; es algo que tengo muy claro. También tengo muy claro lo que estoy transmitiendo, pero para mí no se conecta con el reino del lenguaje.”

¿Tuvo una situación difícil cuando terminó las canciones y eligió el nombre de cada pista?

“Eso varía de un proyecto a otro. A veces comienzo con un título antes que la música. Con Luminosity Device, terminé la música antes de haber decidido los títulos. Sabía que serían elegidos del manual de Timothy Leary basado en el Libro tibetano de los muertos, pero elegí los nombres para que queden en las pistas después de que la mayoría de ellos hayan sido terminados.”

Foto: Cathrin Queins

Si ‘La Real’ fue un homenaje al público techno más hardcore de la cornisa cantábrica, ¿podría considerarse Luminosity Device como un álbum que rinde tributo al cuerpo, la mente y el alma del ser humano?

“Sí, eso creo. ‘La Real’ es totalmente música para el cuerpo, mientras que Luminosity Device es mucho más dedicado en el ámbito de la mente y el alma.”

En el álbum habla de un homenaje que va más allá de la muerte y la perdida. Podría hablarme más de ese “estado intermedio” que está en una continua transición eterna.

“En realidad, tiene una fuente de significado mucho más literaria para mí. Se trata del proceso de llegar a un acuerdo con la demencia de mi padre, su condición en declive y el efecto de eso en toda la dinámica de mi familia.”

“Nadie puede criticarte o ridiculizarte por tocar con Final Scratch”.

Esto me hace pensar que el techno de los últimos 20 años tiene un montón de soldados caídos. Algunos hacen falta, otros no tanto. Con usted la situación es diferente. Primero, porque ha sido un superviviente. Segundo, después de tanto tiempo sigue dejando huella en el techno europeo. Y tercero, pero no menos importante, sigue manteniéndose como un visionario que parece, nunca se va ir. ¿Qué piensa si le digo que usted hace parte de este “estado intermedio” que se ha ganado la eternidad dentro de la música electrónica?

“Es muy amable de su parte decir eso. A menudo hago mensajes artísticos deliberados que dicen: ‘No temas, no adivines tu expresión’ y especialmente: ‘No censures tu creatividad por cómo otros pueden reaccionar a tu trabajo’.”

Claramente, usted tiene un conocimiento magistral de las cualidades intimas del zumbido y el sonido atmosférico. ¿Cómo el libro tibetano de los muertos le ayudo a ilustrar la interacción del sonido en un pensamiento y una memoria conectada con el entorno externo?

“El manual de Timothy Leary basado en el Libro tibetano de los muertos es una guía para la experiencia psicodélica que me ha enseñado muchas cosas. Es otro ensayo completo en el que no voy a entrar ahora. Tomaría mucho tiempo.”

Hoy muchos artistas se aferran al pasado de la música electrónica. ¿Crees que esto puede frenar el proceso de una nueva ruta de sonido?

“Siempre tuve la emocionada sensación de avanzar, avanzar y explorar. De hecho, se trata realmente de aquí y ahora, no del pasado ni del futuro.”

Entonces, ¿tenemos que reutilizar algunas cosas? ¿Sí, no y por qué?

“Bueno, creo que es bueno reciclar para el medio ambiente. Las ideas existentes en un nuevo contexto y, en mi opinión, cuentan como algo nuevo.”

Usted es una persona que fácilmente puede jugar con máquinas análogas y programas digitales. No sé en Europa, pero cuando un artista en Latinoamérica nombra el programa Final Scratch, esto genera burla entre la gente. Usted, todo un dios de las máquinas y un programador que maneja con maestría Final Scratch, ¿qué podría decir sobre los beneficios que le brindo el programa a la hora de hacer sus sesiones?

“Final Scratch es algo que solía pinchar en 2002, pero he experimentado con muchos otros métodos de DJ y actuación en vivo desde entonces. Para mí, todas estas máquinas y procesos son solo herramientas, son un medio para un fin. Intento no invertir demasiado en ningún sistema particular por el bien de ese sistema. Siempre es mucho más importante lo que puedo crear con él y cómo puedo realizarlo. Sí, realmente me conecto con un nuevo método y/o herramientas para realizar otras cosas, entonces ese entusiasmo realmente me impulsa mucho. Siempre me enfoco en esa energía. Nadie puede criticarte o ridiculizarte por tocar con Final Scratch.”

Pronto estará presentando el álbum en diferentes festivales. Esta vez sus sets en vivo no serán improvisados. Todo tendrá un cómo y para qué. Podría contar un poco de lo que puede esperar la gente de Surgeon presentando Luminosity Device. Por ejemplo, hablar de la conexión que existirá entre cada pista con imágenes audiovisuales.

“Bueno, el show en vivo para Luminosity Device será diferente a comparación de mis habituales shows en vivo, porque normalmente cuando tocó en vivo, las sesiones son completamente improvisadas. Esta vez nada está realmente preparado y realmente sigo el flujo y la sensación de la música tal y como se está creando en ese momento. Para Luminosity Device, se mostrará el marco del álbum, por lo que tendré un punto de mira para trabajar y pistas existentes para explorar en vivo.”

Hace un año un colega español hizo un especial sobre ti. Allí decía lo siguiente: “Surgeon significa ‘cirujano’, y por tanto entiende el estudio de grabación como una sala de operaciones, la cabina del DJ como una mesa para practicar autopsias, el público como una enfermedad vírica y la música como una quimioterapia”. ¿Qué piensa sobre esto? ¿Has llegado a ver tu postura como Surgeon de esa forma? 

“(Risas) Nunca he pensado realmente sobre mi nombre de artista de una manera tan literal. Eso no es para quitarle nada a la interpretación de su colega, ya que también lo veo como algo totalmente válido.”

Antes de decir adiós, quisiera saber su opinión sobre la escena electrónica colombiana. Seguro algunos amigos suyos le han hecho saber lo diferente que es Colombia.

“No he estado en Colombia, aunque otros artistas techno me han dicho que realmente han disfrutado de su tiempo allí y han recibido una gran calidez de la gente de allí.”

Texto: @MauroAtenciaM