Muchos podrán recordar a Mario, aka Ten Walls o Mario Basanov, por su majestuosa obra ‘Walking with Elephants’ y relación con Life and Death. También por su mal entendido sobre la pedofilia y la homosexualidad. Algunos pensaron que su carrera como músico y compositor había finalizado, pero no fue así, Marijus dejo que el tiempo se encargará de hacerle entender a las personas el país de dónde venía y las creencias con la cuales crece la gente en Lituania, su país natal. Ese episodio fue un borrón y cuenta nueva para él. Y aunque Adomaitis estuvo alejado de las redes sociales y los festivales internacionales, el artista encontró como método de escape la música, desarrollando diferentes proyectos en su país que posteriormente lo llevaron a encabezar festivales electrónicos y componer Queen, su primer álbum debut, el cual se presenta como un libro musical que incluye poesía y piezas visuales.

«Queen es un álbum lleno de contrastes. Es una historia que cubre varios momentos de mi vida así como diferentes experiencias musicales” dice el artista, asegurando que así este triste o feliz, él siempre terminará en el estudio dando rienda suelta a todas sus ideas, las cuales se entrelazan con la música clásica, el house, el nu-jazz, el indie, down-tempo y por supuesto, la música electrónica.

Marijus, quien nació en una familia con un conocimiento sobre la música clásica, nos habla, entre otras cosas, sobre su familia, la religión, el arte conceptual, y su reciente álbum, Queen.

Sabemos que estuviste embarcado 12 años en la música clásica. ¿Qué tan dolorosa fue la aceptación en tu familia al saber que querías componer música electrónica y estar recorriendo el mundo?

Como fagotista tenía dos opciones: tocar en una orquesta o, cuando cumpliera 21 años, continuar con lo que empecé a excavar a los 16 años: produciendo música, siendo una persona creativa y luego más tarde convertirme en artista. Realmente, mis padres nunca oyeron lo que yo estaba escuchando. Siempre encontré un lugar para escuchar y disfrutar de la música sin que nadie pudiera interrumpirme. En nuestra familia, la música era música sin importar la dirección que tomarás. Mis padres escuchan mis creaciones, las sienten y me dan su retroalimentación. Soy afortunado de tener unos padres que me ayudan a desarrollar mi gusto musical y esto me permite buscar soluciones no tan baratas en la música.

En el siglo XX, para los futuristas italianos el arte se fundía con la vida. ¿Cómo crees que las creencias religiosas se pueden fundir con la música?

Cada religión tiene sus propias oraciones y lenguaje musical, ¿verdad? ¿Puede un instrumento o una melodía expresar una creencia religiosa? Yo creo que no. Por otro lado, muchas religiones tienen ciertos patrones musicales o instrumentos que se les atribuyen. La conexión está presente en toda la historia de la música, desde las pequeñas tribus étnicas hasta las principales religiones. El sonido que nació en la época barroca se basó en la música de la Iglesia, en los órganos.

¿Puede la música dance hoy en día ser fusionada con los patrones de la música religiosa? La respuesta es sí. Utilicé un extracto de la antigua sabiduría védica que hablada por mi querido amigo Andrew, y aunque esto no se considera una religión, transmite las creencias de esa cultura. Si yo comenzara a usar los sonidos de Mridangam o Karatalas, todo el mundo pensaría que Mario se ha convertido en un seguidor del Hare Krishna. 🙂

Usted nunca ha hecho parte del montón. Hoy en día muchos artistas están haciendo discos basados en Roland TR-909, 808, 727 y TB-303, creando sonidos parecidos al que se hacía a mediado delos años ochenta y principio delos noventa. ¿Por qué cree que la gente tiene esa finalidad de crear música que se hacía hace 30 años?

Soy un gran fan de Roland, especialmente de la TR-606. Hice una adaptación de la TR-606 al transponer el kick-bass a 50 Hz y es perfecta. Todo depende de cómo use el equipo. Usarlo no significa necesariamente que sonará como hace 30 años. Supongo que el truco es no estar atado a algo. Estoy muy contento con la batería 4, que tiene una gama muy amplia. Recuerdo que todo el mundo se volvía loco con la serie de sintetizadores de Roland Juno cuando el nu-disco estaba en aumento, pero siempre traté de mantenerme alejado de los estándares que todos usan. Dave Smith Prophet ‘8 fue una alternativa que funcionó para mí.

Es bueno basarse en las percusiones de la máquina, pero para ti, ¿cuál es la mejor forma de unir esos ritmos con sonidos dispuestos a llegar a espacios tan poco explorados como las galerías y los museos, donde el silencio representa momentos incognitos y la música puede ayudar a pasar a un plano de exploración consigo mismo?

Hum, nunca me había hecho esta pregunta. Mi proceso es siempre espontáneo. La mayoría de las veces, la inspiración viene del primer sonido, que es cuando empiezo a armar una imagen en mi cabeza. A veces, puede empezar desde el pad, un sonido atmosférico e ir desde allí. Los ritmos, las percusiones, todo depende de lo que siento. Aquellos que se sacuden pueden lograr esa buena sensación del groove afro y étnico. Los bongos o tablas pueden complementar el mo-town o nu-disco dependiendo de los patrones utilizados, mientras que los complejos ritmos brasileños, abren otros espacios para la experimentación. De nuevo, todo depende de la pista y cómo quiero que suene al final.

El año pasado, hablabas con Marc Rowlands de XLR8R, sobre aceptación y tolerancia. A la hora de estructurar tu álbum debut, y viendo todo desde un ámbito personal y a la vez global –por tu fama. ¿Cómo esas dos palabras ejercieron tanto poder en Queen?

No sólo en Queen, sino toda mi carrera musical, porque siempre tenía un camino guiado por estas dos palabras. En esos años trabajaba con músicos con tanta diversidad de orígenes musicales, así como de edades, culturas y opiniones. Cada proyecto exitoso es, en cierto modo, un resultado de la aceptación, especialmente cuando hay muchas personas involucradas. Yo no relacionaría nada a la fama. En este caso, este álbum, así como mi música, viene de la percepción personal.

¿Cuánta influencia ejerció la cultura de su país en el disco?

Cada uno de nosotros nacemos en nuestra propia cultura, nuestro propio ambiente. Eso influye en la forma cómo percibimos el mundo; nuestro carácter y, por supuesto, todo esto moldea tu gusto. El oyente será capaz de escuchar fragmentos de mis influencias de toda la vida en el álbum, así como en la pista, inspirada en un cuento de hadas lituano que titula “Dvylika brolių juodvarniais lakstančių” (Los doce hermanos y el pájaro negro).

“Tuve este sueño por un largo tiempo… Recuerdo a mi amigo preguntando: «¿Te imaginas esa imagen de un lugar al que te lleva la pista?», y yo respondiendo: ‘¡Sí!’”.

¿Cuál era su estado de ánimo durante las sesiones de grabación? ¿Cómo se han ido?

Ese estado de ánimo nunca me deja. Esto no es lo mismo que hacer una pista para alguien. Esto es lo que vives a diario. Se queda para siempre. Piensas en esto 24 horas al día, incluso cuando duermes. Es un estado de ánimo cuando en lugar de caminar te das cuenta de repente que estás corriendo al estudio y no puedes esperar a encender la computadora y empezar a producir. Creo que la mejor manera de describir este estado de ánimo, sería creativo.

A medida que avanzaba en sus composiciones, ¿qué tan importante es mantener el hilo, es decir, no dejar que la forma de pensar fuera cambiando?

Como sabes, terminé como fagotista en un gimnasio musical llamado J.Naujalis. Hay numerosas tablaturas escritas para el registro del bajo, y siempre me sentí cómodo tocando la parte del bajo. El bajo se convirtió en una parte fundamental para mí. No es un secreto que la mayoría de mis ganchos se construyen alrededor de eso: el bajo como parte esencial del groove. Ese es uno de los hilos. El álbum, por otro lado, tiene otros hilos que lo pone todo en una sola pieza: es muy ecléctico y va desde el nu-jazz y trip-hop hasta interpretaciones clásicas. Las pistas ‘Rocky’ y ‘Balboa’ tienen un sentimiento francés de esto. Por ejemplo, ‘Ravel’ se asemeja al avant-garde debido a sus colores impresionistas en la armonía. Así que no hay necesidad de usar ese gancho o hilo en el bajo cada vez. Es más visible en la segunda parte del álbum. Al final, cada productor tiene su propio toque, lo quiera o no, lo tiene.

El primer vinilo es como el primer cigarrillo, el primer beso, la primera borrachera… un momento que te marca y no se te olvida nunca. Teniendo eso mente, ¿qué sentiste al saber que, finalmente, el álbum que empezaste a componer en 2013 ya estaba listo?

Se siente grandioso alcanzar un momento tan importante. Viví a través de cada momento que me llevó a soluciones nunca antes utilizadas. Durante todo el verano viví, literalmente, en mi estudio.

El álbum está dividido en dos partes. Háblanos de ese interés por generar canciones para calmar a la gente mediante la escucha.

Me imagino un álbum como una plataforma que proporciona libertad de expresión al artista. Da la oportunidad de contar una historia completa, que en mi caso es una historia real de mi relación con la música. A pesar de mi afecto por la escena del dance, hay todo un lado diferente de Ten Walls que quería mostrar.

¿Y cómo el sentimentalismo llega a formar la otra mitad del disco?

Bueno, tu experiencia y lo que haces de ella es lo que te define, ¿verdad? Mi amor por el dance music comenzó a dar forma a principios de los noventa, luego de que Lituania recuperara su libertad. Fue ahí cuando el mundo de la música, de repente, se volvió accesible para todos aquí. Muchas cosas han cambiado desde entonces. Algunos géneros fueron y vinieron; algunos se convirtieron en tendencias de la moda en todo el mundo, evolucionaron y se fusionaron entre sí. Así que si me preguntas si mis sentimientos por mis experiencias musicales me han influenciado en la segunda parte del álbum, digo definitivamente que sí.

“Creo que es muy importante mantener viva la cultura del álbum”.

¿Es ahí donde el groove desprende un fuerte sentimiento de las personas que estuvieron involucradas en su composición, interpretación y producción?

‘Rhapsody’ fue grabado en silencio, cuando Vytas Sondeckis tomó su violonchelo y comenzó a tocar sonidos con notas altas, parecidas a los delfines; el pianista Petras Geniusas se unió con su enfoque en la música clásica, mientras yo complementaba los ritmos, todo en un acto de completa improvisación. Nos inspiramos entre nosotros durante el proceso. Los vocalistas también influyen siempre en el sonido de las pistas, especialmente cuando complementan el estilo de la música. Es el mensaje que uno entrega, la sensación que transmite la voz y la forma en que se fusiona con el género. Trabajar con Domas Aleksa y grabar el bajo de guitarra para la pista ‘1983’ fue otra experiencia inolvidable. Marius Aleksa añadió la parte de la batería acústica. Todos los artistas con los que trabajé en este álbum me inspiraron de una manera u otra. Al final, cada componente de la pista se vuelve esencial.

Jonatan Bäckelie, ALX y Monika Liu, te ayudaron a darle una segunda vida al disco con mensaje personales que dejan entrever un camino de esperanza. ¿Cómo fue tu acercamiento con cada artista? ¿Cuál era el objetivo que estabas buscando retratar en tu música?

No quería encadenarme solo a los instrumentos que tenía a la mano. El objetivo era expresarme libremente a través de la música. Los vocalistas, como cualquier otro músico con el que he colaborado, están allí porque se sentían bien, porque ahora se siente completo. Fue un placer trabajar con mis queridos amigos.

Gracias a varias fotos incluidas en el álbum, este se refleja como una obra donde la poesía, lo visual y sonoro representa el mismo valor. Cuéntanos, ¿cuál fue el interés de representar cada pista mediante una foto?

Tuve este sueño por un largo tiempo… Recuerdo a mi amigo preguntando: «¿Te imaginas esa imagen de un lugar al que te lleva la pista?», y yo respondiendo: ‘¡Sí!’. Por supuesto la imagen vívida aparece solamente cuando está finalmente acabada. Puede ser cualquier cosa. Siempre las recuerdo. Así que le conté estas ideas a Pijus, y él hizo que las imágenes se volvieran una realidad y la poesía les diera otra dimensión. Es genial ver cómo todo se une en una sola cosa.

Cuando se habla de arte conceptual, prima más el texto que la obra en sí. ¿Cómo lograste establecer ese balance entre los poemas, las frases, las fotos y las canciones, digo, no debe ser fácil estructurar varias piezas que al final terminen formando una sola?

Hum, tal vez los ejemplos serían explicativos aquí. Por ejemplo ‘Transition’ es una pista que lleva a los oyentes de un género a otro, así que la imagen muestra el pasar de una habitación a otra. La idea para ‘Resurrection’ vino a mí al ver una semilla de calabaza que brotaba y luego, por un largo tiempo, se estancó y permaneció inactiva hasta que, finalmente, volvió a crecer. Por eso representó para mí la vida, la resurrección. ‘Menuet’ es movimiento; su danza me recuerda a un carrusel. ‘Trevor C Belmont’ es un personaje legendario y es mi homenaje a la industria del juego. ‘Her Beauty’ es la manera de cómo imagino la comodidad que se siente al recordar a la persona que amas. ‘Poetry’ fue creada por Kristinas Taukacikas cuando le conté mis historias y mis visiones de la música.

¿Podríamos decir que los poemas son un lazo de unión entre tú y el oyente?

Sí, todo el álbum lo es.

El año pasado hablaba con Sasha sobre cómo el valor del álbum se ha ido perdiendo y muriendo. Para él, hoy en día las personas no se comprometen a escuchar todo un disco, tal vez porque lo obtienen de forma digital y están distraídos todo el tiempo. ¿Tú qué crees? ¿Por qué la gente prefiere oír singles que discos extensos?

Como un cantante famoso dijo alguna vez: “Ya nadie hace álbumes”, todos quieren hacer singles y hacerlos gráficos”. Me gusta el reto, me gusta poner un montón de trabajo en eso, creo que el álbum permite mostrar la versatilidad del artista. Creo que es muy importante mantener viva la cultura del álbum.

Hace poco estuviste de tour por Latinoamérica. ¿Qué tan gratificante es encontrarse con una cultura de habla hispana?

Siempre es muy gratificante tocar para la multitud con un temperamento caliente, y sentir la retroalimentación. América Latina siempre me deja sin palabras.

Actualmente, ¿cómo crees que la cultura latinoamericana está ayudando a sentar nuevas bases en la música electrónica?

Percusiones clásicas, eléctricas, latinas. Todas las utilizo y me gustan muchísimo.

Texto: @MauroAtenciaM