Pick a Piper: una declaración esperanzadora

Pick a Piper: una declaración esperanzadora

Aprovechamos el nuevo lanzamiento de la banda de Toronto para hablar con Brad Weber, uno de los integrantes.

Artículos | Por Mauricio Atencia | 06 de diciembre de 2019

Para los que no conocen a Brad Weber, integrante y cofundador del proyecto Pick a Piper, él es uno de los percusionistas de Caribou que, luego de finalizar una gira, regreso a su casa en Toronto y comenzó a hacer garabatos mentales en un teclado y batería para dar forma a las canciones que finalmente formaron el material de su EP debut homónimo bajo el nombre de la banda Pick a Piper.

Ahora, el proyecto conformado por Brad y sus dos grandes amigos Angus Fraser y Dan Roberts ha lanzado hasta las fechas tres álbumes, un EP y un disco de remixes, y su música se ha convertido en una conexión autentica que se entrelaza con sintetizadores delirantes, latidos pulsantes, instrumentación ecléctica y diversas dimensiones digitales de sonido que facilitan la presencia en la escucha: centrar la atención en las personas de la vida real y los lugares que cuidamos en medio.

Brad, quien estuvo a cargo de la producción del disco, aprovechó para conversar con nosotros sobre “Sight”, un disco que la banda define como una declaración esperanzadora donde la gente debe colocarse en segundo lugar detrás de los demás, y encontrar consuelo y optimismo en un mundo cada vez más fragmentado.

Empecemos hablando sobre la conexión que hay entre la música y la espiritualidad. ¿Cómo estos dos términos son tan importantes para la banda?

“Creo que la música en sí misma es muy espiritual. No soy una persona religiosa, pero creo que las personas prosperan con una conexión más alta de algún tipo. Para mí, la música proporciona esa conexión y me hace creer que el arte, en sí mismo, es mayor que la suma de sus partes.”

¿Qué buscan como trabajo en colectivo y cómo se insertan dentro del campo de la producción de la música, la cual se ve acompañada por sonidos clásicos, pero a la vez con un aire pop y romántico y solitario?

“Creo firmemente en una mezcla de sonidos y formas clásicas y en la exploración de nuevos territorios. Creo que puede atraer al oyente con cierta familiaridad, y luego desafiar sus expectativas de una manera natural a medida que la música avanza.”

Hay muchas descripciones del estado mental ideal para ser creativo. ¿Cómo es para ustedes? ¿Existen estrategias para entrar en este estado más fácilmente?

“Las distracciones son más frecuentes que nunca. Es muy fácil dejarse atrapar por un vórtice de contenido al que no hay escapatoria sin mucho esfuerzo. Para mí, es importante reservar tiempo para la música o tener una rutina de trabajo musical durante al menos una hora al día, sin importar lo que esté sucediendo. No tiendo a esperar la inspiración, solo empiezo a trabajar y veo qué sucede. A menudo, las mejores cosas me pasan cuando no las planifico y mantengo una mente abierta.”

Unir tres talentos y tres personalidades en escena no siempre es un asunto sencillo, ¿cómo transcurre el proceso creativo?

“Si bien produzco la mayor parte de la música en el estudio, el show en vivo es en gran medida una colaboración entre tres mentes, entre tres amigos que se conocen la mayor parte de sus vidas. Debido a esto, encontramos que el proceso se ejecuta sin problemas. No tenemos intenciones de hacer que el show en vivo sea el mismo que el disco y, a menudo, obtenemos ideas para encontrar la mejor estructura.”

¿Cuáles fueron sus principales desafíos de composición y producción al principio y cómo han cambiado con el tiempo?

“Al comienzo de la banda estábamos intentando hacer música de baile con instrumentación acústica. Sin embargo, no teníamos idea de cómo hacer música de baile o qué elementos rítmicos eran necesarios para un buen ritmo. Con el tiempo, hemos explorado muchos más sonidos y ritmos, lo que ha resultado en una mezcla uniforme de electrónica e instrumentación acústica. Con ‘Sight’, experimenté con ideas y ritmos más rítmicos que nunca, lo cual fue muy divertido.”

Hablando de “Sight”. ¿En qué momento surgió la idea y cuál fue el plan a seguir para ir armando la estructura de cada pista?

“’Sight’ fue el resultado de crear música diariamente durante un largo período de tiempo y generar muchas ideas abiertas, sin un objetivo general. Una vez que hice alrededor de 150 pistas, elegí mis favoritas para terminar con un álbum coherente. Algunas pistas fueron modificadas en estética para ajustarse entre sí a medida que se acercaban la finalización. Apunté a crear un arco que atraiga al oyente lentamente y lo baje suavemente al final, mientras realiza una serie de giros y vueltas en el camino.”

¿Cuánto tiempo se demoraron en tener el disco terminado?

“Desde el momento en que creé la primera idea, hasta que el disco estuvo totalmente terminado, fueron unos 3 años.”

En términos de producción a largo y corto plazo, ¿cuáles son los beneficios de desarrollar un trabajo sin afán?

“Creo que la música funciona bien de esta manera si eres lo suficientemente disciplinado. Sin embargo, los plazos pueden encender un fuego debajo de usted y obligarlo a trabajar más rápido y de manera más concentrada de lo que lo haría de otra manera. Sin embargo, la falta de una fecha límite puede permitir el flujo de muchas ideas no relacionadas. Una gran parte del proceso de creación de música (para mí) es probar nuevas ideas y aprender nuevas habilidades de producción. A menudo, estas ideas nunca ven la luz del día, pero sirven como una herramienta para aprender y explorar.”

Comparando este álbum con sus anteriores trabajos, el tema de la voz y la colaboración siempre ha sido importante para ustedes. ¿Por qué ven la necesidad de crear trabajo en equipo con otras personas?

“Creo firmemente en la colaboración, ya que siento que esta es la raíz de la música en general. Durante miles de años, la música era algo que la gente hacía en grupos y evocaba un sentido de comunidad cada vez que la gente se juntaba. En estos días -al menos, en el estudio-, la música se ha convertido en una tarea más solitaria y, si bien hago la música solo, en su mayor parte me gusta llegar a otros para participar de cualquier manera posible. Esto, generalmente, se manifiesta en forma de colaboraciones vocales, pero también me gusta que mis amigos revisen mis pistas y sugieran cambios o cambien la estructura y la envíen de vuelta.”


“No creo que ninguna persona tenga todas las respuestas para su propia música y reunir una perspectiva externa es realmente importante.”


Las colaboraciones pueden tomar muchas formas. ¿Qué papel juegan en su enfoque y cuáles son sus formas preferidas de interactuar con otros?

“Definitivamente, le paso las canciones a amigos de confianza para que me aconsejen y aliento la colaboración a través de este proceso, también, si tienen alguna idea. No creo que ninguna persona tenga todas las respuestas para su propia música y reunir una perspectiva externa es realmente importante”

Y desde el lado de la voz, ¿qué tan importante es añadir un mensaje vocal en sus canciones?

“Me gustan los mensajes vocales que se pueden interpretar de varias maneras. No tiendo a emitir un mensaje obvio o descarado o realmente hablar en profundidad sobre el contenido lírico. Preferiría que otros tomaran su propio significado de las canciones.”

¿Qué lugares fueron fuente de inspiración para la creación del disco y qué tan fácil/difícil fue transmitir este mensaje?

“Estaba escuchando mucha música de sintetizador como Suzanne Ciani, Conrad Schnitzler, Laurie Spiegel, así como este increíble lamento de piano en solitario de finales de los setenta por Jordan de la Sierra. Esto, combinado con la música de baile moderna y un montón de funk y psicología africana de la vieja escuela, formó la base de mucha escucha para hacer el disco. No estaba tratando de hacer música que sonara como cualquiera de estos estilos, pero sé que muchos elementos estéticos, como el diseño de sonido y las influencias rítmicas, probablemente, sean fáciles de detectar dentro del álbum.”

Fuera de sus letras y ritmos, el nombre de las canciones son un pequeño mensaje que cada persona interpreta a su manera. ¿Qué puedes decir?

“Hay mucho duelo en este momento y es fácil encontrarse atrapado en un rincón sin mucha motivación o entusiasmo por todo lo que lo rodea. Este álbum espera traer ese entusiasmo y conexión hacia adelante, y cada una de las canciones puede interpretarse como una parte diferente de ese proceso.”

Hablando de esperanza, hay algo que se ve reflejado en el videoclip de la canción ‘Hope’. ¿Cuál es tu punto de vista sobre lo que le estamos haciendo el planeta y qué tan consciente desde ser el humano de forma individual?

“Daniela Pinto, directora del video responde: ‘La esperanza es un sentimiento que vive dentro de nosotros, un rayo de luz de nuestras almas cuando hay tormentas afuera’. En el poema Hope de Emily Dickinson que utilicé como inspiración, la esperanza es una metáfora de un pájaro. Para mí, era al principio una habitación con una ventana, la ventana representaba el mundo exterior, lo físico, lo material; y las paredes de la habitación representaban el mundo interior, la psique, las emociones. Viajé por Guatemala y Costa Rica para filmar una serie de imágenes que contienen texturas, patrones y la belleza de la naturaleza para componer el video. Mientras editaba, el concepto inicial sufrió mucha transformación y no estaba contenta aún con el resultado. Para muchos, el video ya estaba terminado desde ese primer corte pero sabía que la forma no comunicaba el concepto en su totalidad. Tuve varias noches sin dormir tratando de canalizar la forma, pidiendo orientación sobre cómo narrar una historia sobre la batalla continua de los mundos internos y externos y cómo la esperanza es el ingrediente clave para superar estas batallas. Finalmente, tuve una conversación con un colega que admiro mucho y llegamos a la conclusión de que a mi video le faltaba el factor humano. Mi metáfora era demasiado fría e inanimada, pero mi historia tenía movimiento, la música provocaba fluidez, la historia necesitaba un baile. Y así, el video finalmente llegó a su etapa final, inspirada en la técnica de doble exposición análoga. Filmamos a Rachael Haylock, una maestra de yoga y bailarina contemporánea de Inglaterra en Antigua Guatemala para dar vida a esta batalla en sus diferentes etapas y formas. Dándole los cinco elementos naturales: agua, tierra, aire, fuego y éter, como guías para su elección de movimiento para luego fusionarlos digitalmente con las imágenes de mis viajes.”

¿Es ahí donde el disco entra como una declaración esperanzadora que alienta a los demás a ser lo más desinteresados posibles y tener más empatía como humanos?

“’Hope’ es, definitivamente, un punto de inflexión en el álbum, donde alcanza un pico de esperanza para mejorar y alienta el optimismo. Antes de eso, el álbum comienza desde un lugar de incertidumbre y encuentra esa conexión a medida que avanza. Pero esta es mi interpretación y estoy feliz de que otros vean el viaje bajo una luz diferente.”

¿Crees que la gente puede interpretar el video de esa forma?

“Daniela lo reinterpreta de una manera digital para contar la historia de una personalidad dividida y su viaje a través de los cinco elementos: agua, aire, tierra, fuego y éter. En el video, nuestra bailarina Rachael Haylock nace, se transforma y se divide hasta quemarse. En ese momento, ella encuentra la esperanza y logra florecer por dentro. El final del video está marcado por su acceso al elemento éter representado por las estrellas, cuando se acerca a este elemento, ya no es dual, pertenece al universo en su conjunto, ya no es un individuo. Está completa con el universo y su esperanza se vuelve parte de las estrellas.”

Cuando escuche el álbum, no esperaba encontrar una canción con una letra en español. ¿Existe algún mensaje detrás de esta letra o alguna historia que querían conectar con la gente latina que no habla otro idioma diferente al español?

“Conozco a Mabe Fratti desde hace aproximadamente ocho años y he querido colaborar con ella por un tiempo. Finalmente lo hicimos posible con este disco y no podría estar más feliz con los resultados. No le di orientación de ninguna manera y estaba muy feliz de que cantara en español. Definitivamente, le da a la canción un sentimiento misterioso a aquellos que no hablan español, lo cual agradezco. Ella lo describe como ‘una canción sobre la sensación de tratar de aferrarse a las cosas cuando están cambiando constantemente’.”

El arte puede ser un propósito en sí mismo y también asumir un papel social y político y conducir a un mayor compromiso. ¿Puedes describir tu enfoque del arte y ser artista?

“Creo que el arte y la creatividad son elementos esenciales de la vida y algunas de las expresiones más naturales que existen. El arte diferente tiene objetivos significativamente diferentes, por lo que es importante ver las cosas caso por caso. Mi objetivo personal es unir a las personas y difundir el optimismo y la comunidad. Pero otra música tiene objetivos mucho más contundentes como la música enraizada en la política y el activismo. Estos son solo un par de espectros de un número infinito de objetivos en el arte. Las infinitas posibilidades son las que mantienen el arte relevante durante muchos siglos o milenios.”