Río Electronic Music regresa hoy a La Plata para una nueva edición en el Estadio UNO. Desde las 23:59, el ciclo volverá a ocupar uno de los escenarios más emblemáticos de la ciudad con una programación enfocada en algunos de los nombres argentinos que vienen ganando presencia dentro y fuera del país.



Al frente del line up estará Jay de Lys, quien regresa a Argentina después de una extensa temporada internacional. Durante los últimos meses, el DJ y productor pasó por Estados Unidos y Europa, con presentaciones en algunos de los principales espacios del circuito de Ibiza, entre ellos UNVRS, Hï Ibiza, Ushuaïa y Pacha.



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La fecha también marcará un nuevo encuentro con Nacho Scoppa, después del B2B que ambos artistas protagonizaron en Space Miami. Scoppa llega a La Plata atravesando también una etapa de fuerte actividad internacional y con una agenda que lo llevó por diferentes ciudades durante los últimos meses.



A ellos se suma Tobias Gerard, uno de los nombres emergentes de la escena argentina con creciente proyección internacional y cuyo material viene encontrando apoyo entre distintos referentes del circuito electrónico.



El encargado de abrir la noche será el artista platense Jano Gurruchaga, completando así una programación íntegramente argentina para el regreso de Río a la ciudad.



Río Electronic Music tendrá lugar hoy, viernes 18 de septiembre, desde las 23:59 en el Estadio UNO de La Plata.



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Río Electronic Music regresa hoy a La Plata con Jay de Lys, Nacho Scoppa y Tobias Gerard

KLOUD lleva años construyendo un proyecto en el que la identidad del artista queda deliberadamente en segundo plano. Sin rostro ni voz pública, y con un cuadrado rojo como principal símbolo visual, su universo busca desplazar la atención hacia la música y la experiencia colectiva. Una filosofía que también atraviesa sus presentaciones: cada set está compuesto exclusivamente por producciones propias, combinadas e improvisadas en tiempo real.



Ese concepto encuentra ahora un nuevo capítulo con “NO MERCY”, su debut en Teletech. Lanzado este 18 de septiembre, el track lleva su sonido hacia un terreno de percusión industrial, tensión breakbeat y presión constante. En esta edición de Up Close, KLOUD habla con DJ Mag Latinoamérica sobre su manera de entender la performance, su relación con el techno después de más de dos décadas produciendo música, la decisión de permanecer anónimo y la influencia de Eric Prydz en su visión artística.



Tocás sets compuestos íntegramente por tu propia música. ¿Qué libertad te da eso que un DJ set más tradicional no podría darte?



Me gustaría aclarar que no soy DJ. Soy un artista que utiliza el mismo equipamiento que usaría un DJ para interpretar su arte. No diría que esto me da más “libertad”, porque en cierto sentido en realidad es más restrictivo, pero lo que el oyente está experimentando proviene completamente de mí.



Construyo mis tracks para que funcionen con todos mis otros tracks, mezclándolos entre sí para crear nuevas combinaciones y experiencias, 100% improvisadas. Nunca sé qué disco voy a tocar después, y eso hace que sea emocionante tanto para mí como para la pista de baile. Esa es la libertad que siento.



Llevás más de 20 años produciendo música electrónica, mucho antes de que KLOUD tomara su forma actual. ¿Qué mantuvo viva tu curiosidad durante todo ese tiempo?



La música. Ha sido increíble formar parte de toda la ola que se desarrolló hasta llegar a lo que tenemos hoy. Pasé de ser fan a estar en algunos de los escenarios más grandes, así que pude experimentarlo todo. Como soy anónimo, todavía entro muy seguido entre el público para vivir el show desde ahí.



Pero el tipo de música hacia el que gravito está más cerca del house o del techno old school que de las tendencias actuales. Me encanta tocar música rápida porque es una representación de mí como artista, pero como oyente prefiero las cosas más lentas y con más groove.



Incluso diciendo eso, mi curiosidad por la música nunca termina. Simplemente creo que hoy es más difícil encontrar artistas que no quieran sonar como todos los demás. A los artistas del futuro: sean ustedes mismos, no lo que ven en las redes sociales.



El techno es central para KLOUD actualmente, pero exploraste lados muy diferentes de la música electrónica a lo largo de tu carrera. ¿Qué te permite expresar el techno que otros géneros no te permitían?



Disfruto el aspecto en vivo del techno. Disfruto esa sensación que tenés cuando te perdés dentro del set, tanto como artista como fan.



KLOUD solía crear canciones; como compositor, y algún día volverá a hacerlo. Tienen un lugar especial en mi corazón, al igual que en el de quienes se enamoraron de ellas. Pero, para mí, las canciones pertenecen a las bandas y a los artistas en vivo. No quiero escuchar una canción reproducida por un DJ.



Quiero escuchar una mezcla, un paisaje sonoro que me lleve de viaje sin saber hacia dónde va, pero confiando en que el DJ me llevará a algún lugar especial. En cuanto escucho un remix pop repentino o una transición abrupta hacia otro track, salgo del groove.



Para mí, un buen DJ nunca pierde ese groove. Te mantiene perdido dentro del sonido y va preparando el camino hacia lo siguiente. Eric Prydz hace esto muy bien y es mi estrella polar en cuanto a cómo entiendo un DJ set.



Deliberadamente mantuviste tu rostro, tu voz y tu vida personal alejados del proyecto. ¿Se volvió más difícil mantener ese misterio a medida que KLOUD creció?



Como esta escena glorifica a sus artistas, para mí es más fácil mantenerme desconectado. El objetivo de KLOUD es que todos puedan verse reflejados en él. Cualquiera puede ser KLOUD; todos somos KLOUD.



Para mí, mantener mi privacidad como ser humano detrás del proyecto es importante, tanto por mi propia salud mental como por el ego. Creo que es fácil para cualquier persona desarrollar un ego cuando se convierte en el centro de atención. No me gusta cómo me hace sentir el ego. Prefiero distanciarme de él y crear arte de manera inocente, con intenciones puras y un corazón puro.



Solés mencionar a Eric Prydz como una influencia, particularmente por mantenerse fiel a su propia visión. ¿Qué aprendiste observando la evolución de su carrera?



Es interesante observarlo porque tuvo “hits”, proyectos paralelos y un nivel enorme de reconocimiento, mientras se mantuvo fiel a sí mismo durante todo el recorrido. Sabe lo que es y entrega exactamente eso.



Eric Prydz se desliza por sus sets de una manera tan fluida que no podés evitar sentirte en trance. No sigue tendencias; permanece siendo quien es. Así es como manejo mi proyecto.



Para mí, cada set suyo que vi me llevó por un viaje que se sintió espiritual. Nunca escucho su música fuera de sus sets. Es decir, no son sus canciones individuales lo que me importa, sino cómo las une para crear algo especial.



Cada track es un color y el set es la pintura. Así entiendo mis propios discos y mis sets. Ningún color —ningún track— es especial por sí solo; lo importante es cómo todos encajan dentro del set.



“WE ARE KLOUD” sugiere algo más grande que un artista o un género. ¿Qué significa esa idea para vos hoy y en qué querés que se convierta?



WE ARE KLOUD es para quienes aceptan ser quienes son. Se trata de ser individualista, pero no hasta el punto del aislamiento. Es más grande que yo y más grande que la música. Es un entorno en el que todos pertenecemos, si queremos hacerlo.



Entrar en KLOUD es entrar en la atmósfera de mis sets: entregarte a la experiencia y disfrutar el presente junto a personas que sienten de una manera similar.



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Con “NO MERCY”, KLOUD traslada esa filosofía a Teletech por primera vez. La nueva producción mantiene la contundencia que define su etapa actual: percusiones industriales, bajos profundos y una estructura diseñada para sostener la tensión en pista, incorporando pasajes breakbeat antes de regresar al pulso más pesado del track.



Pero detrás de esa intensidad aparece una idea que atraviesa toda su propuesta: hacer que la identidad individual importe menos que la experiencia. Entre anonimato, improvisación y un catálogo propio que funciona como materia prima de cada presentación, KLOUD continúa construyendo un universo en el que ningún track pretende existir de manera aislada. Como él mismo lo plantea, cada uno es apenas un color; la verdadera obra aparece cuando todos forman parte de la misma pintura.

KLOUD: “Cualquiera puede ser KLOUD; todos somos KLOUD”

La historia de Ali James dentro de la música electrónica comenzó hace relativamente poco, pero avanzó a una velocidad poco habitual. Nacido en Brisbane y con un recorrido musical que empezó con la guitarra a los ocho años, descubrió el hard techno durante Tomorrowland 2023. A su regreso a Australia comenzó a aprender a mezclar mientras daba sus primeros pasos en producción, dando forma a un sonido donde las melodías eufóricas conviven con kicks contundentes, elementos psy y líneas de reverse bass.



Uno de sus primeros puntos de inflexión llegó cuando Azyr comenzó a tocar su edit de “Carnival” en Teletech. Desde entonces, su música encontró apoyo en artistas como Sara Landry, I Hate Models, Restricted y Nico Moreno, mientras lanzamientos en sellos como Speed Limit, ELEKTRA, Revised Records, HEKATE y Revive ampliaron su alcance. Ahora, James abre un nuevo capítulo con “Energy”, su colaboración con Sara Landry, que verá la luz el 18 de septiembre a través de HEKATE.



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Entraste en la escena recién en 2024, pero desde entonces todo avanzó increíblemente rápido. ¿Qué creés que hizo que todo encajara tan pronto?



La música siempre fue una parte muy importante de mi vida. Toco la guitarra desde los ocho años y, antes del COVID, ya tocaba en vivo en bares. Sabía que algún día quería construir una carrera alrededor de la música, de una forma u otra. Descubrí el hard techno en Tomorrowland en 2023 con mis mejores amigos y, apenas volvimos a casa, conseguimos una DDJ-400 y empezamos a aprender a mezclar. Yo ya había comenzado a hacer beats en FL Studio, así que todo fue encajando naturalmente y me volví adicto bastante rápido.



Tu música combina melodías eufóricas con kicks mucho más pesados, psy y líneas de reverse bass. ¿Cómo llegaste a ese contraste en tu sonido?



Mientras crecía escuché una enorme variedad de música, desde R&B y EDM hasta blues y heavy metal. Con el tiempo empecé a escuchar melodías en mi cabeza y las escribía con la guitarra para no volverme loco. Para mí, la buena música, sin importar el género, necesita una melodía pegadiza y voces que le den vida. Es algo que trasladé conmigo cuando empecé a producir hard techno. Mis primeras influencias dentro del género fueron Sara Landry, CARV y Restricted, quienes utilizan diferentes tipos de kicks psy y reverse bass, así que naturalmente mi sonido se inspiró en ellos.



Que Azyr tocara tu edit de “Carnival” fue uno de tus primeros puntos de inflexión. ¿Recordás qué cambió para vos a partir de ese momento?



Definitivamente fue uno de los momentos que me marcaron. Venía dudando de si realmente iba a llegar a algún lado con todo esto y, de repente, ver a un DJ como Azyr tocar mi música en vivo en Teletech me hizo pensar: “Damn, si es lo suficientemente bueno para Azyr, entonces debe ser lo suficientemente bueno para todos los demás”. También lo conocí antes y después del show y fue una persona increíble.



Ya recibiste el apoyo de artistas como Sara Landry, I Hate Models, Restricted y Nico Moreno. ¿Cómo influye ese reconocimiento en tu confianza siendo un productor relativamente nuevo?



Para cualquier productor que está empezando, no existe una validación más grande que ver tus tracks siendo tocados por los artistas que admirás. Olvidate de los streams o de los charts de Beatport: ver a una multitud enorme volverse loca con un track que hiciste en tu habitación es una de las mejores sensaciones del mundo y, muchas veces, puede ser la motivación que necesitás para seguir adelante.



Recientemente estuviste de gira por Australia con Sara Landry y además tienen una colaboración en camino. ¿Qué aprendiste al estar cerca de una artista que trabaja a ese nivel?



Lo más importante que aprendí de Sara fue a no cuestionarme tanto. Si tenés una idea que se siente bien, simplemente hay que seguirla y dejar que fluya la creatividad. Así fue exactamente como nuestro track “Energy” cobró vida en el estudio. Ver trabajar a alguien a su nivel me enseñó a dejar de pensar demasiado y simplemente ejecutar, y es un enfoque que desde entonces llevo conmigo cada vez que entro al estudio. Desde que mostramos un adelanto en redes sociales el año pasado, la gente viene pidiendo el track a gritos, así que estamos muy entusiasmados de finalmente lanzar “Energy” el 18 de septiembre.



Con tu primera gira europea y nueva música por delante, ¿cuál sentís que es el próximo gran paso que querés dar en 2026?



Tengo mucha suerte de haber podido cumplir ya algunos objetivos importantes durante 2026, pero me encantaría cerrar el año tocando en festivales más grandes y, por supuesto, ¡seguir sacando música con todo!



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El próximo movimiento llega prácticamente de inmediato. “Energy”, producido junto a Sara Landry en Melbourne, se publicará el 18 de septiembre a través de HEKATE y funciona también como el quinto adelanto de Divine Intervention, el próximo álbum de Landry. La colaboración nació durante el vínculo entre ambos artistas en Australia y ya había comenzado a circular frente al público antes de su lanzamiento oficial.



Para Ali James, el calendario continuará con nuevos escenarios fuera de Australia. Después de agotar su gira All Night Long en 2025 y sumar fechas junto a Restricted y una presentación en Beyond The Valley, el productor prepara su desembarco en Europa y Reino Unido con fechas de Teletech en Cardiff, Glasgow, Belfast y Manchester durante noviembre. Un siguiente paso para un proyecto que, en apenas dos años, pasó de los sets entre amigos en Brisbane a comenzar a construir una presencia internacional.

Ali James: el ascenso australiano que conecta euforia y hard techno

Underworld regresa a Buenos Aires. El próximo 26 de noviembre, Rick Smith y Karl Hyde volverán a encontrarse con el público argentino para presentarse en Mandarine Park, en una nueva visita de uno de los proyectos fundamentales de la historia de la música electrónica británica.



Con más de cuatro décadas de recorrido, Underworld construyó un lenguaje difícil de encerrar dentro de un único género. Techno, house, electrónica experimental y cultura de clubes conviven en una discografía que acompañó diferentes momentos de la escena desde comienzos de los años 90.



Su historia moderna comenzó a tomar forma con dubnobasswithmyheadman (1994), un álbum decisivo para definir su identidad, antes de que “Born Slippy (Nuxx)” se transformara en uno de los tracks electrónicos más reconocibles de su generación.



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Lejos de vivir únicamente de ese legado, Smith y Hyde continúan atravesando un período de intensa actividad. Durante 2025 realizaron una gira con entradas agotadas por Estados Unidos, encabezaron festivales y llevaron por primera vez su directo a Boiler Room, mientras siguieron conectando su música con nuevas generaciones a través de colaboraciones con artistas como Brutalismus 3000, KETTAMA y KI/KI.



La visita a Buenos Aires estará acompañada por una selección de nombres de la escena argentina. Mariano Mellino, uno de los DJs locales de mayor convocatoria, y Javier Zuker, figura histórica de la cultura de clubes del país, serán parte de la jornada.



También se presentará Varese con un live set, mientras que Balaciano será el encargado de abrir la pista durante el atardecer.



La combinación plantea un recorrido entre diferentes generaciones y lenguajes de la electrónica argentina antes de la aparición de Underworld sobre el escenario de Mandarine Park.



Las entradas estarán disponibles exclusivamente a través de Venti desde el viernes 18 de septiembre a las 10:00, con todos los medios de pago. También habrá 6 cuotas sin interés con Galicia.



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Underworld regresa a Buenos Aires para presentarse en Mandarine Park

Este jueves 17 de septiembre, Hot Since 82 será el encargado de abrir “Bitácora del Tiempo”, la nueva temporada de Las Palapas en Potrerillos, Mendoza. La expectativa alrededor de su regreso quedó reflejada rápidamente en la convocatoria: la fecha se encuentra completamente sold out.



La presentación forma parte del actual tour del artista británico por América y marca un nuevo encuentro con el público argentino. Esta vez, el escenario será uno de los paisajes más particulares del circuito electrónico nacional, con la Cordillera de los Andes como marco para el comienzo de la temporada 2026/27 de Las Palapas.



Detrás de Hot Since 82 se encuentra Daley Padley, DJ y productor que durante más de una década construyó una identidad propia dentro del house internacional. Desde sus primeras producciones hasta la creación de Knee Deep In Sound, su sello discográfico, el británico desarrolló una carrera que lo llevó por algunos de los principales clubes y festivales del mundo.



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Su regreso a Mendoza, sin embargo, irá más allá de la cabina.



El artista eligió permanecer algunos días en la provincia para conocer más de cerca su entorno natural, recorrer sus montañas y acercarse a las bodegas, los vinos y la gastronomía que forman parte de la identidad mendocina. Una decisión que convierte su paso por la región en algo más amplio que una única noche dentro de una gira internacional.



La visita también acompaña un fenómeno que Mendoza viene experimentando en los últimos años: la llegada de artistas internacionales que encuentran en la provincia no solamente una parada dentro de sus agendas profesionales, sino también un destino para permanecer, recorrer y descubrir.



En ese contexto comenzará “Bitácora del Tiempo”, el concepto elegido por Las Palapas para presentar su nueva temporada. Ubicado en Potrerillos y rodeado por uno de los paisajes más reconocibles de Mendoza, el espacio vuelve a plantear una programación en la que la música electrónica convive directamente con la montaña y la naturaleza.



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La apertura con Hot Since 82 será el primer capítulo de esta nueva etapa. Con entradas agotadas antes de la fecha, Las Palapas inicia su temporada con uno de los nombres destacados de la escena house internacional y una nueva noche en la que el paisaje mendocino tendrá tanto protagonismo como la música.



El sold out también confirma la expectativa por volver a escuchar al británico en Argentina y pone en marcha una temporada que buscará continuar conectando artistas internacionales con un escenario que se aleja del formato tradicional de club.



Este jueves, la historia comenzará nuevamente en Potrerillos: Hot Since 82, una fecha completamente agotada y la Cordillera de los Andes como escenario para inaugurar “Bitácora del Tiempo”.



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Hot Since 82 abre la nueva temporada de Las Palapas con entradas agotadas

Antes de publicarse oficialmente, “Brand New” ya había encontrado su lugar en algunas de las pistas más importantes de la región. La colaboración entre Juan (AR) y Hudecek comenzó a circular de la mano de Cloonee, que incorporó el track a sus sets y lo presentó frente al público de Resistance Argentina y Superclub Perú.



La historia detrás del lanzamiento comenzó en redes sociales. Juan (AR) y Hudecek entraron en contacto y decidieron trabajar juntos en el estudio. El resultado fue un track de tech house construido alrededor de vocales de hip hop, bajos marcados y una estructura directamente orientada al club. Una vez terminado, ambos productores decidieron enviárselo a Cloonee.



La respuesta llegó desde la pista. El DJ y productor británico comenzó a incluir “Brand New” en sus presentaciones, convirtiendo un ID todavía inédito en uno de los tracks que venía utilizando dentro de sus sets en Sudamérica. Ese recorrido aumentó la expectativa alrededor de una producción que ahora finalmente ve la luz.



El lanzamiento llega a través de La Pera Records, sello con el que Juan (AR) ya había trabajado anteriormente y que ocupa un lugar relevante dentro del circuito tech house. Su catálogo forma parte de una trayectoria que también incluye ediciones en sellos como Deeperfect, Bandidos, Circus Recordings, Clarisse y Lost. 



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“Brand New” también conecta dos momentos diferentes dentro de la producción electrónica nacional. Juan (AR) cuenta con años de recorrido en la escena de Buenos Aires y una carrera que lo llevó por clubes y festivales de Argentina, España, Italia, Andorra, Brasil, Costa Rica, Ecuador, Chile, Paraguay, Perú y Uruguay. A lo largo de ese camino, su música recibió apoyo de artistas como Marco Carola, Jamie Jones, Joseph Capriati, The Martinez Brothers, Paco Osuna y el propio Cloonee. 



Su presente continuará el 3 de octubre, cuando cierre su actual tour con su primera presentación como headliner en Crobar Buenos Aires.



Del otro lado aparece Hudecek, productor marplatense de 23 años que comienza a ganar terreno dentro de una nueva generación de artistas argentinos. Antes de esta colaboración, algunas de sus producciones ya habían recibido el apoyo de Cloonee, vínculo que ahora suma un nuevo capítulo con el lanzamiento de “Brand New”.



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Juan (AR) y Hudecek lanzan “Brand New”, el track que Cloonee convirtió en arma secreta de sus sets

Este sábado 12 de septiembre, Magdalena y Mila Journée llegan a AMK Buenos Aires para compartir una noche que conecta dos recorridos internacionales y, al mismo tiempo, permite observar uno de los movimientos que atraviesa actualmente a la música electrónica: el crecimiento del Indie Dance y su convivencia cada vez más cercana con el Melodic House & Techno.



Durante los últimos años, el Melodic Techno se convirtió en uno de los sonidos protagonistas del circuito global. Sus melodías expansivas, sintetizadores y desarrollos progresivos encontraron lugar tanto en clubes como en grandes festivales. Pero las fronteras vuelven a moverse y el Indie Dance comenzó a ocupar un espacio cada vez mayor dentro de esas mismas pistas.



No se trata necesariamente de un reemplazo. El Indie Dance actual comparte muchos elementos con el universo melódico, pero incorpora grooves más marcados y referencias que pueden ir del house y el disco al electro, synth-pop o new wave. Esa libertad también hace que artistas que hace algunos años podían identificarse rápidamente con un género hoy circulen entre diferentes sonidos dentro de un mismo set.



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Los charts ofrecen una señal de ese movimiento. Diynamic terminó 2024 y 2025 como el sello con mayores ventas dentro de la categoría Indie Dance de Beatport, mientras nombres como Adam Ten, Max Styler, Innellea, Notre Dame y Samantha Loveridge estuvieron entre los artistas más destacados del género. Más que un cambio de etiquetas, el crecimiento muestra cómo una parte de la electrónica melódica parece estar encontrando nuevas formas de llegar a la pista.



Magdalena conoce de cerca esa evolución. La artista alemana construyó una trayectoria que atraviesa distintas vertientes del house y el techno, con música editada en Diynamic, Anjunadeep, Bedrock, Renaissance y Warung Recordings. Su recorrido también incluye escenarios como Tomorrowland, Afterlife, Zamna, Cercle y Resistance, mientras su sonido actual se mueve precisamente entre el Indie Dance y el Melodic Techno.



Hermana de Solomun y vinculada desde sus comienzos al entorno de Diynamic, Magdalena desarrolló con los años una identidad propia dentro del circuito internacional. Su llegada a Buenos Aires encuentra hoy a la artista en un momento en el que aquella combinación de influencias que marcó parte de su carrera ocupa un lugar cada vez más visible en la escena.



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Del otro lado aparece Mila Journée, una de las artistas brasileñas que viene creciendo dentro de esa nueva generación. Desde 2017 construyó un catálogo con lanzamientos en Diynamic, mau5trap, Nervous y Simulate, y recibió el apoyo de artistas como Solomun, Anyma, Adriatique, Agents of Time, CamelPhat, Innellea, Maceo Plex, Mind Against y Vintage Culture.



Su recorrido ya la llevó por Hï Ibiza, Pacha, Tomorrowland, Lollapalooza, Rock in Rio y Time Warp. En 2026 abrió además una nueva etapa con Journeey Records, su propio sello, inaugurado con “Malabaris”, una colaboración junto a Vintage Culture.



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Este 12 de septiembre en AMK, Magdalena y Mila Journée ponen así dos nombres concretos a un movimiento más amplio. ¿Es el Indie Dance el nuevo Melodic Techno? Quizás sea demasiado pronto para hablar de un reemplazo. Pero su crecimiento deja algo claro: los límites entre ambos sonidos son cada vez más difíciles de trazar, y Buenos Aires tendrá este sábado una muestra directa de ese cruce.



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¿Es el Indie Dance el nuevo Melodic Techno? Magdalena y Mila Journée llegan a Buenos Aires

Demi Riquísimo llegará a Buenos Aires el próximo viernes 25 de septiembre para presentarse en Círculo de Sonido, el ciclo de Artlab dedicado a la música electrónica de baile. La fecha tendrá lugar desde las 23:00 y contará también con un set de Gonzalo Solimano.



Nacido en Reino Unido, criado en Detroit y actualmente radicado en Londres, Demi Riquísimo construyó durante los últimos años una identidad que conecta house, acid, disco, Italo y diferentes vertientes de la música de club. Una búsqueda que trasladó tanto a sus producciones y sets como a Semi Delicious, el sello que fundó en 2019.



Desde entonces, su recorrido lo llevó por escenarios como Glastonbury, Gottwood, Lost Village, Circoloco en DC-10 Ibiza y fabric, además de giras por Estados Unidos y Australasia. También grabó sesiones para BBC Radio, Hör y Mixmag, mientras que Phonica Records lo invitó a registrar un mix de casi tres horas que dejó en evidencia su vínculo con la cultura del vinilo y la selección musical.



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Una parte central de su crecimiento internacional está ligada a Semi Delicious. Desde su creación, el sello desarrolló un catálogo pensado alrededor de la pista y el formato físico, publicando música de artistas como Black Loops, Aldonna, Manami, Michelle Manetti, Gallegos, Papa Nugs y Jive Talk.



El proyecto también trascendió los lanzamientos para llevar sus showcases a ciudades como Londres, París, Madrid y Bristol.



En enero de este año, Demi Riquísimo celebró el séptimo aniversario del sello con 7 Years of Semi Delicious, una selección de siete producciones propias que hasta entonces habían circulado exclusivamente en vinilo. El material recorre diferentes momentos de su sonido entre acid house, disco, Italo y breaks.



Su capítulo más reciente llegó en junio con Soft Landing, un EP realizado junto al productor Clint que continuó ampliando ese universo musical.



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Su presentación en Artlab formará parte de la programación especial por los diez años del espacio porteño. Durante 2026, Círculo de Sonido recibió a nombres internacionales como Henrik Schwarz, Robag Wruhme, Steffi x Virginia, Miroloja y Voigtmann, acompañados por diferentes referentes de la escena argentina.



El ciclo se desarrolla alrededor del sistema HiFi de Artlab, con cuatro parlantes Altec A7 “The Voice of the Theatre” distribuidos alrededor de la pista y una cabina integrada al espacio de baile.



La llegada de Demi Riquísimo suma así un nuevo capítulo internacional a la temporada, esta vez con uno de los nombres que durante los últimos años encontró un lugar propio dentro del circuito europeo a través de la producción, el vinilo y una mirada amplia sobre el house contemporáneo.



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Demi Riquísimo llega a Buenos Aires para presentarse en Círculo de Sonido

Hernán Cattáneo y Kevin Di Serna vuelven a compartir estudio. Los dos artistas argentinos estrenaron hoy, 9 de septiembre, su remix de “Looking For You”, original de Naarly & Alléa, a través del sello House Music With Love.



El lanzamiento suma un nuevo capítulo a una relación artística que comenzó a tomar forma en 2014, cuando Di Serna publicó “Ailes” en Sudbeat Volume II, compilado del sello de Cattáneo. Desde entonces, el vínculo creció tanto dentro como fuera del estudio, con presentaciones compartidas y una extensa serie de producciones en conjunto.



A lo largo de estos años, Cattáneo y Di Serna llevaron esa conexión a remixes para artistas como RY X, M83, Nick Warren, Budakid, Spencer Brown y Tame Impala, construyendo una identidad conjunta dentro del progressive house.



En “Looking For You”, ambos vuelven a trabajar desde esa química. La versión avanza gradualmente entre capas melódicas, texturas y tensión, respetando parte de la sensibilidad del original de Naarly & Alléa mientras lo traslada hacia un terreno más profundo.



La historia entre ambos también tiene un capítulo importante lejos del estudio. Uno de los primeros grandes pasos internacionales de Di Serna llegó cuando fue convocado para realizar el warm up de Hernán Cattáneo y Nick Warren en Beirut, Líbano. Aquella presentación significó su primer show fuera de Argentina y el comienzo de una etapa que luego lo llevaría a distintos escenarios alrededor del mundo.



Más de diez años después de sus primeros cruces, Cattáneo y Di Serna continúan encontrando nuevas formas de trabajar juntos. “Looking For You (Hernan Cattaneo & Kevin Di Serna Remix)” ya está disponible en todas las plataformas digitales a través de House Music With Love.



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Hernán Cattáneo y Kevin Di Serna vuelven a encontrarse en “Looking For You”

A varias semanas de su lanzamiento, “Before All Of That” continúa ganando recorrido. El EP marca el debut del productor argentino Panko en 44CUPIDS RECORDS y suma a Manu Barcelo a cargo del remix, completando un lanzamiento íntegramente protagonizado por talento nacional.



En su versión original, Panko parte de la energía de la música disco y una marcada influencia soul en las voces, pero lleva el track hacia un terreno más contundente a través de una línea de bajo que ocupa un lugar central en la producción. El resultado combina elementos clásicos con una construcción pensada para la pista.



Manu Barcelo toma esa misma base para llevarla hacia otro lugar. Su remix deja atrás el carácter más luminoso del original y propone una lectura orientada al house, apoyada en un groove garage fluido que modifica por completo la dinámica del track sin perder su identidad.



Con solo dos cortes, “Before All Of That” muestra dos interpretaciones diferentes de una misma pieza y conecta a Panko y Manu Barcelo dentro del catálogo de 44CUPIDS RECORDS.



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Panko y Manu Barcelo llevan el talento argentino a 44CUPIDS RECORDS

Desde Ciudad de México hacia algunos de los principales circuitos de música electrónica del mundo, Interactive Noise lleva más de dos décadas construyendo una identidad difícil de encerrar en un único género. Detrás del proyecto se encuentra Hugo Venegas, productor mexicano cuya evolución atravesó el progressive trance, el techno y distintas vertientes del psytrance hasta encontrar un lenguaje propio.



Su relación con la música comenzó durante la adolescencia y, para 2005, ya estaba produciendo sus primeros tracks. Cinco años más tarde llegó Rewire, su álbum debut, seguido por Synthetik Pleasure en 2011, Memories en 2013 y The Nine Stories en 2016. Esa discografía acompañó una expansión internacional que lo llevó a presentarse en América Latina, Estados Unidos, Canadá, Europa, Israel, Sudáfrica y Australia.



Con el paso de los años, Interactive Noise encontró una fórmula basada justamente en evitar fórmulas: bajos de raíz psytrance, estructuras orientadas al club y elementos provenientes del techno y el progressive forman parte de un sonido que fue mutando junto con su carrera.



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Uno de los puntos de inflexión más recientes llegó en 2023 con su desembarco en ARTCORE, el sello fundado por Indira Paganotto. Allí publicó Dissociaxion, un EP que incluyó “The Punisher” junto a Lil Jorck y abrió una nueva etapa para el productor mexicano.



La propia Paganotto destacó posteriormente el track dentro de una selección para Beatport, señalando a Interactive Noise como uno de los artistas de trance mexicanos vinculados al crecimiento del sello. Desde entonces, su presencia dentro del universo ARTCORE continuó creciendo a través de nuevos lanzamientos, compilados y showcases.



Ese vínculo alcanzó otro nivel durante 2026. En julio, Interactive Noise se presentó en Tomorrowland Belgium dentro de Atmosphere, escenario curado por ARTCORE que también reunió a Indira Paganotto, Ben Klock, Reinier Zonneveld, Marhu, BIIA b2b Charlie Sparks, Elli Acula y Estella Boersma.



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Su producción reciente también muestra el momento que atraviesa el proyecto. En marzo lanzó “Oblivion” junto a Liquid Soul a través de Iboga Records, una colaboración que actualmente aparece como el segundo track más vendido de Interactive Noise en Beatport.



Pocos meses después llegó “Osaka”, colaboración con Marhu publicada el 17 de julio a través de ARTCORE / Tomorrowland Music como parte de TML X ARTCORE VA (Extended Mixes). El lanzamiento volvió a conectar al mexicano con una de las artistas recurrentes del sello y extendió esa relación hacia el catálogo de Tomorrowland.



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Su catálogo mantiene además varios de sus trabajos recientes entre los favoritos de su audiencia en Beatport: “Next By Me” junto a Neelix ocupa actualmente el primer lugar entre sus tracks más vendidos, seguido por “Oblivion”, mientras que “Solid Ninja” junto a Marhu y “The Punisher” con Lil Jorck completan cuatro de las primeras posiciones.



Más de veinte años después de comenzar a producir música electrónica, Interactive Noise continúa moviéndose entre generaciones, estilos y escenas. Lo que empezó en México dentro del progressive trance hoy encuentra al proyecto compartiendo música con Liquid Soul y Marhu, editando en sellos como Iboga y ARTCORE y formando parte de escenarios como Tomorrowland.



Un recorrido extenso que, lejos de apoyarse únicamente en su historia, sigue sumando nuevos capítulos.

Interactive Noise: dos décadas llevando el psytrance mexicano alrededor del mundo

Hay carreras que se construyen alrededor de una sucesión de lanzamientos y fechas. La de Valentinø también tiene otra dimensión: durante la última década, el italiano fue desarrollando en paralelo su música y una plataforma desde la cual entender el techno más allá de su propia figura como DJ.



Nacido en Génova como Valentino Marchiori, su relación con las cabinas comenzó temprano. Su padre era DJ y fue quien lo acercó a la música y a los equipos cuando todavía era adolescente. A los 14 años ya había encontrado en ese lenguaje algo que terminaría definiendo buena parte de su vida, y poco después comenzó a tocar en clubes de su ciudad.



Con el tiempo, aquel vínculo inicial con la música se transformó en un proyecto mucho más amplio.



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Uno de los puntos centrales de esa historia es Mantra. El proyecto nació en las afueras de Génova, lejos de las zonas tradicionales de la vida nocturna de la ciudad, y fue construyendo desde allí una identidad ligada directamente al underground.



La ubicación nunca fue un detalle menor. Para Valentinø, convertir al club en un destino implicaba que el público tuviera que elegir conscientemente estar ahí: desplazarse hasta el lugar porque conectaba con su música y su identidad, y no simplemente porque estuviera de paso.



Una década después, aquella idea dejó de estar limitada a una pista de baile. Mantra evolucionó hacia un ecosistema que actualmente reúne club, sello discográfico, contenidos y desarrollo de nuevos artistas, con la intención de trasladar una misma identidad musical a distintos formatos.



Esa filosofía también atraviesa la carrera de Valentinø como productor. Su sonido se mueve entre grooves hipnóticos, percusión directa, melodías oscuras y ritmos de alta intensidad, con cruces entre techno y psy-trance. Su catálogo incluye música publicada en sellos como Materia, Etruria Beat, Suara y Second State, además de su llegada a ARTCORE Records, el sello de Indira Paganotto, con el EP Baba Baby en 2024. 



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En paralelo al crecimiento de Mantra, su nombre comenzó a circular cada vez más fuera de Italia.



Durante los últimos años, Valentinø pasó por cabinas como Fabrik Madrid, Khidi Tbilisi, Cocoricò y Amnesia Ibiza, además de sumar su presencia en Tomorrowland Belgium y otros puntos del circuito europeo. En 2026 también incorporó una residencia en Bolgia Club y avanzó con Enigma, su propio proyecto de festival. 



Pero quizás lo más interesante de su momento actual no esté solamente en la cantidad de escenarios.



Después de años desarrollando su carrera desde Génova, Valentinø parece estar llevando al exterior la misma identidad que construyó puertas adentro de Mantra. Su idea es que el club, el sello y su música funcionen como partes de un mismo lenguaje, en lugar de proyectos independientes.



“Ya no se trata solo de gestionar un espacio, sino de exportar una estética musical”, explicó recientemente al hablar sobre la evolución de Mantra y su intención de convertir el proyecto en una plataforma con alcance global.



Es también una buena síntesis del lugar que ocupa hoy.



Entre el estudio, las cabinas internacionales y una estructura que lleva diez años creciendo desde el underground italiano, Valentinø entra en una nueva etapa con algo que no siempre acompaña a los artistas en ascenso: una identidad construida mucho antes de que llegaran los grandes escenarios.



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