ULTRA Buenos Aires tiene nueva casa. Después de dos ediciones consecutivas en el Parque de la Ciudad, el festival anunció que su próxima edición se realizará en Punta Carrasco, ubicado en Palermo, sobre la Costanera Norte y frente al Río de la Plata, los días viernes 2 y sábado 3 de abril de 2027.



La noticia llegó después de una campaña que transformó distintos puntos de Buenos Aires durante una jornada. Numerosos edificios aparecieron intervenidos con carteles que llevaban la inscripción «ULTRA – Nueva casa», simulando los tradicionales avisos inmobiliarios de venta. La acción despertó curiosidad entre quienes recorrían la ciudad y anticipó que el festival preparaba un anuncio importante.



La iniciativa también incluyó intervenciones artísticas, bailarinas y activaciones urbanas que fueron revelando nuevas pistas hasta llegar al anuncio definitivo: Punta Carrasco será la nueva sede de ULTRA Buenos Aires.



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El cambio representa una nueva etapa para el festival, que mantendrá su formato de cuatro escenarios, incluyendo el Main Stage y los espacios de RESISTANCE. La edición 2027 contará además con una producción audiovisual de escala internacional, tecnología de última generación, propuestas gastronómicas, activaciones de marcas y experiencias inmersivas.



La elección de Punta Carrasco también supone una ubicación estratégica. Situado en pleno Palermo, a pocos minutos de distintos puntos de la Ciudad de Buenos Aires, el predio ofrecerá un entorno frente al Río de la Plata para una nueva experiencia del festival.



El anuncio llega después de dos ediciones que reunieron a más de 80.000 asistentes cada una. En 2025, ULTRA Buenos Aires regresó al país después de una década de ausencia con un cartel encabezado por Martin Garrix, Anyma, Boris Brejcha, Adam Beyer, Afrojack, ARTBAT, Miss Monique y Black Coffee, entre otros.



En febrero de 2026, el festival celebró su sexta edición con artistas como Zedd, Alesso, Above & Beyond, deadmau5, Dom Dolla, Steve Angello, Jamie Jones, Charlotte de Witte, Richie Hawtin y CamelPhat, consolidando su regreso al calendario electrónico argentino.



Con una nueva sede confirmada y la promesa de mantener la magnitud de sus últimas ediciones, ULTRA Buenos Airescomienza la cuenta regresiva hacia el 2 y 3 de abril de 2027.



Las entradas estarán disponibles a partir del jueves 12 de noviembre.



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ULTRA Buenos Aires reveló su nueva casa para 2027: Punta Carrasco

Maceo Plex lanzó el 30 de octubre “Supasonic / Closer”, nuevo EP de dos tracks por su propio sello Lone Romantic. El lanzamiento continúa una secuencia que este año ya incluyó “The Plan” por Ellum Audio, su debut en Rekids con el EP “Monster” y un remix oficial de “DNA”, de Empire of the Sun, consolidando uno de sus períodos más activos recientemente.



Las dos producciones muestran enfoques distintos. “Supasonic” va directo hacia el progressive techno, con vocales procesados, percusión precisa, bajos pesados y sintetizadores crudos que mantienen una presión constante. “Closer” trabaja desde un lugar más profundo y elástico, con subgraves cálidos, un vocal más oscuro y pads que amplían su dimensión melódica. 



“Closer es una de las producciones más complejas en las que he trabajado últimamente”, contó Maceo, quien también reveló que existe una versión alternativa en español. Sobre “Supasonic”, fue mucho más directo: “Simplemente explota cada vez que la toco”.



Ambos tracks ya venían circulando en los sets del artista desde hacía meses antes de llegar oficialmente al catálogo de Lone Romantic, sello con el que Maceo Plex ha desarrollado buena parte de su faceta más experimental y abierta entre house, techno, electro y breaks. 



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Maceo Plex presenta “Supasonic / Closer”, nuevo EP por Lone Romantic

Con 20 años de carrera y casi 150 trabajos publicados, Fran Bortolossi debuta en D-EDGE Records con “Afinados”, EP lanzado el pasado 30 de octubre. El nuevo trabajo presenta tres colaboraciones y suma al catálogo del productor brasileño un sello que desde hace más de quince años ocupa un lugar importante en la conexión entre la escena brasileña y el circuito internacional.



Los tres tracks parten del house y el minimal/deep tech, pero siguen caminos diferentes. En el tema que da nombre al EP, producido junto al argentino Marko Zalazar, el groove gana mayor tensión y peso a través de una construcción compacta y progresiva. “Higher”, con Ms. Elin Liso, aporta una energía más ligera y expansiva, mientras que “The Dancefloor”, junto a Antonio Dal Bó, cierra el EP de una manera más directa y orientada a la pista.



“Afinados” también refuerza una característica constante en la producción de Fran Bortolossi: explorar diferentes lecturas del house sin abandonar el groove como eje central. Al compartir el EP con artistas de Argentina, Israel y Brasil, el productor amplía este enfoque en un lanzamiento que marca su primera aparición en D-EDGE Records y la referencia número 76 del catálogo del sello.



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Más sobre Fran Bortolossi



Fundador de Colours, fiesta creada en 2009 que ya superó las 150 ediciones, Fran Bortolossi también acumula presentaciones en clubs como D-EDGE, Warung y Vibe, además de actuaciones en Londres, Berlín, Ámsterdam, Moscú, Barcelona y Zúrich. En Argentina, donde realizó su primera presentación internacional en 2014, ya pasó por espacios como Crobar y Bahrein, además de Ultra, y se presentó en ciudades como Buenos Aires, Mar del Plata, Córdoba y Rosario. Su discografía incluye lanzamientos por sellos como Great Stuff, Bunny Tiger, LouLou Records y Otherwise, sello que dirige junto a Kolombo desde 2020.



Sigue a <a href="https://www.instagram.com/franbortolossi/" target="_blank" rel="noopener">Fran Bortolossi</a> y <a href="https://www.instagram.com/dedgerecordsbr/" target="_blank" rel="noopener">D-EDGE Records</a> en Instagram.

Fran Bortolossi lleva 20 años de pista a D-EDGE Records con “Afinados”

AnD presenta este 6 de noviembre KALT BIS INS HERZ, su nuevo EP a través de Teletech. El lanzamiento reúne dos producciones, ‘KALT BIS INS HERZ’ y ‘All The Things I Didn’t Say’, que reflejan su visión del techno más intenso y su conexión con la energía de la escena underground.



El track que da nombre al EP, cuya traducción al español es «Frío hasta el corazón», combina una base rítmica contundente, frecuencias graves y sintetizadores influenciados por el sonido rave. Más allá de su potencia, la producción aborda emociones vinculadas al dolor, el amor y las experiencias personales del artista.



«El nombre tiene un significado particularmente personal para mí. Representa crear desde un lugar frío, transformar esas emociones más oscuras en algo poderoso, apasionado y lleno de vida para la pista de baile», explica AnD.



Por su parte, ‘All The Things I Didn’t Say’ profundiza en la vertiente más agresiva del schranz, con percusiones de gran intensidad, texturas ásperas y elementos melódicos oscuros que construyen una atmósfera de tensión constante.



Con casi tres décadas de trayectoria vinculada a la cultura de clubes, AnD ha desarrollado una identidad sonora reconocible dentro de las vertientes más duras del techno. Desde sus primeros años aprendiendo a mezclar en Grecia hasta su consolidación en sellos y escenarios internacionales, el productor ha mantenido una búsqueda constante de nuevas formas de llevar la música electrónica al límite.



KALT BIS INS HERZ representa una continuación de ese recorrido, trasladando su experiencia al sonido actual del hard techno sin perder la identidad que caracteriza sus producciones.



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AnD presenta ‘KALT BIS INS HERZ’, su nuevo EP en Teletech

Primavera Folck se prepara para una nueva edición el próximo domingo 8 de noviembre en el Club Hípico de Mendoza, ubicado dentro del Parque General San Martín. El festival, que desde 2012 se convirtió en un clásico de la temporada primaveral, volverá a reunir música electrónica, arte, gastronomía y experiencias al aire libre, con Beltrán y Carlita como principales protagonistas de su programación.



La jornada comenzará a las 17:00 y contará con una producción audiovisual que incluirá pantallas, iluminación y sistemas de sonido de última generación. La propuesta busca aprovechar el entorno natural del predio para ofrecer una experiencia que se extenderá desde el atardecer hasta la madrugada.



El line-up estará encabezado por el brasileño Beltrán, uno de los nombres destacados de la nueva generación del tech house. Su proyección internacional tomó impulso con el lanzamiento de Smack Yo’ en 2022, un track que alcanzó el primer puesto en Beatport y recibió el apoyo de artistas como Michael Bibi, Marco Carola y PAWSA.



También se presentará Carlita, DJ y productora turco-italiana cuya identidad musical combina influencias de la psicodelia turca, el rock y diferentes corrientes de la música electrónica. Su propuesta, caracterizada por una selección ecléctica y una marcada sensibilidad musical, será uno de los momentos centrales de la noche.



La programación se completará con las presentaciones de RZMD vs. Chakbeat, encargados de abrir la jornada, y un B2B entre Nacho Bolognani y Ludmila Di Pasquale, que aportarán su sonido a una celebración que reunirá talentos locales, nacionales e internacionales.



<h3 class="wp-block-heading">Música, naturaleza y experiencias</h3>



Más allá de la pista de baile, Primavera Folck mantiene su apuesta por integrar diferentes expresiones culturales. Una de las propuestas distintivas será La Comarca, un espacio dentro del festival donde marcas, diseñadores y emprendedores compartirán proyectos vinculados al arte, la gastronomía y las experiencias creativas.



La sustentabilidad también ocupará un lugar importante en esta edición. La organización implementará vasos reciclables, espacios para la separación de residuos y paneles solares, además de promover el acceso al predio caminando o mediante transporte público.



Para quienes asistan en vehículo particular, habrá estacionamiento oficial en el CONICET, con reserva anticipada y un valor de $10.000 destinado íntegramente al Centro Científico Tecnológico.



Con más de una década de historia, Primavera Folck continúa consolidando una propuesta que conecta la cultura electrónica con el entorno natural de Mendoza, en un año especial para el Parque General San Martín, que celebra su 130.º aniversario.



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Primavera Folck 2026 reunirá a Beltrán y Carlita en Mendoza

La música electrónica latinoamericana atraviesa un momento de expansión internacional, impulsada por una generación de artistas que busca construir su propia identidad sin responder necesariamente a las expectativas de la industria global. En ese contexto, los productores colombianos PETERBLUE y Noise Mafia unen fuerzas para presentar Vulgar, un proyecto colaborativo que combina distintas influencias y propone una mirada renovada sobre la música de club.



Con trayectorias desarrolladas desde universos sonoros diferentes, ambos artistas encontraron en esta colaboración la oportunidad de explorar territorios que difícilmente habrían abordado por separado. PETERBLUE, reconocido por su trabajo dentro de la escena Latin Club y su aproximación a los ritmos quebrados y las texturas funk, aporta una sensibilidad marcada por la experimentación rítmica. Noise Mafia, por su parte, incorpora la intensidad del trance, la energía rave y las estructuras más contundentes de la electrónica de festival.



El resultado es un proyecto que cruza referencias del merengue, el reggaetón, la champeta, la guaracha y el dembow con elementos del techno, el trance y el hard dance. Sin embargo, su intención va más allá de combinar géneros: buscan cuestionar las categorías que históricamente han definido qué sonidos tienen lugar dentro de la cultura de club.



El primer adelanto, “Tabaco Camel”, llegó el 16 de octubre a través de Warner Music. Con percusiones dinámicas, texturas phonk, sutiles elementos acid y una energía festiva, el single introduce el universo de Vulgar, un álbum previsto para noviembre que recupera sonidos frecuentemente asociados al mal gusto para reinterpretarlos desde una perspectiva contemporánea.



Para PETERBLUE y Noise Mafia, la identidad latinoamericana no depende de reproducir determinados patrones rítmicos, sino de una manera particular de entender, experimentar y crear música.



En esta nueva edición de Up Close, conversamos con ambos productores sobre el origen de su colaboración, la libertad creativa, las influencias que dieron forma a Vulgar y el lugar que ocupa Latinoamérica dentro de la escena electrónica internacional.



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<h3 class="wp-block-heading">“Tabaco Camel” es el primer adelanto de Vulgar. ¿Por qué eligieron esta canción para presentar el álbum y el sonido que crearon juntos?</h3>



Elegimos “Tabaco Camel” porque sentimos que captura la esencia de lo que queremos transmitir con Vulgar. Es una canción audaz que combina naturalmente nuestros dos universos creativos, sin intentar encajar en un género específico ni seguir ninguna fórmula.



Desde el principio queríamos crear algo que se sintiera auténtico y que, al mismo tiempo, reflejara nuestra propia visión de cómo entendemos la música electrónica.



Creemos que “Tabaco Camel” es la mejor manera de abrirle la puerta a la gente a este universo. Es una pequeña muestra de lo que podemos crear juntos, pero todavía deja mucho espacio para sorprender a quienes nos escuchan con lo que viene. Experimentamos con muchos sonidos, culturas y perspectivas diferentes.



<h3 class="wp-block-heading">Hablan de crear música de club a partir de los sonidos y ritmos con los que crecieron. ¿Cómo aparece naturalmente su identidad latinoamericana en la música?</h3>



Nuestras raíces latinoamericanas están presentes en nuestra música incluso cuando no somos conscientes de ello. Crecimos rodeados de ritmos, sonidos y culturas que inevitablemente moldearon nuestra manera de entender y hacer música.



Para nosotros, lo interesante es que no necesitamos producir un género estrictamente latino para que nuestra música tenga una identidad latinoamericana. Podemos hacer trance, techno o cualquier otro estilo, y siempre habrá algo diferente en nuestra manera de interpretarlo, simplemente por el lugar del que venimos.



Al final, nuestra identidad no está definida únicamente por los ritmos que utilizamos, sino por nuestra historia, nuestras experiencias y nuestra manera de sentir la música. Creemos que eso es lo que hace único a nuestro proyecto.



<h3 class="wp-block-heading">Vienen de universos sonoros diferentes, desde los ritmos latinos y los broken beats hasta el trance y los sonidos más intensos de club. ¿Cómo encontraron el equilibrio entre sus identidades?</h3>



Nunca quisimos que uno de nosotros simplemente se adaptara al sonido del otro. En cambio, queríamos encontrar un espacio donde ambos pudiéramos expresarnos con total libertad.



Lo más emocionante de colaborar es descubrir cómo dos maneras diferentes de abordar la música pueden complementarse y terminar creando algo que ninguno de los dos habría hecho por su cuenta.



Ese es realmente el núcleo de Vulgar: no se trata de encontrarnos a mitad de camino ni de llegar a un acuerdo entre nuestros sonidos, sino de construir una identidad completamente nueva a partir de ellos.



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<h3 class="wp-block-heading">Vulgarreúne géneros que en algún momento fueron considerados de “mal gusto”. ¿Qué les atrajo de recuperar esos sonidos dentro de la cultura de club contemporánea?</h3>



Lo que más nos atrajo fue cuestionar quién tiene realmente el poder de decidir qué es de “buen” o “mal” gusto cuando hablamos de música. Muchos sonidos que hoy se consideran innovadores o influyentes fueron criticados o despreciados en su momento.



Para nosotros, la música siempre ha sido libertad y no deberían existir reglas que determinen qué sonidos merecen ser tomados en serio.



Hay algo poderoso en tomar elementos que muchas personas podrían considerar vulgares, exagerados o incluso ridículos y transformarlos en algo con una identidad propia.



En definitiva, Vulgar también es nuestra manera de celebrar quiénes somos, nuestros gustos y nuestras influencias sin sentir la necesidad de justificarlos. No queremos hacer música simplemente para encajar en lo que se considera aceptable. Queremos hacer música que realmente amemos.



<h3 class="wp-block-heading">La música electrónica latinoamericana está ganando cada vez más visibilidad internacional. ¿Sienten que la industria global comprende realmente lo que está sucediendo en la región?</h3>



Definitivamente, la industria internacional está prestando más atención a Latinoamérica, pero todavía le queda mucho camino por recorrer para comprender realmente todo lo que está sucediendo en nuestra escena.



Durante mucho tiempo, la música latina estuvo encasillada en géneros y sonidos muy específicos, cuando en realidad nuestra diversidad musical es enorme.



Hay artistas en toda Latinoamérica haciendo un trabajo increíble, explorando nuevos límites sonoros y desarrollando proyectos que no encajan con lo que el resto del mundo espera escuchar de nosotros.



Para nosotros, lo más importante es entender que no necesitamos suavizar ni modificar nuestra música para conseguir aceptación global. Tenemos nuestra propia identidad, historia y perspectiva musical, y eso es lo que nos diferencia.



Es un momento emocionante porque estamos demostrando al mundo que Latinoamérica no se limita a seguir las tendencias globales: también tiene el poder de marcarlas.



<h3 class="wp-block-heading">La música de club evoluciona a una velocidad enorme, con nuevos sonidos y tendencias que aparecen constantemente. ¿Cómo se mantienen conectados con esa evolución sin perder su identidad?</h3>



La clave está en mantener la curiosidad sin olvidar quiénes somos. Nos encanta descubrir música nueva, explorar sonidos y observar cómo cambia la escena, pero nunca sentimos la necesidad de sumarnos a una tendencia simplemente porque está de moda.



Evolucionar no significa abandonar aquello que te hace único. Podemos transformar nuestro sonido, experimentar con distintos géneros y reinventarnos constantemente sin perder nuestra esencia.



No buscamos hacer música que simplemente capture una tendencia pasajera. Queremos crear música que la gente siga recordando mucho después de que ese momento haya pasado.



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<h3 class="wp-block-heading">Más allá de “Tabaco Camel”, ¿qué revelará Vulgar sobre ustedes que el público quizás no esperaría de sus proyectos individuales?</h3>



Vulgar revela lo que sucede cuando eliminamos por completo los límites creativos y dejamos que la fricción entre nuestros universos musicales tome el control.



Como venimos de mundos diferentes, desde los broken beats y los ritmos latinos hasta el trance más intenso y los sonidos de club más contundentes, la gente podría esperar una combinación predecible en la que simplemente nos encontramos a mitad de camino. En cambio, este álbum muestra una faceta completamente nueva de nosotros que ninguno habría podido descubrir por separado.



Quienes lo escuchen van a encontrarnos explorando territorios mucho más audaces, desprejuiciados y extraños que cualquier cosa de nuestros catálogos individuales.



El álbum demuestra nuestra voluntad de tomar sonidos que fueron descartados por considerarse de “mal gusto” o demasiado exagerados y convertirlos en música de club visceral y con una mirada hacia el futuro.



Más allá de lo técnico, también revela la confianza que compartimos en nuestras raíces. No nos interesa diluir nuestro sonido para encajar en fórmulas globales de música electrónica ni en clichés sobre cómo “deberían” sonar los artistas latinos.



Vulgar nos muestra divirtiéndonos de verdad, tomando grandes riesgos y demostrando que nuestra música no se limita a responder a lo que sucede en la pista de baile: también busca desafiarlo.



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PETERBLUE & Noise Mafia presentan Vulgar, una nueva visión de la música de club

Antes de convertirse en una de las figuras más singulares del circuito underground europeo, Lady Maru recorría escenarios con una guitarra desafinada, explorando los límites del post-punk y el noise. Aquella actitud experimental sigue presente en una propuesta que hoy combina hard techno, schranz, hardcore y acid, con sets que se mueven entre los 160 y 175 BPM.



Desde Roma, la artista construyó una trayectoria que atraviesa bandas punk, fiestas queer, producción musical y diseño sonoro para teatro y danza. Una historia marcada por la exploración constante y una relación con la música que nunca estuvo demasiado interesada en las etiquetas.



Este 30 de octubre presenta No Conventions, su nuevo EP a través de TechnoMind Records. El lanzamiento reúne cuatro producciones originales y dos remixes a cargo de Michael Katana & Anita Kaye y RemPhase, recuperando la energía cruda del techno industrial y el espíritu de las primeras raves.



En conversación con DJ Mag Latinoamérica, Lady Maru reflexiona sobre sus comienzos, las transformaciones de la cultura electrónica y la importancia de mantener una identidad propia en una escena cada vez más definida por las tendencias.



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Comenzaste tocando la guitarra en bandas de punk y noise antes de dedicarte por completo a la música electrónica. ¿Cuánto de aquella versión de Lady Maru sigue presente cuando estás detrás de las bandejas?



Sí, comencé como una guitarrista de noise «poco convencional» en bandas de post-punk. No tocaba acordes, sino notas individuales o riffs percusivos con guitarras desafinadas, algo parecido al estilo no wave de bandas antiguas como DNA.



Con mis dos primeras bandas tuve la suerte de poder hacer giras por Europa y Estados Unidos durante unos diez años, así que eso me ayudó a entender la energía del público y a construir una relación con la audiencia. Al comienzo de mi carrera como DJ tocaba en todas partes, desde espacios ocupados hasta pequeños afterhours y otros lugares más grandes y comerciales, lo que realmente me hacía sentir que era muy parecido a algunos de aquellos conciertos punk.



No Conventions parece casi una declaración de intenciones. ¿Qué convenciones de la escena techno actual creés que todavía vale la pena romper?



Es curioso, porque en realidad no creo que haya querido romper con algo. Admito que, incluso con un simple ritmo de 4/4, no puedo hacer tracks que puedan clasificarse completamente dentro de un género.



Cuando toco o escucho la mayor parte del hard techno moderno más exitoso, escucho el mismo sonido de bombo, una especie de mezcla entre industrial y hardstyle. Eso es realmente efectivo en la pista de baile, al igual que los elementos chirriantes después de un drop largo.



No recuerdo esos sonidos en las producciones anteriores al COVID, así que creo que es una forma moderna de producir. Ninguno de los tracks fue adaptado de esa manera y todos son un poco diferentes entre sí, así que por eso le di ese título al EP.



Tu sonido se mueve entre el hard techno, el schranz, el hardcore, el acid y una fuerte actitud punk. ¿Qué tiene que tener un track para que digas «esto suena a Lady Maru»?



Quizás no sea fácil decirlo sobre una misma, pero creo que una canción punk típica está hecha con una secuencia AB-ABC-B, es decir, verso, estribillo, verso / estribillo, sección especial y estribillo.



Lo más probable es que mi forma de componer tracks siga siendo simple y directa en su estructura, aunque estoy intentando evolucionar.



Realmente espero que, a partir de mis nuevas producciones, desde 2023, pueda volverme poco a poco reconocible por algo en particular.



Solés inspirarte en el espíritu más libre y caótico de la cultura rave de los primeros años. ¿Qué creés que podría aprender la escena actual de aquella mentalidad underground?



La mentalidad underground era realmente muy diferente, ya que no podías ver al DJ tocando, un poco como en Berghain, pero con música más rápida, y muchas veces era un espacio gratuito o un gran depósito.



Por lo tanto, el valor más importante de esta cultura era la calidad de la música, tanto como la sensación de estar juntos, especialmente de salir de fiesta juntos y compartir emociones.



Incluso ahora, cuando camino por mi ciudad, todavía veo a gente de los 90 que me dice: «¡Me acuerdo de vos de aquella rave!». Es algo muy especial escuchar eso y también haber formado parte de aquello. En ese entonces no se trataba solamente de ser DJ, sino de explorar.



También explorás diferentes facetas de tu música a través de proyectos como Hardcore Vestal y Mind That Ghost. ¿Qué podés expresar con ellos que quizás no podés explorar como Lady Maru?



Mind That Ghost es lo que tocaba antes del COVID, así que básicamente es raw techno alrededor de los 145 BPM. Algunas personas me pidieron que volviera a tocar un set así, y lo hice una vez, para el cumpleaños de un amigo. Pero, de alguna manera, no quería volver a mezclar así con mi otra identidad.



Este año pensé que un live set tocado con stems podía ser más divertido, creativo y efectivo.



Por eso hice uno de raw techno y otro de gabber. Hace muchos años, en Roma, el género gabber era visto principalmente como «música difícil», así que nunca me atreví a tocarlo, aunque me gustaba.



Así que, después de tres años dedicándome solamente a producir, también empecé a pensar en el live set de gabber. Todavía es algo completamente nuevo para mí tocar en vivo con stems y un controlador. ¡Será el desafío de esta temporada!



Si pudieras elegir un solo disco de cualquier época y construir una noche entera en un warehouse alrededor de él, ¿cuál sería y por qué?



Diría que un track clásico de acid techno, porque creo que el acid techno siempre es interesante de seguir en sus evoluciones y variedades.



Me gusta el trabajo de muchos productores diferentes, pero como tengo que elegir solamente uno, elegiría un clásico como «Detonation», de 303 Nation, porque representa exactamente el sonido que empecé a descubrir cuando fui por primera vez a las raves.



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<h3 class="wp-block-heading">Una identidad que no necesita etiquetas</h3>



Con No Conventions, Lady Maru vuelve a conectar dos universos que nunca estuvieron demasiado separados: la actitud del punk y la libertad de la cultura rave.



El EP, publicado este 30 de octubre por TechnoMind Records, refleja una búsqueda que atraviesa toda su trayectoria. Desde las guitarras desafinadas hasta sus actuales proyectos en vivo, la artista italiana mantiene una misma idea: explorar nuevos sonidos sin necesidad de encajar en una fórmula.



Porque, para Lady Maru, el underground nunca fue solamente una cuestión de BPM o géneros musicales, sino una forma de experimentar, compartir y entender la música.



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Lady Maru: del punk al hard techno sin convenciones

Nazareno Nespeca, conocido artísticamente como <a href="https://www.instagram.com/zarenmus/" target="_blank" rel="noopener">Zaren</a>, es un DJ y productor argentino originario de Córdoba, cuya propuesta musical se desarrolla entre el Minimal, Deep Tech y Tech House. A lo largo de su trayectoria, ha construido una identidad sonora enfocada en la electrónica de club, con lanzamientos en sellos internacionales como Solid Grooves Raw, Flashmob y Take Notes Trax, entre otros.



En su faceta como DJ, ha realizado diversas giras por Chile y se ha presentado en distintas provincias de Argentina, compartiendo cabina con artistas como Beltran, Toman, Stefano Noferini, Jay Delys y Bizza. Estas experiencias han contribuido a su desarrollo artístico y a su presencia en diferentes escenarios y circuitos de la música electrónica.



Como parte de esta evolución, Zaren presenta SOLO EP, publicado por TNT (<a href="https://www.beatport.com/es/label/tnt-take-notes-trax/122612" target="_blank" rel="noopener">Take Notes Trax</a>), sello fundado por el DJ y productor rumano Mahony. El lanzamiento reúne dos producciones, “Solo” y “Dance in the Dark”, caracterizadas por una sonoridad oscura, ritmos acelerados y una marcada carga de energía. Con este trabajo, el artista refuerza su identidad musical y amplía su proyección dentro de la escena internacional del Minimal Deep Tech.



El lanzamiento, disponible desde el 9 de octubre de 2026, ha registrado una destacada recepción en Beatport. Solo EP alcanzó la primera posición del chart del género Minimal Deep Tech y llegó a ubicarse en el puesto número seis (6)  del ranking general de la plataforma, mientras que sus dos tracks han mostrado un rendimiento destacado de manera individual.



<figure class="wp-block-image size-large"><a href="https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2026/10/ZAREN_PRESS_MENESES-2.jpg"><img loading="lazy" decoding="async" width="1024" height="683" src="https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2026/10/ZAREN_PRESS_MENESES-2-1024x683.jpg" alt="" class="wp-image-1173174" srcset="https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2026/10/ZAREN_PRESS_MENESES-2-1024x683.jpg 1024w, https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2026/10/ZAREN_PRESS_MENESES-2-300x200.jpg 300w, https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2026/10/ZAREN_PRESS_MENESES-2-768x512.jpg 768w, https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2026/10/ZAREN_PRESS_MENESES-2-212x140.jpg 212w, https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2026/10/ZAREN_PRESS_MENESES-2-950x633.jpg 950w, https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2026/10/ZAREN_PRESS_MENESES-2.jpg 1200w" sizes="auto, (max-width: 1024px) 100vw, 1024px" /></a></figure>



Detrás de este lanzamiento hay dos historias que reflejan diferentes etapas del proceso creativo de Zaren. “Solo”, el track que da nombre al EP, nació como una idea que permaneció durante un tiempo sin terminar y que el artista incluso consideró eliminar de su computadora. Sin embargo, decidió retomarla y llevarla a su versión final, sin tener plena certeza del resultado.



Fue entonces cuando Mahony, fundador de Take Notes Trax, se puso en contacto con él para preguntarle si la producción estaba disponible para ser firmada por el sello. La propuesta llegó en el momento indicado y abrió el camino para que el track formara parte de este lanzamiento.



Por su parte, <a href="https://www.beatport.com/es/track/dance-in-the-dark/30733248" target="_blank" rel="noopener">“Dance in the Dark”</a> surgió de la colaboración con AMC (CH), productor suizo con quien Zaren estableció contacto después de que este enviara música a Naughty Beats, sello discográfico del argentino. A partir de ese primer acercamiento comenzaron a intercambiar ideas sobre música y otros aspectos de la vida, hasta que AMC compartió una idea que despertó el interés de Zaren y que ambos desarrollaron conjuntamente.



El resultado es un EP en el que las dos producciones encuentran un punto de conexión a través de una estética sonora oscura, rápida y energética, manteniendo una identidad coherente a lo largo del lanzamiento.



Para Zaren, publicar en Take Notes Trax representa la materialización de una aspiración dentro de su carrera. El sello, fundado por Mahony, cuenta con lanzamientos de artistas como Wheats, Rendher, BradBunner y Carloh, nombres destacados dentro de la escena internacional del Minimal Deep Tech. Según relata el propio artista, Mahony le comentó que llevaba tiempo siguiendo su música y esperaba encontrar la producción indicada para incorporarla al catálogo del sello. La firma de este lanzamiento representa, para Zaren, un motivo de orgullo y un reconocimiento al trabajo que ha desarrollado durante los últimos años.  



La respuesta del público y el desempeño en los rankings de Beatport han añadido un nuevo capítulo a la historia de Solo EP, posicionándolo entre los lanzamientos destacados de su género y ampliando la visibilidad internacional de Zare



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Zaren presenta “Solo” EP firmado en  Take Notes Trax y conquista Beatport 

ANNA regresa a Argentina para reencontrarse con el público local en dos fechas consecutivas. La artista brasileña se presentará el sábado 31 de octubre en Neuquén y el domingo 1 de noviembre en Río Electronic Music, Buenos Aires, en el marco de una nueva gira por Sudamérica.



Considerada una de las figuras más destacadas del techno internacional, ANNA construyó una trayectoria que la llevó desde la escena electrónica brasileña hasta algunos de los escenarios más importantes del mundo. Su propuesta musical combina la potencia del techno con elementos melódicos y una identidad sonora que evolucionó a lo largo de los años.



Con presentaciones en clubes y festivales de referencia a nivel global, la productora logró consolidar un estilo propio, caracterizado por construcciones progresivas, atmósferas envolventes y una selección musical que mantiene un equilibrio entre intensidad y profundidad.



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Su recorrido también incluye colaboraciones y trabajos junto a reconocidos artistas de la industria como Vintage Culture, Len Faki, Kölsch y Adam Beyer, reflejando su versatilidad y su capacidad para explorar diferentes vertientes de la música electrónica.



A lo largo de su carrera, ANNA también amplió su universo creativo, incorporando nuevas influencias y explorando sonidos que van más allá del techno tradicional. Esta evolución le permitió conectar con diferentes públicos y mantenerse como una de las artistas más relevantes de la escena contemporánea.



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El regreso a Argentina tendrá dos paradas. La primera será el sábado 31 de octubre en Neuquén, mientras que la segunda llegará el domingo 1 de noviembre a Buenos Aires, donde será protagonista de una nueva edición de Río Electronic Music.



La presentación en la capital argentina ofrecerá la oportunidad de disfrutar de su propuesta en un formato club, con una experiencia centrada en la conexión entre la artista y la pista de baile.



Las entradas para ambas presentaciones se encuentran disponibles a través de Bombo.

ANNA regresa a Argentina con dos presentaciones en Neuquén y Buenos Aires

Hay artistas cuya trayectoria también ayuda a contar la transformación de una escena. Paula Chalup forma parte de la historia de la música electrónica brasileña desde los años 90, acompañando desde las cabinas la consolidación de la cultura clubber en el país. A lo largo de tres décadas, construyó una carrera entre el House y el Techno que pasó por algunos de los principales clubs y festivales de Brasil y llegó también a Europa, con presentaciones en espacios como Fabric, The End, Turnmills y Brixton Academy, en Londres.



En 2026, Paula celebra 30 años de carrera y, en septiembre, cumple 50 años en un momento especialmente enfocado en nuevos caminos. Además de mantenerse activa como DJ y productora, su investigación en audio inmersivo y Dolby Atmos adquirió una nueva dimensión con su llegada a Visualfarm, empresa brasileña especializada en la creación de experiencias que combinan arte, tecnología, proyecciones, láseres, drones y entornos inmersivos. Allí, trabaja para acercar este universo tecnológico al mercado de la música, especialmente a artistas, festivales y otros proyectos vinculados con la escena electrónica.



Actualmente, Paula continúa ampliando su trabajo más allá de la cabina, combinando su experiencia como DJ y productora con nuevas áreas vinculadas con la tecnología y las experiencias inmersivas. En conversación con DJ Mag Latinoamérica, habla sobre este momento, su trabajo en Visualfarm, los proyectos que viene desarrollando y los próximos pasos de su carrera. A continuación, la entrevista.



DJ Mag Latinoamérica: ¡Hola, Paula! ¿Cómo estás? Antes que nada, 2026 es un año muy simbólico para ti: son 30 años de carrera y, en septiembre, cumples 50 años. ¿Cómo se siente llegar a estos dos momentos al mismo tiempo? ¿Qué pasa por tu cabeza cuando miras todo lo que construiste hasta aquí?



Paula Chalup: Muy bien, ¡gracias por la invitación! Es muy especial llegar a estos dos momentos al mismo tiempo. Cumplir 30 años de carrera me hace mirar hacia atrás con mucha gratitud por todo lo que viví, por las personas que conocí y por todo lo que la música me dio. Y cumplir 50 años también es un momento muy bonito para reconocer mi trayectoria y la mujer en la que me convertí.



Cuando miro todo lo que construí, siento orgullo, principalmente porque fue un camino con desafíos y que exigió mucha dedicación. Pero también siento que todavía hay mucho por vivir y realizar. Quiero celebrar esta historia con cariño y, al mismo tiempo, seguir abierta a los próximos capítulos.



DJ Mag Latinoamérica: Comenzaste tu carrera en un momento muy diferente para la música electrónica en Brasil y desde entonces acompañaste muchos cambios. ¿Qué crees que fue esencial para poder mantenerte activa y reinventarte durante tantos años?



Creo que lo esencial fue seguir siendo curiosa y apasionada por lo que hago. La música electrónica cambió muchísimo en estos 30 años: cambiaron la escena, la tecnología, los espacios e incluso la forma de conectar con el público. Traté de acompañar esas transformaciones sin perder mi identidad.



También aprendí a no tener miedo de cambiar, experimentar o comenzar nuevos capítulos cuando siento que es necesario. Cada etapa trajo desafíos, pero también nuevas posibilidades. Y, por encima de todo, el cariño del público y las ganas de seguir haciendo música siempre me dieron fuerzas para continuar.



DJ Mag Latinoamérica: Hoy, una de las grandes novedades de tu carrera es tu trabajo dentro de Visualfarm. Para quienes todavía no conocen esta faceta, ¿puedes contar un poco qué haces allí y cómo entra tu experiencia en la música electrónica dentro de ese proceso?



En Visualfarm trabajo como curadora de eventos y también en el área comercial de los productos de la empresa. Desde la curaduría, pienso en cómo crear experiencias que conecten el proyecto con el público. En el área comercial, ese contacto más directo me ayuda a entender qué buscan y qué valoran las personas. Mi experiencia en la música electrónica aporta mucho a este trabajo, porque me enseñó a percibir la energía del público, crear conexiones y pensar en experiencias que permanezcan en la memoria. Me gusta esa combinación entre creatividad, relaciones y realización.



DJ Mag Latinoamérica: Visualfarm trabaja con recursos como drones, láseres, proyecciones y diferentes experiencias visuales. Ahora también ayudas a acercar estas posibilidades a festivales, artistas y proyectos musicales. ¿Qué crees que puede aportar este encuentro entre música y tecnología al público?



Uno de los trabajos que realicé en Visualfarm, junto con el equipo, fue una acción privada para anunciar a Mercado Pago como nuevo patrocinador de The Town. Participé tanto en la atención como en la realización del proyecto, que contó con un show de drones, mapping y láseres. Fue muy especial formar parte de ese proceso y contribuir a que el anuncio de la alianza se transformara en una experiencia memorable para los invitados. Creo que es un buen ejemplo de cómo la tecnología, la creatividad y el trabajo en equipo pueden crear momentos que permanecen en la memoria del público.



<figure class="wp-block-image size-full"><a href="https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2026/10/Mercado-Pago-e-The-Town-Acao-Drones-1-1024x683-1.jpeg"><img loading="lazy" decoding="async" width="1024" height="683" src="https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2026/10/Mercado-Pago-e-The-Town-Acao-Drones-1-1024x683-1.jpeg" alt="" class="wp-image-1173163" srcset="https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2026/10/Mercado-Pago-e-The-Town-Acao-Drones-1-1024x683-1.jpeg 1024w, https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2026/10/Mercado-Pago-e-The-Town-Acao-Drones-1-1024x683-1-300x200.jpeg 300w, https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2026/10/Mercado-Pago-e-The-Town-Acao-Drones-1-1024x683-1-768x512.jpeg 768w, https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2026/10/Mercado-Pago-e-The-Town-Acao-Drones-1-1024x683-1-212x140.jpeg 212w, https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2026/10/Mercado-Pago-e-The-Town-Acao-Drones-1-1024x683-1-950x634.jpeg 950w" sizes="auto, (max-width: 1024px) 100vw, 1024px" /></a></figure>



DJ Mag Latinoamérica: Antes de llegar a Visualfarm, ya venías trabajando e investigando bastante sobre audio inmersivo y Dolby Atmos. ¿Qué despertó ese interés por pensar el sonido más allá del formato tradicional que conocemos en clubs y festivales?



Mi interés por el audio inmersivo nació de la curiosidad por explorar nuevas formas de sentir y percibir la música. Después de tantos años trabajando con sonido en clubs y festivales, empecé a preguntarme qué pasaría si la experiencia sonora pudiera envolver al público por completo, en lugar de llegar desde una sola dirección, como estamos acostumbrados en el formato tradicional.



Dolby Atmos me llamó la atención precisamente porque abre esa posibilidad: crear espacio, movimiento y profundidad en el sonido, haciendo que la persona entre en la experiencia. Me gusta investigar estos nuevos lenguajes y entender cómo pueden ampliar la conexión emocional con la música, sin reemplazar la energía única de un club o un festival.



DJ Mag Latinoamérica: Dentro de este nuevo momento también está el Visualfarm Gymnasium, un espacio en São Paulo creado para desarrollar experiencias inmersivas reuniendo sonido, imagen y diferentes tecnologías en un mismo entorno. ¿Qué permite crear un lugar así para la música electrónica que sería más difícil desarrollar en una pista o en un festival tradicional?



Un espacio como Visualfarm Gymnasium permite pensar la música electrónica de una manera diferente, porque allí el público no está simplemente frente a un escenario: está dentro de la experiencia. El sonido puede trabajarse de forma inmersiva, envolviendo a las personas y creando una sensación de espacio y movimiento, mientras las imágenes y los recursos tecnológicos dialogan con la música.



En una pista o en un festival tradicional, la energía del público y la fuerza del show son fundamentales. En el Gymnasium también existe una mayor libertad para experimentar con la relación entre audio, imagen y espacio y pensar todo eso como una sola experiencia. Para mí, esto abre caminos muy interesantes para la música electrónica: puede ser escuchada, sentida y vivida de otras maneras, sin perder la conexión emocional que sucede cuando estamos juntos alrededor de la música.



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DJ Mag Latinoamérica: Y hablando de Paula como DJ y productora, ¿qué está despertando tu curiosidad musical hoy? Después de tantos años investigando House, Techno y diferentes vertientes, ¿qué te sigue impulsando a descubrir nuevos sonidos?



Últimamente, he estado investigando bastante las bandas sonoras de series y también me gusta mucho ir a festivales. ¡Y estoy muy entusiasmada porque viene Jeff Mills! Su trabajo es una gran referencia para mí, así que poder ver su presentación va a ser muy especial. Estas experiencias alimentan mi curiosidad y hacen que siga descubriendo sonidos, atmósferas e ideas nuevas que también puedo llevar a mi trabajo como DJ y productora.



DJ Mag Latinoamérica: Para cerrar, sueles decir que tus 30 años de experiencia sirven como base para inventar el futuro. Cuando miras hacia los próximos años, ¿qué te gustaría todavía crear, experimentar o realizar a través de la música? ¡Gracias!



Quiero seguir permitiéndome experimentar y descubrir nuevos caminos. Después de 30 años de carrera, toda la experiencia que acumulé es una base importante, pero no quiero que se transforme en una fórmula. Quiero utilizarla para crear con libertad y curiosidad.



Quiero seguir explorando nuevas relaciones entre música, tecnología e imagen, además de continuar investigando sonidos y referencias que me sorprendan. También quiero crear y vivir experiencias que acerquen a las personas a la música de maneras diferentes. Más que llegar a un lugar específico, quiero seguir en movimiento, aprendiendo y pensando en el futuro a partir de todo lo que todavía me inspira.

Paula Chalup: 30 años de música electrónica con la mirada puesta en el futuro

Amsterdam Dance Event (ADE) concluyó su edición 2026, marcada por la celebración de su 30º aniversario y una programación que volvió a reunir a la industria internacional de la música electrónica durante cinco días. Tras el cierre de esta edición especial, la organización confirmó que ADE 2027 tendrá lugar del 20 al 24 de octubre, nuevamente en la capital neerlandesa.



Desde su creación en 1996, ADE se ha consolidado como uno de los principales puntos de encuentro para artistas, sellos discográficos, promotores y profesionales del sector. Este año, el evento reunió a cerca de 4.000 artistas en más de 300 espacios, combinando presentaciones musicales, conferencias, instalaciones artísticas y experiencias que exploraron la relación entre la electrónica y otras disciplinas culturales.



La programación se extendió por escenarios emblemáticos como Gashouder, Paradiso, Melkweg, Ziggo Dome, Club RAUM y Shelter, además de incorporar espacios menos convencionales como ARTIS Aquarium, Wereldmuseum y Fabrique des Lumières.



Entre los momentos destacados estuvo Swan Lake Remixed, una colaboración entre el Ballet Nacional Neerlandés e ISH Dance Collective que reinterpretó el ballet clásico desde una perspectiva contemporánea. También sobresalió la presentación de Kybba junto a Metropole Orkest en Melkweg y el espectáculo multidisciplinario EINDER, de Boris Acket, en colaboración con la Royal Concertgebouw Orchestra.



<h2 class="wp-block-heading">Jean-Michel Jarre, inteligencia artificial y nuevas perspectivas</h2>



Uno de los protagonistas de esta edición fue Jean-Michel Jarre, reconocido como invitado de honor del 30º aniversario. El pionero francés participó en conversaciones sobre inteligencia artificial y sonido espacial en Felix Meritis, además de presentar un espectáculo audiovisual en AFAS Live.



Por su parte, ADE Lab amplió su propuesta con dos programas orientados al desarrollo de nuevos talentos: ADE Lab Discovery, de acceso gratuito, y ADE Lab On Track, enfocado en la formación profesional.



Otra de las novedades fue el lanzamiento del primer Nighttime Culture Index, desarrollado junto a VibeLab. La iniciativa analiza la actividad cultural nocturna a escala internacional a partir de más de 12.000 lineups, 3.000 espacios y cerca de 30.000 eventos, con el objetivo de comprender el impacto y la evolución de las escenas musicales.



<h2 class="wp-block-heading">ADE 2027 ya tiene fecha</h2>



Con tres décadas de historia, Amsterdam Dance Event continúa ampliando su alcance más allá de los clubes y festivales, integrando tecnología, arte contemporáneo y nuevas conversaciones sobre el futuro de la industria musical.



La organización adelantó que durante los próximos meses se anunciarán nuevas iniciativas vinculadas a la celebración de sus 30 años.



Mientras tanto, la próxima edición ya tiene lugar en el calendario: del 20 al 24 de octubre de 2027, cuando Ámsterdam volverá a convertirse en uno de los principales puntos de encuentro de la música electrónica mundial.



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Amsterdam Dance Event celebra 30 años y confirma las fechas de su edición 2027

El próximo 28 de noviembre, Nick Warren regresará a la Argentina para presentarse en San Miguel de Tucumán, donde encabezará una nueva edición de Proyecto Aborigen en el Palacio de los Deportes. La fecha marcará un nuevo capítulo en la historia de una plataforma que, desde sus comienzos en 2004, contribuyó al crecimiento de la escena electrónica en el norte del país.



Con más de tres décadas de trayectoria, Warren es uno de los nombres fundamentales del progressive house. Nacido en Bristol, Inglaterra, alcanzó reconocimiento internacional durante los años noventa gracias a su vínculo con Massive Attack, su participación en el dúo Way Out West y sus entregas para la emblemática serie Global Underground.



Su identidad musical, construida alrededor de las mezclas progresivas, las atmósferas envolventes y una narrativa sonora que trasciende géneros, lo convirtió en una figura de referencia para distintas generaciones de seguidores de la música electrónica.



Además de su recorrido como DJ y productor, Warren desarrolló una importante actividad discográfica a través de proyectos como Hope Recordings y The Soundgarden, su sello y plataforma dedicada a conectar artistas, música y experiencias alrededor del mundo.



En 2026, el británico sumó nuevos reconocimientos a su trayectoria, incluida una nominación al Latin Grammy por su colaboración con el dúo argentino Peces Raros y su distinción como Visitante Distinguido de Rosario.



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<h3 class="wp-block-heading">Proyecto Aborigen: 22 años construyendo escena desde Tucumán</h3>



La llegada de Nick Warren también representa un nuevo hito para LaBoiteClub y Proyecto Aborigen, dos iniciativas que llevan más de dos décadas trabajando en el desarrollo de la música electrónica en el norte argentino.



La historia comenzó en 2004, con la apertura de LaBoiteClub en el microcentro de San Miguel de Tucumán. En una época en la que las grandes figuras internacionales concentraban buena parte de sus presentaciones en Buenos Aires, el proyecto comenzó a construir un circuito propio que, con el paso de los años, trascendió las fronteras provinciales.



Su crecimiento dio origen a Proyecto Aborigen, un formato itinerante de eventos que permitió ampliar la escala de sus producciones y convocar a algunos de los nombres más importantes de la escena internacional.



Boris Brejcha, John Digweed, Nina Kraviz, Sasha, Guy J, Korolova, Deborah De Luca y Stephan Bodzin son algunos de los artistas que formaron parte de su programación a lo largo de los años.



Con público proveniente de Santiago del Estero, Salta, Jujuy, Catamarca y otras provincias, el ciclo logró consolidarse como uno de los espacios de referencia para la música electrónica de la región.



Más allá de sus convocatorias, su trayectoria refleja el crecimiento de una escena que desarrolló una identidad propia y encontró nuevas oportunidades para conectar al público del interior argentino con artistas internacionales.



<h3 class="wp-block-heading">Una nueva etapa para el Palacio de los Deportes</h3>



La presentación tendrá lugar en el Palacio de los Deportes de San Miguel de Tucumán, ubicado en el Parque 9 de Julio.



Inaugurado en 1977, el recinto fue durante décadas uno de los principales escenarios deportivos y culturales de la provincia, con capacidad para más de 5.000 espectadores y antecedentes de conciertos de artistas como Soda Stereo.



Tras permanecer fuera de funcionamiento durante años, el espacio inició un proceso de recuperación en 2024 para volver a recibir espectáculos de gran convocatoria.



Su incorporación a la programación de Proyecto Aborigen representa una nueva etapa para el circuito de eventos electrónicos de Tucumán, ampliando las posibilidades de producción en la provincia.



<h3 class="wp-block-heading">Una noche que conecta generaciones</h3>



La programación del 28 de noviembre se completará con Alejo Fochi, representante de Santiago del Estero, y Nicolás Viana, DJ tucumano que formará parte de esta nueva edición.



La combinación de artistas internacionales y talentos regionales responde a una de las características que Proyecto Aborigen mantuvo a lo largo de su historia: generar espacios de encuentro entre distintas generaciones y escenas musicales.



Con Nick Warren como protagonista, la próxima edición celebrará tanto el presente del progressive house como el recorrido de un proyecto que lleva 22 años contribuyendo al desarrollo de la cultura electrónica en el norte argentino.



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