Después de más de una década recorriendo clubes y festivales de todo el mundo, Bastian Bux comenzó a replantearse su relación con la pista. El DJ y productor barcelonés encontró en esa búsqueda el punto de partida para Petit Comité of House, un proyecto que nació como fiesta y que hoy también funciona como sello y comunidad.



Con presencia en distintas ciudades y un catálogo que ya dejó varios lanzamientos destacados en Beatport, Petit Comité propone volver a poner la experiencia del público en el centro. En conversación con DJ Mag Latinoamérica, Bux reflexiona sobre el crecimiento del proyecto, su idea de “proper house music” y el renovado valor de la intimidad dentro de la cultura de club.



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1. Después de más de una década recorriendo clubes y festivales de todo el mundo, ¿en qué momento empezaste a sentir que necesitabas volver a una experiencia más íntima y conectada con la pista?



Fue después de uno de mis shows en una gira por América. El bolo había ido bien. Era un evento gigante y lleno de gente, pero al llegar al hotel me vino a la cabeza algo de lo que no había sido consciente hasta ese momento, como una especie de revelación, y me derrumbé.



Pensé: «Bueno, estoy cumpliendo mis sueños tal y como los imaginaba: viajo, toco en estos escenarios delante de miles de personas… Pero si pienso como clubber, como persona que se enamoró de la música electrónica en clubes y en formatos diferentes, yo no vendría a ninguno de estos lugares, no escucharía esta música y no me seguiría a mí mismo como artista».



Ahí me di cuenta de que necesitaba darle la vuelta a esta situación.



2. Petit Comité of House nació, en parte, como respuesta a una cultura de club cada vez más atravesada por los grandes nombres y la espectacularidad. ¿Qué sentías que se estaba perdiendo del espíritu original del house?



Sentía que se estaba perdiendo un poco la sencillez. Cuando empecé a salir, lo que me ilusionaba era ir con mis amigos a un sitio con buen sonido, buen ambiente y música que nos hiciera bailar y pasarlo bien. No necesitaba nada más. No queríamos este nombre o aquel; íbamos a un lugar que cumplía unas premisas básicas. Y había algo muy especial en compartir eso con desconocidos que buscaban lo mismo.



Eso es lo que yo echaba de menos: la alegría, la conexión en lo sencillo y sentirme a gusto en una pista sabiendo que lo básico está garantizado. No creo que haya desaparecido, pero sí sentía que a veces se quedaba en segundo plano entre tantas expectativas sobre quién toca o lo espectacular que va a ser una fiesta. Para mí, el espíritu del house tiene mucho que ver con cómo nos sentimos juntos en la pista y no tanto con todo lo que hay alrededor.



Petit Comité nació de querer volver a poner esa sensación en el centro. Hacer una fiesta a la que yo también quisiera ir como público y producir la música que me gustaría escuchar allí. Más que intentar cambiar nada, necesitaba volver a disfrutar de esa parte de la música de la que me había enamorado.



3. El proyecto empezó como una fiesta y hoy también funciona como sello y comunidad, con presencia en distintas ciudades. ¿Cómo hacés para crecer sin perder justamente esa cercanía que está en el origen de Petit Comité?



Creo que hay que crecer al ritmo al que puedes seguir cuidando la experiencia. Llevar Petit Comité a otra ciudad o hacer una fiesta más grande me hace ilusión, pero solo si podemos mantener aquello por lo que empezamos. Si para dar ese paso tenemos que renunciar a eso, preferimos no darlo.



Para mí, lo de «petit comité» tiene más que ver con sentirte entre los tuyos que con ser pocos. Esa sensación de llegar a un sitio y pensar «aquí estoy a gusto, esta es mi gente» puede existir en un grupo pequeño y también en una comunidad mucho más grande. No creo que haya un número de personas a partir del cual sea imposible, pero sí formatos en los que nosotros no podríamos garantizarlo.



Por eso también hay que saber decir que no. No todas las oportunidades tienen sentido para nosotros, aunque desde fuera puedan parecer un gran paso. Queremos llegar a más gente, claro, pero no a costa de dejar de hacer la fiesta a la que nosotros mismos querríamos ir.



4. Durante tu carrera siempre te moviste con libertad entre distintas vertientes del house, desde sonidos funky y disco hasta el minimal y el tech house. ¿Qué significa para vos hablar de “proper house music” en 2026?



Si te soy sincero, ese statement de «proper house music», o lo de «house, house», es más bien una pequeña licencia que me he tomado. Soy cero presuntuoso con ello, pero es la forma en la que hablo con mis amigos cuando describo el house al que me refiero.



Hoy en día se le llama house a cualquier cosa. Muchas de esas cosas podrían llamarse electro e incluso EDM. Yo, cuando hablo de house, me refiero a un tipo muy específico, crudo y clásico: el que escuchaba a finales de los 90. Podría llamarlo soulful, french, filtered o incluso prog funk, pero es que es eso y muchas cosas más.



Así que lo llamo «proper house music» porque, para mí, es el house de verdad, sin coletillas. Pero no soy yo el dueño de las etiquetas ni pretendo serlo. Es simplemente una definición de uso personal.



5. El sello también encontró rápidamente su lugar, con varios lanzamientos destacados en Beatport y “Only U” alcanzando el #1 en distintas ocasiones. ¿Qué buscás en un track para sentir que representa el universo de Petit Comité?



Lo primero que busco es que sea «house, house». ¡Jajajajaja! Bromas aparte, sí que lo primero en lo que me fijo es que tenga ese color, que tenga sentido dentro del universo sonoro en el que ubico mentalmente a Petit Comité.



Sé que ese universo se expande, así que no tengo una definición muy precisa de lo que cabe en él. Simplemente lo sé al escucharlo. Y luego lo que marca la diferencia es tener ganas de pincharlo y escucharlo. Si tengo ganas de ponerlo en mis sets, entonces lo quiero para Petit.



6. Después de haber pasado por escenarios como Tomorrowland, Space Ibiza y grandes producciones junto a elrow, ahora volvés a poner el foco en espacios más reducidos y en la conexión directa con el público. ¿Sentís que la cultura de club está entrando en una etapa en la que la intimidad vuelve a tener valor?



Sí, precisamente por lo que te comentaba antes sobre las prioridades reales de la gente. A veces algunos colegas míos se enfadan cuando digo esto, pero lo creo de verdad: una gran parte del público que sale de fiesta a nuestros shows no tiene ni idea de quién es quién, ni de las jerarquías de la industria, ni de qué significa publicar aquí o allí, ni de si este artista tocó en la fiesta de no sé quién.



Lo que tienen claro todos los que pagan una entrada es que quieren pasárselo bien, quieren tener una buena experiencia, quieren rodearse de buena gente. Eso es lo principal, por encima de lo mucho o poco que sepan sobre la industria de la música electrónica.



Y reconocer eso no significa menospreciar al público ni cuestionar su cultura musical. Significa recordar que, antes que cualquier otra cosa, estamos hablando de personas y que nuestra industria no debería olvidarse de eso.



Cuidar todo esto es mucho más sencillo desde una perspectiva de club y es por ello que creo que la intimidad vuelve a ser un valor buscado. Pero, como decía antes, no es imposible cuidar esos básicos en entornos más grandes.



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La mirada de Bastian Bux sobre el presente del house parte menos de una cuestión de escala que de prioridades. Petit Comité puede crecer, llegar a nuevas ciudades y ampliar su comunidad, pero con una premisa clara: conservar esa sensación de pertenencia y conexión que dio origen al proyecto.



En ese recorrido, Bux parece haber encontrado también una forma de reconciliarse con aquello que lo llevó a la música electrónica en primer lugar. Más allá de los grandes escenarios, las etiquetas o las jerarquías de la industria, su búsqueda vuelve a lo esencial: buena música, una pista y personas con ganas de compartirla.

Bastian Bux: volver a poner la pista en el centro

Con el Global Dance Radio Chart publicado por Billboard como referencia, una emisora pequeña puede ocupar un lugar enorme en la vida de sus oyentes. <a href="https://www.billboard.com/charts/warm-global-dance-radio/">Consulta aquí</a> el chart de esta semana.



En un ecosistema musical donde cada día se multiplican los lanzamientos y las recomendaciones automatizadas, la confianza en quien selecciona la próxima canción adquiere otro valor. Para Jesper Skibsby, fundador y CEO de World Airplay Radio Monitor (<a href="https://bit.ly/47gTBZC">WARM</a>), las radios especializadas y comunitarias están ganando atención precisamente por esa capacidad: conectar una identidad musical definida con públicos que regresan, escuchan y confían. Su lectura plantea una pregunta para la industria: ¿cuánta influencia queda fuera del radar cuando solo se observa a las grandes cadenas?



Para profundizar en estos temas y analizar las tendencias que están marcando el rumbo del mercado, Nazen Carneiro conversó con <a href="https://bit.ly/47gTBZC">Jesper Skibsby</a> en exclusiva para DJ Mag Latinoamérica. Fundada en Copenhague en 2017, WARM convierte las reproducciones radiofónicas en información para artistas, sellos y profesionales del sector. Uno de sus principales puntos de referencia es el Global Dance Radio Chart, que Billboard comenzó a publicar en marzo de 2026. Elaborado con datos de más de 200 emisoras especializadas de más de 30 países, el ranking ofrece una perspectiva internacional sobre la circulación de la música electrónica y permite observar qué repertorios consiguen sostener su presencia en la programación. 



En esta conversación, realizada en la primera semana de septiembre de 2026, Skibsby identifica al house y al tech house como pilares del chart y destaca la presencia de sellos independientes entre sus primeras posiciones. Sin embargo, los patrones globales conviven con realidades locales muy distintas. Mientras señala el papel de las emisoras públicas europeas y la concentración empresarial estadounidense, describe una América Latina diversa, donde una canción puede dominar la radio de un país y apenas sonar en el vecino.  WARM presenta un programa de radio semanal dedicado al Top 20 del Global Dance Radio Chart en español y puedes escuchar aqui.



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¿Cuáles son los mayores cambios que estás observando actualmente en la radio a escala global?



Percibo un interés creciente por las radios especializadas y comunitarias frente a las grandes emisoras comerciales. Me parece que la curaduría, en general, está cobrando más relevancia que nunca. Con el aumento constante de la música que se publica en las plataformas digitales, la selección musical y los prescriptores de confianza son cada vez más importantes para quienes buscan las canciones adecuadas para sus playlists.



¿Qué países o regiones están mostrando el crecimiento o los cambios más interesantes en las reproducciones radiofónicas?



No sabría decirlo, pero algo que suele olvidarse es que la música se consume de formas muy distintas según el país. En Estados Unidos, los autos nuevos vienen equipados con radio satelital a través de SiriusXM, que millones de personas utilizan a diario en sus desplazamientos al trabajo.



¿Qué géneros o sonidos están ganando más terreno en las radios de todo el mundo en este momento?



Si observamos nuestro Global Dance Radio Chart de esta semana, el tech house y el house son claramente la columna vertebral de la radio en este momento. Canciones como “Free Your Mind”, de Prospa y Cloonee, y “Talk To You”, de ANOTR, llevan semanas ocupando las dos primeras posiciones, y todo el top 10 está dominado por ese sonido house y tech house de sellos como CircoLoco, Defected y Solotoko.



Lo más interesante es la segunda capa que aparece por debajo: nombres consolidados del big room y la electrónica melódica, como Swedish House Mafia, Guetta, Alesso, Kygo y Armin van Buuren, están recuperando posiciones junto a una ola de cruces entre pop y dance que reúnen a DJs con vocalistas de pop. Eso me indica que la radio está volviendo a premiar las canciones, no solo las producciones. También está abriéndose paso en la zona media del ranking una corriente con influencias afro-tech y amapiano: temas que incorporan ritmos africanos al house y consiguen entrar de forma sostenida, en lugar de aparecer como casos aislados.



¿Estás observando diferencias significativas entre las tendencias radiofónicas de Europa, Estados Unidos, América Latina y otros mercados emergentes?



Sí, y las diferencias son estructurales, no solo una cuestión de gustos. Europa sigue contando con emisoras públicas fuertes que apoyan activamente la música nueva y local. Eso mantiene vivo el descubrimiento de una manera que no ocurre en los mercados puramente comerciales, y nuestro chart está lleno de sellos europeos de house y tech house que dominan ese espacio.



Estados Unidos está dominado por unos pocos grandes grupos y por la radio satelital, por lo que abrirse camino suele depender de convencer a un número reducido de responsables de programación. Eso explica, en parte, por qué las colaboraciones dance cercanas al pop con vocalistas estadounidenses suelen tener más recorrido allí.



América Latina presenta una dinámica mucho más regional: una canción puede dominar las reproducciones de un país y estar prácticamente ausente en el de al lado. Los mercados emergentes, especialmente en África, son donde estamos viendo los cambios más rápidos en este momento, tanto en infraestructura como en la música que se programa. Eso se refleja en nuestro chart con temas influidos por el afro-tech y el amapiano que suben de manera sostenida, en vez de alcanzar un pico y desaparecer.



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¿Cómo está cambiando la relación entre las reproducciones en radio y el streaming? ¿La radio todavía tiene el poder de impulsar una canción a escala global?



La radio y el streaming están cada vez más entrelazados; no han perdido importancia el uno para el otro. El streaming ofrece las primeras señales, pero la radio sigue siendo lo que lleva una canción del éxito de nicho al reconocimiento masivo, especialmente fuera de las grandes ciudades y de la burbuja guiada por algoritmos en la que ocurre buena parte del descubrimiento en streaming.



Diría que la radio quizá haya perdido su papel como principal impulsora inicial de canciones, pero ha ganado mucha más importancia como instancia de validación y prescriptora de confianza. Cuando una emisora incorpora un tema a su programación, este suele llegar a un público al que el streaming por sí solo no alcanza, especialmente cuanto más de nicho es la música.



¿Qué revelan los datos sobre el acceso de artistas y sellos independientes a la radio frente a los lanzamientos de las grandes discográficas?



Medimos directamente la cuota de mercado de los sellos en nuestros charts, y los independientes están consiguiendo una proporción de las reproducciones en radios de música electrónica considerablemente mayor de lo que muchos profesionales de la industria imaginan.



Actualmente, el top 10 de nuestro Global Dance Radio Chart incluye a CircoLoco, No Art, DANSA, Make The Girls Dance y Empire: sellos independientes que compiten de igual a igual con las grandes discográficas en lo más alto, no solo entre los temas con menor difusión. Las majors siguen dominando en volumen, pero los independientes están logrando una presencia destacada en espacios clave, especialmente en radios especializadas y comunitarias. Eso nos devuelve a lo que comentaba sobre la creciente importancia de la curaduría.



¿Qué tendencia global de la radio estás viendo en los datos que crees que el conjunto de la industria musical está pasando por alto?



La industria sigue hablando de la radio como un medio del pasado en declive, pero los datos no respaldan esa idea. Lo que está ocurriendo es una fragmentación, no un declive: la radio se está repartiendo entre miles de emisoras especializadas y comunitarias, cada una con audiencias muy comprometidas y fieles, en lugar de unos pocos gigantes que llegan a todo el mundo.



Buena parte de la industria sigue organizada para medir únicamente a esos gigantes y está dejando fuera el alcance y la influencia que acumulan todas esas emisoras pequeñas, así como la importancia de los públicos más reducidos y comprometidos que escuchan radios especializadas. Es un poco como comparar a los fans con los superfans.



De cara a los próximos tres años, ¿cuáles crees que serán los mayores cambios en la radio y en su papel dentro del descubrimiento musical?



Espero que la radio profundice en su función como filtro de confianza, en lugar de intentar competir con el streaming en volumen o velocidad. La programación basada en datos seguirá creciendo, con emisoras que utilicen información real sobre reproducciones y audiencias para decidir qué emitir, en lugar de guiarse únicamente por la intuición.



También creo que veremos vínculos más estrechos y formales entre los rankings radiofónicos y el conjunto de la industria, similares al que ya tenemos con Billboard a través del Global Dance Radio Chart, porque el sector necesita una fuente global y confiable que refleje lo que realmente está sonando en la radio.

Audiencias fieles, influencia global: la fuerza de las radios especializadas

MUTEK.AR regresa a Buenos Aires para celebrar su Edición 8 del 7 al 11 de octubre. Durante cinco días, el festival desarrollará una programación que cruza música electrónica, arte digital, performance, luz y tecnología a través de diferentes espacios de la ciudad, entre ellos el Teatro San Martín, el Teatro Colón, Artlab, Deseo, el Planetario Galileo Galilei y La Nube.



La programación reúne artistas de Argentina y la escena internacional, con nombres como Satoshi Tomiie, Barem, Dana Ruh, Myriam Bleau, NVST, Klauss, Carlos Alfonsín, Manami Sakamoto & Yuri Urano, Studio Lemercier y Paula OS, entre otros.



El recorrido comenzará el miércoles 7 de octubre en el Teatro San Martín con A/Visions, el programa audiovisual insignia de MUTEK. Klauss se unirá a Martín Huberman & El Estudio Normal para presentar un concierto A/V acompañado por el estreno de La Joya, una instalación construida a partir de 60 ópticas de automóviles. La canadiense Myriam Bleau completará la jornada con Hypermobility, una performance que combina electrónica y proyecciones láser volumétricas.



El jueves 8, Experimenta Lab llegará al Centro de Experimentación del Teatro Colón con Heidi Giel & Manu Schaller y una propuesta que conecta piano, Rhodes, acordeón procesado, theremin y sintetizadores. Ese mismo día, el Side Programme del festival se extenderá a Comité 357 con obras de Arturo Peruzzotti, Constanza Schwartz y Matías Kroitor.



<h2 class="wp-block-heading">Del live electrónico a la pista de baile</h2>



El viernes 9, MUTEK.AR volverá a Artlab con Play, una jornada de casi diez horas enfocada en diferentes formas del live electrónico y audiovisual. Drune, Ana Vojnov, 555n / Gadi Sassoon y Koiwa formarán parte del programa, antes de que Dana Ruh lleve la noche hacia el formato DJ set y SKSSS cierre con un live. Los visuales estarán a cargo de artistas como Hernán Roperto, G4bit y Dana Cozzi.



El sábado 10, Artlab será también sede de Digi Lab, el espacio dedicado al intercambio de conocimiento alrededor de la creatividad digital, el arte sonoro y audiovisual, con actividades de acceso gratuito.



Por la noche, la programación se trasladará a Deseo para Nocturno, siete horas enfocadas en la música de pista. Carlos Alfonsín abrirá la jornada, seguido por el debut argentino de NVST, quien presentará un live atravesado por breakbeat, techno, acid e industrial. Dana Ruh continuará en formato DJ set y Satoshi Tomiie llevará al escenario una performance modular en vivo construida a partir de sintetizadores e instrumentos electrónicos.



La Joya, estrenada durante la apertura del festival, también se trasladará a Deseo para integrarse a la arquitectura industrial del espacio y convertirse en parte de la puesta lumínica de la noche.



<h2 class="wp-block-heading">Del Planetario a un cierre a cielo abierto</h2>



El domingo 11, Domo ocupará el Planetario Galileo Galilei con cuatro obras desarrolladas para su formato fulldome. Manami Sakamoto & Yuri Urano presentarán la première sudamericana de Metaract, mientras que Studio Lemercier hará lo propio con Nebulae. También regresará Log in to your Life, de Motia & Nait Saves, después de su paso por MUTEK Montréal, y Qoa & Joaquina S. estrenarán mundialmente una nueva obra concebida específicamente para el domo.



La Edición 8 culminará ese mismo domingo con Experience en La Nube, un cierre a cielo abierto que comenzará durante la tarde y avanzará progresivamente hacia la pista. Primeiro abrirá con un live entre ambient y electrónica experimental, seguido por la chilena Paula OS y el dúo argentino DIOM.



Ya entrada la noche, Satoshi Tomiie regresará al festival, esta vez en formato DJ set, mientras que Barem llevará al cierre su recorrido ligado al minimal techno y su histórica conexión con Minus, el sello de Richie Hawtin.



Nacido en Montreal en 2000, MUTEK se consolidó como una plataforma internacional dedicada a la creatividad digital, la música y las artes audiovisuales, con una red que actualmente desarrolla ediciones en distintos puntos del mundo. Su octava edición argentina vuelve a trasladar ese concepto a Buenos Aires, utilizando cada espacio como una parte activa de la experiencia y proponiendo cinco días para explorar distintas relaciones entre sonido, imagen, tecnología y arquitectura.

MUTEK.AR 2026 despliega su Edición 8 en seis espacios de Buenos Aires

Swedish House Mafia y Lykke Li presentaron el videoclip oficial de “Happiness Is So Sad”, su colaboración lanzada a finales de julio. Dirigida por Theo Lindquist junto a Jorge G. Camarena, la pieza fue filmada íntegramente con alrededor de 25 teléfonos durante una fiesta en una casa de Guadalajara, México.



Lejos de funcionar únicamente como una decisión estética, los teléfonos constituyen el eje narrativo del video. Cada dispositivo registra una perspectiva diferente de la misma noche, construyendo un relato fragmentado en el que ningún punto de vista ofrece una versión definitiva de lo sucedido.



En el centro de la historia aparece Benny, un adolescente que llega a la fiesta con la esperanza de besar a una chica de la que lleva años enamorado. Finalmente lo consigue, pero descubre poco después que, mientras para él el momento significó todo, para ella había sido simplemente un desafío. A su alrededor, el resto de los invitados atraviesa sus propias historias, reforzando la idea de que cada persona es protagonista de su noche y, al mismo tiempo, un personaje secundario en la experiencia de los demás.



El concepto nació a partir de la letra de Lykke Li y del propio título de la canción. Lindquist y el coautor Scott trabajaron sobre la nostalgia, la fugacidad de la felicidad y el concepto japonés mono no aware, asociado a la sensibilidad frente al carácter transitorio de las cosas.



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La producción buscó que las imágenes conservaran la espontaneidad de una fiesta real. Para evitar la presencia visible de un equipo tradicional de filmación, se instalaron cámaras de seguridad en distintos puntos de la casa para supervisar el rodaje de manera remota, mientras parte del equipo se mezcló entre los invitados. Cinco directores de fotografía locales registraron la acción con teléfonos y, al terminar la noche, se habían acumulado alrededor de 50 horas de material.



La única ruptura deliberada con ese naturalismo ocurre durante el beso. Para la escena, Lindquist recuperó una técnica estereoscópica que había experimentado más de quince años atrás y, junto al director de fotografía Diego Gilly, utilizó un sistema compuesto por varios teléfonos para otorgarle al momento una apariencia tridimensional. La imagen deja entonces de representar lo que ocurrió objetivamente para acercarse a cómo Benny conserva ese recuerdo.



“Happiness Is So Sad” fue estrenada a finales de julio y tuvo su presentación mundial junto a Zane Lowe en Apple Music 1. Durante el verano europeo, la canción también se convirtió en una presencia habitual en la residencia de Swedish House Mafia en Ushuaïa Ibiza.



Con su nuevo videoclip, Swedish House Mafia y Lykke Li trasladan el concepto emocional de la canción a una historia construida desde recuerdos parciales: una noche compartida por todos, pero vivida de manera diferente por cada uno.



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Swedish House Mafia estrena el videoclip de “Happiness Is So Sad” junto a Lykke Li

Henry Saiz continúa celebrando dos décadas de trayectoria con una nueva revisión de su catálogo. Esta vez, Hernan Cattaneo y Kevin Di Serna toman “We Are All”, uno de los primeros clásicos del productor español, para presentar una nueva versión que llega este 25 de septiembre a través de Natura Sonoris.



Publicado originalmente en 2008 por Paradigma Musik, “We Are All” ocupa un lugar particular dentro de la historia de Saiz. Fue además uno de los primeros tracks que despertó el interés de Cattaneo por su música, un vínculo que casi dos décadas después encuentra una nueva forma de cerrarse con esta colaboración junto a Kevin Di Serna.



El remix conserva la identidad deep progressive house del original mientras traslada su sonido al presente desde la visión conjunta de los dos productores argentinos. La reinterpretación se suma así al proyecto con el que Natura Sonoris está recuperando parte de los primeros trabajos de Saiz, algunos de ellos disponibles por primera vez en plataformas de streaming.



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La iniciativa se articula alrededor de dos álbumes que combinan piezas fundamentales de su catálogo con nuevas versiones realizadas por artistas de la escena progressive house contemporánea. Antes de “We Are All”, el proyecto presentó el remix de Mariano Mellino para “Madre Noche” y la reinterpretación de Eichenbaum de “The Rider”.



Con Cattaneo y Di Serna ahora al frente de una de sus composiciones más representativas, la celebración de los 20 años de Henry Saiz funciona no solo como una mirada hacia sus primeros años, sino también como una oportunidad para conectar ese repertorio con el sonido progressive actual.



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Hernan Cattaneo y Kevin Di Serna reversionan “We Are All” de Henry Saiz

Kevin de Vries vuelve a Argentina en un momento en el que su relación con el público local parece haber dejado atrás definitivamente la etapa de presentación. Después de varias visitas al país y de una carrera que lo llevó por algunos de los principales escenarios de la escena electrónica internacional, el productor y DJ alemán regresa para dos nuevas fechas: el 25 de septiembre en Córdoba y, un día más tarde, en Mandarine Park, Buenos Aires.



Su crecimiento durante los últimos años estuvo acompañado por la consolidación de un lenguaje propio dentro del techno melódico: ritmos de fuerte impacto, sintetizadores de gran carga emocional y una construcción de tensión pensada para la pista. Tracks como “Dance With Me” y “Metro”, junto con su recorrido dentro del universo Afterlife, fueron parte de una etapa que amplió considerablemente el alcance de su música y lo llevó a presentarse en festivales y clubes alrededor del mundo.



Este regreso tendrá, además, un componente especialmente preparado para Argentina. De Vries anticipa nueva música, edits e IDs inéditos para sus presentaciones, además de una producción visual diseñada para acompañar el show. En Buenos Aires compartirá fecha con Marian Ariss y Gueva, mientras que en Córdoba estarán también Marian Ariss, Nahs y Naza Valenzuela. Antes de volver a encontrarse con el público argentino, Kevin de Vries conversó con DJ Mag Latinoamérica.



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<h3 class="wp-block-heading">Pasaron varios años desde tus primeras visitas a Argentina. ¿Qué sentís que cambió en tu relación con el público local desde aquellos primeros shows?</h3>



Al principio, cada show se sentía un poco más como una presentación. Todavía estaba encontrando mi lugar y, de alguna manera, intentando demostrar quién era. Hoy existe un nivel de confianza mucho más profundo entre el público argentino y yo.



Eso me da más libertad para tomar riesgos, bajar la intensidad o dejar que una atmósfera se desarrolle durante más tiempo. Ya no se siente tanto como intentar causar una primera impresión, sino como continuar algo que fuimos construyendo juntos a lo largo de los años.



<h3 class="wp-block-heading">Volvés a Buenos Aires para una nueva presentación en Mandarine. ¿Qué hace especial a una noche de esta escala y qué estás preparando para este regreso?</h3>



Mandarine va a ser una fecha muy especial para mí. Lo que hace memorable a una noche así no es solamente la escala, sino ese momento en el que miles de personas conectan con la misma música al mismo tiempo.



Vamos a llevar nuestra propia producción, con lasers increíbles y un montaje enorme para el show. También estuve preparando nuevos IDs, edits y música inédita específicamente para esta noche en Buenos Aires. Siempre me gusta llevar algo nuevo a un show así y ver cómo cobra vida dentro de ese entorno.



<h3 class="wp-block-heading">Tu sonido evolucionó mucho durante los últimos años. ¿Qué es lo que más te entusiasma musicalmente en este momento y hacia dónde sentís que se está moviendo?</h3>



Ahora mismo estoy muy enfocado en mantener esa energía de alto impacto en la pista sin perder el costado emocional de mi música. Ese equilibrio siempre fue importante para mí.



Estoy disfrutando de combinar ritmos potentes y contundentes con un trabajo de sintetizadores más melódico, generando suficiente contraste para que un set pueda sentirse intenso sin volverse unidimensional. Para mí, la emoción todavía tiene que estar debajo de todo.



<h3 class="wp-block-heading">Si pudieras elegir un track de la historia de la música electrónica y decir “ojalá lo hubiera hecho yo”, ¿cuál sería?</h3>



“Café Del Mar” de Energy 52, en su versión original, definitivamente sería uno. Es casi un modelo de lo que puede ser la música electrónica emocional. La melodía es atemporal y, de alguna manera, sigue teniendo el mismo impacto en una pista después de todos estos años.



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“Knights of the Jaguar” de DJ Rolando sería otro. Ambos tienen ese equilibrio tan poco frecuente entre energía, emoción e identidad que hace que se sientan completamente atemporales.



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<h3 class="wp-block-heading">Tocás tanto en grandes festivales como en clubes y formatos más extensos. ¿Cuánto cambia tu manera de construir un set dependiendo del espacio?</h3>



La esencia de lo que toco se mantiene: ritmos contundentes, melodías y emoción. Pero la manera en la que construyo un set definitivamente cambia dependiendo del espacio.



En un escenario grande de festival, especialmente cuando el set es más corto, tenés que ser más directo y asegurarte de que la energía funcione frente a un público enorme. En un club, o durante un extended set, hay más espacio para ser paciente, ir más profundo y tomar algunos caminos inesperados. Me gusta mucho esa libertad porque permite que aparezcan diferentes facetas de mi sonido.



<h3 class="wp-block-heading">Si pensamos en 2036, ¿cómo imaginás que habrá cambiado la música electrónica y qué creés que seguirá siendo exactamente igual?</h3>



La tecnología obviamente va a seguir evolucionando muy rápido. La producción inmersiva en vivo, los entornos visuales y las herramientas de inteligencia artificial probablemente tengan un papel todavía más importante en la manera en la que la música se crea, se presenta y se descubre.



Pero no creo que cambie demasiado la razón fundamental por la que las personas conectan con la música electrónica. Sigue habiendo algo profundamente humano en estar juntos en una sala, un club o un espacio abierto y experimentar la misma música en el mismo momento. La tecnología que rodea esa experiencia va a evolucionar, pero creo que esa sensación siempre va a permanecer.



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El regreso de Kevin de Vries a Argentina encuentra al artista en una etapa diferente a la de aquellas primeras visitas que recuerda como una presentación frente a un público nuevo. Esta vez, la expectativa parte de una relación ya construida y de la posibilidad de explorarla con mayor libertad, tanto desde la selección musical como desde la producción que acompañará los shows.



La gira comenzará el 25 de septiembre en Córdoba, donde Kevin de Vries compartirá cartel con Marian Ariss, Nahs y Naza Valenzuela, antes de continuar el 26 de septiembre en Mandarine Park, Buenos Aires, junto a Marian Ariss y Gueva. Dos shows consecutivos que seguirán fortaleciendo su conexión con el público argentino, una relación que, según el propio artista, le da la libertad de tomar más riesgos, explorar nuevas direcciones y continuar construyendo una historia compartida con la audiencia.

Kevin de Vries regresa a Argentina: «Hoy hay un nivel de confianza mucho más profundo con el público argentino»

Entre los 148 y 155 BPM, Davyboi encontró un espacio propio dentro de una escena europea atravesada en los últimos años por el regreso de los sonidos rápidos. Su propuesta nació en el underground de Múnich a partir de una idea concreta: recuperar una energía más luminosa y emocional en la pista cuando el hard techno ocupaba buena parte del centro de la conversación. Trance, eurodance y hard house comenzaron así a convivir en sets de transiciones rápidas, melodías eufóricas y una búsqueda constante de movimiento.



Pero la identidad de Davyboi no termina en la selección musical. Desde las corbatas que se convirtieron en una firma visual hasta su vínculo con una comunidad que participa incluso en la creación de algunas de esas piezas, el proyecto fue construyendo un lenguaje reconocible dentro y fuera de la cabina. Después de completar un tour All Night Long con entradas agotadas y con nuevas fechas en Australia, Sudamérica y Estados Unidos, el artista atraviesa ahora una etapa de expansión hacia nuevos públicos.



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<h3 class="wp-block-heading">Has dicho que querías llevar el trance a Múnich cuando el hard techno dominaba la escena. ¿Qué sentías que faltaba en ese momento?</h3>



Sentía que faltaba un poco esa energía alegre y bailable. Quería un sonido que realmente te hiciera disfrutar de bailar, ese tipo de música con la que mirás a tus amigos en medio de la pista, se sonríen y simplemente la pasan bien juntos. Para mí, se trataba realmente de recuperar esa sensación de unión y diversión, sin dejar de mantener la energía alta.



<h3 class="wp-block-heading">Tu sonido se mueve entre el trance, el eurodance y el hard house a 148–155 BPM. ¿Qué hace que un track se sienta “Davyboi” para vos?</h3>



Tiene que coincidir con mi energía. Siempre busco algo que se sienta muy impulsado y enérgico, pero esa energía puede venir de elementos completamente diferentes. A veces es un lead que inmediatamente empuja el track hacia adelante, otras veces es una vocal realmente potente y, en ocasiones, es la percusión o el groove.



Simplemente tiene que haber algo en el track que me genere esa sensación. Si esa energía no está, normalmente no encaja con el vibe que quiero representar como Davyboi.



<h3 class="wp-block-heading">Tus sets se apoyan en transiciones rápidas y en leer constantemente la pista. ¿Qué te indica que el público realmente está conectando con vos?</h3>



Para mí, son las caras. Cuando miro al público y veo a la gente sonriendo, mirándose entre sí y realmente viviendo el momento, eso me dice mucho.



Y, por supuesto, cuando la pista se mantiene llena durante todo el set, probablemente esa sea la mejor señal. Mi objetivo es crear un set en el que la gente quiera seguir bailando de principio a fin sin sentir que necesita un descanso. Quiero que exista ese flujo y esa energía constantes, en los que de repente no pienses: “Bueno, quizás ahora salgo a fumar un cigarrillo”.



<h3 class="wp-block-heading">Desde la corbata que usás en cada show hasta las prendas vintage que personalizás, construiste una identidad muy reconocible. ¿Cómo se desarrolló ese lado visual de Davyboi?</h3>



Se desarrolló de manera bastante natural con el tiempo. Al principio, básicamente era una camisa blanca cropped y una corbata roja. Desde entonces, los outfits y especialmente las corbatas se volvieron mucho más detallados y experimentales.



Ahora me encanta jugar con diferentes texturas, telas y patrones —látex, denim, pana— y después encontrar o crear una corbata que encaje con todo el look. Las corbatas en sí se convirtieron en una parte enorme de todo esto. Algunas tienen tachas, otras tienen pequeños peluches y muchas, de hecho, fueron hechas o regaladas por personas de mi comunidad.



Esas piezas son especialmente significativas para mí porque cada vez que uso una hay un pequeño momento de conexión y de darme cuenta de que alguien se tomó el tiempo de crear algo para mí.



Y también están los pantalones de las diseñadoras berlinesas SAD PARTY GIRLZ, que se convirtieron en otra parte muy reconocible de mi look.



<h3 class="wp-block-heading">Has hablado abiertamente sobre la Generación Z, la salud mental y la comunidad. ¿Qué tipo de espacio querés crear alrededor de tu música más allá de la pista?</h3>



Quiero que las personas sean más abiertas entre sí y un poco más amables unas con otras. La música puede crear conexiones muy fuertes entre las personas y me encantaría que esa sensación existiera más allá de esas pocas horas en la pista.



Para mí, se trata de crear un espacio donde todos se sientan cómodos siendo ellos mismos, conectando con otras personas y demostrando amor sin pensarlo demasiado. Ya hay suficiente negatividad a nuestro alrededor, así que si la comunidad alrededor de mi música puede ser un lugar donde las personas se apoyen entre sí, se diviertan juntas y se vayan con un poco más de energía positiva, eso significa mucho para mí. Básicamente: difundir amor.



<h3 class="wp-block-heading">Después de un tour All Night Long con entradas agotadas, ahora viajás a Australia, Sudamérica y Estados Unidos. ¿Qué es lo que más te entusiasma descubrir a medida que Davyboi llega a nuevos públicos?</h3>



A nivel personal, siempre me interesa mucho conocer la cultura de las ciudades y los países que visito. Quiero entender qué hace la gente, cómo vive y cómo se siente la vida cotidiana allí. Incluso si es solo por unos días, disfruto mucho intentar formar parte de ese lugar en vez de simplemente llegar, tocar un show e irme de nuevo.



Desde la perspectiva de DJ, tengo mucha curiosidad por ver cómo reaccionan diferentes públicos a mi sonido y a mi forma de tocar. Especialmente en un lugar como Estados Unidos, sinceramente todavía no sé si voy a poder conquistar al público de la misma manera que puedo hacerlo en Europa, y eso es exactamente lo que lo hace emocionante. Es un nuevo desafío. Ponerme frente a personas que quizás todavía no me conocen ni conocen mi sonido y encontrar una manera de conectar con ellas a través del set es algo que realmente espero con muchas ganas.



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La expansión internacional llega mientras Davyboi continúa trasladando esa misma energía al estudio. Producciones y colaboraciones como “Discotheque”, junto a Mika Heggemann, acompañan una etapa en la que su identidad se vuelve cada vez más definida: velocidad y contundencia, pero también melodía, nostalgia y una idea de la pista que depende tanto de lo que sucede en los parlantes como de las relaciones que se generan frente a ellos.



Ahora, con nuevos públicos por descubrir, el desafío pasa por comprobar hasta dónde puede viajar ese lenguaje. Para Davyboi, la respuesta parece seguir estando en aquello que dio origen al proyecto: mirar hacia la pista y encontrar caras sonrientes, amigos compartiendo el momento y un espacio en el que la intensidad no esté separada de la emoción.



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Davyboi: trance, velocidad y una pista construida desde la conexión

El DJ y productor uruguayo <a href="https://www.instagram.com/santidominguezdj/" target="_blank" rel="noopener">Santi Domínguez</a> presenta Trust Yourself, su primer álbum de temas originales, un proyecto en el que convierte diez años de trayectoria en una producción que va más allá de un nuevo lanzamiento discográfico. Publicado a través de su propio sello <a href="https://www.beatport.com/es/label/rebls/178512" target="_blank" rel="noopener">REBLS</a>, el álbum reúne composiciones creadas en diferentes momentos de su carrera y funciona como una mirada retrospectiva a las experiencias, decisiones y aprendizajes que han acompañado su evolución dentro de la música electrónica.



Para darle forma al proyecto, Domínguez volvió a abrir su archivo de producción y encontró proyectos, demos y tracks que habían permanecido guardados durante años. Algunos fueron rechazados por sellos discográficos, otros quedaron atrás debido a cambios en su dirección artística y varios simplemente estaban esperando el momento adecuado para encontrar su lugar. Sin embargo, al revisarlos desde la perspectiva del productor que es hoy, la pregunta cambió: ya no se trataba de determinar dónde podían encajar dentro de la industria, sino de escuchar nuevamente esa música y plantearse algo mucho más personal: “¿Sigo creyendo en esta música?”



El resultado de este proceso no es un archivo de producciones descartadas, sino una nueva lectura de su propia historia musical. Algunas piezas fueron reconstruidas desde cero, otras adquirieron una nueva dimensión a través de arreglos y modificaciones, mientras que algunas conservaron gran parte de su esencia original. Así, Trust Yourself establece un diálogo entre diferentes momentos de la carrera de Domínguez, conectados por una evolución sonora que transita por el House, Tech House y Minimal/Deep Tech.



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Diez años de experiencia también han transformado su manera de entender y seleccionar su propia música. Durante este recorrido, sus producciones han alcanzado posiciones destacadas en Beatport y han recibido el respaldo de artistas como Jamie Jones, wAFF, James Hype y Miguel Bastida. Paralelamente, su carrera como DJ ha ampliado su presencia internacional, llevando su propuesta desde Montevideo hacia diferentes escenarios de Argentina, Brasil y Europa, con actuaciones en destinos como Ibiza, Palma de Mallorca, Madrid y Barcelona.



En 2026, la creación de REBLS representa otro capítulo importante en la evolución de Santi Domínguez. Lo que comenzó como una plataforma discográfica independiente se convirtió en un espacio desde el cual el artista puede asumir un mayor control sobre sus decisiones y desarrollar su propia dirección artística. Su catálogo inicial, integrado por producciones como Jardín del Obispo, Deep N Down, You Know Me, No Lights y <a href="https://open.spotify.com/intl-es/album/0XGtHIQy7qisSFuRTsnOiT?si=pt8HeZddSUOQ2UAmCu1Rgw" target="_blank" rel="noopener">The Bassline</a>, establece las bases de esta nueva etapa.



Dentro de Trust Yourself también aparece “Secret”, una producción cuya historia conecta especialmente con el concepto del álbum. El track representa el recorrido de una pieza que necesitó atravesar distintas etapas antes de encontrar el contexto y el momento adecuados para finalmente ver la luz.



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Lanzado el 21 de septiembre de 2026, Trust Yourself no busca simplemente resumir una década de carrera ni convertir el pasado en nostalgia. El álbum reúne diferentes momentos y versiones de un artista que ha evolucionado con el tiempo: el productor, el DJ, los aciertos, los rechazos, los viajes, los escenarios y las canciones que esperaron su momento. Todo converge ahora en una misma idea: confiar en el propio criterio.



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Santi Domínguez presenta Trust Yourself, su primer álbum de temas originales tras una década de trayectoria

El vínculo de Henri Bergmann con Argentina parece haberse construido con una velocidad poco habitual. Meses después de acompañar a ARTBAT frente a miles de personas en MUTE Mar del Plata y el Autódromo de Rosario, la productora regresó al país para encarar un nuevo capítulo: su primera gira como headliner por territorio argentino, con fechas en Corrientes, Rosario, Santa Fe, Buenos Aires y Mendoza.



El recorrido confirmó algo que Henri ya había percibido durante aquellas primeras visitas: existe una afinidad particular entre su manera de entender la pista y el público local. Su combinación de melodía, emoción y energía encontró una respuesta que, según cuenta, continuó mucho después de terminados los shows. Esta vez, la relación pudo desarrollarse en diferentes ciudades y formatos, descubriendo nuevas pistas y públicos a lo largo del país.



Pero hubo una parada que llevó esa conexión fuera del club. En Ushuaia, Henri se trasladó hasta Cerro Martial para registrar junto a Tango Bio Sessions una performance audiovisual en plena montaña. Rodeada por el paisaje de Tierra del Fuego y enfrentándose a temperaturas que por momentos dificultaron incluso tocar, la experiencia cambió por completo la dinámica habitual de sus presentaciones: sin una pista delante, fueron la música, el entorno y el propio momento los que marcaron el rumbo.



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<h3 class="wp-block-heading">Tu última visita a Argentina fue acompañando a ARTBAT en MUTE Mar del Plata y el Autódromo de Rosario frente a más de 20.000 personas. ¿Qué te quedó de aquellas noches y cómo se sintió regresar para tu primera gira como headliner por el país?</h3>



Ambos shows tuvieron una energía increíble y nunca había recibido una respuesta como la que tuve después de tocar en esas dos ciudades. Durante los últimos nueve meses hubo gente escribiéndome todas las semanas sobre esas noches, así que evidentemente fueron muy especiales para todos los que estuvieron ahí.



Para mí, lo que quedó fue la pasión y la conexión que siento con el público argentino, porque me gusta tocar música emocional y de mucha energía, y creo que eso es algo que resuena acá. Volver como headliner me generó tantos nervios como emoción, y no podría haber salido mejor.



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<h3 class="wp-block-heading">Esta vez tocaste en Corrientes, Rosario, Santa Fe, Buenos Aires y Mendoza. ¿Cómo fue experimentar diferentes caras de la escena electrónica argentina?</h3>



Cada ciudad fue diferente. Ya había tocado antes en Rosario y Buenos Aires, pero Santa Fe fue una sorpresa porque era mi primera vez allí. El club era enorme y estuvo prácticamente agotado, algo bastante surrealista para ser mi primera experiencia en la ciudad.



<h3 class="wp-block-heading">Acabás de convertirte en la primera DJ en tocar en las montañas de Ushuaia, uno de los lugares más remotos del planeta. ¿Cómo surgió la idea y qué podés contarnos de la experiencia?</h3>



Todavía no puedo creer que haya sido la primera. Puedo decirte que hacía muchísimo frío y que, en un momento, no podía sentir los dedos ni siquiera usando calentadores para las manos. Llegué a preguntarme si iba a poder continuar, pero terminé acostumbrándome.



Nunca había filmado un set en un lugar así y fue increíble sentir la conexión entre la música y la naturaleza en su forma más pura.



<h3 class="wp-block-heading">¿Qué tan diferente es tocar para una cámara en un paisaje tan aislado en comparación con alimentarte de la energía de una pista llena?</h3>



El equipo hizo todo lo posible por interactuar conmigo para que no sintiera que estaba tocando absolutamente para nadie, pero tuve que alimentarme de la energía de la música en lugar de la del público.



<h3 class="wp-block-heading">También presentaste tu primera colaboración de merchandising con Black Mamba, una marca argentina. ¿Qué te llevó a trabajar con ellos y a hacerlo precisamente con un proyecto local?</h3>



Mi diseñador visual, Hef Prentice, me presentó la marca porque estaba buscando ropa para comprar mientras estaba de gira. No tienen una tienda física: vas a su estudio y el equipo se encarga de armarte los looks, y me enamoré de ellos inmediatamente.



Hef, Bianca —la dueña— y yo diseñamos el merchandising combinando elementos de sus colecciones anteriores con mi estética, visuales de etapas anteriores de mi sello y, finalmente, una nueva identidad visual para la gira argentina alrededor de los diseños del merch. Por ahora tenemos una remera y un pañuelo, pero estamos trabajando en más cosas.



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<h3 class="wp-block-heading">“Protection” sigue siendo una de las canciones favoritas de muchos de tus seguidores —incluido yo—. Mirando hacia aquel lanzamiento de 2021, ¿cómo comparás a la artista que eras entonces con la productora en la que te convertiste a través de tus trabajos más recientes? ¿Hay algo de “Protection” que sentís que perdiste o, quizás, refinaste en tu música actual?</h3>



Ah, a mí también me encanta ese disco, es tan soñador. El remix de Dodi Palese se volvió bastante viral en su momento.



Estoy trabajando en un álbum que va a combinar todos mis estilos musicales, tanto los anteriores como los que vendrán. Creo que perdí un poco el lujo de poder experimentar más, porque siempre existe la necesidad de lanzar un hit y, cuanto más éxito tenés, mayor es la presión.



Pero también creo que estamos atravesando un momento de incertidumbre en el que cualquiera puede hacer lo que quiera porque nadie parece saber exactamente hacia dónde ir, especialmente dentro de la escena melódica. Y eso también es liberador.



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<h3 class="wp-block-heading">¿Estás trabajando actualmente en algún proyecto de larga duración?</h3>



En un álbum en el que llevo trabajando mucho tiempo. No veo la hora de que salga.



<h3 class="wp-block-heading">¿Podemos esperar colaboraciones o participaciones especiales en lo que viene?</h3>



Sí. Hay un montón de cantantes nuevos increíbles en el álbum, además de mi marido, Wennink.



<h3 class="wp-block-heading">Dirigir Automatik te dio otra perspectiva sobre la música. ¿Curar el trabajo de otros artistas cambió la manera en que juzgás tus propias producciones o conseguís separar los roles de artista y directora de sello?</h3>



Es una excelente manera de tener una visión más amplia de lo que están haciendo otras personas y de mantenerme al día. Los roles definitivamente están entrelazados, porque terminé colaborando con artistas de mi sello y siempre toco como DJ las canciones que edito.



Pero también publico música que no necesariamente haría yo misma, así que, en ese sentido, los dos roles siguen estando separados.



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La experiencia argentina de Henri Bergmann terminó revelando varias dimensiones de una misma etapa artística. Hubo grandes pistas, nuevas ciudades, una colaboración con una marca local y, finalmente, un escenario completamente alejado de cualquier club. En Cerro Martial, la conexión que durante la gira había dependido de miles de personas delante de la cabina tuvo que encontrar otra fuente: el propio sonido y un paisaje donde la montaña reemplazó a la pista de baile.



Ese recorrido coincide además con un momento de transformación en el estudio. Mientras Automatik continúa funcionando como plataforma para ampliar su mirada sobre la música electrónica contemporánea, Bergmann trabaja desde hace tiempo en su próximo álbum, un proyecto pensado para reunir diferentes momentos de su identidad sonora y en el que también aparecerán nuevas voces y una colaboración con Wennink. El lanzamiento está previsto a través de Spectrum, el sello de Joris Voorn, con sus primeros adelantos proyectados entre finales de 2026 y 2027.



Hay una idea que atraviesa ambos procesos. Frente a una escena melódica que Henri describe como incierta, esa falta de una dirección única también abre una oportunidad para recuperar cierta libertad creativa. Después de una gira argentina marcada por la intensidad de las pistas y de llevar su música hasta las montañas de Ushuaia, el próximo paso apunta nuevamente hacia lo desconocido: un álbum con el que busca conectar su pasado, su presente y aquello que todavía está por venir.

Henri Bergmann: conexión en el fin del mundo

El domingo 20 de septiembre, Solomun +1 recibió a KETTAMA para una de las últimas fechas de su temporada 2026 en Ibiza. La noche marcó el primer B2B entre ambos artistas, continuando con una dinámica que se volvió parte central de la residencia: invitados con identidades propias que encuentran un espacio para explorar su sonido junto a Solomun.



KETTAMA fue el encargado de abrir la jornada, llevando a la pista de Pacha su combinación de house contundente y referencias al rave de los años 90. Más tarde, el encuentro con Solomun amplió el recorrido musical de la noche, cruzando la energía directa del productor irlandés con la selección más expansiva del anfitrión.



Lejos de limitarse a alternar estilos, el B2B encontró puntos de conexión entre ambos lenguajes. House, techno y sonidos de raíz rave fueron apareciendo a lo largo de una sesión que se extendió hasta el amanecer, con los dos artistas moviéndose entre sus respectivas influencias y construyendo un terreno común desde la cabina.



La presentación se suma a una temporada en la que Solomun +1 volvió a apoyarse en el formato que sostiene desde hace más de una década en Pacha: un anfitrión, un invitado y el tiempo suficiente para que cada encuentro desarrolle una identidad propia. Durante 2026 pasaron por la residencia nombres como Jamie xx, DJ Gigola, Idris Elba y Skrillex, mostrando diferentes caras de una misma propuesta.



El calendario entra ahora en su tramo final. Âme será el próximo invitado de Solomun el domingo 27 de septiembre, mientras que el 4 de octubre el DJ y productor cerrará la temporada tomando el control de Pacha durante toda la noche con un set all night long.



El cierre llegará además en un año significativo para su universo creativo. En 2026, Diynamic Music celebra su 20º aniversario, mientras Solomun continúa llevando su sonido por clubes y festivales alrededor del mundo y desarrollando colaboraciones como “Rumpta”, su reciente trabajo junto a Skrillex.



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Solomun y KETTAMA estrenaron su primer B2B en Pacha Ibiza

COLYN regresa a Buenos Aires con una propuesta que busca mostrar dos caras diferentes de su sonido. El viernes 20 y el domingo 22 de noviembre, el artista neerlandés protagonizará dos encuentros consecutivos bajo los conceptos Club Edition y Sunset Edition, respectivamente.



La primera cita será el viernes 20 de noviembre en Palacio Alsina, donde el formato de club pondrá el foco en una experiencia más cercana y nocturna. Las entradas estarán disponibles a través de PlanOut a partir del jueves 24 de septiembre a las 13:00.



Dos días más tarde, el domingo 22 de noviembre, COLYN cambiará de escenario para presentar su Sunset Edition en Oasis Open Air. En este caso, la propuesta acompañará la transición del día hacia la noche en un entorno al aire libre, con un contexto pensado para explorar el costado más melódico y expansivo de su música. Las entradas saldrán a la venta por Bombo el martes 29 de septiembre a las 13:00.



Con base en Ámsterdam, COLYN construyó durante los últimos años una identidad marcada por la combinación de melodías emotivas, tensión y una narrativa de carácter cinematográfico. Sus lanzamientos en sellos como Afterlife contribuyeron a proyectarlo internacionalmente y llevar su música a clubes y festivales alrededor del mundo.



Su regreso a Buenos Aires propone ahora un recorrido dividido en dos experiencias: primero desde la intensidad y cercanía de la pista de club y, posteriormente, desde un formato open air atravesado por el atardecer.



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COLYN regresa a Buenos Aires con dos shows: Club Edition y Sunset Edition

Hay algo que atraviesa toda la historia de Lulù Matheou: la búsqueda.  Desde chica existía una curiosidad constante por la música. Descubrir canciones, encontrar sonidos que llamaran su atención, guardar aquello que le generaba interés y, sobre todo, compartirlo. Antes incluso de pensar en una carrera artística, ya aparecía una forma de relacionarse con la música basada en coleccionar, investigar y encontrar. 



Su primer acercamiento a una consola llegó a los diez años, de la mano de su tío, DJ. Años después, durante la pandemia, una consola prestada por él volvió a ponerla frente a los decks. Esta vez, la curiosidad se convirtió en práctica: empezó a aprender por su cuenta, pasó por Arjaus y diferentes espacios de formación, y comenzó a construir una relación cada vez más profunda con la escena. 



En ese camino apareció una afinidad inmediata con el Minimal y el Microhouse. La síncopa, los patrones rítmicos, los pequeños desplazamientos, el espacio entre los sonidos y aquello que sucede casi en segundo plano despertaron una sensibilidad que todavía hoy forma parte de su manera de escuchar. 



Pero Lulù nunca entendió la música como un lugar cerrado. Su selección puede recorrer Minimal, House, Techno y otros territorios, siempre desde una lógica menos preocupada por las etiquetas que por la experiencia. Lo que importa es qué puede suceder cuando determinada música encuentra determinado momento. 



<h2 class="wp-block-heading">Una búsqueda constante, pero con dirección </h2>



Para Lulú, la identidad artística no se construye eligiendo un solo camino, sino encontrando una dirección propia dentro de todo aquello que la inspira.  Cada etapa de su vida fue dejando algo en su manera de entender la música. Cada viaje, cada ciudad, cada escena, cada disco encontrado y cada persona con la que compartió música fueron ampliando su mapa. 



Vivir en Melbourne, Australia, fue especialmente importante en ese proceso. El contacto con una escena diferente, nuevas formas de entender la pista y distintas maneras de vincular música, comunidad y espacio fueron referencias que luego comenzaron a aparecer también en el universo que desarrolla en Aperturia Lab, su sello discográfico. 



Sus viajes por Suecia, Estados Unidos, Europa y Latinoamérica fueron ampliando su mirada y sumando nuevas referencias a su camino artístico. Viajar también se convirtió en una forma de estudiar música: recorrer disquerías, descubrir escenas, conocer artistas y observar de cerca las distintas maneras en que cada lugar construye su vínculo con la pista. Todo eso vuelve después a la cabina. 



<h2 class="wp-block-heading">Escuchar antes que imponer </h2>



Una parte fundamental de la impronta de Lulù aparece en su manera de entender un DJ set. Para ella, pasar música tiene tanto que ver con seleccionar como con escuchar. No solamente los tracks, sino todo lo que sucede alrededor: las personas, el espacio, el horario, la energía de una pista y el contexto. 



Todo puede convertirse en información.  Por eso sus sets buscan construir un diálogo. Hay espacio para la conexión, la emocionalidad, el baile y el disfrute, pero también para la sorpresa y el descubrimiento.  Su lenguaje sonoro se mueve entre el groove, la percusión y el espacio. Minimalismo, pulsos hipnóticos y texturas orgánicas aparecen en sets que atraviesan distintos territorios, dejando lugar para lo rítmico, lo sensual, lo inesperado y esos pequeños cambios que pueden transformar una pista casi sin hacerse notar. 



Esa amplitud también puede escucharse en los sets que Lulù publica online, donde diferentes registros conviven dentro de una misma lógica de selección. No se trata únicamente de llegar con una selección preparada, sino de entender qué necesita ese momento y encontrar la música capaz de acompañarlo. 



Cada pista es diferente porque cada situación también lo es. 



<h2 class="wp-block-heading">El vinilo como forma de escuchar </h2>



El formato analógico ocupa un lugar central en su propuesta. Más que un formato, para Lulù representa una manera particular de relacionarse con la música: buscar, investigar, tocar los discos, leer los sellos, reconocer artistas, descubrir música que todavía no conoce y llevar esos hallazgos a una experiencia concreta. 



Existe también una conexión con algo que estuvo presente desde su infancia: el impulso de coleccionar aquello que despierta curiosidad.  Con el tiempo, esa relación se convirtió además en una herramienta pedagógica. Lulù comenzó a dar clases de DJ de vinilo en Dbel, con un enfoque que va más allá de enseñar a mezclar. Trabaja técnica, escucha, selección y herramientas concretas del formato, pero pone especial énfasis en algo que considera fundamental: aprender a escuchar y desarrollar una identidad propia. 



Porque para ella aprender a mezclar no consiste solamente en saber qué apretar. Es entender por qué una música funciona, qué se quiere decir con una selección y cómo construir un viaje que tenga sentido. 



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<h2 class="wp-block-heading">Del movimiento al laboratorio </h2>



Después de años de recorrer la escena desde diferentes lugares, la búsqueda empezó a necesitar un espacio propio. 



Lulù es cofundadora de Orange Lamp, plataforma que nació en Buenos Aires alrededor de la música, los eventos y la comunidad. Y actualmente desarrolla Aperturia Lab, un sello y laboratorio creativo que funciona como una extensión de su universo artístico. 



Aperturia nace con la intención de crear un espacio donde la música pueda convivir con otras formas de expresión, y donde sea posible investigar, experimentar y desarrollar ideas sin tener que separar necesariamente disciplinas.  El proyecto atraviesa música, experiencias de escucha, piezas audiovisuales, encuentros y distintas formas de creación.  Es, en muchos sentidos, una extensión de la propia manera de trabajar de Lulù: observar, absorber, investigar, probar y transformar. 



<h2 class="wp-block-heading">Aperturia: mirar hacia adentro </h2>



El primer lanzamiento de Aperturia Lab es también el EP debut de Lulù Matheou como productora. 



“aperturia” representa una faceta más introspectiva de su recorrido musical. Sus tracks nacen desde la exploración interior y una búsqueda sonora cuidada, llevando al estudio parte de esa sensibilidad que durante años fue desarrollando detrás de los decks.  El EP no funciona como una ruptura con su recorrido como DJ, sino como una nueva forma de profundizarlo. Está disponible para escuchar en Bandcamp, donde también comienza a tomar forma su catálogo como productora. 



Si en la cabina la búsqueda sucede en tiempo real, en el estudio aparece la posibilidad de detenerse, observar y construir con mayor profundidad. Y Aperturia recién comienza.  Lulù prepara un nuevo lanzamiento bajo el sello, esta vez acompañado por una pieza audiovisual, continuando la exploración de la relación entre sonido e imagen. También comienza a explorar el live set y continúa desarrollando nuevas producciones que amplían el lenguaje de Aperturia Lab. 



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<h2 class="wp-block-heading">Una artista en movimiento </h2>



Su recorrido ya pasó por festivales, venues y escenarios como Movistar Arena, Lollapalooza, Creamfields, The Bow, Deseo, Dune Park, ARTEBA y Ciudad Emergente, además de presentaciones en ciudades como Estocolmo, Berlín, Detroit, Melbourne y Nueva York. Esta diversidad de escenarios y geografías fue ampliando su mirada y sumando nuevas capas a su lenguaje artístico. 



A lo largo de este camino compartió cabina con artistas como Gerd Janson, Thievery Corporation, Nicola Cruz, Egyptian Lover, Traumer y Martin Garrix, atravesando distintas escenas y formatos. Entre los momentos destacados se encuentran su encuentro con Egyptian Lover en Lincoln Factory, Detroit; su set junto a Traumer en The Bow; y el opening para Martin Garrix en el Movistar Arena. Experiencias que reflejan también la amplitud de escenarios en los que viene desarrollando su carrera. 



Hoy, ese movimiento continúa. En los últimos meses, Lulù viene recorriendo distintas ciudades y provincias del país, llevando su música al interior y ampliando su vínculo con nuevas escenas y públicos. Su recorrido también tuvo una escala reciente en Chile, con una presentación en Lunática. 



Los próximos meses la encontrarán nuevamente en movimiento: el 31 de octubre se presentará en Las Palapas, Mendoza; el 14 de noviembre, en Creamfields Argentina; y el 6 de febrero, en Cosquín Rock, Córdoba. 



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<h2 class="wp-block-heading">El lujo de no tener que llegar </h2>



Quizás ahí está una de las particularidades más interesantes de Lulù Matheou. 



En un momento de su recorrido en el que podría resultar fácil definir rápidamente un sonido, una estética o una identidad, ella parece encontrar comodidad justamente en lo contrario: en seguir buscando. 



Pero no desde la indecisión. Su búsqueda tiene dirección. Hay una sensibilidad reconocible, una manera de seleccionar, una relación particular con el ritmo, con el espacio y con la pista. Hay también una curiosidad que le impide quedarse quieta demasiado tiempo. Viajar. Escuchar. Estudiar. Descubrir. Tocar. Producir. Conocer. Volver a empezar. Cada etapa agrega una nueva capa sin borrar la anterior. 



Hoy, esa filosofía toma forma en dos lugares que conviven: Lulù Matheou, como artista, y Aperturia Lab, como universo creativo. Una alimenta a la otra. Y quizás la verdadera identidad de Lulù no esté en un género, una ciudad o una escena determinada, sino en esa capacidad de permanecer abierta sin perder el rumbo. 



Una búsqueda constante, pero con dirección.

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