Kevin de Vries vuelve a Argentina en un momento en el que su relación con el público local parece haber dejado atrás definitivamente la etapa de presentación. Después de varias visitas al país y de una carrera que lo llevó por algunos de los principales escenarios de la escena electrónica internacional, el productor y DJ alemán regresa para dos nuevas fechas: el 25 de septiembre en Córdoba y, un día más tarde, en Mandarine Park, Buenos Aires.



Su crecimiento durante los últimos años estuvo acompañado por la consolidación de un lenguaje propio dentro del techno melódico: ritmos de fuerte impacto, sintetizadores de gran carga emocional y una construcción de tensión pensada para la pista. Tracks como “Dance With Me” y “Metro”, junto con su recorrido dentro del universo Afterlife, fueron parte de una etapa que amplió considerablemente el alcance de su música y lo llevó a presentarse en festivales y clubes alrededor del mundo.



Este regreso tendrá, además, un componente especialmente preparado para Argentina. De Vries anticipa nueva música, edits e IDs inéditos para sus presentaciones, además de una producción visual diseñada para acompañar el show. En Buenos Aires compartirá fecha con Marian Ariss y Gueva, mientras que en Córdoba estarán también Marian Ariss, Nahs y Naza Valenzuela. Antes de volver a encontrarse con el público argentino, Kevin de Vries conversó con DJ Mag Latinoamérica.



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<h3 class="wp-block-heading">Pasaron varios años desde tus primeras visitas a Argentina. ¿Qué sentís que cambió en tu relación con el público local desde aquellos primeros shows?</h3>



Al principio, cada show se sentía un poco más como una presentación. Todavía estaba encontrando mi lugar y, de alguna manera, intentando demostrar quién era. Hoy existe un nivel de confianza mucho más profundo entre el público argentino y yo.



Eso me da más libertad para tomar riesgos, bajar la intensidad o dejar que una atmósfera se desarrolle durante más tiempo. Ya no se siente tanto como intentar causar una primera impresión, sino como continuar algo que fuimos construyendo juntos a lo largo de los años.



<h3 class="wp-block-heading">Volvés a Buenos Aires para una nueva presentación en Mandarine. ¿Qué hace especial a una noche de esta escala y qué estás preparando para este regreso?</h3>



Mandarine va a ser una fecha muy especial para mí. Lo que hace memorable a una noche así no es solamente la escala, sino ese momento en el que miles de personas conectan con la misma música al mismo tiempo.



Vamos a llevar nuestra propia producción, con lasers increíbles y un montaje enorme para el show. También estuve preparando nuevos IDs, edits y música inédita específicamente para esta noche en Buenos Aires. Siempre me gusta llevar algo nuevo a un show así y ver cómo cobra vida dentro de ese entorno.



<h3 class="wp-block-heading">Tu sonido evolucionó mucho durante los últimos años. ¿Qué es lo que más te entusiasma musicalmente en este momento y hacia dónde sentís que se está moviendo?</h3>



Ahora mismo estoy muy enfocado en mantener esa energía de alto impacto en la pista sin perder el costado emocional de mi música. Ese equilibrio siempre fue importante para mí.



Estoy disfrutando de combinar ritmos potentes y contundentes con un trabajo de sintetizadores más melódico, generando suficiente contraste para que un set pueda sentirse intenso sin volverse unidimensional. Para mí, la emoción todavía tiene que estar debajo de todo.



<h3 class="wp-block-heading">Si pudieras elegir un track de la historia de la música electrónica y decir “ojalá lo hubiera hecho yo”, ¿cuál sería?</h3>



“Café Del Mar” de Energy 52, en su versión original, definitivamente sería uno. Es casi un modelo de lo que puede ser la música electrónica emocional. La melodía es atemporal y, de alguna manera, sigue teniendo el mismo impacto en una pista después de todos estos años.



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“Knights of the Jaguar” de DJ Rolando sería otro. Ambos tienen ese equilibrio tan poco frecuente entre energía, emoción e identidad que hace que se sientan completamente atemporales.



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<h3 class="wp-block-heading">Tocás tanto en grandes festivales como en clubes y formatos más extensos. ¿Cuánto cambia tu manera de construir un set dependiendo del espacio?</h3>



La esencia de lo que toco se mantiene: ritmos contundentes, melodías y emoción. Pero la manera en la que construyo un set definitivamente cambia dependiendo del espacio.



En un escenario grande de festival, especialmente cuando el set es más corto, tenés que ser más directo y asegurarte de que la energía funcione frente a un público enorme. En un club, o durante un extended set, hay más espacio para ser paciente, ir más profundo y tomar algunos caminos inesperados. Me gusta mucho esa libertad porque permite que aparezcan diferentes facetas de mi sonido.



<h3 class="wp-block-heading">Si pensamos en 2036, ¿cómo imaginás que habrá cambiado la música electrónica y qué creés que seguirá siendo exactamente igual?</h3>



La tecnología obviamente va a seguir evolucionando muy rápido. La producción inmersiva en vivo, los entornos visuales y las herramientas de inteligencia artificial probablemente tengan un papel todavía más importante en la manera en la que la música se crea, se presenta y se descubre.



Pero no creo que cambie demasiado la razón fundamental por la que las personas conectan con la música electrónica. Sigue habiendo algo profundamente humano en estar juntos en una sala, un club o un espacio abierto y experimentar la misma música en el mismo momento. La tecnología que rodea esa experiencia va a evolucionar, pero creo que esa sensación siempre va a permanecer.



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El regreso de Kevin de Vries a Argentina encuentra al artista en una etapa diferente a la de aquellas primeras visitas que recuerda como una presentación frente a un público nuevo. Esta vez, la expectativa parte de una relación ya construida y de la posibilidad de explorarla con mayor libertad, tanto desde la selección musical como desde la producción que acompañará los shows.



La gira comenzará el 25 de septiembre en Córdoba, donde Kevin de Vries compartirá cartel con Marian Ariss, Nahs y Naza Valenzuela, antes de continuar el 26 de septiembre en Mandarine Park, Buenos Aires, junto a Marian Ariss y Gueva. Dos shows consecutivos que seguirán fortaleciendo su conexión con el público argentino, una relación que, según el propio artista, le da la libertad de tomar más riesgos, explorar nuevas direcciones y continuar construyendo una historia compartida con la audiencia.

Kevin de Vries regresa a Argentina: «Hoy hay un nivel de confianza mucho más profundo con el público argentino»

Entre los 148 y 155 BPM, Davyboi encontró un espacio propio dentro de una escena europea atravesada en los últimos años por el regreso de los sonidos rápidos. Su propuesta nació en el underground de Múnich a partir de una idea concreta: recuperar una energía más luminosa y emocional en la pista cuando el hard techno ocupaba buena parte del centro de la conversación. Trance, eurodance y hard house comenzaron así a convivir en sets de transiciones rápidas, melodías eufóricas y una búsqueda constante de movimiento.



Pero la identidad de Davyboi no termina en la selección musical. Desde las corbatas que se convirtieron en una firma visual hasta su vínculo con una comunidad que participa incluso en la creación de algunas de esas piezas, el proyecto fue construyendo un lenguaje reconocible dentro y fuera de la cabina. Después de completar un tour All Night Long con entradas agotadas y con nuevas fechas en Australia, Sudamérica y Estados Unidos, el artista atraviesa ahora una etapa de expansión hacia nuevos públicos.



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<h3 class="wp-block-heading">Has dicho que querías llevar el trance a Múnich cuando el hard techno dominaba la escena. ¿Qué sentías que faltaba en ese momento?</h3>



Sentía que faltaba un poco esa energía alegre y bailable. Quería un sonido que realmente te hiciera disfrutar de bailar, ese tipo de música con la que mirás a tus amigos en medio de la pista, se sonríen y simplemente la pasan bien juntos. Para mí, se trataba realmente de recuperar esa sensación de unión y diversión, sin dejar de mantener la energía alta.



<h3 class="wp-block-heading">Tu sonido se mueve entre el trance, el eurodance y el hard house a 148–155 BPM. ¿Qué hace que un track se sienta “Davyboi” para vos?</h3>



Tiene que coincidir con mi energía. Siempre busco algo que se sienta muy impulsado y enérgico, pero esa energía puede venir de elementos completamente diferentes. A veces es un lead que inmediatamente empuja el track hacia adelante, otras veces es una vocal realmente potente y, en ocasiones, es la percusión o el groove.



Simplemente tiene que haber algo en el track que me genere esa sensación. Si esa energía no está, normalmente no encaja con el vibe que quiero representar como Davyboi.



<h3 class="wp-block-heading">Tus sets se apoyan en transiciones rápidas y en leer constantemente la pista. ¿Qué te indica que el público realmente está conectando con vos?</h3>



Para mí, son las caras. Cuando miro al público y veo a la gente sonriendo, mirándose entre sí y realmente viviendo el momento, eso me dice mucho.



Y, por supuesto, cuando la pista se mantiene llena durante todo el set, probablemente esa sea la mejor señal. Mi objetivo es crear un set en el que la gente quiera seguir bailando de principio a fin sin sentir que necesita un descanso. Quiero que exista ese flujo y esa energía constantes, en los que de repente no pienses: “Bueno, quizás ahora salgo a fumar un cigarrillo”.



<h3 class="wp-block-heading">Desde la corbata que usás en cada show hasta las prendas vintage que personalizás, construiste una identidad muy reconocible. ¿Cómo se desarrolló ese lado visual de Davyboi?</h3>



Se desarrolló de manera bastante natural con el tiempo. Al principio, básicamente era una camisa blanca cropped y una corbata roja. Desde entonces, los outfits y especialmente las corbatas se volvieron mucho más detallados y experimentales.



Ahora me encanta jugar con diferentes texturas, telas y patrones —látex, denim, pana— y después encontrar o crear una corbata que encaje con todo el look. Las corbatas en sí se convirtieron en una parte enorme de todo esto. Algunas tienen tachas, otras tienen pequeños peluches y muchas, de hecho, fueron hechas o regaladas por personas de mi comunidad.



Esas piezas son especialmente significativas para mí porque cada vez que uso una hay un pequeño momento de conexión y de darme cuenta de que alguien se tomó el tiempo de crear algo para mí.



Y también están los pantalones de las diseñadoras berlinesas SAD PARTY GIRLZ, que se convirtieron en otra parte muy reconocible de mi look.



<h3 class="wp-block-heading">Has hablado abiertamente sobre la Generación Z, la salud mental y la comunidad. ¿Qué tipo de espacio querés crear alrededor de tu música más allá de la pista?</h3>



Quiero que las personas sean más abiertas entre sí y un poco más amables unas con otras. La música puede crear conexiones muy fuertes entre las personas y me encantaría que esa sensación existiera más allá de esas pocas horas en la pista.



Para mí, se trata de crear un espacio donde todos se sientan cómodos siendo ellos mismos, conectando con otras personas y demostrando amor sin pensarlo demasiado. Ya hay suficiente negatividad a nuestro alrededor, así que si la comunidad alrededor de mi música puede ser un lugar donde las personas se apoyen entre sí, se diviertan juntas y se vayan con un poco más de energía positiva, eso significa mucho para mí. Básicamente: difundir amor.



<h3 class="wp-block-heading">Después de un tour All Night Long con entradas agotadas, ahora viajás a Australia, Sudamérica y Estados Unidos. ¿Qué es lo que más te entusiasma descubrir a medida que Davyboi llega a nuevos públicos?</h3>



A nivel personal, siempre me interesa mucho conocer la cultura de las ciudades y los países que visito. Quiero entender qué hace la gente, cómo vive y cómo se siente la vida cotidiana allí. Incluso si es solo por unos días, disfruto mucho intentar formar parte de ese lugar en vez de simplemente llegar, tocar un show e irme de nuevo.



Desde la perspectiva de DJ, tengo mucha curiosidad por ver cómo reaccionan diferentes públicos a mi sonido y a mi forma de tocar. Especialmente en un lugar como Estados Unidos, sinceramente todavía no sé si voy a poder conquistar al público de la misma manera que puedo hacerlo en Europa, y eso es exactamente lo que lo hace emocionante. Es un nuevo desafío. Ponerme frente a personas que quizás todavía no me conocen ni conocen mi sonido y encontrar una manera de conectar con ellas a través del set es algo que realmente espero con muchas ganas.



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La expansión internacional llega mientras Davyboi continúa trasladando esa misma energía al estudio. Producciones y colaboraciones como “Discotheque”, junto a Mika Heggemann, acompañan una etapa en la que su identidad se vuelve cada vez más definida: velocidad y contundencia, pero también melodía, nostalgia y una idea de la pista que depende tanto de lo que sucede en los parlantes como de las relaciones que se generan frente a ellos.



Ahora, con nuevos públicos por descubrir, el desafío pasa por comprobar hasta dónde puede viajar ese lenguaje. Para Davyboi, la respuesta parece seguir estando en aquello que dio origen al proyecto: mirar hacia la pista y encontrar caras sonrientes, amigos compartiendo el momento y un espacio en el que la intensidad no esté separada de la emoción.



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Davyboi: trance, velocidad y una pista construida desde la conexión

El DJ y productor uruguayo <a href="https://www.instagram.com/santidominguezdj/" target="_blank" rel="noopener">Santi Domínguez</a> presenta Trust Yourself, su primer álbum de temas originales, un proyecto en el que convierte diez años de trayectoria en una producción que va más allá de un nuevo lanzamiento discográfico. Publicado a través de su propio sello <a href="https://www.beatport.com/es/label/rebls/178512" target="_blank" rel="noopener">REBLS</a>, el álbum reúne composiciones creadas en diferentes momentos de su carrera y funciona como una mirada retrospectiva a las experiencias, decisiones y aprendizajes que han acompañado su evolución dentro de la música electrónica.



Para darle forma al proyecto, Domínguez volvió a abrir su archivo de producción y encontró proyectos, demos y tracks que habían permanecido guardados durante años. Algunos fueron rechazados por sellos discográficos, otros quedaron atrás debido a cambios en su dirección artística y varios simplemente estaban esperando el momento adecuado para encontrar su lugar. Sin embargo, al revisarlos desde la perspectiva del productor que es hoy, la pregunta cambió: ya no se trataba de determinar dónde podían encajar dentro de la industria, sino de escuchar nuevamente esa música y plantearse algo mucho más personal: “¿Sigo creyendo en esta música?”



El resultado de este proceso no es un archivo de producciones descartadas, sino una nueva lectura de su propia historia musical. Algunas piezas fueron reconstruidas desde cero, otras adquirieron una nueva dimensión a través de arreglos y modificaciones, mientras que algunas conservaron gran parte de su esencia original. Así, Trust Yourself establece un diálogo entre diferentes momentos de la carrera de Domínguez, conectados por una evolución sonora que transita por el House, Tech House y Minimal/Deep Tech.



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Diez años de experiencia también han transformado su manera de entender y seleccionar su propia música. Durante este recorrido, sus producciones han alcanzado posiciones destacadas en Beatport y han recibido el respaldo de artistas como Jamie Jones, wAFF, James Hype y Miguel Bastida. Paralelamente, su carrera como DJ ha ampliado su presencia internacional, llevando su propuesta desde Montevideo hacia diferentes escenarios de Argentina, Brasil y Europa, con actuaciones en destinos como Ibiza, Palma de Mallorca, Madrid y Barcelona.



En 2026, la creación de REBLS representa otro capítulo importante en la evolución de Santi Domínguez. Lo que comenzó como una plataforma discográfica independiente se convirtió en un espacio desde el cual el artista puede asumir un mayor control sobre sus decisiones y desarrollar su propia dirección artística. Su catálogo inicial, integrado por producciones como Jardín del Obispo, Deep N Down, You Know Me, No Lights y <a href="https://open.spotify.com/intl-es/album/0XGtHIQy7qisSFuRTsnOiT?si=pt8HeZddSUOQ2UAmCu1Rgw" target="_blank" rel="noopener">The Bassline</a>, establece las bases de esta nueva etapa.



Dentro de Trust Yourself también aparece “Secret”, una producción cuya historia conecta especialmente con el concepto del álbum. El track representa el recorrido de una pieza que necesitó atravesar distintas etapas antes de encontrar el contexto y el momento adecuados para finalmente ver la luz.



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Lanzado el 21 de septiembre de 2026, Trust Yourself no busca simplemente resumir una década de carrera ni convertir el pasado en nostalgia. El álbum reúne diferentes momentos y versiones de un artista que ha evolucionado con el tiempo: el productor, el DJ, los aciertos, los rechazos, los viajes, los escenarios y las canciones que esperaron su momento. Todo converge ahora en una misma idea: confiar en el propio criterio.



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Santi Domínguez presenta Trust Yourself, su primer álbum de temas originales tras una década de trayectoria

El vínculo de Henri Bergmann con Argentina parece haberse construido con una velocidad poco habitual. Meses después de acompañar a ARTBAT frente a miles de personas en MUTE Mar del Plata y el Autódromo de Rosario, la productora regresó al país para encarar un nuevo capítulo: su primera gira como headliner por territorio argentino, con fechas en Corrientes, Rosario, Santa Fe, Buenos Aires y Mendoza.



El recorrido confirmó algo que Henri ya había percibido durante aquellas primeras visitas: existe una afinidad particular entre su manera de entender la pista y el público local. Su combinación de melodía, emoción y energía encontró una respuesta que, según cuenta, continuó mucho después de terminados los shows. Esta vez, la relación pudo desarrollarse en diferentes ciudades y formatos, descubriendo nuevas pistas y públicos a lo largo del país.



Pero hubo una parada que llevó esa conexión fuera del club. En Ushuaia, Henri se trasladó hasta Cerro Martial para registrar junto a Tango Bio Sessions una performance audiovisual en plena montaña. Rodeada por el paisaje de Tierra del Fuego y enfrentándose a temperaturas que por momentos dificultaron incluso tocar, la experiencia cambió por completo la dinámica habitual de sus presentaciones: sin una pista delante, fueron la música, el entorno y el propio momento los que marcaron el rumbo.



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<h3 class="wp-block-heading">Tu última visita a Argentina fue acompañando a ARTBAT en MUTE Mar del Plata y el Autódromo de Rosario frente a más de 20.000 personas. ¿Qué te quedó de aquellas noches y cómo se sintió regresar para tu primera gira como headliner por el país?</h3>



Ambos shows tuvieron una energía increíble y nunca había recibido una respuesta como la que tuve después de tocar en esas dos ciudades. Durante los últimos nueve meses hubo gente escribiéndome todas las semanas sobre esas noches, así que evidentemente fueron muy especiales para todos los que estuvieron ahí.



Para mí, lo que quedó fue la pasión y la conexión que siento con el público argentino, porque me gusta tocar música emocional y de mucha energía, y creo que eso es algo que resuena acá. Volver como headliner me generó tantos nervios como emoción, y no podría haber salido mejor.



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<h3 class="wp-block-heading">Esta vez tocaste en Corrientes, Rosario, Santa Fe, Buenos Aires y Mendoza. ¿Cómo fue experimentar diferentes caras de la escena electrónica argentina?</h3>



Cada ciudad fue diferente. Ya había tocado antes en Rosario y Buenos Aires, pero Santa Fe fue una sorpresa porque era mi primera vez allí. El club era enorme y estuvo prácticamente agotado, algo bastante surrealista para ser mi primera experiencia en la ciudad.



<h3 class="wp-block-heading">Acabás de convertirte en la primera DJ en tocar en las montañas de Ushuaia, uno de los lugares más remotos del planeta. ¿Cómo surgió la idea y qué podés contarnos de la experiencia?</h3>



Todavía no puedo creer que haya sido la primera. Puedo decirte que hacía muchísimo frío y que, en un momento, no podía sentir los dedos ni siquiera usando calentadores para las manos. Llegué a preguntarme si iba a poder continuar, pero terminé acostumbrándome.



Nunca había filmado un set en un lugar así y fue increíble sentir la conexión entre la música y la naturaleza en su forma más pura.



<h3 class="wp-block-heading">¿Qué tan diferente es tocar para una cámara en un paisaje tan aislado en comparación con alimentarte de la energía de una pista llena?</h3>



El equipo hizo todo lo posible por interactuar conmigo para que no sintiera que estaba tocando absolutamente para nadie, pero tuve que alimentarme de la energía de la música en lugar de la del público.



<h3 class="wp-block-heading">También presentaste tu primera colaboración de merchandising con Black Mamba, una marca argentina. ¿Qué te llevó a trabajar con ellos y a hacerlo precisamente con un proyecto local?</h3>



Mi diseñador visual, Hef Prentice, me presentó la marca porque estaba buscando ropa para comprar mientras estaba de gira. No tienen una tienda física: vas a su estudio y el equipo se encarga de armarte los looks, y me enamoré de ellos inmediatamente.



Hef, Bianca —la dueña— y yo diseñamos el merchandising combinando elementos de sus colecciones anteriores con mi estética, visuales de etapas anteriores de mi sello y, finalmente, una nueva identidad visual para la gira argentina alrededor de los diseños del merch. Por ahora tenemos una remera y un pañuelo, pero estamos trabajando en más cosas.



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<h3 class="wp-block-heading">“Protection” sigue siendo una de las canciones favoritas de muchos de tus seguidores —incluido yo—. Mirando hacia aquel lanzamiento de 2021, ¿cómo comparás a la artista que eras entonces con la productora en la que te convertiste a través de tus trabajos más recientes? ¿Hay algo de “Protection” que sentís que perdiste o, quizás, refinaste en tu música actual?</h3>



Ah, a mí también me encanta ese disco, es tan soñador. El remix de Dodi Palese se volvió bastante viral en su momento.



Estoy trabajando en un álbum que va a combinar todos mis estilos musicales, tanto los anteriores como los que vendrán. Creo que perdí un poco el lujo de poder experimentar más, porque siempre existe la necesidad de lanzar un hit y, cuanto más éxito tenés, mayor es la presión.



Pero también creo que estamos atravesando un momento de incertidumbre en el que cualquiera puede hacer lo que quiera porque nadie parece saber exactamente hacia dónde ir, especialmente dentro de la escena melódica. Y eso también es liberador.



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<h3 class="wp-block-heading">¿Estás trabajando actualmente en algún proyecto de larga duración?</h3>



En un álbum en el que llevo trabajando mucho tiempo. No veo la hora de que salga.



<h3 class="wp-block-heading">¿Podemos esperar colaboraciones o participaciones especiales en lo que viene?</h3>



Sí. Hay un montón de cantantes nuevos increíbles en el álbum, además de mi marido, Wennink.



<h3 class="wp-block-heading">Dirigir Automatik te dio otra perspectiva sobre la música. ¿Curar el trabajo de otros artistas cambió la manera en que juzgás tus propias producciones o conseguís separar los roles de artista y directora de sello?</h3>



Es una excelente manera de tener una visión más amplia de lo que están haciendo otras personas y de mantenerme al día. Los roles definitivamente están entrelazados, porque terminé colaborando con artistas de mi sello y siempre toco como DJ las canciones que edito.



Pero también publico música que no necesariamente haría yo misma, así que, en ese sentido, los dos roles siguen estando separados.



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La experiencia argentina de Henri Bergmann terminó revelando varias dimensiones de una misma etapa artística. Hubo grandes pistas, nuevas ciudades, una colaboración con una marca local y, finalmente, un escenario completamente alejado de cualquier club. En Cerro Martial, la conexión que durante la gira había dependido de miles de personas delante de la cabina tuvo que encontrar otra fuente: el propio sonido y un paisaje donde la montaña reemplazó a la pista de baile.



Ese recorrido coincide además con un momento de transformación en el estudio. Mientras Automatik continúa funcionando como plataforma para ampliar su mirada sobre la música electrónica contemporánea, Bergmann trabaja desde hace tiempo en su próximo álbum, un proyecto pensado para reunir diferentes momentos de su identidad sonora y en el que también aparecerán nuevas voces y una colaboración con Wennink. El lanzamiento está previsto a través de Spectrum, el sello de Joris Voorn, con sus primeros adelantos proyectados entre finales de 2026 y 2027.



Hay una idea que atraviesa ambos procesos. Frente a una escena melódica que Henri describe como incierta, esa falta de una dirección única también abre una oportunidad para recuperar cierta libertad creativa. Después de una gira argentina marcada por la intensidad de las pistas y de llevar su música hasta las montañas de Ushuaia, el próximo paso apunta nuevamente hacia lo desconocido: un álbum con el que busca conectar su pasado, su presente y aquello que todavía está por venir.

Henri Bergmann: conexión en el fin del mundo

El domingo 20 de septiembre, Solomun +1 recibió a KETTAMA para una de las últimas fechas de su temporada 2026 en Ibiza. La noche marcó el primer B2B entre ambos artistas, continuando con una dinámica que se volvió parte central de la residencia: invitados con identidades propias que encuentran un espacio para explorar su sonido junto a Solomun.



KETTAMA fue el encargado de abrir la jornada, llevando a la pista de Pacha su combinación de house contundente y referencias al rave de los años 90. Más tarde, el encuentro con Solomun amplió el recorrido musical de la noche, cruzando la energía directa del productor irlandés con la selección más expansiva del anfitrión.



Lejos de limitarse a alternar estilos, el B2B encontró puntos de conexión entre ambos lenguajes. House, techno y sonidos de raíz rave fueron apareciendo a lo largo de una sesión que se extendió hasta el amanecer, con los dos artistas moviéndose entre sus respectivas influencias y construyendo un terreno común desde la cabina.



La presentación se suma a una temporada en la que Solomun +1 volvió a apoyarse en el formato que sostiene desde hace más de una década en Pacha: un anfitrión, un invitado y el tiempo suficiente para que cada encuentro desarrolle una identidad propia. Durante 2026 pasaron por la residencia nombres como Jamie xx, DJ Gigola, Idris Elba y Skrillex, mostrando diferentes caras de una misma propuesta.



El calendario entra ahora en su tramo final. Âme será el próximo invitado de Solomun el domingo 27 de septiembre, mientras que el 4 de octubre el DJ y productor cerrará la temporada tomando el control de Pacha durante toda la noche con un set all night long.



El cierre llegará además en un año significativo para su universo creativo. En 2026, Diynamic Music celebra su 20º aniversario, mientras Solomun continúa llevando su sonido por clubes y festivales alrededor del mundo y desarrollando colaboraciones como “Rumpta”, su reciente trabajo junto a Skrillex.



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Solomun y KETTAMA estrenaron su primer B2B en Pacha Ibiza

COLYN regresa a Buenos Aires con una propuesta que busca mostrar dos caras diferentes de su sonido. El viernes 20 y el domingo 22 de noviembre, el artista neerlandés protagonizará dos encuentros consecutivos bajo los conceptos Club Edition y Sunset Edition, respectivamente.



La primera cita será el viernes 20 de noviembre en Palacio Alsina, donde el formato de club pondrá el foco en una experiencia más cercana y nocturna. Las entradas estarán disponibles a través de PlanOut a partir del jueves 24 de septiembre a las 13:00.



Dos días más tarde, el domingo 22 de noviembre, COLYN cambiará de escenario para presentar su Sunset Edition en Oasis Open Air. En este caso, la propuesta acompañará la transición del día hacia la noche en un entorno al aire libre, con un contexto pensado para explorar el costado más melódico y expansivo de su música. Las entradas saldrán a la venta por Bombo el martes 29 de septiembre a las 13:00.



Con base en Ámsterdam, COLYN construyó durante los últimos años una identidad marcada por la combinación de melodías emotivas, tensión y una narrativa de carácter cinematográfico. Sus lanzamientos en sellos como Afterlife contribuyeron a proyectarlo internacionalmente y llevar su música a clubes y festivales alrededor del mundo.



Su regreso a Buenos Aires propone ahora un recorrido dividido en dos experiencias: primero desde la intensidad y cercanía de la pista de club y, posteriormente, desde un formato open air atravesado por el atardecer.



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COLYN regresa a Buenos Aires con dos shows: Club Edition y Sunset Edition

Hay algo que atraviesa toda la historia de Lulù Matheou: la búsqueda.  Desde chica existía una curiosidad constante por la música. Descubrir canciones, encontrar sonidos que llamaran su atención, guardar aquello que le generaba interés y, sobre todo, compartirlo. Antes incluso de pensar en una carrera artística, ya aparecía una forma de relacionarse con la música basada en coleccionar, investigar y encontrar. 



Su primer acercamiento a una consola llegó a los diez años, de la mano de su tío, DJ. Años después, durante la pandemia, una consola prestada por él volvió a ponerla frente a los decks. Esta vez, la curiosidad se convirtió en práctica: empezó a aprender por su cuenta, pasó por Arjaus y diferentes espacios de formación, y comenzó a construir una relación cada vez más profunda con la escena. 



En ese camino apareció una afinidad inmediata con el Minimal y el Microhouse. La síncopa, los patrones rítmicos, los pequeños desplazamientos, el espacio entre los sonidos y aquello que sucede casi en segundo plano despertaron una sensibilidad que todavía hoy forma parte de su manera de escuchar. 



Pero Lulù nunca entendió la música como un lugar cerrado. Su selección puede recorrer Minimal, House, Techno y otros territorios, siempre desde una lógica menos preocupada por las etiquetas que por la experiencia. Lo que importa es qué puede suceder cuando determinada música encuentra determinado momento. 



<h2 class="wp-block-heading">Una búsqueda constante, pero con dirección </h2>



Para Lulú, la identidad artística no se construye eligiendo un solo camino, sino encontrando una dirección propia dentro de todo aquello que la inspira.  Cada etapa de su vida fue dejando algo en su manera de entender la música. Cada viaje, cada ciudad, cada escena, cada disco encontrado y cada persona con la que compartió música fueron ampliando su mapa. 



Vivir en Melbourne, Australia, fue especialmente importante en ese proceso. El contacto con una escena diferente, nuevas formas de entender la pista y distintas maneras de vincular música, comunidad y espacio fueron referencias que luego comenzaron a aparecer también en el universo que desarrolla en Aperturia Lab, su sello discográfico. 



Sus viajes por Suecia, Estados Unidos, Europa y Latinoamérica fueron ampliando su mirada y sumando nuevas referencias a su camino artístico. Viajar también se convirtió en una forma de estudiar música: recorrer disquerías, descubrir escenas, conocer artistas y observar de cerca las distintas maneras en que cada lugar construye su vínculo con la pista. Todo eso vuelve después a la cabina. 



<h2 class="wp-block-heading">Escuchar antes que imponer </h2>



Una parte fundamental de la impronta de Lulù aparece en su manera de entender un DJ set. Para ella, pasar música tiene tanto que ver con seleccionar como con escuchar. No solamente los tracks, sino todo lo que sucede alrededor: las personas, el espacio, el horario, la energía de una pista y el contexto. 



Todo puede convertirse en información.  Por eso sus sets buscan construir un diálogo. Hay espacio para la conexión, la emocionalidad, el baile y el disfrute, pero también para la sorpresa y el descubrimiento.  Su lenguaje sonoro se mueve entre el groove, la percusión y el espacio. Minimalismo, pulsos hipnóticos y texturas orgánicas aparecen en sets que atraviesan distintos territorios, dejando lugar para lo rítmico, lo sensual, lo inesperado y esos pequeños cambios que pueden transformar una pista casi sin hacerse notar. 



Esa amplitud también puede escucharse en los sets que Lulù publica online, donde diferentes registros conviven dentro de una misma lógica de selección. No se trata únicamente de llegar con una selección preparada, sino de entender qué necesita ese momento y encontrar la música capaz de acompañarlo. 



Cada pista es diferente porque cada situación también lo es. 



<h2 class="wp-block-heading">El vinilo como forma de escuchar </h2>



El formato analógico ocupa un lugar central en su propuesta. Más que un formato, para Lulù representa una manera particular de relacionarse con la música: buscar, investigar, tocar los discos, leer los sellos, reconocer artistas, descubrir música que todavía no conoce y llevar esos hallazgos a una experiencia concreta. 



Existe también una conexión con algo que estuvo presente desde su infancia: el impulso de coleccionar aquello que despierta curiosidad.  Con el tiempo, esa relación se convirtió además en una herramienta pedagógica. Lulù comenzó a dar clases de DJ de vinilo en Dbel, con un enfoque que va más allá de enseñar a mezclar. Trabaja técnica, escucha, selección y herramientas concretas del formato, pero pone especial énfasis en algo que considera fundamental: aprender a escuchar y desarrollar una identidad propia. 



Porque para ella aprender a mezclar no consiste solamente en saber qué apretar. Es entender por qué una música funciona, qué se quiere decir con una selección y cómo construir un viaje que tenga sentido. 



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<h2 class="wp-block-heading">Del movimiento al laboratorio </h2>



Después de años de recorrer la escena desde diferentes lugares, la búsqueda empezó a necesitar un espacio propio. 



Lulù es cofundadora de Orange Lamp, plataforma que nació en Buenos Aires alrededor de la música, los eventos y la comunidad. Y actualmente desarrolla Aperturia Lab, un sello y laboratorio creativo que funciona como una extensión de su universo artístico. 



Aperturia nace con la intención de crear un espacio donde la música pueda convivir con otras formas de expresión, y donde sea posible investigar, experimentar y desarrollar ideas sin tener que separar necesariamente disciplinas.  El proyecto atraviesa música, experiencias de escucha, piezas audiovisuales, encuentros y distintas formas de creación.  Es, en muchos sentidos, una extensión de la propia manera de trabajar de Lulù: observar, absorber, investigar, probar y transformar. 



<h2 class="wp-block-heading">Aperturia: mirar hacia adentro </h2>



El primer lanzamiento de Aperturia Lab es también el EP debut de Lulù Matheou como productora. 



“aperturia” representa una faceta más introspectiva de su recorrido musical. Sus tracks nacen desde la exploración interior y una búsqueda sonora cuidada, llevando al estudio parte de esa sensibilidad que durante años fue desarrollando detrás de los decks.  El EP no funciona como una ruptura con su recorrido como DJ, sino como una nueva forma de profundizarlo. Está disponible para escuchar en Bandcamp, donde también comienza a tomar forma su catálogo como productora. 



Si en la cabina la búsqueda sucede en tiempo real, en el estudio aparece la posibilidad de detenerse, observar y construir con mayor profundidad. Y Aperturia recién comienza.  Lulù prepara un nuevo lanzamiento bajo el sello, esta vez acompañado por una pieza audiovisual, continuando la exploración de la relación entre sonido e imagen. También comienza a explorar el live set y continúa desarrollando nuevas producciones que amplían el lenguaje de Aperturia Lab. 



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<h2 class="wp-block-heading">Una artista en movimiento </h2>



Su recorrido ya pasó por festivales, venues y escenarios como Movistar Arena, Lollapalooza, Creamfields, The Bow, Deseo, Dune Park, ARTEBA y Ciudad Emergente, además de presentaciones en ciudades como Estocolmo, Berlín, Detroit, Melbourne y Nueva York. Esta diversidad de escenarios y geografías fue ampliando su mirada y sumando nuevas capas a su lenguaje artístico. 



A lo largo de este camino compartió cabina con artistas como Gerd Janson, Thievery Corporation, Nicola Cruz, Egyptian Lover, Traumer y Martin Garrix, atravesando distintas escenas y formatos. Entre los momentos destacados se encuentran su encuentro con Egyptian Lover en Lincoln Factory, Detroit; su set junto a Traumer en The Bow; y el opening para Martin Garrix en el Movistar Arena. Experiencias que reflejan también la amplitud de escenarios en los que viene desarrollando su carrera. 



Hoy, ese movimiento continúa. En los últimos meses, Lulù viene recorriendo distintas ciudades y provincias del país, llevando su música al interior y ampliando su vínculo con nuevas escenas y públicos. Su recorrido también tuvo una escala reciente en Chile, con una presentación en Lunática. 



Los próximos meses la encontrarán nuevamente en movimiento: el 31 de octubre se presentará en Las Palapas, Mendoza; el 14 de noviembre, en Creamfields Argentina; y el 6 de febrero, en Cosquín Rock, Córdoba. 



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<h2 class="wp-block-heading">El lujo de no tener que llegar </h2>



Quizás ahí está una de las particularidades más interesantes de Lulù Matheou. 



En un momento de su recorrido en el que podría resultar fácil definir rápidamente un sonido, una estética o una identidad, ella parece encontrar comodidad justamente en lo contrario: en seguir buscando. 



Pero no desde la indecisión. Su búsqueda tiene dirección. Hay una sensibilidad reconocible, una manera de seleccionar, una relación particular con el ritmo, con el espacio y con la pista. Hay también una curiosidad que le impide quedarse quieta demasiado tiempo. Viajar. Escuchar. Estudiar. Descubrir. Tocar. Producir. Conocer. Volver a empezar. Cada etapa agrega una nueva capa sin borrar la anterior. 



Hoy, esa filosofía toma forma en dos lugares que conviven: Lulù Matheou, como artista, y Aperturia Lab, como universo creativo. Una alimenta a la otra. Y quizás la verdadera identidad de Lulù no esté en un género, una ciudad o una escena determinada, sino en esa capacidad de permanecer abierta sin perder el rumbo. 



Una búsqueda constante, pero con dirección.

Lulù Matheou: una búsqueda con dirección

La música electrónica latinoamericana suma una nueva plataforma dedicada a ampliar la circulación de artistas de la región. ¡Queer y Latina! es el sello creado por el DJ, productor y curador brasileño Pedro Gariani con el objetivo de impulsar la circulación de artistas queer y latinoamericanos, creando conexiones entre diferentes escenas de la región y, a futuro, con otros mercados internacionales.



Más que establecer una única sonoridad para su catálogo, la propuesta parte de entender que la música electrónica latinoamericana reúne escenas, referencias y formas de producir muy diferentes entre sí. Con Brasil como punto de partida, la label busca poner esas identidades en primer plano y desarrollar un catálogo en el que artistas de distintos países puedan llevar sus propias referencias culturales y musicales a la pista.



Esta conexión entre diferentes territorios también aparece en los primeros pasos del sello. En un momento en que productores y DJs latinoamericanos encuentran cada vez más espacio en circuitos internacionales, ¡Queer y Latina! busca contribuir a esa circulación conectando la fuerza creativa de Brasil con artistas y escenas de Argentina, Chile, Colombia, México y otros territorios latinoamericanos. “Su Beijo”, primer lanzamiento del sello, inauguró oficialmente el catálogo y comenzó a presentar una propuesta que seguirá explorando diferentes expresiones de la región en sus próximos releases.



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Otro paso importante será el primer VA de ¡Queer y Latina!, previsto para antes de que termine 2026. La compilación reunirá a diferentes artistas y ampliará el universo musical presentado por la label en sus primeros lanzamientos, reforzando también su propuesta de trabajar con distintas sonoridades y escenas latinoamericanas.



Con sus primeros lanzamientos en marcha, la label también comienza a ampliar su catálogo y está recibiendo demos de DJs y productores de toda América Latina. La convocatoria está abierta a artistas de diferentes escenas y sonoridades que quieran presentar su música para futuros lanzamientos de ¡Queer y Latina!. Los productores interesados pueden ponerse en contacto directamente con el sello y enviar su material para evaluación.



Al frente del proyecto está Pedro Gariani, quien ya desarrolla su trabajo en diferentes áreas de la escena. Como DJ, pasó por Time Warp Brasil, Tomorrowland Brasil y Pikes Ibiza, debutó en HÖR Berlin en 2026 y abrió presentaciones de Fatboy Slim y Laurent Garnier en Brasil. También está detrás de Cardume, sello y plataforma de eventos dedicada al house, y es cofundador de Starlane São Paulo.



Con ¡Queer y Latina!, Gariani amplía ese trabajo de curaduría y creación de proyectos hacia una plataforma enfocada en artistas, lanzamientos y nuevas conexiones dentro de la música electrónica latinoamericana.



Sigue a ¡Queer y Latina! en <a href="https://www.instagram.com/queerylatina/" target="_blank" rel="noopener">Instagram</a> para conocer sus próximos lanzamientos y novedades.

¡Queer y Latina!: nuevo sello abre sus puertas a artistas de América Latina

La música electrónica llegó a Agustín Forconi primero como una sensación. Después apareció la curiosidad: descubrir nuevos sonidos, entender qué generaban y comenzar a explorar un universo que, con el tiempo, terminó llevándolo detrás de los decks.



Argentino y radicado actualmente en Panamá, Forconi lleva más de dos años desarrollando un proyecto que encuentra en el progressive house su principal territorio. Su propuesta parte del groove y se construye alrededor de bajos profundos, percusiones orgánicas, elementos melódicos y una evolución gradual que busca darle a cada set una dirección propia.



Más que trabajar desde una sucesión de tracks, su manera de entender la cabina está ligada a la narrativa. Construir lentamente, leer la energía del lugar y permitir que el sonido atraviese distintos estados antes de llegar a su punto final.



“Un set no empieza cuando suena el primer track. Empieza mucho antes: en la intención, en la energía, en lo que quiero transmitir”, explica Forconi.



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Aunque su universo musical también atraviesa el deep house, house y organic house, es en el progressive donde encontró el espacio para profundizar su identidad.



Su sonido busca un equilibrio entre energía y profundidad, movimiento y espacio, tensión y liberación. Las melodías aparecen de manera dosificada sobre bases rítmicas donde el bajo y la percusión funcionan como motores del recorrido.



Entre sus influencias aparecen nombres como Guy J, Kamilo Sanclemente, Simón Vuarambon, Ezequiel Arias y John Cosani, artistas vinculados a distintas vertientes de una escena progressive que mantiene una presencia particularmente fuerte en Latinoamérica.



Desde Panamá, Forconi comenzó a trasladar esa búsqueda a diferentes pistas y encuentros. Su recorrido incluye participaciones en eventos como Ad Sidera Semper, Colors of Light – New Year Eve 2026, Kalunga Circus Edition y Hafle, además de fiestas impulsadas por proyectos locales como Nature, Tout Va Bien, Laila, Tribal Gathering Lab, Eclipse, BrunchCast, Andromeda, Atom y Feel the Groove.



En ese camino compartió lineups con artistas como Nick Warren, Sébastien Léger, Deer Jade, Mita Gami, Damian Lazarus, Antrim, Luna City Express y Maxi Degrassi.



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Ahora, el proyecto comienza a entrar en una nueva etapa.



Mientras continúa desarrollando su identidad como DJ y ampliando su presencia dentro de Panamá y Latinoamérica, Forconi empezó a explorar la producción musical. El objetivo es trasladar al estudio parte de los elementos que ya definen sus sets y comenzar a descubrir cuáles pueden convertirse en un lenguaje propio.



Es un proceso que todavía transita desde la experimentación, sin apurarse por establecer una identidad definitiva. La misma curiosidad que inicialmente lo acercó a la música electrónica funciona ahora como motor para comenzar a crearla.



“Me gusta construirlo a mi ritmo, dejando que cada momento encuentre al siguiente y que la música abra su propio camino”, señala.



Desde Panamá, esa búsqueda continúa tomando forma. Entre nuevas pistas, nuevos sonidos y sus primeros pasos como productor, Forconi busca expandir un proyecto que entiende al progressive no solamente como un género, sino como una manera de construir el viaje.



“Si al final cierras los ojos y sientes que algo cambió, entonces el viaje valió la pena”.

Forconi: de Argentina a Panamá, construyendo una identidad desde el progressive house

Hay algo muy visual en la música de M0XX. Beats que avanzan con peso, sintetizadores que parecen iluminar la oscuridad y melodías que dejan una sensación extraña entre euforia y melancolía. Andreas Moxnes encontró una manera bastante simple de nombrar esa combinación: “neon techno”. No pretende fundar un nuevo género, sino describir un sonido que puede funcionar con fuerza en la pista y, al mismo tiempo, conservar espacio para la emoción, la composición y cierta atmósfera cinematográfica. Ese lenguaje toma forma completa por primera vez en “Parallel Lives”, su álbum debut.



El disco está construido alrededor de contrastes, pero no únicamente musicales. Oscuridad y luz, control y pérdida, deseo y distancia aparecen tanto en los arreglos como en la historia que dio origen al álbum. “Parallel Lives” fue escrito durante un período en el que Moxnes sentía que distintas relaciones, responsabilidades y futuros posibles coexistían al mismo tiempo. Algunas canciones nacieron desde el deseo, otras desde la culpa, la pérdida, el miedo o la necesidad de recuperar el control. Por eso el álbum no busca llevar todas esas emociones hacia una conclusión cómoda. 



Solo después de escuchar esa idea cobra otro sentido conocer la historia detrás de M0XX. La música no apareció recientemente en la vida de Andreas: antes de dedicarse a la investigación académica, compuso para teatro y danza, tocó en bandas y realizó giras por Europa. Luego pasó años concentrado en una carrera completamente distinta como investigador y profesor en Oslo, hasta que volvió a producir seriamente y creó este nuevo proyecto hace poco más de un año. El nombre del álbum terminó absorbiendo también esa experiencia. Las “vidas paralelas” son emocionales, pero también muy concretas: universidad y estudio, investigación y escenario, una trayectoria que parecía haber quedado atrás y otra que recién empezaba a recuperar espacio.



Ahora M0XX empieza a llevar ese universo fuera del estudio. Sus primeras presentaciones europeas llegan este septiembre, con España como uno de los primeros destinos, mientras prepara nuevos singles, colaboraciones y más fechas en vivo. América Latina también aparece entre los territorios que Andreas quiere acercar al proyecto, junto con Escandinavia y Europa continental, una conexión que tiene sentido para un artista que no quiere limitar M0XX a una escena específica. 



“Parallel Lives” cierra así su primera etapa, pero también deja planteada la pregunta que empieza a definir la siguiente: qué ocurre cuando una música nacida entre distintas versiones de una misma vida comienza a viajar y encontrar nuevos públicos.



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M0XX: cuando las vidas paralelas terminan hablando el mismo idioma

Río Electronic Music regresa hoy a La Plata para una nueva edición en el Estadio UNO. Desde las 23:59, el ciclo volverá a ocupar uno de los escenarios más emblemáticos de la ciudad con una programación enfocada en algunos de los nombres argentinos que vienen ganando presencia dentro y fuera del país.



Al frente del line up estará Jay de Lys, quien regresa a Argentina después de una extensa temporada internacional. Durante los últimos meses, el DJ y productor pasó por Estados Unidos y Europa, con presentaciones en algunos de los principales espacios del circuito de Ibiza, entre ellos UNVRS, Hï Ibiza, Ushuaïa y Pacha.



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La fecha también marcará un nuevo encuentro con Nacho Scoppa, después del B2B que ambos artistas protagonizaron en Space Miami. Scoppa llega a La Plata atravesando también una etapa de fuerte actividad internacional y con una agenda que lo llevó por diferentes ciudades durante los últimos meses.



A ellos se suma Tobias Gerard, uno de los nombres emergentes de la escena argentina con creciente proyección internacional y cuyo material viene encontrando apoyo entre distintos referentes del circuito electrónico.



El encargado de abrir la noche será el artista platense Jano Gurruchaga, completando así una programación íntegramente argentina para el regreso de Río a la ciudad.



Río Electronic Music tendrá lugar hoy, viernes 18 de septiembre, desde las 23:59 en el Estadio UNO de La Plata.



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Río Electronic Music regresa hoy a La Plata con Jay de Lys, Nacho Scoppa y Tobias Gerard

KLOUD lleva años construyendo un proyecto en el que la identidad del artista queda deliberadamente en segundo plano. Sin rostro ni voz pública, y con un cuadrado rojo como principal símbolo visual, su universo busca desplazar la atención hacia la música y la experiencia colectiva. Una filosofía que también atraviesa sus presentaciones: cada set está compuesto exclusivamente por producciones propias, combinadas e improvisadas en tiempo real.



Ese concepto encuentra ahora un nuevo capítulo con “NO MERCY”, su debut en Teletech. Lanzado este 18 de septiembre, el track lleva su sonido hacia un terreno de percusión industrial, tensión breakbeat y presión constante. En esta edición de Up Close, KLOUD habla con DJ Mag Latinoamérica sobre su manera de entender la performance, su relación con el techno después de más de dos décadas produciendo música, la decisión de permanecer anónimo y la influencia de Eric Prydz en su visión artística.



Tocás sets compuestos íntegramente por tu propia música. ¿Qué libertad te da eso que un DJ set más tradicional no podría darte?



Me gustaría aclarar que no soy DJ. Soy un artista que utiliza el mismo equipamiento que usaría un DJ para interpretar su arte. No diría que esto me da más “libertad”, porque en cierto sentido en realidad es más restrictivo, pero lo que el oyente está experimentando proviene completamente de mí.



Construyo mis tracks para que funcionen con todos mis otros tracks, mezclándolos entre sí para crear nuevas combinaciones y experiencias, 100% improvisadas. Nunca sé qué disco voy a tocar después, y eso hace que sea emocionante tanto para mí como para la pista de baile. Esa es la libertad que siento.



Llevás más de 20 años produciendo música electrónica, mucho antes de que KLOUD tomara su forma actual. ¿Qué mantuvo viva tu curiosidad durante todo ese tiempo?



La música. Ha sido increíble formar parte de toda la ola que se desarrolló hasta llegar a lo que tenemos hoy. Pasé de ser fan a estar en algunos de los escenarios más grandes, así que pude experimentarlo todo. Como soy anónimo, todavía entro muy seguido entre el público para vivir el show desde ahí.



Pero el tipo de música hacia el que gravito está más cerca del house o del techno old school que de las tendencias actuales. Me encanta tocar música rápida porque es una representación de mí como artista, pero como oyente prefiero las cosas más lentas y con más groove.



Incluso diciendo eso, mi curiosidad por la música nunca termina. Simplemente creo que hoy es más difícil encontrar artistas que no quieran sonar como todos los demás. A los artistas del futuro: sean ustedes mismos, no lo que ven en las redes sociales.



El techno es central para KLOUD actualmente, pero exploraste lados muy diferentes de la música electrónica a lo largo de tu carrera. ¿Qué te permite expresar el techno que otros géneros no te permitían?



Disfruto el aspecto en vivo del techno. Disfruto esa sensación que tenés cuando te perdés dentro del set, tanto como artista como fan.



KLOUD solía crear canciones; como compositor, y algún día volverá a hacerlo. Tienen un lugar especial en mi corazón, al igual que en el de quienes se enamoraron de ellas. Pero, para mí, las canciones pertenecen a las bandas y a los artistas en vivo. No quiero escuchar una canción reproducida por un DJ.



Quiero escuchar una mezcla, un paisaje sonoro que me lleve de viaje sin saber hacia dónde va, pero confiando en que el DJ me llevará a algún lugar especial. En cuanto escucho un remix pop repentino o una transición abrupta hacia otro track, salgo del groove.



Para mí, un buen DJ nunca pierde ese groove. Te mantiene perdido dentro del sonido y va preparando el camino hacia lo siguiente. Eric Prydz hace esto muy bien y es mi estrella polar en cuanto a cómo entiendo un DJ set.



Deliberadamente mantuviste tu rostro, tu voz y tu vida personal alejados del proyecto. ¿Se volvió más difícil mantener ese misterio a medida que KLOUD creció?



Como esta escena glorifica a sus artistas, para mí es más fácil mantenerme desconectado. El objetivo de KLOUD es que todos puedan verse reflejados en él. Cualquiera puede ser KLOUD; todos somos KLOUD.



Para mí, mantener mi privacidad como ser humano detrás del proyecto es importante, tanto por mi propia salud mental como por el ego. Creo que es fácil para cualquier persona desarrollar un ego cuando se convierte en el centro de atención. No me gusta cómo me hace sentir el ego. Prefiero distanciarme de él y crear arte de manera inocente, con intenciones puras y un corazón puro.



Solés mencionar a Eric Prydz como una influencia, particularmente por mantenerse fiel a su propia visión. ¿Qué aprendiste observando la evolución de su carrera?



Es interesante observarlo porque tuvo “hits”, proyectos paralelos y un nivel enorme de reconocimiento, mientras se mantuvo fiel a sí mismo durante todo el recorrido. Sabe lo que es y entrega exactamente eso.



Eric Prydz se desliza por sus sets de una manera tan fluida que no podés evitar sentirte en trance. No sigue tendencias; permanece siendo quien es. Así es como manejo mi proyecto.



Para mí, cada set suyo que vi me llevó por un viaje que se sintió espiritual. Nunca escucho su música fuera de sus sets. Es decir, no son sus canciones individuales lo que me importa, sino cómo las une para crear algo especial.



Cada track es un color y el set es la pintura. Así entiendo mis propios discos y mis sets. Ningún color —ningún track— es especial por sí solo; lo importante es cómo todos encajan dentro del set.



“WE ARE KLOUD” sugiere algo más grande que un artista o un género. ¿Qué significa esa idea para vos hoy y en qué querés que se convierta?



WE ARE KLOUD es para quienes aceptan ser quienes son. Se trata de ser individualista, pero no hasta el punto del aislamiento. Es más grande que yo y más grande que la música. Es un entorno en el que todos pertenecemos, si queremos hacerlo.



Entrar en KLOUD es entrar en la atmósfera de mis sets: entregarte a la experiencia y disfrutar el presente junto a personas que sienten de una manera similar.



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Con “NO MERCY”, KLOUD traslada esa filosofía a Teletech por primera vez. La nueva producción mantiene la contundencia que define su etapa actual: percusiones industriales, bajos profundos y una estructura diseñada para sostener la tensión en pista, incorporando pasajes breakbeat antes de regresar al pulso más pesado del track.



Pero detrás de esa intensidad aparece una idea que atraviesa toda su propuesta: hacer que la identidad individual importe menos que la experiencia. Entre anonimato, improvisación y un catálogo propio que funciona como materia prima de cada presentación, KLOUD continúa construyendo un universo en el que ningún track pretende existir de manera aislada. Como él mismo lo plantea, cada uno es apenas un color; la verdadera obra aparece cuando todos forman parte de la misma pintura.

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