Who Else y Zagitar unen fuerzas en “Voltage EP”, su nuevo lanzamiento para Nu Moda, el sello fundado por Max Styler. Disponible desde el 2 de octubre, el EP reúne tres producciones —“Voltage”, “Synthalk” y “Obsession”— construidas alrededor de un mismo pulso: groove, tensión y una clara orientación hacia la pista.



A lo largo del lanzamiento, ambos productores exploran diferentes intensidades sin abandonar una identidad común. Beats precisos, líneas de bajo protagonistas y una energía que se desarrolla por capas atraviesan un trabajo pensado para funcionar dentro del club y adaptarse a distintos momentos de un set.



“Voltage”, el track que da nombre al EP, abre el recorrido desde un terreno cercano al tech house, con 128 BPM y una estructura directa y de alto impacto. “Synthalk” lleva esa fórmula hacia un enfoque especialmente orientado al DJ y ya recibió un importante test en pista: Max Styler lo incluyó en su set de Tomorrowland 2026.



“Obsession” completa el lanzamiento desplazando el sonido hacia una sensibilidad más cercana al indie dance. El resultado es un cierre que conserva la tensión y el carácter físico del proyecto, pero amplía su paleta sonora.



<iframe loading="lazy" src="https://www.instagram.com/p/Dd_3SvdFEhG/embed/" width="100%" height="750" frameborder="0" scrolling="no" allowtransparency="true" style="max-width: 540px; margin: 0 auto; display: block;"></iframe>



La llegada de Who Else y Zagitar a Nu Moda se alinea con la identidad que Max Styler viene desarrollando desde la creación del sello en 2025. Concebido como un espacio para conectar house, indie dance y diferentes expresiones de la música de club, el proyecto busca reunir producciones con impacto inmediato sin quedar condicionado por una única etiqueta.



El propio nombre del sello, Nu Moda —“nuevo estilo”—, resume parte de esa filosofía: explorar nuevas direcciones, evitar repetir fórmulas y dar lugar a artistas capaces de moverse entre distintos territorios sonoros manteniendo una identidad reconocible.



En ese contexto, “Voltage EP” encuentra su lugar de manera natural. Who Else y Zagitar presentan tres herramientas de club con personalidades diferentes, unidas por una producción enfocada en el movimiento y la reacción inmediata de la pista.



<iframe data-testid="embed-iframe" style="border-radius:12px" src="https://open.spotify.com/embed/album/4YYbIuH07Ojzsmf7pscsl9?utm_source=generator&si=1d68e43739124134" width="100%" height="352" frameBorder="0" allowfullscreen="" allow="autoplay; clipboard-write; encrypted-media; fullscreen; picture-in-picture" loading="lazy"></iframe>

Zagitar & Who Else presentan “Voltage EP” en Nu Moda

Después de más de 20 años compartiendo estudios, cabinas y pistas alrededor del mundo, Catz ’n Dogz regresan con <a href="https://catzndogz.my.canva.site/finally-presale">Finally</a>, su octavo álbum de estudio y uno de los trabajos más ambiciosos de su carrera. A lo largo de 16 tracks, Voitek y Greg amplían los límites de su universo electrónico para explorar la composición, la instrumentación en vivo y, sobre todo, la capacidad de la música para generar recuerdos y emociones.



El punto de partida del disco surgió, paradójicamente, de un momento de bloqueo. El dúo reconoce que durante el último año había comenzado a perderse entre las exigencias de las redes sociales, las tendencias y una industria cada vez más condicionada por algoritmos y métricas.



“En un mundo de arte descartable, queríamos crear algo para momentos especiales. Una obra con la que el oyente pudiera conectar de verdad.”



Esa necesidad de cambiar el enfoque terminó definiendo Finally. En lugar de preguntarse qué sonido podía funcionar mejor, comenzaron a pensar qué podía hacer sentir una canción. Escucharon música de distintos períodos, estudiaron progresiones de acordes, volvieron sobre películas, documentales y libros y prestaron mayor atención a lo que sucedía a su alrededor.



El resultado atraviesa house, soul, funk, folk y sonidos vinculados al indie dance de comienzos de los 2000, combinando momentos eufóricos con otros más introspectivos. En “Take The Night”, junto a Drew Hall, recuperan deliberadamente aquella sensibilidad indie dance que marcó una época, mientras que “Be Mine” esconde un ritmo de reggaetón dentro de una estructura house.



<iframe loading="lazy" width="560" height="315" src="https://www.youtube.com/embed/LmSmmS5jDN0?si=UFn38LUOjpmbYTPW" title="YouTube video player" frameborder="0" allow="accelerometer; autoplay; clipboard-write; encrypted-media; gyroscope; picture-in-picture; web-share" referrerpolicy="strict-origin-when-cross-origin" allowfullscreen></iframe>



Las letras ocupan un lugar central en el álbum. “One Day” nació mientras Voitek conducía hacia el estudio y tuvo que detener el auto para escribir la idea: viajar constantemente buscando inspiración para finalmente descubrir que aquello que necesitábamos podía haber estado siempre frente a nosotros.



“Impermanent”, creada junto a Luisa Wilson durante unas sesiones en Nueva York, aborda el paso del tiempo y la necesidad de aprender a dejar ir. “Eyes Closed”, en cambio, gira alrededor de una pregunta íntima: ¿pueden los recuerdos reconstruir la presencia física de alguien que amamos?



Parte del disco tomó forma precisamente en Nueva York. Lo que inicialmente sería un viaje de una semana se extendió inesperadamente cuando una enorme tormenta de nieve paralizó la ciudad y sus aeropuertos. Ese tiempo extra terminó convirtiéndose en una oportunidad creativa.



Allí trabajaron con el cantante y compositor de Brooklyn Ajii y con Wilson, acercando el background electrónico del dúo a nuevas influencias provenientes del soul. En “We’re Gonna Be Alright”, después de varios intentos fallidos por grabar la voz sobre el instrumental, decidieron invertir el proceso: Ajii cantó completamente a cappella y aquella interpretación terminó convirtiéndose en uno de los elementos más particulares del álbum.



<h2 class="wp-block-heading">Colaboraciones que nacen de vínculos reales</h2>



La lista de invitados refleja también la importancia que Catz ’n Dogz quisieron darle a las relaciones construidas a lo largo de su carrera. Gerd Janson, uno de sus DJs favoritos y compañero habitual de B2B, participa en “Can’t Get Enough”, un track construido alrededor de bajo y piano grabados en vivo en Madrid.



Con MYD, la colaboración nació después de conocerse en Defected Croatia. Tiempo después, el productor francés viajó a Madrid —ciudad en la que Voitek vive desde hace siete años— y las sesiones dieron como resultado dos canciones en apenas dos días.



El cierre llega con “Miss You”, junto al vocalista polaco Mateusz Krautwurst. Su voz apareció en el radar de Voitek casi accidentalmente, después de escucharla en una grabación de un concierto. La canción termina Finally desde un lugar melancólico, acompañada por un último pasaje de piano grabado en Varsovia.



<iframe loading="lazy" src="https://www.instagram.com/p/Dds3vstI_Ce/embed/" width="100%" height="750" frameborder="0" scrolling="no" allowtransparency="true" style="max-width: 540px; margin: 0 auto; display: block;"></iframe>



La filosofía del álbum se extiende más allá del estudio. Para el videoclip de “Dance For You”, Catz ’n Dogz colaboraron con Dancing Międzypokoleniowy, una iniciativa polaca que reúne a personas mayores de 60 años alrededor del baile y distintos proyectos artísticos.



Juntos organizaron una fiesta en una residencia para adultos mayores y filmaron la experiencia en formato analógico. La intención fue cuestionar la idea de que la pista de baile pertenece exclusivamente a determinadas generaciones y utilizar la música como punto de encuentro alrededor de la amistad y la conexión humana.



Ese compromiso también atraviesa otros proyectos del dúo, desde su apoyo a la comunidad LGBTQ+ en Polonia hasta ABOUT US, una plataforma que pone el foco sobre figuras queer y aliadas dentro de la escena electrónica del país.



Finally estará disponible tanto en formato digital como en vinilo y cassette. Distintas maneras de escuchar para una misma propuesta: detener por un momento la velocidad cotidiana y volver a prestar atención.



Porque, detrás de sus colaboraciones, géneros e instrumentos, el concepto del álbum parece reducirse a algo mucho más sencillo: recuperar el vínculo emocional con la música.



“Es una celebración, pero también un reconocimiento de dónde estuvimos, de las personas que conocimos en el camino y de la posibilidad de que los mejores momentos todavía estén por venir.”



Finally es un disco para manejar sin destino, ver caer el sol o recordar a alguien que hacía tiempo no aparecía en nuestra memoria. Una invitación a escuchar sin apuro en una época que parece pedir exactamente lo contrario.



<iframe data-testid="embed-iframe" style="border-radius:12px" src="https://open.spotify.com/embed/album/6TJWQ2mNTNxHTdG5naxk0v?utm_source=generator&si=bd51c92ce76d4b87" width="100%" height="352" frameBorder="0" allowfullscreen="" allow="autoplay; clipboard-write; encrypted-media; fullscreen; picture-in-picture" loading="lazy"></iframe>

Catz ’n Dogz presentan “Finally”, un álbum para volver a conectar con la música

El D-EDGE ocupa un lugar importante en la historia de la música electrónica brasileña y, desde São Paulo, construyó durante más de dos décadas una conexión constante con artistas y escenas de diferentes partes del mundo. Esa relación nunca quedó restringida a su pista. En 2009, Ratier creó D-EDGE Records como una extensión musical del club, llevando parte de su curaduría, sus residentes y los artistas que orbitaban alrededor de la casa hacia un catálogo propio.



La gravadora desarrolló desde entonces una identidad más ligada a la cultura de club que a un género específico. House, minimal, deep house, techno y diferentes cruces entre estas vertientes aparecen a lo largo de una discografía que reunió nombres brasileños e internacionales como Stimming, Luke Solomon, KiNK, Phonique, Joyce Muniz, L_cio, Zopelar, Anderson Noise y el propio Ratier. Después de algunos meses sin nuevas referencias, el sello vuelve ahora a movimentar ese catálogo con su lanzamiento número 75.



El responsable por este nuevo capítulo es Jame C, productor brasileño que presenta ‘The JC Factor’. Lanzada el 25 de septiembre, la track se mueve entre el minimal/deep tech y un tech house más directo, reduciendo la estructura a aquello que realmente sostiene su función en la pista: ritmo, groove y repetición. Hay una crudeza deliberada en la producción, pero no una sensación de vacío. Los elementos aparecen con suficiente espacio para que el movimiento se construya poco a poco en una track de 133 BPM.



Ese enfoque también tiene una dimensión bastante personal para Jame C. El productor describe la selección de sonidos como “libre y diversa” y explica que The JC Factor representa su propio “factor RH”, aquello que corre por su sangre. La idea ayuda a entender una producción que utiliza códigos conocidos del tech house y del minimal/deep tech sin intentar esconder su principal objetivo: funcionar en el dancefloor con una identidad reconocible.



Con ‘The JC Factor’, D-EDGE Records vuelve a colocar música nueva en circulación y abre una nueva secuencia para un catálogo que lleva más de quince años documentando diferentes momentos de la pista brasileña. 



Sigue a <a href="https://www.instagram.com/dedgerecordsbr/" target="_blank" rel="noopener">D-EDGE Records</a> en Instagram para acompañar los próximos lanzamientos del sello.

D-EDGE Records reactiva su catálogo con “The JC Factor”, de Jame C

Hay artistas cuya historia no puede entenderse únicamente desde la cabina. DJ Tennis es uno de ellos. Antes de convertirse en una figura reconocida de la electrónica internacional, Manfredi Romano pasó años trabajando detrás de escena, organizando eventos, acompañando bandas y desarrollando proyectos que terminarían definiendo buena parte de su identidad artística.



Su recorrido comenzó lejos de los grandes clubes. Creció vinculado al punk y a la música alternativa italiana, trabajó como tour manager y, después de estudiar Ciencias de la Computación en la Universidad de Pisa, creó una de las primeras agencias italianas dedicadas exclusivamente al booking de música electrónica. Esa experiencia terminaría siendo fundamental para el nacimiento de DJ Tennis en 2010.



<h2 class="wp-block-heading">Life and Death: una identidad más allá del género</h2>



En paralelo surgió Life and Death, el sello que convirtió esa amplitud musical en una plataforma propia. Desde allí, Tennis construyó un catálogo atravesado por el house y el techno, pero también por el disco, la psicodelia y una sensibilidad heredada de su relación con el rock experimental y el post-rock.



Con el paso de los años, Life and Death se consolidó como un universo reconocible dentro de la electrónica. Esa filosofía también trascendió el formato discográfico: desde 2017, Tennis cofundó y cura Rakastella, el encuentro desarrollado durante Art Basel Miami en colaboración con Innervisions.



Su propia discografía refleja esa misma libertad. Además de sus lanzamientos en Life and Death, publicó música en sellos como Kompakt, Running Back, !K7, Aus Music, Circoloco Records y Cercle Records. Su catálogo de remixes atraviesa nombres como Diplo, Boys Noize, Loco Dice, WhoMadeWho y Acid Pauli, mientras que trabajos como Gordon Starck, Intercooler o su participación en DJ-Kicks fueron ampliando los límites de su sonido.



<h2 class="wp-block-heading">De Panorama Bar y Circoloco a Buenos Aires</h2>



Esa construcción llevó a DJ Tennis a cabinas como Panorama Bar, fabric y Circoloco Ibiza, además de festivales como Sónar, Time Warp, Primavera Sound y Coachella. Pero su identidad nunca terminó de responder a una única escena.



Sus sets pueden moverse entre house, techno y disco sin necesidad de permanecer demasiado tiempo en ninguno. Parte de su sello está precisamente ahí: en construir recorridos extensos y generar intimidad incluso frente a pistas de gran escala.



También existe otra dimensión que explica su manera de entender la música: una colección que supera los 11.000 vinilos. Más que una cifra, habla de una relación con la selección musical construida durante décadas y mucho antes de que DJ Tennis se convirtiera en DJ Tennis.



<h2 class="wp-block-heading">20 años de Crobar</h2>



Ese recorrido volverá a encontrarse con Buenos Aires el viernes 16 de octubre, cuando DJ Tennis encabece una de las celebraciones por los 20 años de Crobar.



Dos décadas después de su apertura, el club celebrará su aniversario con una noche enfocada en el house y con un artista cuya trayectoria está profundamente ligada a la cultura de club.



El lineup se completa con Pabels, Pato Mallet y E.T.T.A., tres nombres de la escena local que acompañarán a DJ Tennis durante una fecha pensada para recorrer distintas expresiones del género.



<iframe loading="lazy" src="https://www.instagram.com/p/DdSDOBjlSTH/embed/" width="100%" height="750" frameborder="0" scrolling="no" allowtransparency="true" style="max-width: 540px; margin: 0 auto; display: block;"></iframe>

DJ Tennis vuelve a Buenos Aires para celebrar los 20 años de Crobar

Después de más de una década recorriendo clubes y festivales de todo el mundo, Bastian Bux comenzó a replantearse su relación con la pista. El DJ y productor barcelonés encontró en esa búsqueda el punto de partida para Petit Comité of House, un proyecto que nació como fiesta y que hoy también funciona como sello y comunidad.



Con presencia en distintas ciudades y un catálogo que ya dejó varios lanzamientos destacados en Beatport, Petit Comité propone volver a poner la experiencia del público en el centro. En conversación con DJ Mag Latinoamérica, Bux reflexiona sobre el crecimiento del proyecto, su idea de “proper house music” y el renovado valor de la intimidad dentro de la cultura de club.



<iframe loading="lazy" width="560" height="315" src="https://www.youtube.com/embed/egoPZ5VP1tk?si=9hrGxt__Zyjy4TwP" title="YouTube video player" frameborder="0" allow="accelerometer; autoplay; clipboard-write; encrypted-media; gyroscope; picture-in-picture; web-share" referrerpolicy="strict-origin-when-cross-origin" allowfullscreen></iframe>



1. Después de más de una década recorriendo clubes y festivales de todo el mundo, ¿en qué momento empezaste a sentir que necesitabas volver a una experiencia más íntima y conectada con la pista?



Fue después de uno de mis shows en una gira por América. El bolo había ido bien. Era un evento gigante y lleno de gente, pero al llegar al hotel me vino a la cabeza algo de lo que no había sido consciente hasta ese momento, como una especie de revelación, y me derrumbé.



Pensé: «Bueno, estoy cumpliendo mis sueños tal y como los imaginaba: viajo, toco en estos escenarios delante de miles de personas… Pero si pienso como clubber, como persona que se enamoró de la música electrónica en clubes y en formatos diferentes, yo no vendría a ninguno de estos lugares, no escucharía esta música y no me seguiría a mí mismo como artista».



Ahí me di cuenta de que necesitaba darle la vuelta a esta situación.



2. Petit Comité of House nació, en parte, como respuesta a una cultura de club cada vez más atravesada por los grandes nombres y la espectacularidad. ¿Qué sentías que se estaba perdiendo del espíritu original del house?



Sentía que se estaba perdiendo un poco la sencillez. Cuando empecé a salir, lo que me ilusionaba era ir con mis amigos a un sitio con buen sonido, buen ambiente y música que nos hiciera bailar y pasarlo bien. No necesitaba nada más. No queríamos este nombre o aquel; íbamos a un lugar que cumplía unas premisas básicas. Y había algo muy especial en compartir eso con desconocidos que buscaban lo mismo.



Eso es lo que yo echaba de menos: la alegría, la conexión en lo sencillo y sentirme a gusto en una pista sabiendo que lo básico está garantizado. No creo que haya desaparecido, pero sí sentía que a veces se quedaba en segundo plano entre tantas expectativas sobre quién toca o lo espectacular que va a ser una fiesta. Para mí, el espíritu del house tiene mucho que ver con cómo nos sentimos juntos en la pista y no tanto con todo lo que hay alrededor.



Petit Comité nació de querer volver a poner esa sensación en el centro. Hacer una fiesta a la que yo también quisiera ir como público y producir la música que me gustaría escuchar allí. Más que intentar cambiar nada, necesitaba volver a disfrutar de esa parte de la música de la que me había enamorado.



3. El proyecto empezó como una fiesta y hoy también funciona como sello y comunidad, con presencia en distintas ciudades. ¿Cómo hacés para crecer sin perder justamente esa cercanía que está en el origen de Petit Comité?



Creo que hay que crecer al ritmo al que puedes seguir cuidando la experiencia. Llevar Petit Comité a otra ciudad o hacer una fiesta más grande me hace ilusión, pero solo si podemos mantener aquello por lo que empezamos. Si para dar ese paso tenemos que renunciar a eso, preferimos no darlo.



Para mí, lo de «petit comité» tiene más que ver con sentirte entre los tuyos que con ser pocos. Esa sensación de llegar a un sitio y pensar «aquí estoy a gusto, esta es mi gente» puede existir en un grupo pequeño y también en una comunidad mucho más grande. No creo que haya un número de personas a partir del cual sea imposible, pero sí formatos en los que nosotros no podríamos garantizarlo.



Por eso también hay que saber decir que no. No todas las oportunidades tienen sentido para nosotros, aunque desde fuera puedan parecer un gran paso. Queremos llegar a más gente, claro, pero no a costa de dejar de hacer la fiesta a la que nosotros mismos querríamos ir.



4. Durante tu carrera siempre te moviste con libertad entre distintas vertientes del house, desde sonidos funky y disco hasta el minimal y el tech house. ¿Qué significa para vos hablar de “proper house music” en 2026?



Si te soy sincero, ese statement de «proper house music», o lo de «house, house», es más bien una pequeña licencia que me he tomado. Soy cero presuntuoso con ello, pero es la forma en la que hablo con mis amigos cuando describo el house al que me refiero.



Hoy en día se le llama house a cualquier cosa. Muchas de esas cosas podrían llamarse electro e incluso EDM. Yo, cuando hablo de house, me refiero a un tipo muy específico, crudo y clásico: el que escuchaba a finales de los 90. Podría llamarlo soulful, french, filtered o incluso prog funk, pero es que es eso y muchas cosas más.



Así que lo llamo «proper house music» porque, para mí, es el house de verdad, sin coletillas. Pero no soy yo el dueño de las etiquetas ni pretendo serlo. Es simplemente una definición de uso personal.



5. El sello también encontró rápidamente su lugar, con varios lanzamientos destacados en Beatport y “Only U” alcanzando el #1 en distintas ocasiones. ¿Qué buscás en un track para sentir que representa el universo de Petit Comité?



Lo primero que busco es que sea «house, house». ¡Jajajajaja! Bromas aparte, sí que lo primero en lo que me fijo es que tenga ese color, que tenga sentido dentro del universo sonoro en el que ubico mentalmente a Petit Comité.



Sé que ese universo se expande, así que no tengo una definición muy precisa de lo que cabe en él. Simplemente lo sé al escucharlo. Y luego lo que marca la diferencia es tener ganas de pincharlo y escucharlo. Si tengo ganas de ponerlo en mis sets, entonces lo quiero para Petit.



6. Después de haber pasado por escenarios como Tomorrowland, Space Ibiza y grandes producciones junto a elrow, ahora volvés a poner el foco en espacios más reducidos y en la conexión directa con el público. ¿Sentís que la cultura de club está entrando en una etapa en la que la intimidad vuelve a tener valor?



Sí, precisamente por lo que te comentaba antes sobre las prioridades reales de la gente. A veces algunos colegas míos se enfadan cuando digo esto, pero lo creo de verdad: una gran parte del público que sale de fiesta a nuestros shows no tiene ni idea de quién es quién, ni de las jerarquías de la industria, ni de qué significa publicar aquí o allí, ni de si este artista tocó en la fiesta de no sé quién.



Lo que tienen claro todos los que pagan una entrada es que quieren pasárselo bien, quieren tener una buena experiencia, quieren rodearse de buena gente. Eso es lo principal, por encima de lo mucho o poco que sepan sobre la industria de la música electrónica.



Y reconocer eso no significa menospreciar al público ni cuestionar su cultura musical. Significa recordar que, antes que cualquier otra cosa, estamos hablando de personas y que nuestra industria no debería olvidarse de eso.



Cuidar todo esto es mucho más sencillo desde una perspectiva de club y es por ello que creo que la intimidad vuelve a ser un valor buscado. Pero, como decía antes, no es imposible cuidar esos básicos en entornos más grandes.



<iframe data-testid="embed-iframe" style="border-radius:12px" src="https://open.spotify.com/embed/album/6kkvFRiesdJxMT0IhvLqIK?utm_source=generator&si=d748db62956544be" width="100%" height="352" frameBorder="0" allowfullscreen="" allow="autoplay; clipboard-write; encrypted-media; fullscreen; picture-in-picture" loading="lazy"></iframe>



La mirada de Bastian Bux sobre el presente del house parte menos de una cuestión de escala que de prioridades. Petit Comité puede crecer, llegar a nuevas ciudades y ampliar su comunidad, pero con una premisa clara: conservar esa sensación de pertenencia y conexión que dio origen al proyecto.



En ese recorrido, Bux parece haber encontrado también una forma de reconciliarse con aquello que lo llevó a la música electrónica en primer lugar. Más allá de los grandes escenarios, las etiquetas o las jerarquías de la industria, su búsqueda vuelve a lo esencial: buena música, una pista y personas con ganas de compartirla.

Bastian Bux: volver a poner la pista en el centro

Con el Global Dance Radio Chart publicado por Billboard como referencia, una emisora pequeña puede ocupar un lugar enorme en la vida de sus oyentes. <a href="https://www.billboard.com/charts/warm-global-dance-radio/">Consulta aquí</a> el chart de esta semana.



En un ecosistema musical donde cada día se multiplican los lanzamientos y las recomendaciones automatizadas, la confianza en quien selecciona la próxima canción adquiere otro valor. Para Jesper Skibsby, fundador y CEO de World Airplay Radio Monitor (<a href="https://bit.ly/47gTBZC">WARM</a>), las radios especializadas y comunitarias están ganando atención precisamente por esa capacidad: conectar una identidad musical definida con públicos que regresan, escuchan y confían. Su lectura plantea una pregunta para la industria: ¿cuánta influencia queda fuera del radar cuando solo se observa a las grandes cadenas?



Para profundizar en estos temas y analizar las tendencias que están marcando el rumbo del mercado, Nazen Carneiro conversó con <a href="https://bit.ly/47gTBZC">Jesper Skibsby</a> en exclusiva para DJ Mag Latinoamérica. Fundada en Copenhague en 2017, WARM convierte las reproducciones radiofónicas en información para artistas, sellos y profesionales del sector. Uno de sus principales puntos de referencia es el Global Dance Radio Chart, que Billboard comenzó a publicar en marzo de 2026. Elaborado con datos de más de 200 emisoras especializadas de más de 30 países, el ranking ofrece una perspectiva internacional sobre la circulación de la música electrónica y permite observar qué repertorios consiguen sostener su presencia en la programación. 



En esta conversación, realizada en la primera semana de septiembre de 2026, Skibsby identifica al house y al tech house como pilares del chart y destaca la presencia de sellos independientes entre sus primeras posiciones. Sin embargo, los patrones globales conviven con realidades locales muy distintas. Mientras señala el papel de las emisoras públicas europeas y la concentración empresarial estadounidense, describe una América Latina diversa, donde una canción puede dominar la radio de un país y apenas sonar en el vecino.  WARM presenta un programa de radio semanal dedicado al Top 20 del Global Dance Radio Chart en español y puedes escuchar aqui.



<iframe loading="lazy" width="100%" height="120" src="https://player-widget.mixcloud.com/widget/iframe/?hide_cover=1&feed=%2FWARM_TOP_20%2Fwarm-global-dance-radio-chart-top-20-en-espanol-061-semana-35-2026%2F&utm_medium=share&utm_source=embed&utm_content=show&utm_term=NmQxOTY5YThfNDk3MF80NTkwX2E2OWNfNTg3MDcwZGIzMWI2" frameborder="0" allow="encrypted-media; fullscreen; autoplay; idle-detection; speaker-selection; web-share;" ></iframe>



¿Cuáles son los mayores cambios que estás observando actualmente en la radio a escala global?



Percibo un interés creciente por las radios especializadas y comunitarias frente a las grandes emisoras comerciales. Me parece que la curaduría, en general, está cobrando más relevancia que nunca. Con el aumento constante de la música que se publica en las plataformas digitales, la selección musical y los prescriptores de confianza son cada vez más importantes para quienes buscan las canciones adecuadas para sus playlists.



¿Qué países o regiones están mostrando el crecimiento o los cambios más interesantes en las reproducciones radiofónicas?



No sabría decirlo, pero algo que suele olvidarse es que la música se consume de formas muy distintas según el país. En Estados Unidos, los autos nuevos vienen equipados con radio satelital a través de SiriusXM, que millones de personas utilizan a diario en sus desplazamientos al trabajo.



¿Qué géneros o sonidos están ganando más terreno en las radios de todo el mundo en este momento?



Si observamos nuestro Global Dance Radio Chart de esta semana, el tech house y el house son claramente la columna vertebral de la radio en este momento. Canciones como “Free Your Mind”, de Prospa y Cloonee, y “Talk To You”, de ANOTR, llevan semanas ocupando las dos primeras posiciones, y todo el top 10 está dominado por ese sonido house y tech house de sellos como CircoLoco, Defected y Solotoko.



Lo más interesante es la segunda capa que aparece por debajo: nombres consolidados del big room y la electrónica melódica, como Swedish House Mafia, Guetta, Alesso, Kygo y Armin van Buuren, están recuperando posiciones junto a una ola de cruces entre pop y dance que reúnen a DJs con vocalistas de pop. Eso me indica que la radio está volviendo a premiar las canciones, no solo las producciones. También está abriéndose paso en la zona media del ranking una corriente con influencias afro-tech y amapiano: temas que incorporan ritmos africanos al house y consiguen entrar de forma sostenida, en lugar de aparecer como casos aislados.



¿Estás observando diferencias significativas entre las tendencias radiofónicas de Europa, Estados Unidos, América Latina y otros mercados emergentes?



Sí, y las diferencias son estructurales, no solo una cuestión de gustos. Europa sigue contando con emisoras públicas fuertes que apoyan activamente la música nueva y local. Eso mantiene vivo el descubrimiento de una manera que no ocurre en los mercados puramente comerciales, y nuestro chart está lleno de sellos europeos de house y tech house que dominan ese espacio.



Estados Unidos está dominado por unos pocos grandes grupos y por la radio satelital, por lo que abrirse camino suele depender de convencer a un número reducido de responsables de programación. Eso explica, en parte, por qué las colaboraciones dance cercanas al pop con vocalistas estadounidenses suelen tener más recorrido allí.



América Latina presenta una dinámica mucho más regional: una canción puede dominar las reproducciones de un país y estar prácticamente ausente en el de al lado. Los mercados emergentes, especialmente en África, son donde estamos viendo los cambios más rápidos en este momento, tanto en infraestructura como en la música que se programa. Eso se refleja en nuestro chart con temas influidos por el afro-tech y el amapiano que suben de manera sostenida, en vez de alcanzar un pico y desaparecer.



<figure class="wp-block-image size-large"><a href="https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2026/09/JESPER-SKIBSBY-SPEAKS-AT-ADE.png"><img loading="lazy" decoding="async" width="1024" height="576" src="https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2026/09/JESPER-SKIBSBY-SPEAKS-AT-ADE-1024x576.png" alt="" class="wp-image-1172946" srcset="https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2026/09/JESPER-SKIBSBY-SPEAKS-AT-ADE-1024x576.png 1024w, https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2026/09/JESPER-SKIBSBY-SPEAKS-AT-ADE-300x169.png 300w, https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2026/09/JESPER-SKIBSBY-SPEAKS-AT-ADE-768x432.png 768w, https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2026/09/JESPER-SKIBSBY-SPEAKS-AT-ADE-1536x864.png 1536w, https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2026/09/JESPER-SKIBSBY-SPEAKS-AT-ADE-950x535.png 950w, https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2026/09/JESPER-SKIBSBY-SPEAKS-AT-ADE.png 1672w" sizes="auto, (max-width: 1024px) 100vw, 1024px" /></a></figure>



¿Cómo está cambiando la relación entre las reproducciones en radio y el streaming? ¿La radio todavía tiene el poder de impulsar una canción a escala global?



La radio y el streaming están cada vez más entrelazados; no han perdido importancia el uno para el otro. El streaming ofrece las primeras señales, pero la radio sigue siendo lo que lleva una canción del éxito de nicho al reconocimiento masivo, especialmente fuera de las grandes ciudades y de la burbuja guiada por algoritmos en la que ocurre buena parte del descubrimiento en streaming.



Diría que la radio quizá haya perdido su papel como principal impulsora inicial de canciones, pero ha ganado mucha más importancia como instancia de validación y prescriptora de confianza. Cuando una emisora incorpora un tema a su programación, este suele llegar a un público al que el streaming por sí solo no alcanza, especialmente cuanto más de nicho es la música.



¿Qué revelan los datos sobre el acceso de artistas y sellos independientes a la radio frente a los lanzamientos de las grandes discográficas?



Medimos directamente la cuota de mercado de los sellos en nuestros charts, y los independientes están consiguiendo una proporción de las reproducciones en radios de música electrónica considerablemente mayor de lo que muchos profesionales de la industria imaginan.



Actualmente, el top 10 de nuestro Global Dance Radio Chart incluye a CircoLoco, No Art, DANSA, Make The Girls Dance y Empire: sellos independientes que compiten de igual a igual con las grandes discográficas en lo más alto, no solo entre los temas con menor difusión. Las majors siguen dominando en volumen, pero los independientes están logrando una presencia destacada en espacios clave, especialmente en radios especializadas y comunitarias. Eso nos devuelve a lo que comentaba sobre la creciente importancia de la curaduría.



¿Qué tendencia global de la radio estás viendo en los datos que crees que el conjunto de la industria musical está pasando por alto?



La industria sigue hablando de la radio como un medio del pasado en declive, pero los datos no respaldan esa idea. Lo que está ocurriendo es una fragmentación, no un declive: la radio se está repartiendo entre miles de emisoras especializadas y comunitarias, cada una con audiencias muy comprometidas y fieles, en lugar de unos pocos gigantes que llegan a todo el mundo.



Buena parte de la industria sigue organizada para medir únicamente a esos gigantes y está dejando fuera el alcance y la influencia que acumulan todas esas emisoras pequeñas, así como la importancia de los públicos más reducidos y comprometidos que escuchan radios especializadas. Es un poco como comparar a los fans con los superfans.



De cara a los próximos tres años, ¿cuáles crees que serán los mayores cambios en la radio y en su papel dentro del descubrimiento musical?



Espero que la radio profundice en su función como filtro de confianza, en lugar de intentar competir con el streaming en volumen o velocidad. La programación basada en datos seguirá creciendo, con emisoras que utilicen información real sobre reproducciones y audiencias para decidir qué emitir, en lugar de guiarse únicamente por la intuición.



También creo que veremos vínculos más estrechos y formales entre los rankings radiofónicos y el conjunto de la industria, similares al que ya tenemos con Billboard a través del Global Dance Radio Chart, porque el sector necesita una fuente global y confiable que refleje lo que realmente está sonando en la radio.

Audiencias fieles, influencia global: la fuerza de las radios especializadas

MUTEK.AR regresa a Buenos Aires para celebrar su Edición 8 del 7 al 11 de octubre. Durante cinco días, el festival desarrollará una programación que cruza música electrónica, arte digital, performance, luz y tecnología a través de diferentes espacios de la ciudad, entre ellos el Teatro San Martín, el Teatro Colón, Artlab, Deseo, el Planetario Galileo Galilei y La Nube.



La programación reúne artistas de Argentina y la escena internacional, con nombres como Satoshi Tomiie, Barem, Dana Ruh, Myriam Bleau, NVST, Klauss, Carlos Alfonsín, Manami Sakamoto & Yuri Urano, Studio Lemercier y Paula OS, entre otros.



El recorrido comenzará el miércoles 7 de octubre en el Teatro San Martín con A/Visions, el programa audiovisual insignia de MUTEK. Klauss se unirá a Martín Huberman & El Estudio Normal para presentar un concierto A/V acompañado por el estreno de La Joya, una instalación construida a partir de 60 ópticas de automóviles. La canadiense Myriam Bleau completará la jornada con Hypermobility, una performance que combina electrónica y proyecciones láser volumétricas.



El jueves 8, Experimenta Lab llegará al Centro de Experimentación del Teatro Colón con Heidi Giel & Manu Schaller y una propuesta que conecta piano, Rhodes, acordeón procesado, theremin y sintetizadores. Ese mismo día, el Side Programme del festival se extenderá a Comité 357 con obras de Arturo Peruzzotti, Constanza Schwartz y Matías Kroitor.



<h2 class="wp-block-heading">Del live electrónico a la pista de baile</h2>



El viernes 9, MUTEK.AR volverá a Artlab con Play, una jornada de casi diez horas enfocada en diferentes formas del live electrónico y audiovisual. Drune, Ana Vojnov, 555n / Gadi Sassoon y Koiwa formarán parte del programa, antes de que Dana Ruh lleve la noche hacia el formato DJ set y SKSSS cierre con un live. Los visuales estarán a cargo de artistas como Hernán Roperto, G4bit y Dana Cozzi.



El sábado 10, Artlab será también sede de Digi Lab, el espacio dedicado al intercambio de conocimiento alrededor de la creatividad digital, el arte sonoro y audiovisual, con actividades de acceso gratuito.



Por la noche, la programación se trasladará a Deseo para Nocturno, siete horas enfocadas en la música de pista. Carlos Alfonsín abrirá la jornada, seguido por el debut argentino de NVST, quien presentará un live atravesado por breakbeat, techno, acid e industrial. Dana Ruh continuará en formato DJ set y Satoshi Tomiie llevará al escenario una performance modular en vivo construida a partir de sintetizadores e instrumentos electrónicos.



La Joya, estrenada durante la apertura del festival, también se trasladará a Deseo para integrarse a la arquitectura industrial del espacio y convertirse en parte de la puesta lumínica de la noche.



<h2 class="wp-block-heading">Del Planetario a un cierre a cielo abierto</h2>



El domingo 11, Domo ocupará el Planetario Galileo Galilei con cuatro obras desarrolladas para su formato fulldome. Manami Sakamoto & Yuri Urano presentarán la première sudamericana de Metaract, mientras que Studio Lemercier hará lo propio con Nebulae. También regresará Log in to your Life, de Motia & Nait Saves, después de su paso por MUTEK Montréal, y Qoa & Joaquina S. estrenarán mundialmente una nueva obra concebida específicamente para el domo.



La Edición 8 culminará ese mismo domingo con Experience en La Nube, un cierre a cielo abierto que comenzará durante la tarde y avanzará progresivamente hacia la pista. Primeiro abrirá con un live entre ambient y electrónica experimental, seguido por la chilena Paula OS y el dúo argentino DIOM.



Ya entrada la noche, Satoshi Tomiie regresará al festival, esta vez en formato DJ set, mientras que Barem llevará al cierre su recorrido ligado al minimal techno y su histórica conexión con Minus, el sello de Richie Hawtin.



Nacido en Montreal en 2000, MUTEK se consolidó como una plataforma internacional dedicada a la creatividad digital, la música y las artes audiovisuales, con una red que actualmente desarrolla ediciones en distintos puntos del mundo. Su octava edición argentina vuelve a trasladar ese concepto a Buenos Aires, utilizando cada espacio como una parte activa de la experiencia y proponiendo cinco días para explorar distintas relaciones entre sonido, imagen, tecnología y arquitectura.

MUTEK.AR 2026 despliega su Edición 8 en seis espacios de Buenos Aires

Swedish House Mafia y Lykke Li presentaron el videoclip oficial de “Happiness Is So Sad”, su colaboración lanzada a finales de julio. Dirigida por Theo Lindquist junto a Jorge G. Camarena, la pieza fue filmada íntegramente con alrededor de 25 teléfonos durante una fiesta en una casa de Guadalajara, México.



Lejos de funcionar únicamente como una decisión estética, los teléfonos constituyen el eje narrativo del video. Cada dispositivo registra una perspectiva diferente de la misma noche, construyendo un relato fragmentado en el que ningún punto de vista ofrece una versión definitiva de lo sucedido.



En el centro de la historia aparece Benny, un adolescente que llega a la fiesta con la esperanza de besar a una chica de la que lleva años enamorado. Finalmente lo consigue, pero descubre poco después que, mientras para él el momento significó todo, para ella había sido simplemente un desafío. A su alrededor, el resto de los invitados atraviesa sus propias historias, reforzando la idea de que cada persona es protagonista de su noche y, al mismo tiempo, un personaje secundario en la experiencia de los demás.



El concepto nació a partir de la letra de Lykke Li y del propio título de la canción. Lindquist y el coautor Scott trabajaron sobre la nostalgia, la fugacidad de la felicidad y el concepto japonés mono no aware, asociado a la sensibilidad frente al carácter transitorio de las cosas.



<iframe data-testid="embed-iframe" style="border-radius:12px" src="https://open.spotify.com/embed/album/4WLLacwBaBRtV0qOzpFPMW?utm_source=generator&si=826235f15537449c" width="100%" height="352" frameBorder="0" allowfullscreen="" allow="autoplay; clipboard-write; encrypted-media; fullscreen; picture-in-picture" loading="lazy"></iframe>



La producción buscó que las imágenes conservaran la espontaneidad de una fiesta real. Para evitar la presencia visible de un equipo tradicional de filmación, se instalaron cámaras de seguridad en distintos puntos de la casa para supervisar el rodaje de manera remota, mientras parte del equipo se mezcló entre los invitados. Cinco directores de fotografía locales registraron la acción con teléfonos y, al terminar la noche, se habían acumulado alrededor de 50 horas de material.



La única ruptura deliberada con ese naturalismo ocurre durante el beso. Para la escena, Lindquist recuperó una técnica estereoscópica que había experimentado más de quince años atrás y, junto al director de fotografía Diego Gilly, utilizó un sistema compuesto por varios teléfonos para otorgarle al momento una apariencia tridimensional. La imagen deja entonces de representar lo que ocurrió objetivamente para acercarse a cómo Benny conserva ese recuerdo.



“Happiness Is So Sad” fue estrenada a finales de julio y tuvo su presentación mundial junto a Zane Lowe en Apple Music 1. Durante el verano europeo, la canción también se convirtió en una presencia habitual en la residencia de Swedish House Mafia en Ushuaïa Ibiza.



Con su nuevo videoclip, Swedish House Mafia y Lykke Li trasladan el concepto emocional de la canción a una historia construida desde recuerdos parciales: una noche compartida por todos, pero vivida de manera diferente por cada uno.



<iframe loading="lazy" width="560" height="315" src="https://www.youtube.com/embed/bkeYOAbPCYg?si=_i3x5KUHTJBCn5QI" title="YouTube video player" frameborder="0" allow="accelerometer; autoplay; clipboard-write; encrypted-media; gyroscope; picture-in-picture; web-share" referrerpolicy="strict-origin-when-cross-origin" allowfullscreen></iframe>

Swedish House Mafia estrena el videoclip de “Happiness Is So Sad” junto a Lykke Li

Henry Saiz continúa celebrando dos décadas de trayectoria con una nueva revisión de su catálogo. Esta vez, Hernan Cattaneo y Kevin Di Serna toman “We Are All”, uno de los primeros clásicos del productor español, para presentar una nueva versión que llega este 25 de septiembre a través de Natura Sonoris.



Publicado originalmente en 2008 por Paradigma Musik, “We Are All” ocupa un lugar particular dentro de la historia de Saiz. Fue además uno de los primeros tracks que despertó el interés de Cattaneo por su música, un vínculo que casi dos décadas después encuentra una nueva forma de cerrarse con esta colaboración junto a Kevin Di Serna.



El remix conserva la identidad deep progressive house del original mientras traslada su sonido al presente desde la visión conjunta de los dos productores argentinos. La reinterpretación se suma así al proyecto con el que Natura Sonoris está recuperando parte de los primeros trabajos de Saiz, algunos de ellos disponibles por primera vez en plataformas de streaming.



<iframe loading="lazy" src="https://www.instagram.com/p/DduDs8ooUre/embed/" width="100%" height="750" frameborder="0" scrolling="no" allowtransparency="true" style="max-width: 540px; margin: 0 auto; display: block;"></iframe>



La iniciativa se articula alrededor de dos álbumes que combinan piezas fundamentales de su catálogo con nuevas versiones realizadas por artistas de la escena progressive house contemporánea. Antes de “We Are All”, el proyecto presentó el remix de Mariano Mellino para “Madre Noche” y la reinterpretación de Eichenbaum de “The Rider”.



Con Cattaneo y Di Serna ahora al frente de una de sus composiciones más representativas, la celebración de los 20 años de Henry Saiz funciona no solo como una mirada hacia sus primeros años, sino también como una oportunidad para conectar ese repertorio con el sonido progressive actual.



<iframe data-testid="embed-iframe" style="border-radius:12px" src="https://open.spotify.com/embed/album/1i0qE8iPTuKXu7PfEb6tlQ?utm_source=generator&si=4428fabb65ab4842" width="100%" height="352" frameBorder="0" allowfullscreen="" allow="autoplay; clipboard-write; encrypted-media; fullscreen; picture-in-picture" loading="lazy"></iframe>

Hernan Cattaneo y Kevin Di Serna reversionan “We Are All” de Henry Saiz

Kevin de Vries vuelve a Argentina en un momento en el que su relación con el público local parece haber dejado atrás definitivamente la etapa de presentación. Después de varias visitas al país y de una carrera que lo llevó por algunos de los principales escenarios de la escena electrónica internacional, el productor y DJ alemán regresa para dos nuevas fechas: el 25 de septiembre en Córdoba y, un día más tarde, en Mandarine Park, Buenos Aires.



Su crecimiento durante los últimos años estuvo acompañado por la consolidación de un lenguaje propio dentro del techno melódico: ritmos de fuerte impacto, sintetizadores de gran carga emocional y una construcción de tensión pensada para la pista. Tracks como “Dance With Me” y “Metro”, junto con su recorrido dentro del universo Afterlife, fueron parte de una etapa que amplió considerablemente el alcance de su música y lo llevó a presentarse en festivales y clubes alrededor del mundo.



Este regreso tendrá, además, un componente especialmente preparado para Argentina. De Vries anticipa nueva música, edits e IDs inéditos para sus presentaciones, además de una producción visual diseñada para acompañar el show. En Buenos Aires compartirá fecha con Marian Ariss y Gueva, mientras que en Córdoba estarán también Marian Ariss, Nahs y Naza Valenzuela. Antes de volver a encontrarse con el público argentino, Kevin de Vries conversó con DJ Mag Latinoamérica.



<iframe data-testid="embed-iframe" style="border-radius:12px" src="https://open.spotify.com/embed/artist/11aPF3sc8lDWNqPVInm4Zx?utm_source=generator&si=632e96735c754151" width="100%" height="352" frameBorder="0" allowfullscreen="" allow="autoplay; clipboard-write; encrypted-media; fullscreen; picture-in-picture" loading="lazy"></iframe>



<h3 class="wp-block-heading">Pasaron varios años desde tus primeras visitas a Argentina. ¿Qué sentís que cambió en tu relación con el público local desde aquellos primeros shows?</h3>



Al principio, cada show se sentía un poco más como una presentación. Todavía estaba encontrando mi lugar y, de alguna manera, intentando demostrar quién era. Hoy existe un nivel de confianza mucho más profundo entre el público argentino y yo.



Eso me da más libertad para tomar riesgos, bajar la intensidad o dejar que una atmósfera se desarrolle durante más tiempo. Ya no se siente tanto como intentar causar una primera impresión, sino como continuar algo que fuimos construyendo juntos a lo largo de los años.



<h3 class="wp-block-heading">Volvés a Buenos Aires para una nueva presentación en Mandarine. ¿Qué hace especial a una noche de esta escala y qué estás preparando para este regreso?</h3>



Mandarine va a ser una fecha muy especial para mí. Lo que hace memorable a una noche así no es solamente la escala, sino ese momento en el que miles de personas conectan con la misma música al mismo tiempo.



Vamos a llevar nuestra propia producción, con lasers increíbles y un montaje enorme para el show. También estuve preparando nuevos IDs, edits y música inédita específicamente para esta noche en Buenos Aires. Siempre me gusta llevar algo nuevo a un show así y ver cómo cobra vida dentro de ese entorno.



<h3 class="wp-block-heading">Tu sonido evolucionó mucho durante los últimos años. ¿Qué es lo que más te entusiasma musicalmente en este momento y hacia dónde sentís que se está moviendo?</h3>



Ahora mismo estoy muy enfocado en mantener esa energía de alto impacto en la pista sin perder el costado emocional de mi música. Ese equilibrio siempre fue importante para mí.



Estoy disfrutando de combinar ritmos potentes y contundentes con un trabajo de sintetizadores más melódico, generando suficiente contraste para que un set pueda sentirse intenso sin volverse unidimensional. Para mí, la emoción todavía tiene que estar debajo de todo.



<h3 class="wp-block-heading">Si pudieras elegir un track de la historia de la música electrónica y decir “ojalá lo hubiera hecho yo”, ¿cuál sería?</h3>



“Café Del Mar” de Energy 52, en su versión original, definitivamente sería uno. Es casi un modelo de lo que puede ser la música electrónica emocional. La melodía es atemporal y, de alguna manera, sigue teniendo el mismo impacto en una pista después de todos estos años.



<iframe loading="lazy" width="560" height="315" src="https://www.youtube.com/embed/9o2cV-FpoHo?si=2eaR2Zf3m5njMDEv" title="YouTube video player" frameborder="0" allow="accelerometer; autoplay; clipboard-write; encrypted-media; gyroscope; picture-in-picture; web-share" referrerpolicy="strict-origin-when-cross-origin" allowfullscreen></iframe>



“Knights of the Jaguar” de DJ Rolando sería otro. Ambos tienen ese equilibrio tan poco frecuente entre energía, emoción e identidad que hace que se sientan completamente atemporales.



<iframe loading="lazy" width="560" height="315" src="https://www.youtube.com/embed/ZcC3vVh3cOE?si=avWbVZrG-g0CkwAt" title="YouTube video player" frameborder="0" allow="accelerometer; autoplay; clipboard-write; encrypted-media; gyroscope; picture-in-picture; web-share" referrerpolicy="strict-origin-when-cross-origin" allowfullscreen></iframe>



<h3 class="wp-block-heading">Tocás tanto en grandes festivales como en clubes y formatos más extensos. ¿Cuánto cambia tu manera de construir un set dependiendo del espacio?</h3>



La esencia de lo que toco se mantiene: ritmos contundentes, melodías y emoción. Pero la manera en la que construyo un set definitivamente cambia dependiendo del espacio.



En un escenario grande de festival, especialmente cuando el set es más corto, tenés que ser más directo y asegurarte de que la energía funcione frente a un público enorme. En un club, o durante un extended set, hay más espacio para ser paciente, ir más profundo y tomar algunos caminos inesperados. Me gusta mucho esa libertad porque permite que aparezcan diferentes facetas de mi sonido.



<h3 class="wp-block-heading">Si pensamos en 2036, ¿cómo imaginás que habrá cambiado la música electrónica y qué creés que seguirá siendo exactamente igual?</h3>



La tecnología obviamente va a seguir evolucionando muy rápido. La producción inmersiva en vivo, los entornos visuales y las herramientas de inteligencia artificial probablemente tengan un papel todavía más importante en la manera en la que la música se crea, se presenta y se descubre.



Pero no creo que cambie demasiado la razón fundamental por la que las personas conectan con la música electrónica. Sigue habiendo algo profundamente humano en estar juntos en una sala, un club o un espacio abierto y experimentar la misma música en el mismo momento. La tecnología que rodea esa experiencia va a evolucionar, pero creo que esa sensación siempre va a permanecer.



<iframe loading="lazy" src="https://www.instagram.com/p/DdHmSSND_0k/embed/" width="100%" height="750" frameborder="0" scrolling="no" allowtransparency="true" style="max-width: 540px; margin: 0 auto; display: block;"></iframe>



El regreso de Kevin de Vries a Argentina encuentra al artista en una etapa diferente a la de aquellas primeras visitas que recuerda como una presentación frente a un público nuevo. Esta vez, la expectativa parte de una relación ya construida y de la posibilidad de explorarla con mayor libertad, tanto desde la selección musical como desde la producción que acompañará los shows.



La gira comenzará el 25 de septiembre en Córdoba, donde Kevin de Vries compartirá cartel con Marian Ariss, Nahs y Naza Valenzuela, antes de continuar el 26 de septiembre en Mandarine Park, Buenos Aires, junto a Marian Ariss y Gueva. Dos shows consecutivos que seguirán fortaleciendo su conexión con el público argentino, una relación que, según el propio artista, le da la libertad de tomar más riesgos, explorar nuevas direcciones y continuar construyendo una historia compartida con la audiencia.

Kevin de Vries regresa a Argentina: «Hoy hay un nivel de confianza mucho más profundo con el público argentino»

Entre los 148 y 155 BPM, Davyboi encontró un espacio propio dentro de una escena europea atravesada en los últimos años por el regreso de los sonidos rápidos. Su propuesta nació en el underground de Múnich a partir de una idea concreta: recuperar una energía más luminosa y emocional en la pista cuando el hard techno ocupaba buena parte del centro de la conversación. Trance, eurodance y hard house comenzaron así a convivir en sets de transiciones rápidas, melodías eufóricas y una búsqueda constante de movimiento.



Pero la identidad de Davyboi no termina en la selección musical. Desde las corbatas que se convirtieron en una firma visual hasta su vínculo con una comunidad que participa incluso en la creación de algunas de esas piezas, el proyecto fue construyendo un lenguaje reconocible dentro y fuera de la cabina. Después de completar un tour All Night Long con entradas agotadas y con nuevas fechas en Australia, Sudamérica y Estados Unidos, el artista atraviesa ahora una etapa de expansión hacia nuevos públicos.



<iframe data-testid="embed-iframe" style="border-radius:12px" src="https://open.spotify.com/embed/artist/6P4o2FYfdS5rI309RFzm9m?utm_source=generator&si=4b3750c0902d4ba4" width="100%" height="352" frameBorder="0" allowfullscreen="" allow="autoplay; clipboard-write; encrypted-media; fullscreen; picture-in-picture" loading="lazy"></iframe>



<h3 class="wp-block-heading">Has dicho que querías llevar el trance a Múnich cuando el hard techno dominaba la escena. ¿Qué sentías que faltaba en ese momento?</h3>



Sentía que faltaba un poco esa energía alegre y bailable. Quería un sonido que realmente te hiciera disfrutar de bailar, ese tipo de música con la que mirás a tus amigos en medio de la pista, se sonríen y simplemente la pasan bien juntos. Para mí, se trataba realmente de recuperar esa sensación de unión y diversión, sin dejar de mantener la energía alta.



<h3 class="wp-block-heading">Tu sonido se mueve entre el trance, el eurodance y el hard house a 148–155 BPM. ¿Qué hace que un track se sienta “Davyboi” para vos?</h3>



Tiene que coincidir con mi energía. Siempre busco algo que se sienta muy impulsado y enérgico, pero esa energía puede venir de elementos completamente diferentes. A veces es un lead que inmediatamente empuja el track hacia adelante, otras veces es una vocal realmente potente y, en ocasiones, es la percusión o el groove.



Simplemente tiene que haber algo en el track que me genere esa sensación. Si esa energía no está, normalmente no encaja con el vibe que quiero representar como Davyboi.



<h3 class="wp-block-heading">Tus sets se apoyan en transiciones rápidas y en leer constantemente la pista. ¿Qué te indica que el público realmente está conectando con vos?</h3>



Para mí, son las caras. Cuando miro al público y veo a la gente sonriendo, mirándose entre sí y realmente viviendo el momento, eso me dice mucho.



Y, por supuesto, cuando la pista se mantiene llena durante todo el set, probablemente esa sea la mejor señal. Mi objetivo es crear un set en el que la gente quiera seguir bailando de principio a fin sin sentir que necesita un descanso. Quiero que exista ese flujo y esa energía constantes, en los que de repente no pienses: “Bueno, quizás ahora salgo a fumar un cigarrillo”.



<h3 class="wp-block-heading">Desde la corbata que usás en cada show hasta las prendas vintage que personalizás, construiste una identidad muy reconocible. ¿Cómo se desarrolló ese lado visual de Davyboi?</h3>



Se desarrolló de manera bastante natural con el tiempo. Al principio, básicamente era una camisa blanca cropped y una corbata roja. Desde entonces, los outfits y especialmente las corbatas se volvieron mucho más detallados y experimentales.



Ahora me encanta jugar con diferentes texturas, telas y patrones —látex, denim, pana— y después encontrar o crear una corbata que encaje con todo el look. Las corbatas en sí se convirtieron en una parte enorme de todo esto. Algunas tienen tachas, otras tienen pequeños peluches y muchas, de hecho, fueron hechas o regaladas por personas de mi comunidad.



Esas piezas son especialmente significativas para mí porque cada vez que uso una hay un pequeño momento de conexión y de darme cuenta de que alguien se tomó el tiempo de crear algo para mí.



Y también están los pantalones de las diseñadoras berlinesas SAD PARTY GIRLZ, que se convirtieron en otra parte muy reconocible de mi look.



<h3 class="wp-block-heading">Has hablado abiertamente sobre la Generación Z, la salud mental y la comunidad. ¿Qué tipo de espacio querés crear alrededor de tu música más allá de la pista?</h3>



Quiero que las personas sean más abiertas entre sí y un poco más amables unas con otras. La música puede crear conexiones muy fuertes entre las personas y me encantaría que esa sensación existiera más allá de esas pocas horas en la pista.



Para mí, se trata de crear un espacio donde todos se sientan cómodos siendo ellos mismos, conectando con otras personas y demostrando amor sin pensarlo demasiado. Ya hay suficiente negatividad a nuestro alrededor, así que si la comunidad alrededor de mi música puede ser un lugar donde las personas se apoyen entre sí, se diviertan juntas y se vayan con un poco más de energía positiva, eso significa mucho para mí. Básicamente: difundir amor.



<h3 class="wp-block-heading">Después de un tour All Night Long con entradas agotadas, ahora viajás a Australia, Sudamérica y Estados Unidos. ¿Qué es lo que más te entusiasma descubrir a medida que Davyboi llega a nuevos públicos?</h3>



A nivel personal, siempre me interesa mucho conocer la cultura de las ciudades y los países que visito. Quiero entender qué hace la gente, cómo vive y cómo se siente la vida cotidiana allí. Incluso si es solo por unos días, disfruto mucho intentar formar parte de ese lugar en vez de simplemente llegar, tocar un show e irme de nuevo.



Desde la perspectiva de DJ, tengo mucha curiosidad por ver cómo reaccionan diferentes públicos a mi sonido y a mi forma de tocar. Especialmente en un lugar como Estados Unidos, sinceramente todavía no sé si voy a poder conquistar al público de la misma manera que puedo hacerlo en Europa, y eso es exactamente lo que lo hace emocionante. Es un nuevo desafío. Ponerme frente a personas que quizás todavía no me conocen ni conocen mi sonido y encontrar una manera de conectar con ellas a través del set es algo que realmente espero con muchas ganas.



<iframe loading="lazy" src="https://www.instagram.com/p/DdRLxmwgBdy/embed/" width="100%" height="750" frameborder="0" scrolling="no" allowtransparency="true" style="max-width: 540px; margin: 0 auto; display: block;"></iframe>



La expansión internacional llega mientras Davyboi continúa trasladando esa misma energía al estudio. Producciones y colaboraciones como “Discotheque”, junto a Mika Heggemann, acompañan una etapa en la que su identidad se vuelve cada vez más definida: velocidad y contundencia, pero también melodía, nostalgia y una idea de la pista que depende tanto de lo que sucede en los parlantes como de las relaciones que se generan frente a ellos.



Ahora, con nuevos públicos por descubrir, el desafío pasa por comprobar hasta dónde puede viajar ese lenguaje. Para Davyboi, la respuesta parece seguir estando en aquello que dio origen al proyecto: mirar hacia la pista y encontrar caras sonrientes, amigos compartiendo el momento y un espacio en el que la intensidad no esté separada de la emoción.



<iframe data-testid="embed-iframe" style="border-radius:12px" src="https://open.spotify.com/embed/album/0Ecjy29B7yjF2tpLwGe9xA?utm_source=generator&si=98eafab6efc049e4" width="100%" height="352" frameBorder="0" allowfullscreen="" allow="autoplay; clipboard-write; encrypted-media; fullscreen; picture-in-picture" loading="lazy"></iframe>

Davyboi: trance, velocidad y una pista construida desde la conexión

El DJ y productor uruguayo <a href="https://www.instagram.com/santidominguezdj/" target="_blank" rel="noopener">Santi Domínguez</a> presenta Trust Yourself, su primer álbum de temas originales, un proyecto en el que convierte diez años de trayectoria en una producción que va más allá de un nuevo lanzamiento discográfico. Publicado a través de su propio sello <a href="https://www.beatport.com/es/label/rebls/178512" target="_blank" rel="noopener">REBLS</a>, el álbum reúne composiciones creadas en diferentes momentos de su carrera y funciona como una mirada retrospectiva a las experiencias, decisiones y aprendizajes que han acompañado su evolución dentro de la música electrónica.



Para darle forma al proyecto, Domínguez volvió a abrir su archivo de producción y encontró proyectos, demos y tracks que habían permanecido guardados durante años. Algunos fueron rechazados por sellos discográficos, otros quedaron atrás debido a cambios en su dirección artística y varios simplemente estaban esperando el momento adecuado para encontrar su lugar. Sin embargo, al revisarlos desde la perspectiva del productor que es hoy, la pregunta cambió: ya no se trataba de determinar dónde podían encajar dentro de la industria, sino de escuchar nuevamente esa música y plantearse algo mucho más personal: “¿Sigo creyendo en esta música?”



El resultado de este proceso no es un archivo de producciones descartadas, sino una nueva lectura de su propia historia musical. Algunas piezas fueron reconstruidas desde cero, otras adquirieron una nueva dimensión a través de arreglos y modificaciones, mientras que algunas conservaron gran parte de su esencia original. Así, Trust Yourself establece un diálogo entre diferentes momentos de la carrera de Domínguez, conectados por una evolución sonora que transita por el House, Tech House y Minimal/Deep Tech.



<figure class="wp-block-image size-large"><a href="https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2026/09/SANTIDOMINGUEZ_-PRESS_MENESES-2.jpg"><img loading="lazy" decoding="async" width="1024" height="683" src="https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2026/09/SANTIDOMINGUEZ_-PRESS_MENESES-2-1024x683.jpg" alt="" class="wp-image-1172929" srcset="https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2026/09/SANTIDOMINGUEZ_-PRESS_MENESES-2-1024x683.jpg 1024w, https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2026/09/SANTIDOMINGUEZ_-PRESS_MENESES-2-300x200.jpg 300w, https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2026/09/SANTIDOMINGUEZ_-PRESS_MENESES-2-768x512.jpg 768w, https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2026/09/SANTIDOMINGUEZ_-PRESS_MENESES-2-212x140.jpg 212w, https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2026/09/SANTIDOMINGUEZ_-PRESS_MENESES-2-950x633.jpg 950w, https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2026/09/SANTIDOMINGUEZ_-PRESS_MENESES-2.jpg 1200w" sizes="auto, (max-width: 1024px) 100vw, 1024px" /></a></figure>



Diez años de experiencia también han transformado su manera de entender y seleccionar su propia música. Durante este recorrido, sus producciones han alcanzado posiciones destacadas en Beatport y han recibido el respaldo de artistas como Jamie Jones, wAFF, James Hype y Miguel Bastida. Paralelamente, su carrera como DJ ha ampliado su presencia internacional, llevando su propuesta desde Montevideo hacia diferentes escenarios de Argentina, Brasil y Europa, con actuaciones en destinos como Ibiza, Palma de Mallorca, Madrid y Barcelona.



En 2026, la creación de REBLS representa otro capítulo importante en la evolución de Santi Domínguez. Lo que comenzó como una plataforma discográfica independiente se convirtió en un espacio desde el cual el artista puede asumir un mayor control sobre sus decisiones y desarrollar su propia dirección artística. Su catálogo inicial, integrado por producciones como Jardín del Obispo, Deep N Down, You Know Me, No Lights y <a href="https://open.spotify.com/intl-es/album/0XGtHIQy7qisSFuRTsnOiT?si=pt8HeZddSUOQ2UAmCu1Rgw" target="_blank" rel="noopener">The Bassline</a>, establece las bases de esta nueva etapa.



Dentro de Trust Yourself también aparece “Secret”, una producción cuya historia conecta especialmente con el concepto del álbum. El track representa el recorrido de una pieza que necesitó atravesar distintas etapas antes de encontrar el contexto y el momento adecuados para finalmente ver la luz.



<iframe loading="lazy" src="https://embed.beatport.com/?id=7464595&type=release" width="100%" height="362" frameborder="0" scrolling="no" style="max-width:600px;"></iframe>



Lanzado el 21 de septiembre de 2026, Trust Yourself no busca simplemente resumir una década de carrera ni convertir el pasado en nostalgia. El álbum reúne diferentes momentos y versiones de un artista que ha evolucionado con el tiempo: el productor, el DJ, los aciertos, los rechazos, los viajes, los escenarios y las canciones que esperaron su momento. Todo converge ahora en una misma idea: confiar en el propio criterio.



<figure class="wp-block-embed is-type-rich is-provider-spotify wp-block-embed-spotify wp-embed-aspect-21-9 wp-has-aspect-ratio"><div class="wp-block-embed__wrapper">
<iframe title="Spotify Embed: TRUST YOURSELF" style="border-radius: 12px" width="100%" height="352" frameborder="0" allowfullscreen allow="autoplay; clipboard-write; encrypted-media; fullscreen; picture-in-picture" loading="lazy" src="https://open.spotify.com/embed/album/2KDHfNvKWOy8eRwoAeJ3aJ?si=D8t3aOp4RMWeem2Bao1TiQ&utm_source=oembed"></iframe>
</div></figure>

noticias