Desde las profundidades de Rumania y con una historia marcada por accidentes extremos, lesiones irreversibles y una reconstrucción física y mental desde cero, Gojnea76 se ha convertido en una figura única dentro del circuito underground global. Su música desafía etiquetas: es tensa, minimalista, sucia y poderosa. Su EP más reciente, «Punisher Braila«, editado por su propio sello FUEL, condensa todo ese enfoque: visceral pero preciso, salvaje pero disciplinado.



En esta entrevista exclusiva con DJ Mag Latinoamérica, Gojnea76 —también conocido como G76— responde sin filtros sobre su conexión con el metal, el impacto de su lesión de columna y el significado profundo detrás de su música.



1. Tu música combina la energía cruda del house con un minimalismo experimental. ¿Cómo influyó tu pasado en el metal y el punk en ese sonido tan particular? No fue algo planeado. Ese sonido simplemente me sale así. Crecí escuchando slam, sludge, hardcore… buscaba lo más oscuro que pudiera encontrar. Esa mentalidad se quedó conmigo. No se trata de un estilo, sino de una forma de encarar las cosas: no conformarse, ir más allá, encontrar tu propia versión del sonido. Incluso ahora sigo escuchando metal. Me mantiene afilado. Es parte de la razón por la que mi música no suena como lo que la gente suele esperar de Rumania.



2. Has hablado abiertamente sobre tus desafíos físicos y tu proceso de recuperación. ¿Cómo transformaron esas experiencias tu manera de producir y tocar música? Cambió todo, pero no de la noche a la mañana. Después de la fractura en la columna en 2018, entré en una especie de limbo raro. Estaba realmente lesionado, pero aún así intentaba seguir funcionando de alguna manera. Tenía dolor todos los días, todo el día. No podía estar de pie lo suficiente como para terminar un set correctamente, y mucho menos disfrutarlo. Estaba ahí físicamente, pero mentalmente no. Durante esos años, mi música sonaba como yo me sentía: pesada, plana, a veces incluso amarga. No intentaba que fuera así, simplemente salía así. Más adelante, cuando empecé a reconstruirme fuera del estudio con meditación, baños de hielo, respiración consciente y entrenamiento adecuado, la energía cambió. No solo en mi cuerpo, sino también en la forma en que abordaba la música. Dejé de forzar y empecé a escuchar. Ahí fue cuando todo comenzó a moverse de nuevo.



3. Tu EP «Punisher Braila» se siente caótico y controlado al mismo tiempo. ¿Qué historia querías contar con esos cuatro tracks? No lo encaré como una narración. Simplemente elegí cuatro temas que compartían una cierta tensión y sarcasmo. Algunos los hice de viaje, otros en el estudio, pero todos tenían esa intensidad. No es rabia, es simplemente algo sin filtros. El track principal samplea una banda de metal estadounidense que me gusta, Psyopus, y las letras me recordaban a una energía de amor/odio muy particular, familiar si creciste en Braila. Es algo personal, pero también universal. Ese equilibrio entre control y caos es cómo se sienten las cosas a veces. No lo planeé así, pero encajó.



4. Después de lanzar más de 100 tracks en 2024, ¿qué mantiene viva tu creatividad y cómo evitás caer en la repetición? Trabajo mucho. Ese es el secreto. También trabajo en distintos lugares: a veces mientras viajo, en hoteles, aeropuertos, y por supuesto en mi estudio en casa. Aprendí a mantenerlo simple. Cuanto más equipo uso, más me distraigo. Si me limito al Elektron Octatrack y uno o dos sintes, o solo a la laptop cuando viajo, termino tomando mejores decisiones. Tampoco intento reinventar nada. Solo quiero que cada track tenga energía. Si algo suena parecido a lo que ya hice, paso a lo siguiente. Así evito repetirme. Tiene más que ver con sentir que con seguir reglas.



5. Dijiste que FUEL es más que un sello, es una mentalidad. ¿Qué significa para vos «alimentar la pista de baile»? FUEL es la abreviación de Future Electronics, que es mi sello. Pero el nombre significa algo completamente diferente para mí. Después de mi lesión, pasé años con dolor, rehabilitación, procedimientos invasivos, incluso consideré una cirugía de fusión espinal. Ninguna tecnología me ayudó. Lo que realmente me sacó adelante fue el movimiento, la disciplina, la meditación trascendental, la respiración consciente… cosas que no cuestan nada. Eso es lo que significa Future Electronics. No se trata de máquinas. Se trata del cuerpo y la mente como tecnología. FUEL, la serie de fiestas, vino después. Es la prueba de que ahora puedo moverme y hacer música que también mueve a otros. No se trata de un género o una estética. Es físico. Es espiritual. Es ese cambio de apenas poder estar de pie a hacer que las pistas de baile exploten durante horas. Eso es alimentar, en el sentido más literal.



Hoy, Gojnea76 no solo baila con el caos: lo transforma en motor para sí mismo y para los demás. Su historia no es solo sobre beats, sino sobre supervivencia, reinvención y una filosofía clara: moverse es vivir.



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Gojnea76: Crudeza, caos y catarsis electrónica

From House To Disco es un proyecto musical brasileño formado por Lívia y Bruna — compañeras de vida y arte — que se ha destacado como una de las fuerzas más originales de la nueva generación de artistas de su país. Con un sonido que mezcla sofisticación, emoción e identidad, han estado cruzando fronteras estéticas y geográficas, conquistando espacio tanto en los escenarios underground como en las carteleras de grandes festivales. Prueba de ello es que ya han tocado en lugares como Rock in Rio Lisboa, Lollapalooza, Time Warp, DGTL y tienen su debut programado para octubre en Tomorrowland Brasil.



En los últimos meses, el proyecto ha intensificado aún más su presencia en el escenario global a través de algunos lanzamientos, colocando trabajos en sellos como Definitive Recordings, Razor-N-Tape y, a finales de junio, en Heattraxx, donde firman un remix para «House Will Survive», tema de Roland Clark reinterpretado por el francés DJ Merci. Pero la novedad más reciente fue el debut del dúo en el sello brasileño Jardineira Records con el EP Blissful Moments — un trabajo que sintetiza la dualidad emocional y energética que atraviesa sus producciones, y que marca otro paso importante en la trayectoria ascendente de From House To Disco.



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Hablamos con las artistas sobre este momento de expansión, el nuevo lanzamiento, los entresijos de la creación y los próximos pasos de este viaje. ¡Mira!



DJ Mag LA: Bruna, Lívia, ¡gracias por recibirnos! Están viviendo una secuencia impresionante de presentaciones, que incluyó DGTL, Gop Tun Festival, C6 Fest y, muy pronto, tocarán en Tomorrowland Brasil. ¿Cómo han enfrentado esta fase de gran visibilidad en los escenarios y qué representa para ustedes hoy, como artistas brasileñas y queer en la escena electrónica?



FHTD: – ¡Hola, chicos, el placer es nuestro! Ha sido intenso, ya que son siete años en este viaje, así que ver este reconocimiento llegando ahora tiene un sabor especial, más aún siendo dos mujeres, lesbianas, en una escena más mainstream que no siempre abre espacio.



DJ Mag LA: Con la agenda cada vez más llena y la visibilidad en aumento, ¿cuáles han sido los principales desafíos de mantener la organización y el enfoque artístico? ¿Cómo equilibrar presencia en el escenario, estudio, comunicación y vida personal?



FHTD: – Lo más difícil es el equilibrio entre la agenda y el estudio. Cada uno tiene su proceso y la rutina agitada muchas veces ya sirvió como detonante de inspiración, pero hoy en día preferimos tomar algunas pequeñas «temporadas» a lo largo del año para dedicarnos exclusivamente a la producción, cosa de una o dos semanas sin tocar. Cuando hacemos remixes, el proceso es más fácil y rápido, pero con los temas originales, preferimos aislarnos durante esos períodos. Claro que siempre tenemos la computadora cerca, especialmente durante los viajes, porque todo está más a flor de piel y no queremos perder ninguna idea. La vida personal va sucediendo en medio de todo esto, todo junto al mismo tiempo (risas), ventajas y desventajas de ser una pareja que trabaja junta.



DJ Mag LA: Una de las respuestas, de hecho, debe ser porque son compañeras en la vida y en la creación artística, y este vínculo aparece cada vez más como una parte importante de la identidad pública de From House To Disco. ¿De qué forma influye esta conexión en el día a día de trabajo y en el proceso creativo?



FHTD: – Nos complementamos, quizás ese sea el elemento clave del FHTD. Tenemos personalidades distintas, obviamente, pero nos complementamos en las ideas, en el ritmo, en las inspiraciones. Nada es función de una sola, así que todo fluye de forma ligera y natural. La intimidad de diez años de relación da cuenta de esta rutina loca.



DJ Mag LA: Su música tiene una firma sonora que es bailable, emocional y atemporal; al mismo tiempo, circula por contextos bastante distintos, del underground al mainstream. ¿Cómo ven este tránsito y el papel que cumple en la escena brasileña actual?



FHTD: – Cuando creamos, no pensamos «ah, voy a crear algo así o asá» o «vamos a hacer esto o aquello que funciona». Al contrario, no pensamos en nada, intentamos no racionalizar este proceso. El lugar de creación es nuestro «safe space», donde podemos jugar, probar, arriesgar. La música, independientemente del género y contexto, tiene el papel de envolver a las personas de alguna forma, así que si tú no te involucras cuando estás creando, ¿cómo esperas que los demás se involucren en la pista? Deberíamos preocuparnos menos por los géneros musicales y más por lo que las músicas nos provocan.



DJ Mag LA: Ahora hablando del lanzamiento más reciente: el EP ‘Blissful Moments’. Este trabajo traduce muy bien la dualidad que llevan entre la potencia de pista y la emoción. ¿Cómo fue el proceso creativo detrás de los temas y de qué manera reflejan este momento de su carrera y de sus vidas?



FHTD: – Tanto Gonna Get Over como Blissful Moments nacieron en momentos de cambio, cuando necesitábamos creer que era posible atravesar, resignificar y seguir. Mucho de eso tiene que ver con nuestra relación de diez años, que también pasó por transformaciones. Entonces, naturalmente, los temas acabaron siendo espejos de ese proceso. Intentamos siempre traducir en sonido lo que vivimos y sentimos, y quizás por eso este EP tenga un toque más introspectivo, sin perder nuestra identidad más «bailable».



DJ Mag LA: Además de los dos temas originales, el EP también trae un remix de Seed y Giorgio, headlabels de Jardineira Records, sello por donde salió el release. ¿Cómo se dio este intercambio creativo con ellos? ¿Y cómo fue firmar este debut por ahí?



FHTD: – Bruno (Seed Selector) es nuestro amigo, nos conocimos en Cocada Music hace algunos años y ya hace un buen tiempo que coqueteábamos con hacer algo juntos. Demoró porque las agendas no coincidían, pero finalmente se dio. Somos fans de su sonido y seguimos hace tiempo el trabajo super bacán que él y Giorgio hacen en Jardineira. ¡Es muy chévere ser parte de esto, finalmente! Es un sello que ya es parte de nuestro pen drive (jajaja).



DJ Mag LA: Siguiendo con los lanzamientos, han venido construyendo un catálogo diverso y consistente, con pasajes por sellos como Massa Records, Definitive Recordings, Razor-N-Tape, Heattraxx… ¿Cuál ha sido la principal línea curatorial a la hora de aceptar o buscar alianzas con sellos internacionales y nacionales?



FHTD: – Somos fans de muchos sellos nacionales y ya tuvimos el placer de lanzar por algunos de ellos, como Cocada Music, Massa Records, Jardineira Records, Diversall Music y Soul Cuts. Creemos mucho en la fuerza de la escena independiente brasileña, por eso siempre estamos abiertas a fortalecer esta red, siempre que haya una afinidad sonora real. Con los sellos internacionales, buscamos o aceptamos invitaciones de aquellos que, de alguna forma, ayudaron a moldear nuestra identidad musical. Más que nombre o hype, lo que nos guía es entender si el sonido dialoga con nosotras, si tiene sentido estar en ese catálogo o si marcó nuestra vida de alguna forma nostálgica.



DJ Mag LA: Por último, ¿qué viene en el segundo semestre? Acaban de hacer una mini gira por Nueva York y, en agosto, harán otra en Berlín… ¿ya pueden compartir un poco sobre los planes futuros y los objetivos que están trazando para la próxima fase de su carrera? ¡Gracias!



FHTD: – Muchas cosas chéveres por venir, pero aún no podemos contar (perdónennos), pero estamos muy emocionadas con el debut en Tomorrowland Brasil, en octubre, y una invitación para lanzar en el sello de Eli Iwasa y Priscila Prestes, «Heels of Love», el año que viene, pero que ya empezaremos a trabajar muy pronto.

From House To Disco: de Brasil al mundo

Desde sus inicios en La Calera, Córdoba (Argentina), GARC!A sintió una conexión profunda con la música electrónica. Inspirada por referentes nacionales como Martín Huergo, Facu Cari y Romina Cohn, su curiosidad y espíritu aventurero la impulsaron a explorar nuevos horizontes. Este impulso la llevó a presentarse en escenarios de República Dominicana, hasta establecerse en el vibrante Caribe mexicano, donde su sonido siguió madurando y evolucionando.



En México se unió al reconocido Coco Bongo, donde compartió escenario con artistas de talla internacional como Nico Fanciulli, Oscar P, Illyus & Barrientos y Andrés Mijangos. Este último, leyenda del house latino y uno de los DJs más influyentes del país, no solo dejó una huella en su carrera, sino que se convirtió en su mentor. Fruto de esa conexión nació <a href="https://open.spotify.com/intl-es/track/6HRK8miLpU1yFVpcGrQB63?si=f460a215e1044a24" target="_blank" rel="noreferrer noopener">«Born»,</a> un sencillo firmado por Riviera House Recordings que rápidamente hizo historia, alcanzando el puesto #1 en la categoría Progressive House de Traxsource.



A lo largo de su trayectoria, GARC!A ha dado vida a su música con varios lanzamientos. En 2023 destacó con su sencillo<a href="https://open.spotify.com/intl-es/track/20m8yFXFjNhPjjQkvAWb3N?si=a6830442b2f649fc" target="_blank" rel="noreferrer noopener"> «Déjala Venir»,</a> firmado por House Tribe Records, el cual captó la atención del reconocido DJ y productor francés HUGEL, quien lo incluyó en su playlist durante su presentación en el Miami Music Week.



Más recientemente, lanzó <a href="https://www.beatport.com/es/release/uma-song/4833585" target="_blank" rel="noreferrer noopener">«Uma Song»</a>, bajo el sello Vamos Music, reafirmando su amor por las percusiones y los elementos latinos que definen su estilo único.



Instalada en Los Cabos, Baja California Sur, GARC!A forma parte del colectivo femenino <a href="https://www.instagram.com/djanescabo/" target="_blank" rel="noreferrer noopener">Djanes CABO</a>, donde su puesta en escena transmite la riqueza de su recorrido y la versatilidad de su propuesta musical.



Actualmente se encuentra en plena expansión, no solo afinando su sonido, sino también consolidando su presencia en la escena electrónica de México y Latinoamérica. Con una visión ambiciosa y fresca, está trabajando en colaboraciones clave que prometen llevar su música aún más lejos.



Este año dará vida a un proyecto que la llena de entusiasmo: la creación de su propio sello discográfico, en sociedad con <a href="https://www.instagram.com/lucy.quim/" target="_blank" rel="noreferrer noopener">Lucy Quim</a>, un espacio pensado para plasmar su visión artística y brindar apoyo a nuevos talentos de la escena electrónica.



conócela más a <a href="https://www.instagram.com/p/DBK_We8RclM/" target="_blank" rel="noreferrer noopener">GARC!A</a>



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GARC!A: Nueve años de evolución sonora y expansión artística

<a href="https://www.instagram.com/magdalena_ofc/" target="_blank" rel="noreferrer noopener">Magdalena</a> regresa con un nuevo single que consolida su lugar como una de las productoras musicales más auténticas de la escena electrónica actual. Titulado <a href="https://www.beatport.com/pt/release/xxx-behavior/5082925?srsltid=AfmBOopfbRiZ0GFxb5OUx1g4z1I_Wml6v2JwSV0mb807T6jG7Hd6SDNE" target="_blank" rel="noreferrer noopener">«XXX Behavior»</a>, el tema es una pieza intensa, emocional y cinematográfica, ahora disponible vía el sello ERRORR.



Inspirada en las complejidades de las relaciones tóxicas, «XXX Behavior» es una exploración cruda y honesta del deseo, el control y el caos emocional. Magdalena construye una atmósfera oscura pero elegante usando texturas profundas y un pulso melódico que arrastra al oyente a un espacio de vulnerabilidad y fortaleza. «Este tema trata de reconocer cuando algo ya no es amor, sino un patrón — y elegir liberarse», dijo la artista radicada en Lisboa.



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Con una estética arraigada en el techno melódico, pero sin miedo a ir más allá de las convenciones de género, Magdalena logra algo muy importante hoy: despertar emoción sin caer en clichés, y crear impacto sin depender de fórmulas. También revela que su proceso creativo es generalmente más intuitivo que estructurado. «Rara vez me siento con una idea completamente formada. Prefiero que el ánimo del día o un sonido/textura específicos me guíen», comparte, añadiendo que el estudio, para ella, es un espacio de exploración.



Es precisamente este instinto creativo el que la ha llevado a algunos de los sellos más respetados del mundo. Su catálogo incluye lanzamientos en Renaissance, Siona, Anjunadeep, Bedrock, ZAMNA y Diynamic; en escenarios, ha presentado su música en Pacha Ibiza, Watergate Berlín, Brooklyn Mirage (Carl Cox), Afterlife, Resistance, Tomorrowland y Cercle.



«Exploro continuamente nuevas formas de traducir lo que siento en sonido. Mi próximo tema, Nothing to Lose, es parte de esa evolución constante — un paso más profundo en mi mundo creativo», revela. En un tono más personal, Magdalena afirma que siempre busca equilibrio: entre giras y quietud, entre dar a otros y mantenerse conectada consigo misma. «Ese viaje me parece tan importante como cualquier meta profesional», reflexiona.



Musicalmente, Magdalena sigue apostando por narrativas profundas e introspectivas — manteniendo la dualidad que define su sonido: la tensión entre la energía física del club y la profundidad emocional que subyace. «Ahora mismo trabajo en un nuevo lanzamiento que saldrá vía Core TML Records, y estoy muy entusiasmada. Siento que refleja mi momento actual: arraigado en la pista de baile, pero conservando ese toque introspectivo y melancólico».



Buena parte de esa inspiración viene directamente de los clubes — espacios que siguen siendo esenciales para su flujo creativo. «Es donde la música respira y se conecta con la gente en tiempo real. En esta etapa de mi carrera, quiero crear algo que permanezca contigo — no solo en el momento, sino mucho después de que termine la noche», concluye.



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Mantente conectado con Magdalena en <a href="https://www.instagram.com/magdalena_ofc/" target="_blank" rel="noreferrer noopener">Instagram</a>.

Magdalena lanza «XXX Behavior», una inmersión cinematográfica en el lado oscuro del amor

Su sonido está lleno de color, con beats vibrantes que transmiten alegría y una energía contagiosa. Con más de una década de trayectoria en el fascinante universo del DJ business, su música ha trascendido las pistas de baile. Su firma sonora es inconfundible en cada uno de sus tracks.



William Agudelo, más conocido como el DJ y productor Mak Negron, es uno de los talentos colombianos en ascenso dentro de la escena internacional, llevando su estilo único a nuevos horizontes. Su sonido ha conquistado algunos de los lugares más icónicos y exclusivos de Latinoamérica, como Club Room en Chile, el espectacular Vagalume en Tulum, México, y el glorioso festival EDC México en sus ediciones 2024 y 2025.



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Además, su residencia en Hig Station, una de las fiestas temáticas más destacadas de su natal Medellín, ha consolidado su reconocimiento en la escena electrónica. Su talento y calidad lo llevaron a ser galardonado como Mejor DJ/Productor House de Colombia 2024, según los <a href="https://www.instagram.com/p/DDQS0P4x3an/" target="_blank" rel="noreferrer noopener">Premios CDA.</a>



Su reconocimiento sigue en ascenso, y esta vez ha sido premiado en los Premios Estela de Guatemala, llevándose el galardón a Mejor Canción Electrónica del Año con el tema On My Own junto a la cantante y violinista  Colombiana Meli Rox.



La presencia musical de Mak Negron se hace evidente en sus diferentes presentaciones en vivo y en su participación en destacados radio shows. Actualmente, cuenta con una residencia en la emisora La X de Medellín y ha hecho apariciones en reconocidos espacios como la estacion mas importante del caribe mexicano Downtown Tulum Radio y el prestigioso streaming<a href="https://youtu.be/k-XelSncC30?si=yRfnHmZbNbVPN-kJ" target="_blank" rel="noreferrer noopener"> Ephimera Tulum</a>



Con más de <a href="https://www.beatport.com/es/artist/mak-negron/600541" target="_blank" rel="noreferrer noopener">100 lanzamientos oficiales </a>y firmas en reconocidos sellos discográficos como Repopulate Mars, Happy Techno, Whore House, PP Music, BHR y, por supuesto, en su propio sello Exceder Records, Mak Negrón sigue expandiendo su legado en la música electrónica. Su talento y versatilidad se reflejan en una amplia gama de colaboraciones y producciones que han conquistado audiencias en todo el mundo.



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Su más reciente lanzamiento, “Paradise 42” feat. <a href="https://www.instagram.com/meliroxoficial/?hl=es" target="_blank" rel="noreferrer noopener">Meli Rox,</a> publicado el pasado 14 de marzo bajo el sello <a href="https://www.instagram.com/exceder_records/?hl=es" target="_blank" rel="noreferrer noopener">Exceder Records</a>, es una muestra clara de su evolución constante como artista. Esta producción, acompañada por un impactante <a href="https://youtu.be/v6G0KGWvzQA?si=2rVrFjqFwItVPh7a" target="_blank" rel="noreferrer noopener">videoclip</a> realizado por la agencia Lunatic en Colombia y dirigido por Julio César Ángel, refuerza su visión creativa y su capacidad para innovar dentro de la escena electrónica.



El éxito de “Paradise 42” se refleja en su destacada recepción: alcanzó el puesto número 1 en el Top 20 de la emisora La X de Medellín, convirtiéndose en la primer artista de música electrónica local en lograr esta prestigiosa posición. Este hito no solo marca un avance significativo en su carrera, sino que también evidencia la gran aceptación del público hacia su propuesta sonora y estética.



Pero Mak Negrón no se detiene. Está a punto de emprender su primera gira por España, de la mano de <a href="https://www.instagram.com/menesesmanagement/" target="_blank" rel="noreferrer noopener">Meneses Management,</a> con una presentación destacada el 24 de julio en la icónica fiesta Amazona, organizada por la reconocida DJ y productora <a href="https://www.instagram.com/elirojasdj/" target="_blank" rel="noreferrer noopener">Eli Rojas.</a> El evento se celebrará en el legendario Blue Marlin Ibiza, uno de los escenarios más emblemáticos de la música electrónica a nivel mundial, marcando así un nuevo hito en su carrera.



A esta fecha se suman otras paradas clave en su gira veraniega, con shows en ciudades como Barcelona y Madrid, y una expansión a Italia, donde se presentará en Génova, Turín y Milán. Será un verano vibrante, cargado de energía y mucha música.



Mak Negrón continúa llevando su esencia a cada beat, conquistando nuevos horizontes y consolidando su lugar en la escena global de la música electrónica.



Conoce más sobre <a href="https://www.instagram.com/maknegron/" target="_blank" rel="noreferrer noopener">Mak Negro</a>



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Mak Negron hacia la globalización en su primera  gira por Europa

En una escena electrónica global que muchas veces privilegia la inmediatez sobre la profundidad, artistas como <a href="https://www.instagram.com/renzozong" target="_blank" rel="noreferrer noopener" aria-label="Renzo Zong (se abre en una nueva pestaña)">Renzo Zong</a> nos recuerdan que la pista de baile también puede ser territorio para la memoria, el alma y la identidad. 



Con una identidad musical profundamente conectada a sus raíces, Renzo Zong ha desarrollado un estilo que entrelaza la riqueza sonora del Perú con los lenguajes contemporáneos del Afro House y la electrónica global. Tras años de exploración artística, su nuevo lanzamiento ‘Del Perú EP’ a través de MoBlack Records representa un punto de inflexión: una obra que no solo reafirma su propuesta sonora, sino que también lo posiciona dentro del radar de uno de los sellos más influyentes del género.



En esta entrevista, Renzo nos comparte el proceso detrás de este trabajo, el significado personal y cultural que lo atraviesa, y cómo ha sido llevar su visión desde el estudio hasta los oídos de una audiencia global.



Hola Renzo! felicidades por el lanzamiento de Del Perú EP en MoBlack Records. ¿Cómo nació la idea de este proyecto? Gracias! Este EP es una evolución de un camino que ya vengo explorando hace años, fusionando electrónica con sonidos peruanos, como en Tiboria o Abuela Teresa. Con Del Perú, quise llevar esa idea más lejos, conectando con mis raíces y colaborando con músicos locales para crear un puente auténtico entre lo ancestral y lo contemporáneo



¿Qué significó para ti lanzar este EP en un sello tan influyente dentro del Afro House como lo es MoBlack Records? Es un gran honor. MoBlack ha sido una referencia para mí desde hace años —siempre he seguido el sello, he tocado sus tracks y admirado la curaduría que tienen. Volver a lanzar música después de un tiempo y hacerlo a través de uno de los sellos más importantes del Afro House es un paso muy importante en mi carrera. Es una validación artística, pero también una gran oportunidad para que esta propuesta con identidad peruana llegue a más oyentes y DJs alrededor del mundo.



El EP tiene una fusión muy marcada de ritmos tribales y elementos de la música peruana. ¿Cómo fue el proceso de integrar estos sonidos en una estructura electrónica? Fue un proceso muy orgánico, pero también desafiante. Me aseguré de respetar la esencia de cada sonido y traté de no forzar nada



‘Pia Pia’ abre el EP con mucha fuerza ¿Qué buscabas transmitir con este primer track? ‘Pia Pia’ es una puerta ritual al universo del EP. Nace de una grabación de campo que tenía guardada hace años: un canto Asháninka. Quise que el track transmitiera fuerza, misterio y raíz — un choque entre lo ancestral y lo electrónico. Es mi forma de unir energía cultural con una vibra de festival.



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Trabajaste con Javier Lazo en ‘Pajarito’, un artista clave de la nueva ola de música afroperuana ¿Cómo surgió esta colaboración y cómo fue el proceso creativo juntos? Conocí a Javier a través de amigos en común, Cuando le conté que quería hacer una canción inspirada en una frase que dijo mi hijo Mateo —»mira papá cómo los pájaros toman agua para respirar»—, él conectó de inmediato. Mateo tenía solo 4 años en ese momento (hoy tiene 9), y esa imagen me marcó. Le compartí la historia a Javier y juntos dimos forma a ‘Pajarito’. Fue una colaboración muy especial.



‘Tulumayos’ cierra el EP con una energía muy ritual y profunda ¿Qué inspiraciones y referencias culturales te guiaron al crear este tema? ‘Tulumayos’ está inspirado en la Amazonía peruana, que es parte de mi historia familiar. Mi familia es de la selva, así que las melodías amazónicas me salen casi de forma natural. El nombre viene del río Tulumayo, y quise que el track transmitiera esa energía chamánica, de trance. También hay un lado psicodélico y festivo, muy ligado a la alegría y la “chisma” típica de nuestra gente. Es un cierre introspectivo, pero con alma viva.



¿Cuál fue el mayor desafío técnico o creativo que enfrentaste durante la producción de Del Perú EP? La verdad, todo fluyó con mucha naturalidad. Fue un proceso muy orgánico. Más que un desafío, fue una exploración honesta de mis raíces. Sí hubo un trabajo consciente en que los elementos tradicionales no suenen como simples adornos, sino como el alma de cada track. Pero no lo viví como un reto, sino como una experiencia muy fluida e inspiradora.



¿Cómo equilibras la tradición musical peruana con las demandas de la pista de baile y las tendencias globales del Afro House? Con mucha escucha, respeto y experimentación. No quiero caer en el folclorismo fácil, ni hacer música solo para algoritmos. Mi meta es crear algo que respire autenticidad, pero que también tenga un groove potente. Me interesa que un DJ en Berlín, Ibiza o São Paulo sienta que ese track lo conecta, aunque venga del Perú.



¿Qué sientes al ver que este proyecto tan personal ahora llega a una audiencia global? Es una mezcla de orgullo y humildad. Ver que artistas como Black Coffee, Pete Tong o Pablo Fierro apoyan el EP es increíble. Pero más allá de los nombres, me emociona pensar que mi música pueda llevar un pedacito del Perú a lugares inesperados.



Por último, ¿cómo crees que este lanzamiento marca una nueva etapa en tu carrera y qué podemos esperar de Renzo Zong en los próximos meses? Este lanzamiento representa un antes y un después en mi carrera. Del Perú EP ha validado una dirección musical que quiero seguir explorando y expandiendo. En los próximos meses, estoy preparando nuevos lanzamientos y colaboraciones internacionales, además de planear una nueva gira.



También estoy trabajando con dos productores nacionales, Ugaz y Harddisk. Hemos encontrado una gran sinergia creativa y acabamos de terminar nuestro primer EP juntos, por lo que pronto habrá novedades con estos talentos peruanos que están haciendo música Afro House de gran nivel.



‘Del Perú EP’ no es solo una colección de tracks; es el resultado de un viaje creativo donde la memoria, el territorio y la pista de baile se encuentran. En cada sonido, Renzo Zong nos ofrece una mirada honesta y cuidada de sus influencias, construyendo puentes entre lo ancestral y lo electrónico sin perder la frescura del presente.



Con nuevos lanzamientos, colaboraciones y una gira en el horizonte, el 2025 se perfila como un año clave para el artista peruano. Lo que es seguro, es que su música seguirá resonando más allá de las fronteras, llevando consigo una identidad clara, rítmica y profundamente conectada con sus raíces.



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Sigue a Renzo en <a href="https://open.spotify.com/artist/6wdEQYkry4yDmHKsU6ZcNn?si=BQ-yQz2mROWZha6fa_AZqw">Spotify</a> y <a href="https://www.tiktok.com/@renzozong">TikTok</a>.

Renzo Zong: El latido del Perú que hace vibrar al Afro House global

Con un estilo que fusiona la sensibilidad melódica con la intensidad de la pista, Eze Ramírez se consolida como uno de los referentes de la escena electrónica sudamericana. Su propuesta, cargada de personalidad y emoción, ha captado la atención de figuras clave de la escena global.



Sus producciones recorren festivales como Tomorrowland, Ultra Music Festival, Creamfields y Awakenings, mientras sus lanzamientos en sellos como Siamese, Simulate y Radikon ya suenan en las pistas más destacadas del circuito internacional.



A nivel regional, Eze mantiene una conexión cada vez más fuerte con su público. En el último año, agotó funciones en varias ciudades clave, incluyendo una seguidilla de cuatro fechas sold out en Buenos Aires, consolidando una base sólida de seguidores en Sudamérica.



Además, impulsa LATITUDE, un ciclo propio que combina música electrónica con paisajes naturales, convertido rápidamente en un espacio de culto para los fans del género. El segundo episodio ya está en camino.



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Entre sus hitos recientes destaca su presentación en Ultra Buenos Aires y su participación en el mítico estadio Obras, donde cerró la noche tras el show de Peces Raros. Esa colaboración se trasladó al estudio, donde remixó el tema «Desaparecer», logrando gran repercusión y demostrando su capacidad para conectar el mundo electrónico con el rock alternativo.



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Actualmente, Eze trabaja desde su estudio en la ciudad de Buenos Aires en nuevos lanzamientos y colaboraciones que verán la luz este año. Su agenda internacional incluye giras por América Latina y Europa, y octubre marcará un punto de inflexión con el lanzamiento de un nuevo proyecto que promete abrir una nueva etapa en su carrera.



El camino de Eze Ramírez es claro: evolución constante, visión artística y un sonido que trasciende fronteras.

Eze Ramírez: consolidación regional y proyección global

José Javier Cateriano y los 10 años de ULTRA Perú

DJ DALI ha construido su nombre sobre una propuesta sonora que fusiona Afro House con influencias de Medio Oriente, manteniéndose fiel a sus raíces mientras rompe fronteras. Para él, la música es mucho más que ritmo: es una forma de contar historias. Su objetivo es crear un viaje emocional, equilibrando la nostalgia con la emoción, y la tradición con la innovación. Su herencia cultural del Medio Oriente moldea sus producciones, integrando melodías ancestrales con beats electrónicos modernos de una forma que conecta con audiencias en todo el mundo.



En conversación con DJMAGLA, nos compartió detalles sobre su proceso creativo. La improvisación juega un papel fundamental en sus presentaciones en vivo: nunca sigue una playlist estricta, sino que se deja llevar por la energía del público y ajusta su set en tiempo real. En el estudio, muchas de sus mejores ideas han nacido de la experimentación espontánea, como aquella vez en que invirtió accidentalmente un sample y dio con una nueva dirección sonora. De cara al futuro, su visión artística se expande más allá de la pista de baile, con ambiciones que incluyen la composición para cine, proyectos multimedia y colaboraciones con artistas de distintas disciplinas. A través de todo ello, mantiene un enfoque claro: hacer música auténtica y sin límites.



¿Qué emociones buscas generar en tu audiencia a través de tu música? Para mí, la música es narrativa. Quiero que las personas sientan una conexión profunda al escuchar mis tracks. Busco evocar una mezcla de nostalgia y emoción—algo que los haga sentirse arraigados en la tradición pero abiertos a nuevas posibilidades. Quiero que se pierdan en los grooves hipnóticos y que las melodías e instrumentos los transporten emocionalmente.



¿Cómo influye tu cultura en los temas que exploras musicalmente? Mis raíces de Medio Oriente son centrales en mi visión artística. Crecí escuchando instrumentos y melodías tradicionales, que naturalmente se incorporan en mi música. Mi enfoque es fusionar esos sonidos antiguos con beats electrónicos, haciéndolos accesibles para oyentes modernos sin perder su esencia. Es mi manera de honrar mi herencia y proyectarla hacia una nueva era.



¿Has tenido alguna revelación creativa inesperada al producir? Definitivamente. Muchas de mis mejores ideas surgen de la experimentación espontánea. Una vez, invertí accidentalmente un sample y eso cambió por completo la energía del track, dándole un aura mística. Ese momento me enseñó la importancia de estar abierto a los errores—muchas veces llevan a los sonidos más innovadores.



¿Qué rol juega la improvisación en tus sets en vivo? La improvisación es clave para que cada set sea único. Nunca sigo una lista fija de temas—leo la energía del público y ajusto en tiempo real. A veces extiendo un breakdown, repito un canto o lanzo drops inesperados. Esa capacidad de adaptación hace que la experiencia sea más inmersiva y personal.



¿Cuáles son tus principales objetivos artísticos para los próximos años? Quiero llevar mi música más allá del club: componer para cine, participar en proyectos multimedia y colaborar con artistas de otras disciplinas como pintores, diseñadores de moda y bailarines. La música debe vivirse más allá del sonido, y hacia allá voy.



¿Algún consejo para DJs y productores emergentes? Sé fiel a tu sonido y no apures el proceso. Las modas van y vienen, pero la autenticidad perdura. Experimenta sin miedo, aprende de distintos estilos y culturas, y enfócate en crear algo que sea indiscutiblemente tuyo.



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¿Cómo ha influido tocar en diferentes festivales en tu estilo? Cada festival tiene su propia vibra. Tocar en distintos entornos me ha enseñado a adaptarme sin perder mi esencia. Los festivales grandes requieren sets de mucha energía, mientras que los íntimos permiten recorridos más emocionales. Actuar en distintos países también me ha dado nuevas perspectivas sobre cómo estructurar mis sets.



¿Qué crees que hace a un set de DJ realmente bueno? Un gran set cuenta una historia. No se trata solo de hits, sino de construir un arco emocional, equilibrando tensión y liberación, llevando al público por un viaje. También es fundamental leer la energía del público y responderle: cada show es una conversación de ida y vuelta.



¿Qué te inspira más allá de la música? El arte, la moda y los viajes tienen un papel enorme en mi creatividad. Me inspiran los artistas visuales que juegan con la forma y la estructura, así como las estéticas culturales que encuentro viajando. Todo eso influye en mi diseño sonoro y en mis presentaciones.



¿Alguna vez sentiste presión por seguir las tendencias comerciales? A veces, pero siempre he creído en mantenerme auténtico. Aunque estoy al tanto de lo que pasa en la industria, me aseguro de que mi trabajo refleje mi visión personal y no una reacción a las modas. La longevidad se construye con innovación, no con imitación.



¿Qué track cambió tu vida? “Baglami.” Ese track consolidó mi identidad como artista y me abrió muchas puertas. Representa todo lo que amo: raíces culturales profundas, ritmos hipnóticos y experimentación electrónica.



¿Cuál es tu sueño máximo como artista? Crear un legado que trascienda la música. Quiero construir una marca que una diferentes formas de arte, genere conversaciones culturales globales e inspire a las nuevas generaciones de creadores.



¿Cómo te preparas mental y físicamente para una presentación importante? Mentalmente, visualizo cómo quiero que el público reaccione a mi música. También medito para entrar en el estado mental correcto, concentrado en el momento. Físicamente, me hidrato bien y hago estiramientos para mantener la energía durante el set. Tener una rutina equilibrada me ayuda a rendir al máximo.



¿Hay algún track o momento en tu carrera que aún se sienta irreal? Cada vez que toco temas como “Nateka” y escucho la reacción del público, es algo surreal. La energía y conexión son abrumadoras. Esos momentos reflejan todo el trabajo que hay detrás.



¿Cómo equilibras la vida familiar con tu carrera como DJ y productor? Es un desafío, especialmente siendo padre a tiempo completo de gemelas. Pero me organizo para dedicar tiempo de calidad tanto a mi familia como a mi música. Es clave estar presente en ambos roles.



¿Qué rol juega hoy en día la presencia en redes sociales para un artista? Las redes sociales son esenciales para conectar con los fans y compartir mi proceso creativo. Me permiten mostrar mi música y mi viaje. Pero lo más importante es ser auténtico—los fans quieren ver el lado real del artista.



¿Qué esperás que la gente sienta al escuchar tu música? Espero que encuentren una conexión emocional. Ya sea la energía de un festival o la profundidad de un track en casa, quiero que sientan algo real. La música es poderosa, y deseo que resuene con todos los que la escuchen.



¿Cuáles son tus metas a largo plazo en la industria musical? Seguir evolucionando mi sonido, colaborar con artistas de distintos géneros y empujar los límites de lo que puede ser la música electrónica. Quiero dejar una marca duradera como creador que fusiona culturas, historias y sonidos.



¿Cuál ha sido el mejor consejo que recibiste como artista? “Sé fiel a ti mismo.” Es algo que siempre tengo presente. En una industria llena de presiones externas, es vital seguir tu propio camino. La autenticidad siempre se destaca.



¿Cómo enfrentás los bloqueos creativos? Encuentro inspiración en la vida cotidiana: un viaje, una conversación, un momento de silencio. Cuando me siento bloqueado, me alejo del estudio y dejo que la mente divague. Muchas veces, las mejores ideas llegan cuando dejas de forzarlas.



¿Cómo desarrollás y hacés evolucionar tu sonido único? Experimento con distintos géneros y elementos—ya sea música del mundo, techno o house—e incorporo lo que más me resuena. Busco evolucionar empujando los límites de lo que ya hice, pero sin perder mis influencias culturales.



¿Cómo conectás con tus fans después de los shows o lanzamientos? Me encanta conectar con ellos, tanto en persona como por redes sociales. Siempre me tomo un tiempo para conversar, sacarme fotos y agradecerles su apoyo.



¿Qué es algo que sorprendería a la gente saber de vos? Estoy muy involucrado en todos los aspectos de mi música, incluyendo la mezcla y masterización. Muchos no saben lo detallista que soy, pero para mí es clave que el producto final refleje por completo mi visión.



¿Dónde te gustaría tocar si pudieras elegir cualquier lugar del mundo? Me encantaría tocar en África o Sudamérica, donde la cultura musical está profundamente arraigada en el ritmo y la narrativa. Creo que la energía de esos lugares sería increíble.



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DJ DALI: Tradición, emoción e innovación sonora

Dos estilos musicales se fusionan en «Raiva», la nueva colaboración entre Trikk y Meute.



Por un lado, tenemos la estética de Trikk: una fusión meticulosa y enigmática de música electrónica y puesta en escena visual. El productor y DJ nacido en Oporto es conocido por sus producciones profundas, percusivas y estéticamente distintivas, lanzadas en sellos como Ninja Tune, Innervisions y DGTL. Su enfoque combina ritmos con una narrativa cinematográfica, expandiendo constantemente los límites de la música electrónica underground.



En la otra esquina, está Meute, la banda de metales con once integrantes que ha conquistado el mundo desde Hamburgo desde 2015. Su misión: reinterpretar clásicos del house y techno como «Rej» o «The Man With The Red Face» en versiones propias, llenas de energía orgánica y vibrante.



«Raiva» une estos dos universos, combinando el sonido rítmico y cargado de new wave de Trikk con la arrolladora sección de metales de Meute. En exclusiva para nosotros, Trikk nos respondió algunas preguntas sobre su visión y el proceso detrás de este trabajo.



Tu nuevo proyecto en Innervisions es una declaración poderosa. ¿Cómo completan los nuevos temas inéditos la narrativa sonora que iniciaste con «Luxo», «Rigor» y «Fortuna»? Mientras que los temas anteriores marcaron el tono con intensidad, emoción y energía, los nuevos exploran más a fondo el impacto físico y la introspección. Existe una fuerte correlación entre todos ellos, ya que el proyecto completo se creó bajo una única premisa: música de club emocional y física.



Dado el intrincado diseño sonoro y la profundidad emocional de tus producciones, ¿cómo traduces esa energía a tus sets en vivo? ¿Has probado ya estos nuevos temas en la pista de baile y cómo reaccionó el público? ¿Cómo decides cuándo un track está listo para sonar en un set en vivo? Seleccionar música de otros productores que comparten mi misma visión me ayuda a construir el flujo de mis DJ sets. Ya he probado algunos de los nuevos temas, y funcionan muy bien si se tocan en el momento justo, que es la esencia de ser DJ. Elegir la canción correcta para el momento indicado no es una ciencia exacta, sino más bien una sensación que desarrollas con los años de tocar en distintos escenarios, frente a diferentes públicos y en múltiples países.



Has vuelto a Buenos Aires, una ciudad con una comunidad electrónica apasionada. ¿Qué hace especial tocar aquí y cómo influye la energía de la ciudad en la preparación de tu set? Siento que el público fue honesto, y eso es una gran virtud cuando estás actuando. Puede ser abrumador si dejas que las emociones te controlen, pero la gente reacciona cuando realmente lo siente. Si no están conectados con la música, simplemente no responden, lo cual puede dar miedo como DJ. Me gusta ese desafío y la honestidad, porque me ayuda a mantenerme presente en el momento. No preparo mi set con anticipación, pero sí profundizo en mis playlists para tener opciones cuando sea necesario.



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Tus producciones logran un equilibrio entre texturas orgánicas y una estética de club vanguardista. ¿Cómo abordas la creación de tracks que funcionan tanto como experiencias de escucha profunda como armas de pista de baile en su punto máximo? Para mí, se trata de asegurar que el track tenga resonancia tanto física como emocional. Busco la sinergia entre esos elementos, garantizando que la música impacte en ambos niveles, ya sea en un momento introspectivo o en plena acción en la pista. Sin embargo, lo más importante para mí es la reacción del público. Sea positiva o negativa, una reacción es clave. Lo peor es que no haya ninguna. Busco una respuesta subconsciente de la audiencia, y si no la encuentro, sé que algo falta.



Como alguien que constantemente empuja los límites del sonido, ¿cómo ha evolucionado tu proceso creativo mientras trabajabas en este proyecto para Innervisions? ¿Experimentaste con nuevas técnicas o fuentes de inspiración? Este proyecto es más bien una respuesta a mi álbum de 2023. Quería hacer algo con un enfoque más orientado a la pista de baile, pero que aún mantuviera una apertura emocional. Aparte de grabar con Meute e incorporar sus registros en vivo, lo que me llevó a explorar nuevas técnicas, mi única regla e inspiración fue crear música que fuera tanto física como emocional, música de club con profundidad. Eso es lo que define este trabajo.



Enchufa, conéctate y siente la intensidad, o simplemente toma asiento mientras Trikk y Meute llevan la experiencia al escenario. No te pierdas ‘Raiva’, una colaboración que redefine los límites entre la música electrónica y la energía instrumental en vivo. 



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Trikk: La Fusión perfecta entre emoción y fuerza en la música electrónica

Mochakk es uno de los nombres más impactantes de la música electrónica actual, y su reciente visita a Argentina no fue la excepción. Como parte de su serie global de eventos, Mochakk Calling, el DJ y productor brasileño presentó su visión artística única en Buenos Aires, dejando una huella con su actuación y conectando con los fanáticos de una manera íntima y poderosa. Tuvimos la oportunidad de conversar con Mochakk sobre la inspiración detrás de Mochakk Calling, sus experiencias en Argentina y lo que viene en su camino.



Trajiste tu primer evento Mochakk Calling a Buenos Aires el 8 de febrero. ¿Cómo se sintió introducir este concepto de evento en Argentina por primera vez? Siempre he sentido un amor por Argentina y quería hacer algo allí desde hace tiempo, así que finalmente llevar Mochakk Calling a Buenos Aires fue un momento enorme para mí y para el equipo. Argentina y Latinoamérica en general tienen una energía increíble, y quería hacer esto realidad desde hace tiempo. Encontramos el lugar perfecto para la fiesta, y con tantas cosas importantes sucediendo esa semana, como el lanzamiento de mi nuevo EP From The Stars con Ninja Tune, fue como si todo se alineara perfectamente.



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Mochakk Calling: ¿Bajo qué visión artística nació este proyecto? ¿Qué tipo de atmósfera intentas crear para que el público disfrute de la música? Mochakk Calling surgió de una idea de uno de los chicos del equipo. Sabíamos que queríamos hacer nuestra propia serie de fiestas y estuvimos planeándolo durante un tiempo. Teníamos claro que queríamos tener esta vibra industrial que refleja un poco la esencia de São Paulo. Necesitábamos un nombre y un concepto, y Calling simplemente funcionó, como llamar a tus amigos para que vengan a una fiesta. Se quedó. Nos permite jugar mucho con el concepto y con cómo escribimos los textos para los eventos. La vibra industrial de São Paulo está presente en los visuales, la escenografía y los lugares que elegimos, todo encaja en una misma estética, como los cables telefónicos de la ciudad que transmiten el caos urbano.



Hemos escuchado que cuando llegas a un lugar, te gusta traducir lo que sientes o lo que el lugar te transmite en lo que tocas. Ya tuviste algunas experiencias con Argentina en 2022. ¿Cómo fue reencontrarte con tu público argentino en Mochakk Calling Buenos Aires? ¿Qué te transmite Argentina? Sí, los sets que toco en cada lugar definitivamente cambian según la ubicación y el público. Argentina estaba en mi lista de lugares donde realmente quería volver a tocar, así que me puse muy feliz cuando supe que íbamos a llevar Calling allí. No sé cómo describirlo, pero Argentina tiene una energía diferente, el público se emociona muchísimo. ¡Me encanta tocar aquí! También pude pasar algunos días en Buenos Aires después del show, así que estaba emocionado.



Con tantas facetas en tu carrera, ¿cómo es tu «lado B»? ¿Qué hace Mochakk cuando no está inmerso en la música, largas giras, organización de eventos o administrando tu club? Cuando estoy en casa, me encanta pasar tiempo con la familia y los amigos, y simplemente relajarme. São Paulo es una ciudad loca, siempre estamos haciendo cosas, es una ciudad que nunca duerme. Me encanta conducir de un lugar a otro con mis amigos y relajarme. Voy mucho al gimnasio cuando estoy en casa. Trabajo mucho en música. Juego baloncesto o fútbol con los chicos, también voy a los partidos. Básicamente, simplemente disfruto el tiempo libre.



¿Puedes contarnos más sobre tu ultimo EP, From the Stars? Tenía las canciones From the Stars y Maria desde hace un tiempo, así que es una locura que finalmente estén disponibles para el mundo. Además, lanzar en un sello como Ninja Tune fue un gran hito para mí. From the Stars samplea una increíble canción de los 80 de The RAH Band, Messages from the Stars. Tiene una vibra nostálgica, un poco disco. Maria también se hizo bastante grande cuando hice mi set para Cercle en la Plaza de España en 2023, así que si la querías, ¡ahora está disponible!



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¡El Carnaval en Brasil es una de las celebraciones más grandes de Latinoamérica! ¿Qué hiciste para celebrarlo? ¡El Carnaval ha sido increíble este año! Estaba muy emocionado por esta edición, fue súper intenso, pero es lo mejor. Tenía como siete u ocho shows grandes en todo Brasil. Uno de ellos fue en el Museu do Amanhã en Río para BOMA con Fatboy Slim, lo cual fue una locuraaaa. ¡Increíble!



Este también fue nuestro primer Carnaval en el club que tengo con mis amigos en mi ciudad natal, OBLIQO. Tuvimos una semana completa de eventos e incluso trajimos a Seth Troxler. Es una locura que podamos llevar artistas internacionales enormes a mi ciudad natal. Fue una locura.



Con Mochakk Calling en plena expansión y su visión creativa evolucionando continuamente, Mochakk se está consolidando como una de las figuras más emocionantes de la escena electrónica actual. Con latinoamérica ya abrazando su sonido y concepto, no podemos esperar a ver qué es lo próximo en su viaje.



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Mochakk: Trayendo Mochakk Calling a Buenos Aires y Más Allá

Nacido en Mar del Plata, Agustín Giri ha logrado consolidarse como uno de los nombres más interesantes de la escena electrónica argentina y mundial. En esta entrevista exclusiva con DJMAGLA, el artista comparte su viaje desde la costa atlántica hasta los escenarios internacionales, sus hitos musicales y su perspectiva sobre la evolución de la industria.



¿Cómo crees que Mar Del Plata influyó en tu sonido y en tu carrera? ¿Cómo ves la relación entre la escena electrónica latinoamericana y la europea? Haber nacido en Mar del Plata es algo de lo que estoy muy agradecido, tanto a nivel personal como artístico. Hablando sobre mi carrera, siento que, al ser una ciudad más chica (comparada a Capital), hay más oportunidades, ya que es más “fácil” llamar la atención de los clubes y productoras. En cuanto a mi sonido, no sé qué tanto influyó; creo que ahí sí influyó más Buenos Aires, cuando venía desde Mar del Plata a escuchar a los artistas que me gustaban o me daban curiosidad. Hace 2 años, me mudé a Buenos Aires y fue un movimiento clave para seguir desarrollándome como artista. Hace casi un año que trabajo con Sol Solar y estoy muy feliz de poder trabajar con ellos; son muy profesionales y, sobre todo, grandes personas. Quiero hacer una mención especial para Andrés Rego; él fue la primera persona en confiar en mí en Buenos Aires y, en poco menos de un año, me enseñó muchísimo. Lo vamos a extrañar mucho.



La relación entre ambas escenas creo que es muy valiosa, ya que constantemente hay un intercambio de nuevos sonidos y talentos. En general, creo que los sonidos que se escuchan en Europa hoy, tal vez se hagan populares en Argentina en un par de años; aunque hoy en día, con las redes sociales, la escena en general se homogeneizó. Hablando específicamente de Argentina, depende todo del enfoque que se le ponga; podríamos “quejarnos” de que la escena está cada vez más comercial, o podemos enfocarnos en que cada vez más gente consume más música electrónica, y eso llevará a que en el futuro se le dé más lugar a otros sonidos no tan comerciales. Ahí es donde tal vez veo la mayor diferencia con la escena europea, en donde está lo main/comercial, pero también hay una gran movida alternativa. Cabe destacar que no hay como el público argentino; eso es algo que me asombró mucho cuando comencé a viajar a tocar a otros lugares.



“Transient Enigma» en Innervisions y «Not Now» en Nervous Records son hitos en tu carrera. ¿Cómo fue el proceso de llegar a sellos tan icónicos y qué significó para vos lanzar en ellos? Es gracioso porque fue muy diferente con cada sello. 



Innervisions es, desde hace muchos años, un sello que me inspiró mucho y me moldeó como artista. Estuve trabajando durante mucho tiempo en mis producciones hasta que sentí que ya estaba al nivel para enviarles. Así que empecé a mandarle a Âme (Kristian); le habré enviado en 2 años unos 35/40 tracks, de los cuales pinchó varios, hasta que un día me dijo que le gustaría firmar “Transient Enigma”.



En cambio, con Nervous fue todo muy diferente; un día estaba escuchando mis demos y escuché «Not Now» (lo tenía olvidado), que originalmente tenía unas vocales de Biggie, y se me ocurrió mandarlo a Nervous. No esperaba sellarlo, ya que no es un track de house, pero algo me decía que podía gustarles y así fue. Lo envié simplemente para probar y, a la media hora, el A&R de Nervous me dijo que lo querían lanzar.



Ambos releases fueron súper importantes para mí, ya que son sellos discográficos legendarios: por un lado, Innervisions, que fue y sigue siendo una guía para mí, y, por otro lado, Nervous, que nunca lo imaginé y, a la vez, me motivó a seguir haciendo la música que me salga, ya que nunca se sabe dónde terminará saliendo.



Has colaborado varias veces con Juan Hansen, ¿cómo nace esta conexión y qué aporta cada uno a los tracks que crean juntos? Con Juan compartimos muchas fechas ya, y siempre hubo mucha buena onda. Una de las últimas que compartimos fue en Mute, en Mar del Plata, y ahí dijimos que teníamos que hacer música juntos. No soy de hacer muchas colaboraciones, excepto que haya una amistad de por medio, y así lo sentí con Juan. Nos complementamos muy bien; él es un gran músico, súper creativo y con muchas ideas. Así que fue fácil trabajar juntos; fluyó muy rápido. Primero hicimos “<a href="https://djmagla.com/juan-hansen-y-agustin-giri-capturan-la-magia-del-amanecer-con-su-nuevo-track-sentir-asi">Sentir Así</a>” a la distancia y, cuando nos juntamos para terminarlo, nos pusimos creativos y empezamos “Hurting”; en 3 o 4 sesiones ya teníamos ambos tracks terminados. Y hay más en proceso…



En abril vas a lanzar un EP en Just This con un remix de Robag Wruhme y en octubre llega tu primer álbum con Rummel. ¿Cómo fue trabajar con un artista con tanta trayectoria como Robag? ¿Qué nos podés adelantar sobre tu álbum y cómo fue el proceso de creación en comparación con un EP o single? Así es; en abril sale mi próximo EP en colaboración con Gespona en “Just This” label de Hunter Game. Robag es un productor que admiro mucho por su originalidad, así que, cuando firmamos el EP con Gonza (Gespona), dijimos que nos encantaría un remix de él, y así fue. Estamos muy contentos con este release, ya que es nuestro primer EP en colaboración.



La idea del álbum surgió hablando con Gespona y Djolee (dueños de Rummel y grandes amigos), ya que tengo mucha música de diferentes BPMs, intensidades y géneros (desde ambient a techno). Nos pusimos a imaginar un posible tracklist y nos dimos cuenta de que quedaba muy bien y con mucho sentido. En este momento estoy en el proceso final de varios de los tracks. Espero que les guste.



Amancay se ha convertido en una plataforma clave en la escena argentina. ¿Cómo surgió la idea y cómo ha evolucionado con el tiempo? ¿Cuál es la visión a futuro del proyecto y en qué se diferencia de otros colectivos? <a href="https://djmagla.com/amancay-cuando-la-musica-florece-en-colectivo">Amancay</a>, antes de ser Amancay, era un grupo de Whatsapp en donde hablábamos mucho de música; nos dábamos consejos y feedbacks de nuestros tracks. Un poco en chiste y un poco no, surgió la idea de crear una especie de sello para lanzar nuestra música, y así sucedió. Ya vamos 4 años trabajando en este hermoso proyecto. Año a año seguimos creciendo, tanto como sello como cada uno en su proyecto personal.



Nuestro objetivo es seguir creciendo y poder dejar una huella en la escena argentina. Trabajamos para eso y así lo seguiremos haciendo.



No sabría decir en qué nos diferenciamos de otros colectivos, pero puedo decir que en Amancay somos un grupo de amigos que nos apoyamos día a día en cuestiones artísticas y personales, y ahí creo que está lo más lindo que tenemos: la amistad.



En los próximos meses vas a tocar en Berlín, Estambul, Dubái, Barcelona y más ciudades. ¿Cómo ves la recepción de tu música en distintas partes del mundo? ¿Hay alguna ciudad o club en particular que te haya marcado? La verdad que estoy muy contento con la recepción de mi música en el mundo. Como productor, me gusta mostrar diferentes facetas para que diferentes personas puedan conectar con lo que hago; en algunos lugares les gusta la música más amigable y, en otros, la música más “rara” o oscura. Como DJ, siento que es muy importante saber contarle al público lo que uno quiere contar.



Cada ciudad es diferente; ahí es donde creo que es muy importante saber leer el contexto y al público. No es el mismo en Dubái que en Berlín y ese desafío es el que más disfruto a la hora de pasar música. Más allá de esto, me siento muy afortunado de poder conocer diferentes culturas en cada viaje que hago. 



Como dije antes, de todas las ciudades y clubes me llevo algo; pero hubo dos lugares que me marcaron mucho: uno fue “Kater Blau” en Berlín y, por otro lado, “Garden of Dreams”, un festival que se hace en Bosnia y Herzegovina.



Argentina tiene una fuerte cultura de música electrónica, pero también grandes desafíos para los artistas emergentes. ¿Cuáles creés que son los mayores retos y oportunidades para un productor hoy en día? Creo que, post-pandemia, la escena global cambió bastante; muchos más productores y muchos más DJs, por lo tanto, es difícil captar la atención. Me parece muy importante entender que no alcanza con solo ser buen productor o buen DJ; hoy en día hay muchas otras cuestiones en juego que hay que tomar en consideración a la hora de querer ser parte de la escena, como, por ejemplo, redes sociales, saber manejarse y ser profesional. Dicho todo esto, no hay que dejar de ser auténtico y real a uno mismo; saber nuestros propios límites y respetarlos.



Trabajo, constancia y saber aprovechar las oportunidades me parece lo más importante; la suerte juega un gran papel también.



Con una visión clara y un sonido en constante evolución, Agustín Giri continúa dejando su huella en la escena global, llevando su música a nuevos territorios y consolidándose como uno de los talentos más prometedores de la industria de la musica electrónica. Desde su primer contacto con la electrónica en Mar del Plata hasta sus lanzamientos en sellos icónicos y su expansión internacional, su historia es un testimonio de pasión, trabajo y dedicación. Con un 2024 cargado de novedades, incluyendo su esperado álbum debut, su viaje está lejos de detenerse. Nos queda claro que lo mejor de Agustín Giri aún está por venir.



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