Ayer, el 22 de febrero, Daft Punk anunció su <a href="https://djmagla.com/reaparecio-daft-punk-es-este-el-fin-del-duo" target="_blank" rel="noreferrer noopener" aria-label=" (se abre en una nueva pestaña)">separación</a> después de 28 años. La capacidad del dúo francés para reinventar constantemente la música electrónica a su alrededor los convierte en uno de los actos electrónicos más importantes después de <a href="https://djmagla.com/el-legado-de-florian-schneider" target="_blank" rel="noreferrer noopener" aria-label=" (se abre en una nueva pestaña)">Kraftwerk</a>.



Habiéndose reunido en París en el año 1993, su álbum debut, “Homework”, fue lanzado en 1997, con exitosos singles como “Around the World” y “Da Funk”. Su continuación, “<a href="https://djmagla.com/discovery-daft-punk" target="_blank" rel="noreferrer noopener" aria-label=" (se abre en una nueva pestaña)">Discovery</a>”, es visto por muchos como uno de los lanzamientos de música electrónica más importantes de esta, o de cualquier otra era, un disco que anticipó la era de la música digital, la importancia fundamental del contenido de video y el crecimiento de los clubs de fans vía internet. Y su álbum más reciente, “Random Access Memories”, fue el álbum de música electrónica más vendido de la década pasada en vinilos.



Pero eso lo sabe todo el mundo. A continuación, te contamos 9 cosas que probablemente no sabías sobre Daft Punk.



1. EL PAPÁ DE
THOMAS BANGALTER FUE UN FAMOSO PRODUCTOR DE MÚSICA DISCO



Durante los primeros años de su carrera, el padre de
Thomas Bangalter, Daniel Vangarde, fue fundamental para guiar a Daft Punk y
ayudó al dúo a firmar su primer contrato discográfico importante con Virgin Records.
“Él –Daniel- les ayudó a tomar decisiones”, explica el periodista Pascal Bertin
durante el reciente documental “Daft Punk: Unchained”. “Les ayudó a entender
claramente lo que la gente estaba proponiendo».



Vangarde tuvo una serie de singles exitosos durante los años setenta, incluso como escritor y productor de “D.I.S.C.O.” de Ottawan y “Cuba” de los Gibson Brothers. “Era la persona perfecta para dar consejos a un grupo de música electrónica de Francia que cantaba en inglés y estaba dirigido a todo el mundo”, añadió Antoine Ressaussière, un amigo de la banda, durante el documental.



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2. GASTARON 4
MILLONES DE DÓLARES DE SU PROPIO DINERO PARA CREAR SU PELÍCULA ANIMADA



“Interstella 5555: The 5tory of the 5ecret 5tar 5ystem” fue
una aventura ambiciosa tanto para Daft Punk como para el diseñador japonés
Matsumoto, costó unos 4 millones de dólares para fabricarla y llevó unos tres
años producirla. El trío se vio obligado a comunicarse a través de un amigo
bilingüe, lo que hizo que el proceso fuera aún más largo.



Fue un gran logro que Daft Punk pudiera reclutar a
Matsumoto. El hombre de 66 años es responsable de 25 años de producciones
cinematográficas, incluidos “Galaxy Express 999”, “Arcadia” y “Star Blazers”,
que, después de “Akira”, son ampliamente considerados como algunos de los
animes más venerados del país. 



Cada uno de los personajes de Interstella 5555 retrata los diferentes estilos de animación que Matsumoto había adoptado a lo largo de su larga e histórica carrera.



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3. NI SU MANAGER VIO LA ICÓNICA PIRÁMIDE ANTES DE SU DEBUT EN COACHELLA EN 2006



A Pedro “Busy P” Winter se le mostró un adelanto del
ambicioso show en vivo de Daft Punk antes de que debutara en Coachella 2006,
pero solo se le permitió escuchar el audio y no se le mostró la famosa pirámide
adornada con LED.



“No se me permitió ver las luces”, bromeó durante una entrevista para Daft Punk: Unchained. El día del debut del espectáculo, el dúo hizo que los organizadores de Coachella despejaran el backstage una hora antes para que nadie pudiera estropear la sorpresa.



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4. COBRARON 1
MILLÓN DE DÓLARES PARA CADA SHOW QUE DIERON EN SU TOUR DE 2007 



Se rumorea que a Daft Punk se le pagó un millón de
dólares por cada espectáculo de su épica gira Alive 2007. Durante dos años, el
icónico dúo francés tocó la asombrosa cantidad de 47 shows y, al parecer, embolsó
unos 47 millones de dólares, lo que podría explicar que las fortunas de cada
integrante del dúo estuvieran encima de los 70 millones de dólares en 2017.







5. JUSTICE RECHAZÓ
LA INVITACIÓN PARA SER EL ACTO SOPORTE DEL TOUR ALIVE 2007



Durante una entrevista reciente con Xavier de Rosnay y
Gaspard Auge, el dúo francés Justice reveló que Daft Punk invitó al entonces
prometedor dúo a ser un acto de soporte para su gira Alive 2007.



Justice, que estaba dirigido por el ex manager de Daft
Punk, decidió rechazar la oferta y, en cambio, quiso hacer un tour por su
cuenta.



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6. ALGUIEN
FINGIENDO SER THOMAS BANGALTER ACUMULÓ MILES DE DÓLARES DE DEUDAS EN BEBIDAS EN
IBZIA



Alguien que se hizo pasar por Thomas Bangalter logró
persuadir a varios clubes de Ibiza de que él era, efectivamente, Thomas
Bangalter. Acumuló miles de dólares de deudas en bebidas alrededor de toda la
isla. Resultaría ser un imitador y no el verdadero Thomas Bangalter.







7. DURANTE UNA
ACTUACIÓN EN SPACE IBIZA, BANGALTER DESENCHUFÓ EL MIXER E HIZO UNA LÍNEA DE
BAJOS CON EL FEEDBACK



Durante una entrevista con Eats Everything, el DJ y productor
recordó una actuación de Thomas Bangalter en la icónica terraza de Space Ibiza
en 2008. “Vi a Thomas Bangalter tocar el mejor DJ set que he visto en mi vida
en la terraza de Space. Estaba tocando dos copias del mismo disco, invirtiendo
el otro en sincro, tirando enormes bombos de un 909 a la mezcla… y, luego,
comenzó a agitar el mixer en sus brazos”, contó el británico. “Pensábamos, ‘¿qué
diablos está haciendo?’. Sacó los cables de la parte trasera del mixer y
comenzó a tocar una línea de bajos con el feedback. Estaba creando este enorme
rugido con nada más que sus manos húmedas. Este francés de pelo rizado y
aspecto aterrorizado no miró hacia arriba ni una sola vez en cuatro horas, lo
juro por Dios.”



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8. SE LLAMAN DAFT
PUNK POR UNA REVIEW DE UN PERIODISTA DESENCANTADO A SU BANDA DARLIN’



Daft Punk obtuvo su nombre cuando el difunto Dave
Jennings descartó sus primeros esfuerzos como “basura punky tonta” –“daft punky
trash”- durante una reseña de la ya inexistente revista Melody Maker.



En ese momento, el grupo se hacía llamar Darlin’ y tenía como
tercer miembro a Laurent Brancowitz, quien ahora toca la guitarra para Phoenix.



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9. LOS INGENIEROS
DE “RANDOM ACCESS MEMORIES” ESTABAN TAN NERVIOSOS CON EL ENVÍO DEL ÁLBUM QUE
MANEJARON A TRAVÉS DE LOS ESTADOS UNIDOS PARA ENTREGARLO EN MANO



Cuando terminó “Random Access Memories”, después de
cuatro años de intenso trabajo, Peter Franco, uno de los cuatro ingenieros que
trabajaron en el álbum, se subió a un automóvil con el miembro del equipo de
Daft Punk, Sam Cooper, para llevar las cintas desde Los Ángeles a Portland,
Maine.



“Cuatro años en el estudio… ¡fue una locura! Así que, al
final, cuando terminamos de mezclar, no había forma de que permitiéramos que
las cintas maestras se perdieran de nuestra vista. Así que comenzamos otro
viaje”, dijo Franco durante una entrevista para Daft Punk: Unchained.



“Si las cintas se perdían, hubiera cambiado mi nombre y me hubiera convertido en instructor de buceo en Costa Rica. Cada cinta es única y cada mezcla es única. Solo hay una de cada una y estaban en el baúl de ese auto.”



 Traducido del artículo original <a href="https://djmag.com/longreads/9-things-you-probably-didn-t-know-about-daft-punk" target="_blank" rel="noreferrer noopener" aria-label="“9 things you probably didn’t know about Daft Punk” (se abre en una nueva pestaña)">“9 things you probably didn’t know about Daft Punk”</a> escrito por Andrew Rafter en DJ Mag.

9 cosas que probablemente no sabías sobre Daft Punk

No es demasiado exagerado decir que la música electrónica
entró en una nueva fase de felicidad el 26 de febrero de 2001, cuando Daft Punk
lanzó su segundo disco de estudio. “Discovery” es hasta el día de hoy uno de
los lanzamientos de música electrónica más importantes de esta época o de
cualquier otra; un disco que anticipó la era de la música digital, la
importancia fundamental del contenido de video y el crecimiento del club de
fans online; un disco que sonaba como ningún otro y que ayudó a marcar el comienzo
del EDM como lo conocemos hoy en día. Con la noticia de su separación aun
estrujando nuestros estómagos, analizamos el impacto de este recordado álbum…



Para apreciar “Discovery”, vale la pena rebobinar hasta
noviembre de 2000, cuando Daft Punk lanzó “One More Time”, la primera música
nueva del dúo en dos años y el primer vistazo que el público tenía de su
segundo álbum. En ese entonces, Daft Punk no eran los semidioses que son ahora.
Más bien, eran dos chicos nerds de París con un álbum brillante, pero en gran
parte underground, a su nombre. Eran populares, claro, pero al nivel de lugares
con capacidad para 2 mil personas en lugar de encabezar festivales. Lo cierto
es que “One More Time”, aunque fue uno de sus mayores éxitos, dividió a sus
fans. Algunas personas pensaron que era un poco cursi. Otros, se sintieron
desanimados por el entonces novedoso efecto del auto tune, que los trasladaba a la música de otros artistas como
Cher y Eiffel 65.



Cuando llegó “Discovery”, tres meses después, muchos oyentes se quedaron perplejos. ¿Dónde estaban los samples disco y los duros ritmos house del álbum debut de la banda, “Homework”? ¿Dónde estaba la parte techno de temas como “Rollin’ and Scratchin’”? ¿Y qué era ese sonido de guitarra del heavy metal que sonaba en el segundo track, “Aerodynamic”?



<figure class="wp-block-image size-large"><img src="https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2021/02/El-clásico-58-1024x658.png" alt="" class="wp-image-1154845" srcset="https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2021/02/El-clásico-58-1024x658.png 1024w, https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2021/02/El-clásico-58-300x193.png 300w, https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2021/02/El-clásico-58-768x494.png 768w, https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2021/02/El-clásico-58-950x611.png 950w, https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2021/02/El-clásico-58.png 1400w" sizes="(max-width: 1024px) 100vw, 1024px" /></figure>



“Discovery”, como muchos álbumes considerados geniales,
fue difícil de entender al principio. Se movía en el sonido de Daft Punk de una
manera que inicialmente sonaba absurda, trayendo patrones de guitarra, efectos
vocales con glitch y una especie de pop barroco que se disolvía en ritmos electro.
La primera vez que muchos fanáticos escucharon el álbum, tal vez estaban más
perplejos que impresionados, sin saber si entendían y, mucho menos, si les
gustaba la nueva dirección en la que iba la banda.



Pero poco a poco, “Discovery” comenzó a ganar popularidad. De alguna manera, esta mezcla monolítica de guitarras de hard rock y efectos vocales suaves, de estructuras de canciones simples y trucos de producción elaborados, de bombos de discoteca brillantes y pasajes de teclado malhumorados, comenzó a unirse en algo que no solo era mejor que el álbum debut de Daft Punk, sino que estaba en una escala diferente de inspiración. Ese salto de calidad ridículamente fluido que separaba lo bueno de lo verdaderamente increíble. Incluso, “Discovery” vino con melodías que les llegaron a todos, desde el romanticismo eufórico de “Digital Love” hasta el desamor en “Something About Us”. Eran melodías tan fuertes que siguen siendo recordadas hasta hoy en día y fueron cortadas y reutilizadas en sus shows para mezclar con canciones completamente diferentes, algo que se puede apreciar en su famosísima gira Alive de 2007. 



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Evidentemente, el mundo de la música le prestó atención a
“Discovery” y, durante un tiempo, los samples de soft rock se convirtieron en
algo común en la música electrónica, aportando esas texturas en infinidad de
canciones como “My My My” de Armand van Helden, que samplea “Comin’ Apart” del
rockero Gary Wright o “Call On Me” de Eric Prydz, basada en el clásico
“Valerie” de Steve Winwood.



En 2007, Kanye West usó el gancho robótico mundial de “Harder,
Better, Faster, Stronger” en “Stronger”, una pista que encabezó los charts estadounidenses
e introdujo efectos electrónicos en el hip-hop comercial, ayudando a la
explosión del EDM en aquel país y, posteriormente, en el mundo entero. A
finales de la década de 2010, “Discovery”, que inicialmente provocó la
confusión de muchos periodistas, se había ganado su lugar entre las listas de
los mejores lanzamientos de la década.



Con esta divina inspiración musical en exhibición, podría
parecer superfluo hablar sobre la actividad que rodeó el lanzamiento de
“Discovery”. Sin embargo, el formato del álbum está indeleblemente relacionado
con su función y su impacto. El brillante futurismo de la música de “Discovery”
va de la mano con la manera visionaria en la que fue lanzado: las copias
iniciales del álbum venían con tarjetas de plástico que daban membresía al Daft
Club, un club de fans online en la era del internet mediante acceso telefónico,
donde los fanáticos podían probar sus conexiones chirriantes y descargar
material exclusivo de la banda, una idea que era tan audaz como inoportuna.



Como si aquello fuera poco, “Discovery” también se convirtió
en una película, “Interstella 5555: The 5tory Of The 5ecret 5tar 5ystem”, la
cual contaba la historia de una banda de pop interestelar, musicalizada en torno
a las 14 pistas del álbum, dando a cada canción su propio acompañamiento
visual. Eso no suena demasiado notable ahora, pero se lanzó en 2003, unos dos
años antes de que naciera YouTube, y una década antes de que su popularidad
como plataforma para la música hiciera obligatorio que cualquier canción
lanzada tuviera, al menos, alguna forma de acompañamiento de video.



Luego, por supuesto, estaban los propios integrantes de
Daft Punk. En el período previo al lanzamiento de “Discovery”, Thomas Bangalter
y Guy-Manuel de Homem-Christo se disfrazaron de robots, pretendiendo que los
miembros de carne y hueso de Daft Punk habían resultado heridos en un accidente
en el estudio. En ese momento parecía un poco ridículo, un truco divertido que
sería descartado cuando llegara el próximo ciclo de álbumes de la banda. Como
todos saben, no fue así. Demostró ser un movimiento de genialidad duradera, que
brindó al dúo una de las identidades visuales más fuertes en la música
electrónica, al mismo tiempo que los protegía de los estragos de la fama,
mientras la era de las redes sociales estaba lista para atacar. 



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Más allá de todo, para muchos, “Discovery” no es un álbum
perfecto. El orden de las canciones del álbum no funciona del todo y algunas canciones
son algo tediosas. Esto solo parece aumentar la fascinación general por
“Discovery”. Estas imperfecciones se sienten como fallas tejidas
deliberadamente en una alfombra persa, un recordatorio de que hay un esfuerzo
humano imperfecto detrás de este disco, en lugar de pura perfección robótica. ¿Puede
ser realmente una coincidencia que una canción titulada “Too Long” sea, de
hecho, demasiado larga? ¿Por qué empezar “Discovery” con “One More Time”, el
tipo de canción que ningún gerente de marketing pondría al principio con la
idea de que se escuche el resto del álbum hasta escuchar el hit de la radio?



Lo cierto es que no se necesitan teorías conspirativas
extravagantes para apreciar un álbum que fue fundamental para la música electrónica
e, incluso, para la música en general. Pensémoslo un segundo: ¿cómo sería vivir
en un mundo donde Daft Punk nunca hubiera hecho “Homework”, “Human After All” y
“Random Access Memories”? Sería un poco más triste, es cierto, pero no habría
diferencias radicales. Sin embargo, sin la influencia de “Discovery”, ¿dónde estaríamos?
¿Seguiría existiendo el auto tune? ¿Kanye West habría descubierto la música
electrónica? ¿Habría sucedido el boom del EDM de la década del 2000? ¿Eric
Prydz y Deadmau5 serían estrellas? ¿Existiría Daft Punk? 



Con el reciente <a href="https://djmagla.com/reaparecio-daft-punk-es-este-el-fin-del-duo" target="_blank" rel="noreferrer noopener" aria-label="mensaje críptico (se abre en una nueva pestaña)">mensaje críptico</a> de la banda que sugiere un final con mensaje enigmático, fiel a su estilo, parece ser importante volver a “Discovery” para entender el legado que nos han dejado.

Cómo “Discovery” de Daft Punk moldeó la música electrónica para la era digital

La mayor crisis de la modernidad, nos regala la
oportunidad de apreciar un momento histórico: La fuerza del radar de la
comunidad latinoamericana y sus artistas locales.



Por primera vez los estímulos de los grandes medios y
festivales desaparecen cuando le hacemos frente al concepto de “cultura
dolarizada”.



Analizamos la situación del mercado latino y ampliamos sobre la elección de la emigración como condición necesaria y suficiente para el desarrollo de un proyecto musical.



¿La latinoamericanidad está en auge comercial o el
cierre de fronteras nos asienta en los límites de nuestro país? 



Podríamos extendernos durante toda la publicación con ejemplos del exitoso presente territorial, desde lo más masivo como una mitad del Super Bowl o una portada en la Rolling Stone, a lo más específico como el último género de la plataforma Beatport, el <a href="https://djmagla.com/beatport-agrega-nuevo-genero-organic-house-downtempo" target="_blank" rel="noreferrer noopener" aria-label=" (se abre en una nueva pestaña)">new organic house downtempo</a>, en donde la presencia de elementos más tribales junto a instrumentos andinos marcan el protagonismo; un edit en la última portada de una exitosa revista especializada en música electrónica -Rosalía – A Palé (Overmono Edit)-; y el último proyecto de Steve Aoki -quien sin dudas, es un termómetro de lo que está funcionando masivamente- con Dim Mak En Fuego, un sello que lo introduce en nuestro mercado con el lanzamiento de Andrekza (Venezuela). 



Hoy en día, la región es representada por la camada más fresca de la “Sonoridad Latina”. Estos artistas crearon una nueva latinoamericanidad de pista, los colectivos Agva, Plano, Hiedrah, Trueno y Majia influyeron con composiciones fuertemente eléctricas, modelando con insistencia la propia etiqueta electrónica. Así, espacios que conocemos desde hace más de una década, como ZZK Records o N.A.A.F.I, en donde mezclaron la cumbia y el reggaetón con distintos sonidos orientados a la música de club, dieron lugar a productores más abiertos en la experimentación latina con Tobey, el PLVYBxY, Barda, Desdel Barro, Kaleema, Lila Tirando a Violeta ubicados entre sus protagonistas. Hablamos con algunas de ellas para conocer su visión al respecto.



TAYHANA Una de las exponentes de este movimiento. Luego de mudarse a México para llevar adelante su carrera, está nuevamente en el país.



¿Crees que el último éxito de la sonoridad latina acompañe a lxs artistas a alejarse del repetitivo house o techno? “Creo que hay público para todo y me gusta que sea así. Mientras más diversidad haya en una escena musical, mucho mejor, pero quisiera que se valore y reconozca el trabajo que hacemos DJs y productores latinoamericanos que vivimos en Latinoamérica, con todo el riesgo y esfuerzo que implica mantener nuestras carreras en esta parte del mundo. Aún, haciendo música con riesgos artísticos, queriendo apostar a un sonido más fiel a dónde somos. A veces, ese apoyo no se siente por parte de los clubes y de la prensa. De todas maneras, creo que trabajamos tanto auto gestionando nuestra escena que, aun así, le dimos vida y, hoy por hoy, muchxs de mis colegas salen en medios electrónicos reconocidos mundialmente. Lamentablemente, siempre pasa que la mirada desde afuera es más rápida que la de al lado. A pesar de eso, en Argentina nadie los bookea ni les dan el espacio que se merecen. Gente apostando al techno y house siempre va a existir. No pasa por los géneros musicales sino por cuan real y autóctona sea tu búsqueda dentro del estilo musical que elijas. Hay circuitos que se vinculan a ese tipo de música porque van a lo seguro, desde una búsqueda más económica, donde la música en sí pasa a segundo plano. Por eso tenemos miles de fiestas y clubs en Latinoamérica con tech house toda la noche, que es lo más plástico dentro de toda la cultura electrónica. Y, además, bookean solo gente de afuera. Con todo este boom latinoamericano, además de que crezca, quisiera más bien que se materialice y haya más colegas viviendo de esto.”



¿Qué políticas deberían ser implementadas para la creación de nuevas escenas emergentes en el territorio? “Creo que deberían implementarse más políticas para apoyar y fomentar la escena que ya emergió hace un rato por parte de todos los agentes que la conforman, tanto de la prensa, lxs promotores, DJs, productores y artistas, en general. Hace rato venimos haciendo un sonido bastante definido. Solo hace falta más apoyo, que los medios de música hagan más entrevistas a nuevos DJs y productores, que existan más espacios para tocar, que quienes tengan eventos y/o activaciones bookeen el talento local, o que diferentes artistas cinematográficos, performance, etcétera, inviten a colaborar a quienes estamos haciendo música más fresca desde la electrónica. Todo emerge del underground y es auto gestionado en un principio pero, cuando ya vas creciendo y la economía te aprieta, si no logras vivir de esto, abandonás tu proyecto y muchos buenos proyectos quedan en el camino. Eso es lo que nunca queremos que pase. Por eso, ojalá cada vez más gente reconozca lo que venimos haciendo hace rato.”



¿Qué diferencias encontraste en el consumo de música o público en México a comparación con Argentina? “Hay una diferencia importante, en verdad. Allá, de alguna manera, se logra vivir de esto trabajando duro. Acá, imposible. En Argentina, el sistema económico es mucho más inestable y las políticas municipales de habilitación de espacios es más estricta. Por lo tanto, limita mucho la posibilidad de hacer una fiesta. Allá, la gente está acostumbrada a que un ticket de una fiesta sea aproximadamente 10 dólares. Acá, no llega ni a 3 dólares. El margen que te da para pagarle a tus artistas es muy poco. Desde esa base, ya cambia todo. Allá, al haber más posibilidades de tocar, lxs DJs y productores, si pueden, te compran por Bandcamp los tracks para tocarlos bien en el club. Acá, solo queda piratearlos. Si los compra alguien de afuera, es una gloria y, a veces, ese dinero que entra vía Paypal es medio imposible de sacarlo. Desconozco ahora cómo sigue siendo eso pero, hasta hace un tiempo, era un bajón. El dinero virtual de la música que vendés online, en México, se debita directamente a tu cuenta bancaria. Siento que la escena acá es muy local, con poca perspectiva internacional. México siempre fue como la capital de Latinoamérica, tiene mucha más llegada a prensa y marcas internacionales que están más atentos a la propuesta musical. La verdad, hay mil cosas que hacen la diferencia y las siento más marcadas. Por eso, cada vez que vuelvo, siento que tengo que disfrutar un rato con mi familia y amigxs y partir de nuevo.”







LILA TIRANDO A VIOLETA Con una identidad similar a un bloque en sí mismo, Uruguay cuenta con una cultura de club súper enriquecida, cuna de algunos de los talentos más importantes del sur del continente. Hablamos con una de sus mayores revelaciones, Camila Dominguez, conocida como Lila Tirando a Violeta. Con un espectro musical enorme y difícil de etiquetar, nos comentó sobre su proceso de creación y su visión sobre el país vecino que, frecuentemente, observamos como un ideal. 



¿Qué elementos te inspiran a construir tu música? “Mis experiencias personales, música que encuentro en discos viejos o en los rincones más perdidos del internet, poesía y sonidos que absorbo de mi entorno.”



¿Crees que el último éxito de la sonoridad latina acompañe a los artistas a alejarse del repetitivo house o techno? “Creo que son dos movidas diferentes y, al mismo tiempo, complementarias. En especial, en Montevideo, donde generalmente lxs productores electrónicos frecuentamos los mismos espacios y escenarios. No siento que sea necesario alejarse o acercarse. Está bueno que se genere más diversidad musical en la escena electrónica latina y se complemente entre sí.” 



¿Qué oportunidades y desventajas encuentras en la escena de tu país? “La escena electrónica experimental de Uruguay es aún bastante reducida y under. Eso significa ventajas y desventajas. Por ejemplo, al realizar tanta autogestión, uno aprende muchas cosas en el camino que, posiblemente, viviendo en un país de primer mundo, no realizaría el mismo artista. Por ejemplo, hacer su propio sonido, vender las entradas, trasladar los propios equipos, organizar los eventos y gestionar directamente, muchas veces, sin ganancia. Eso es un pro y una contra ya que, al momento de hacer tu nombre circular directamente y dar a conocer tu música, está buenísimo. También, aprendiendo muchos aspectos técnicos en el camino. Pero, quizás, si ese tiempo se canaliza en producir y contáramos con una escena más amplia, con más gestores, locaciones y dinero, sería mucho más fácil dedicarse de lleno a crear.”



En la perspectiva local nos preguntamos: ¿Cómo es vivir la escena desde el interior? Una reciente encuesta de consumos culturales de Argentina demostró que, respecto a la distribución de lxs artistas en el país, en la región metropolitana se encuentra el 57,6%. ¿Esta nueva normalidad nos traerá una escena más federal? 







JIME FERREYRA Artista referente de la ciudad cordobesa de Río Cuarto. Anteriormente, sostenía una residencia en Hernando, una localidad del interior de Córdoba. 



¿Cómo convivís con los límites en el interior? “Los límites del interior cada vez son menos. Creo que, hace 10 años, era más difícil.”



¿Qué oportunidades encontraste en tu ciudad? “Mudarme a una ciudad como Río Cuarto ha sido lo mejor para mi carrera. Tuve muchas oportunidades, demasiado para ser foránea. Desde tocar en los mejores clubes y restaurantes hasta participar de un programa del área cultural de la municipalidad, con un DJ set grabado en un hermoso teatro de aquí.”



¿Qué políticas o agentes deberían existir para enriquecer la música de cada ciudad? “Creo que debería existir un agente regulador de nuestra actividad, una ‘base de datos’ de todos los artistas y un apoyo total desde el área de cultura, para poder poner en agenda y hacernos partícipes de cada evento en la ciudad, público y privado.”



A Través del <a rel="noreferrer noopener" aria-label=" (se abre en una nueva pestaña)" href="https://inamu.musica.ar/" target="_blank">INAMU</a> y convocatorias como la pasada <a href="http://ibermusicas.org/">Ibermusicas</a> podés conseguir descuentos o financiamiento en pasajes como musicx. 







JULIANNA Por otro lado, Colombia está plagada de festivales pero, a su vez, tiene fuertes propuestas de club. Se convirtió en una potencia mundial en la escena electrónica. Este país está a la vanguardia del sonido con DJs como Julianna, productora y creadora del ciclo Move. 



¿Cuáles crees que son los aportes que convierten a la escena colombiana en una referente del territorio? “Creería que es el tema de las colectividades. A diferencia de muchos otros lugares, el país no ha sido un referente en cuanto a clubes pero sí de colectivos. Esto, enmarcado en un público súper enérgico y abierto a la escucha y en quienes realmente han sido los que más han llamado la atención en otras latitudes. Ahora, también podemos hablar de productoras y productores a nivel nacional, con una impronta importante en su obra, algo que hace 10 años era un vacío y que ya viene detrás con un devenir muy promisorio. La escena en Colombia en su gran mayoría es manejada por la élite, sin embargo. Como este primer ejercicio, de 8 años para acá, creo que el manejo de esos recursos ha sido vital para dar a conocer lo qué pasa aquí.”



¿Y las políticas necesarias para enriquecer la cultura de club en Latinoamérica? “Hablar de descolonización es clave si queremos combatir la idea de cómo se debe consumir la música a nivel local y regional. Ampliará los horizontes de cómo construimos y tejemos estas relaciones en todo el continente. Sin embargo, creo que es un panorama demorado y complejo. También son importantes las políticas feministas dentro del dancefloor, no sólo en términos de representación si no en búsqueda de romper las brechas para el acceso y la seguridad de las mujeres y cuerpos disidentes a la pista de baile. Eso es una deuda que lleva mucho tiempo. Una deuda dolorosa, por cierto, pero qué es realmente importante ponerla sobre la mesa.”



¿Cuál es tu perspectiva sobre el protagonismo latino en relación al mercado de la música electrónica? “Aún bajo la mirada de lo exótico y muy permeada por las políticas neoliberales. Aún falta construir relaciones horizontales entre el Norte global y el Sur que, si bien ha habido un avance en los últimos cuatro años, no ha tenido continuidad.”



Una cosa es cierta: la internacionalización de un proyecto musical está
orientada al estilo y deseo de lxs artistas, y la oferta y la demanda responden
a todo tipo de estímulos comerciales. Las barreras territoriales nos
encontrarán en contacto con lo local y, aunque en Argentina el factor económico
y social siempre tienta a más de uno para emigrar, esta nueva normalidad nos
propone un mercado local más que interesante, en donde se deberán crear nuevas
estructuras laborales para cautivar al público. Es momento de consolidarnos
como un verdadero circuito de talento interno por primera vez. Por lo menos,
hasta que la economía y la reapertura acompañe. ¿Será que el 2020 detuvo la
eterna migración?

Eterna Migración

Dividiendo su tiempo
entre su casa y el estudio en la ciudad de Berlín, Steffen nos cuenta que están
teniendo unos hermosos días de invierno. Si bien ha caído mucha nieve, lo que
convierte en todo un desafío el llegar al estudio, nos hace saber que goza de
buena salud. Steffen Linck es el artista detrás de Monolink y, en la semana previa
a la salida de su nuevo single “The Prey”, un nuevo corte de lo que será su
próximo álbum de estudio, hablamos con él para conocer cómo vive este
particular presente.



“Realmente, estoy
disfrutando de las pequeñas cosas en este momento”, comenta quien pasa el
tiempo con sus roommates y aprovechó
estos días para ahondar en sus dotes culinarios y en mejorar un poco su
estudio. “Construí algunos paneles acústicos para mejorar el sonido de mi
estudio, lo que se sintió realmente bien. Construir cosas puede traer mucho
placer: hay un comienzo y un final para ello y puedes calcular cuánto tiempo
necesitarás. Es muy diferente a hacer música”, analiza.



<figure class="wp-block-image size-large"><img src="https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2021/02/Monolink-2-683x1024.jpg" alt="" class="wp-image-1154788" srcset="https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2021/02/Monolink-2-683x1024.jpg 683w, https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2021/02/Monolink-2-200x300.jpg 200w, https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2021/02/Monolink-2-768x1152.jpg 768w, https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2021/02/Monolink-2-1024x1536.jpg 1024w, https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2021/02/Monolink-2-1365x2048.jpg 1365w, https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2021/02/Monolink-2-950x1425.jpg 950w, https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2021/02/Monolink-2-scaled.jpg 1707w" sizes="(max-width: 683px) 100vw, 683px" /></figure>



Cuando se declaró la pandemia, Steffen estaba en Costa Rica dando un espectáculo en el festival de playa llamado Envision. Como todos, no supo bien qué esperar de lo ocurrido y rápidamente comenzó a ver cómo su agenda de eventos tenía cada vez más cancelaciones. “Para mí, este es solo otro indicador de que nuestra sociedad y el capitalismo, la forma en que lo construimos, no está funcionando a largo plazo. Necesitamos reconsiderar la forma en que vivimos y consumimos, de lo contrario, cosas como estas sucederán con más frecuencia”, dispara rápidamente.



<blockquote class="wp-block-quote">“Para mí, este es solo otro indicador de que nuestra sociedad y el capitalismo, la forma en que lo construimos, no está funcionando a largo plazo.”</blockquote>



Por supuesto, tuvo sus
cosas positivas. “Lo mejor, sin dudas, ha sido tomarse un descanso. He querido
hacer eso durante bastante tiempo, después de estar viajando sin parar durante
los últimos cuatro años”, explica. Volvió a un ritmo normal de sueño, pudo pasar
tiempo y volver a conectarse con sus amigos… Otra de las grandes ventajas fue
haber tenido el tiempo que necesitaba para terminar su segundo álbum de estudio,
el cual nos ilusiona a todos. “El período de tiempo que había calculado
originalmente, por supuesto, no funcionó en absoluto. Y, ahora, tenía todo el
tiempo que quería, lo cual era increíble”, agrega. “Las desventajas han sido no
poder trabajar. Dejar de conocer gente, viajar a nuevos países, experimentar
diferentes culturas… Afortunadamente, no me infecté ni me metí en ningún otro
problema grave.”



Con la escalada de roca como una de sus pasiones, él mismo reconoce que ha sido una de sus actividades claves a la hora de mantenerse sano mentalmente. “Creo que hacer deporte es lo más importante para mantener la cordura. Afortunadamente, mi ingeniero de sonido y el co-productor del disco comparten la misma pasión, así que hicimos muchas escaladas juntos el año pasado”, nos cuenta. El álbum en cuestión no comenzó con la pandemia pero Steffen reconoce que, sin este período de por medio, se habría convertido en algo muy diferente. Para él, como para muchos artistas, el formato de álbum es uno de los más importantes a la hora de armar una carrera. “Es un desafío”, simplifica en medio de la discusión. Es, en sus palabras, mucho más que un EP. “Me gusta tomar ese desafío. Es un viaje para los oyentes pero también lo es para ti a la hora de hacerlo. Me gusta escuchar cómo otros artistas lo dominan o fracasan en el intento.” 



<blockquote class="wp-block-quote">“No puedo dejar de lado este impulso de buscar hacer el disco perfecto. Lo que, por supuesto, es imposible, pero el desafío es acercarme más que antes.”</blockquote>



Sin un concepto
detrás, el álbum se nutre de sus deseos de hacer música, algo que funciona como
el motor de toda su carrera, una que lo encuentra disfrutando de un momento
único, involucrado en la escena de clubes viniendo desde otro lugar. “La escena
de clubes ha sido una bendición, en este sentido”, asiente quien tenía como
idea original en el mundo de la música ser cantante y compositor de música
folk. “Tocaba en bares y en las calles, tratando de ganarme la vida, pero fue
muy difícil. Monolink fue un proyecto paralelo que hice por diversión, después
de que descubrí la música electrónica por mí mismo.”



Alejado de
los grandes tours y de sus místicos shows repletos de texturas e instrumentos,
Monolink pone todo de sí para aprovechar este momento. “Lo mejor que me ha
pasado es ser capaz de hacer lo que hago todos los días, sin tener que ceder”,
sentencia. ¿Para el futuro? Hacer más álbumes. “No puedo dejar de lado este
impulso de buscar hacer el disco perfecto. Lo que, por supuesto, es imposible,
pero el desafío es acercarme más que antes. En última instancia, me encantaría
hacer un disco que inspire a la gente de la forma en que me inspiré yo en los
álbumes que amo.”



Si quieres conocer sobre esas canciones que lo inspiraron, puedes ver aquí la playlist que armó para repasar las <a href="https://djmagla.com/monolink-10-sus-primeras-influencias-electronicas" target="_blank" rel="noreferrer noopener" aria-label=" (se abre en una nueva pestaña)">canciones que moldearon sus primeros pasos en la música electrónica</a>.



Hoy se publicó su nuevo single “The Prey”:



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Monolink: Desafío constante

Pocos sellos
discográficos tienen la suerte de contar con dueños que aporten una exposición
mayor que la que pueden brindar hoy los hermanos Thivaios, a quienes
seguramente conozcas como Dimitri Vegas & Like Mike. Gracias a su lugar
privilegiado como residentes de Tomorrowland, han exprimido su posición de
privilegio y le han dado un empuje sin precedentes a esta plataforma. 



“Smash The House es
un sello independiente”, nos dice Dimitri, quien aprueba todos los lanzamientos
de la plataforma. “Nos vemos como una familia respaldada por la gente de
Tomorrowland. Todos en nuestro equipo están estrechamente involucrados en cada
lanzamiento. Uno de los aspectos más importantes que valoramos es el estrecho
contacto con cada artista y su gestión. Notamos que, una vez que un artista
lanza con nosotros, siempre es el comienzo de una asociación larga y saludable.
Nos esforzamos por publicar en función de la calidad y no de la cantidad.”



Con 287
lanzamientos publicados tan solo en el 2020, Smash The House se establece
nuevas metas con cada paso. “2020 fue, para la mayoría de los artistas, el año
más difícil de sus carreras. Sin embargo, sentimos que, para la mayoría de
nuestros artistas, sacó lo mejor de ellos”, se enorgullecen. “Nuestros artistas
tuvieron más tiempo de estudio que nunca y esto resultó en tracks increíbles
que están en nuestra lista para el 2021. En lugar de contenernos, hemos
expandido nuestro equipo y nuestro objetivo es convertirnos en uno de los
sellos independientes más grandes de la música electrónica.”



Le hicimos algunas preguntas más a Dimitri para entender cómo llegó Smash The House a ser lo que es hoy…



Lugar de origen: Bélgica Fecha de nacimiento: verano de 2010 Cantidad de lanzamientos: + de 1000 Lanzamiento más exitoso: «Instagram» Artista con más lanzamientos: Unos tipos llamados Dimitri Vegas & Like Mike



¿Cómo y cuándo surgió Smash The House?



“Mike y yo fundamos
el sello en 2010. Realmente, comenzó como un proyecto solo para nuestra propia
música y para darnos más libertad creativa. Luego, ese año lanzamos nuestra
colaboración ‘Tomorrow’ con Tara Mcdonald y Dada Life en Smash The House, que
se convirtió en el himno oficial de Tomorrowland. A partir de ese momento, se
encendió la mecha y Smash The House pasó a estar en el escenario mundial. Todo
cambió a partir de ahí. El single llegó al Top 5 en las listas de música de
baile en Bélgica.”



¿Cómo funcionaba el sello cuando empezó?



“En ese entonces, éramos
principalmente nosotros haciendo el A&R, el marketing, la promoción de los
DJs y también apoyando la música a través de nuestros DJ sets, lo que creaba
cierta expectativa en torno a los lanzamientos. También, una vez que tuvimos
ese primer éxito con Tomorrowland, empezamos a trabajar con CNR Records, lo que
nos ayudó mucho a tener un socio establecido.”



¿Qué recuerdas de los primeros pasos de la
plataforma?



“Tuve la
experiencia de tratar con sellos discográficos en mi carrera como DJ y también
en el tiempo que pasé con la familia CNR. Tanto para mí como para Mike, fue una
curva de aprendizaje empinada. Como cualquier proyecto nuevo, cometes errores y
aprendes de ellos. Las cosas estaban sucediendo tan rápido que aprendimos a
seguir adelante y apuntar a nuestras metas. Cuando aparecieron temas como
‘Madagascar’, ‘Alarma’ y ‘Rej’, ya teníamos más experiencia en el manejo del
sello.”



¿Cómo se desarrolló el equipo de Smash The House
a lo largo de los años? ¿Quién está involucrado en él hoy en día?



“Siempre se ha
tratado de trabajar con personas que sienten tanta pasión por la música como
nosotros y los fans. Comenzó conmigo y Mike, dos hermanos y un sueño, y siempre
hemos mantenido vivo ese espíritu con respecto a lo que es el equipo de la plataforma.
Hoy en día, el sello, que todavía nos incluye a Mike y a mí, así como a nuestro
manager Nick Royaards, también está formado por la coordinadora de artistas
Marte Croes, los agentes Goldi, Björn De Neef y Sara De Hertogh, el manager del
sello Perry van de Mosselaar y los managers de A&R Dwayne Megens el jefe de
asociaciones Tom De Saeger, y los directores de producto Matthias Versweyveld y
Nadime Juchtmans.”



¿Cómo suena Smash The House?



“En estos días, el
sonido de Smash The House es extremadamente ecléctico. Históricamente, somos
conocidos por nuestro sonido mainstage de house emblemático, que está orientado
a los grandes escenarios. Pero bajo la bandera de Smash The House y sus sub-sellos,
los fanáticos de la música esperan escuchar sonidos tan variados como deep
house, reggaeton, hop hop, psy-trance, hardstyle, EDM, techno, trance. Lo que
realmente nos gusta es mezclar géneros y crear música. Nos encanta.”



¿Quién lanza música en el sello?



“A lo largo de los
años, hemos tenido algunos artistas increíblemente talentosos en el sello. Sin
ningún orden en particular, hemos tenido a todos, desde Diplo, Steve Angello,
Martin Garrix, Hardwell, Steve Aoki, Chuckie, Bassjackers, Blasterjaxx, Afrojack,
Sidney Samson, Lost Frequencies, MATTN, Wolfpack, Yves V, Ummet Ozcan, KSHMR,
Futuristic Osos polares, MOGUAI, Nicky Romero, Vini Vici, W&W, Brennan
Heart, Angemi, Coone, Deorro, Timmy Trumpet, Quintino, Regard, Armin van
Buuren, VIZE, Fedde Le Grand, Era Istrefi, Lil Jon, Kid Ink, Sebastian Yatra ,
Afro Bros, Gucci Mane, Fatboy Slim, Snoop Dogg, Ne-Yo, Paris Hilton, Wiz
Khalifa, y la lista sigue y sigue… Es una locura pensar en cuántos artistas
hemos tenido en el sello hasta la fecha.”



¿Qué necesita un track para ser editado en
Smash The House?



“Debido a que
tenemos varias sub-plataformas de Smash The House, ahora podemos ampliar mucho más
la agenda de lo que estamos buscando en un track. El núcleo sigue siendo la
originalidad. ¿Tiene la pista esa sensación mágica, trae algo diferente o
inesperado? Queremos darles a los artistas libertad para crear, por lo que
realmente se trata de una sensación y de cómo la pista funciona para nosotros.”



¿Quién toca los lanzamientos de Smash The
House?



“La música de Smash
The House tiene una base de fanáticos a nivel global. Es algo de lo que estamos
muy orgullosos. Hemos trabajado duro para difundir nuestro sonido y hacer que
esa música llegue a personas de todo el mundo. Tener el apoyo de todos los
artistas con los que hemos trabajado en el sello, así como muchos más de muchas
áreas de la escena, es otra declaración de la calidad que proviene del sello.
Hablo en nombre de todo el equipo cuando doy las gracias a todos los que han
apoyado. ¡Los amamos!”



¿Cuál fue el momento más orgulloso de Smash The
House?



“Después de más de diez
años, tenemos tantos momentos increíbles… Desde tocar el himno oficial de
Tomorrowland en el escenario principal por primera vez, hasta presentar
nuestras arenas de Smash The house y, más tarde, Generation Smash, en el
festival. Luego, llevar la marca a otros festivales como TomorrowWorld en EE.
UU. y Creamfields en el Reino Unido. Ha sido un viaje muy loco y todavía seguimos
avanzando. Recientemente, alcanzamos más de 200 millones de reproducciones con
nuestro sencillo ‘Instagram’, que incluía a David Guetta, Afro Bros, Daddy
Yankee y Natti Natasha, y que ahora se convirtió en un sencillo de doble
platino. Por último, también lanzamos nuestra agencia The Smash Universe. Este
fue un sueño mío particular durante algún tiempo y, tras el lanzamiento de la
organización de deportes electrónicos Smash the House, sentí que era lo más
natural que podía hacer. The Smash Universe es una agencia de música, juegos y lifestyle que lanzamos con nuestro
director de esports SMASH, Nick Depauw, Miranda Huybers, una veterana de la
industria del juego que formó parte del equipo del Call of Duty de Activision,
y nuestro manager Nick Royaards.”



¿Qué sigue para el sello?



“Estamos muy lejos de terminar con la construcción de Smash The House. Queremos que no sea solo nuestra música, sino la música de los artistas que queremos firmar en el sello. Estamos lanzando varios sub-sellos nuevos en un futuro cercano, tenemos planes para expandir nuestros eventos una vez que se reanuden y, por supuesto, está nuestra agencia Smash Universe, que tiene algunos proyectos muy especiales para anunciar pronto. ¡Cosas más grandes y emocionantes vendrán de la familia Smash!” 



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Sello de Calidad: Smash The House

Desde: Dublín, Irlanda Suena como: The Chemical Brothers, Gesaffelstein, Boys Noize Tres canciones: “Corporate Hive Mind”, “Kronos (Sian remix), “Data”



Después de
acompañar a algunos grandes productores en sus estudios, aprendiendo todo,
desde cómo se usan los equipos hasta diferentes técnicas de producción, Graham Goodwin empezó a
utilizar sus conocimientos vendiendo samples y produciendo algunas canciones de
música pop antes de convertirse en Sian y meterse de lleno en la música
electrónica.



“Crecí en los 80, así que la música electrónica estaba en todas partes”, recuerda. “Me encantaba cómo sonaba, tan minimalista y futurista. De hecho, crecí en España, muy cerca de lo que se consideraría un distrito rojo en Barcelona. Los bares tocaban un montón de música italo disco, y ese sonido me influyó bastante.”



Fueron unos
primeros pasos más que interesantes en el estudio para Graham. “Comencé a hacer
ritmos que se volvieron lo suficientemente buenos como para que los artistas
comenzaran a comprarlos. Algunas de las primeras canciones que produje fueron
temas pop. De hecho, pude trabajar con algunos productores conocidos en donde
el pop se encontraba con el underground”, nos explica.



Cuando se dio
cuenta que sus producciones podían tener éxito, dejó la escuela y comenzó a
editar sus propias pistas. Ahí fue cuando irrumpió en la escena local de Dublín
como DJ residente de The Kitchen, club nocturno propiedad de la famosa banda de
rock U2. El resto, se lo imaginarán. Las fechas se fueron sucediendo, llegaron
nuevos desafíos y Sian fue ganándose un lugar en la escena del techno.



“Comenzar mi propio
sello fue, probablemente, lo mejor para mi carrera. Quería tener un control
creativo completo como artista y también construir una plataforma que sirva como
legado. No quiero alardear mucho pero pude construir una reputación lo
suficientemente buena para mí y para el sello, lo cual me brindó algunas oportunidades
realmente interesantes.”



Emocionado por los
planes que se avecinan, Sian se muestra agradecido con todo lo que le ha pasado
a lo largo de su carrera y con el lugar que se ha ganado su plataforma
discográfica Octopus. “Siempre ha sido el niño raro de los diez sellos
discográficos más populares”, describe. “Siempre nos propusimos lanzar música
en la que creyéramos en lugar de buscar nombres establecidos. Siempre buscamos
nuevos talentos porque queremos darles una plataforma. Nos enorgullece ver a esos
artistas hacerse un nombre”, agrega.



Con esta idea de
comunidad y el desarrollo de artistas emergentes, decidió poner manos a la obra
y se pasó todo el año pasado “reuniendo un gran ejército de artistas” para crear
un programa para su nuevo canal de Twitch, espacio pensado para que la gente
pueda divertirse de forma segura en casa. “He dedicado mucho tiempo a las
transmisiones en vivo. He sido DJ residente en el canal de Twitch de Insomniac
durante algunos meses, mientras fui preparando el programa de mi nuevo canal”, desarrolla.  “Realmente, nunca fui de salir mucho antes de
la pandemia, para ser honesto, así que ese aspecto no ha cambiado demasiado
para mí. Soy una persona hogareña en mi estado natural.”



En esa condición
ermitaña, encuentra en estos avances tecnológicos una buena compañía. Y nos lo
hace saber: “Me encanta. Ojalá hubiera sucedido antes, para ser honesto. Viajar
todo el tiempo es muy poco saludable y creo que es bastante futurista montar
espectáculos virtuales en un entorno local que, obviamente, es más seguro para
todos en este momento. Ahora es el mejor momento para empezar a innovar e
inventar formas nuevas y creativas de conectarse con las personas.”



Con una interesante mirada hacia el futuro, centrado en su canal de Twitch, escribiendo otro álbum y colaborando con un dúo pop femenino “muy interesante” del cual no puede dar más detalles, Sian tiene su lugar ganado en la escena.



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De Cerca: Sian

Desde niño, al italiano Mattia Nuzzo le fascinaba la música.
Interesado por el DJing, tenía unas ganas constantes de seleccionar y proponer
su música a todo el mundo. Tras encontrar su pasión, desde el año 2015, comenzó
su etapa como productor y fue allí que su nombre ganó terreno en la escena.



Hoy, tenemos en claro de quién se trata gracias a su
presencia en plataformas reconocidas como Elrow, Be One Records y Defected y el
apoyo de artistas que suelen elegir sus divertidos beats para iluminar sus
sesiones. Aún más interesante, acaba de publicar su álbum de estudio “Acid
Dreams”, una interesante adición a su catálogo que retrata su presente en el
estudio.



“Para todos es un tiempo difícil”, dice Mattia cuando le
preguntamos sobre la pandemia y este momento. “Ahora, más que nunca,
necesitamos creer en nosotros mismos y ser fuertes”, agrega desde su Italia
natal, mientras se pone cómodo para responder nuestras preguntas.



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“Al inicio, pienso que, como todos, sentí un poco de
miedo pero estaba con la idea de que, quizás, era algo superficial y que pronto
iba a pasar”, continúa. “Creo que nadie esperaba que dure tanto. Sin embargo,
creo que se pueden dar grandes oportunidades a pesar de toda esta pandemia.
Muchos sellos o DJs más grandes comenzaron a tener más tiempo disponible para
escuchar nueva música. Ahora, siendo que podemos volver más fuerte que antes,
solo hay que tener paciencia.”



Una de las grandes oportunidades fue la salida de “Acid Dreams”, su último LP autogestionado que vio la luz en su propio sello Out Crowd. Tras una primera idea que surgió cuando estaba en un tour por Argentina, su regreso a Italia a días del inicio de la pandemia lo llevó a enfocarse de lleno en eso. “Regresé a Italia y seguí trabajando con este proyecto en el que mezclé tech house, minimal y techno. Este álbum tiene un toque techno acid pero manteniendo siempre el estilo tech house. Me divertí creando synths particulares y jugando mucho con samples de house de los años noventa”, nos dice entusiasmado.



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Está claro que Mhod está feliz con cada uno de lost
tracks que forman parte de “Acid Dreams”. En sus propias palabras, son todos
diferentes y, a la vez, mantienen su estilo propio. “Dediqué muchas horas de trabajo
y estoy orgulloso de que finalmente lo puedan apreciar”, desliza. “Después de
tantos años de trabajar con tracks y EPs, tenía ganas de salir con un álbum.
Tenía la necesidad de hacer algo más grande junto con mi sello. Lo sentí como
una prueba a mí mismo y aproveché para poder explotar mi talento un poco más.”



“Es un álbum muy alegre”, se jacta. “Seguramente, te hará
bailar, estés en un sillón, en un club o tomando una bebida. Los invito a todos
a escucharlo en Spotify y darme su opinión. Espero ansioso poder tocarlo en público.”



El último año de Mhod ha sido uno de los más importantes
de su carrera, recibiendo apoyo de grandes sellos y artistas. Tras años de
esfuerzo, ha encontrado su recompensa en el cálido reconocimiento de su
público. “Pienso que rendirse era fácil pero resistir y ser constante era el camino
que decidí tomar y esto me ayudó a crecer. Creer en vos mismo es la clave para
seguir adelante.”



Con ganas de seguir tocando para miles de personas apenas se pueda y de darle importancia a su plataforma discográfica Out Crowd, Mhod encara el 2021 lleno de orgullo y grandes ideas. Falta mucho pero “Acid Dreams” es un buen paso al frente…



<figure class="wp-block-image size-large"><img src="https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2021/02/Mhod-3-1024x682.jpg" alt="" class="wp-image-1154661" srcset="https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2021/02/Mhod-3-1024x682.jpg 1024w, https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2021/02/Mhod-3-300x200.jpg 300w, https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2021/02/Mhod-3-768x512.jpg 768w, https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2021/02/Mhod-3-212x140.jpg 212w, https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2021/02/Mhod-3-950x633.jpg 950w, https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2021/02/Mhod-3.jpg 1280w" sizes="(max-width: 1024px) 100vw, 1024px" /></figure>

Los sueños ácidos de Mhod

Fotos por <a href="https://www.instagram.com/negroromi/" target="_blank" rel="noreferrer noopener" aria-label="Lucas Gomez Oromi (se abre en una nueva pestaña)">Lucas Gomez Oromi</a> 



La contratapa de la historia de Ditian- y por historia
digo (o escribo) algunos hechos y otras tantas ideas subyacentes bajo estos
hechos- diría algo así:



Ditian nació en Buenos Aires en el 92. Estudió ingeniería informática en alguna universidad y, en simultáneo, estudió producción musical junto a Kevin Di Serna. Editó música en Innervisions, Exit Strategy y TAU, entre otros. Sus tracks fueron y serán bailados por miles de jóvenes y adultos extasiados a lo largo y ancho de este planeta. Continúa residiendo en Buenos Aires, desde donde idea y ejecuta su visión de la música electrónica.



Si uno entiende a la música electrónica (o la música, y punto) cómo un ser vivo independiente que evoluciona, cambia y se adapta a las circunstancias, estará de acuerdo con que Ditian es uno de esos artistas que respeta esta naturaleza. Dentro de un género que suele ser auto referencial y repetitivo, artistas como él avistan el futuro y lo traen al presente, creando formas y mecanismos personales que aporten a una construcción del lenguaje musical actual. En pocas palabras, Ditian existe en el presente, es algo que ocurre hoy. Su interés no está puesto en reproducir viejas fórmulas, si no en inventarse las propias, y es así como ha encontrado un lugar en el mapa internacional y en algunos de sus sellos de mayor vuelo.



De cerca y de lejos, Dario Sebastian es un tipo tranquilo, de buena
madera; de esos cuyos gestos y palabras suelen resumirse a lo indispensable, a
lo necesario, a lo real. Es humilde, calmo y educado, de su boca no vas a
escuchar juicios fuertes, ni opiniones soberbias. Por el contrario, Ditian, su
proyecto musical, habla fuerte y dice verdades incómodas, explora mundos
paralelos y sorprende con cambios repentinos. Ditian es, en definitiva, un
ejemplo claro del concepto de alter ego. Probablemente sea por eso que
permanezca un enigma dentro de la escena local y también en la internacional:
todos saben que existe pero nadie sabe bien cómo es. Pocos lo han visto
presentarse en vivo, sus redes mantienen una sólida y constante discreción, y
la magnitud de sus lanzamientos se remonta a la que su criterio le permita. Sin
embargo, aquellos que están en tema saben que fue el primer argentino en editar
en Innervisions, que su música suena fuerte, pesada y triste a la vez, y que
hay algo en su sonido que lo diferencia del resto.



Dario nació en Buenos Aires en el año 1992 y siempre permaneció en su
ciudad, salvo por algunos viajes. Se siente cómodo acá. Y es en Buenos Aires,
más precisamente en el barrio de Devoto, donde arranca su historia. Si bien su
familia no era una de esas familias regidas por la melomanía, ciertas bandas
individuales como Queen y Pink Floyd (el disco favorito de su padre era Dark
Side of the Moon) lograron hacerle de gancho al mundo de la apreciación. En su
casa también escuchaban a la cantante italiana Laura Pausini, seguramente como
forma de seguirle el rastro a la cultura de sus padres y abuelos. Algo de toda
esa tristeza y melancolía inmigrante reside en las canciones de Dario al día de
hoy, como un eco de sus antepasados añorando salir al mundo.



<figure class="wp-block-image size-large"><img src="https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2021/02/PACHAMAMA2-1024x683.jpg" alt="" class="wp-image-1154569" srcset="https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2021/02/PACHAMAMA2-1024x683.jpg 1024w, https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2021/02/PACHAMAMA2-300x200.jpg 300w, https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2021/02/PACHAMAMA2-768x512.jpg 768w, https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2021/02/PACHAMAMA2-1536x1024.jpg 1536w, https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2021/02/PACHAMAMA2-2048x1365.jpg 2048w, https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2021/02/PACHAMAMA2-212x140.jpg 212w, https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2021/02/PACHAMAMA2-950x633.jpg 950w" sizes="(max-width: 1024px) 100vw, 1024px" /></figure>



Con la entrada a la preadolescencia, el boom de las plataformas de
descarga y la cultura MTV, Dario entra en contacto con mucha información nueva.
El primer género del que se apropia es el punk-rock de bandas como Red Hot
Chilli Peppers y Blink 182. La sensibilidad de John Frusciante es una de las
razones por las que incursiona en la guitarra, su primer instrumento y forma de
manifestación estrictamente musical. Y así es como también conoce algunas de
las nociones básicas de teoría musical que lo acompañan hasta el día de hoy.
Sin embargo, su relación con la guitarra nunca supera el terreno de juego o de
experimentación, aunque de alguna manera, es la causal de una serie de eventos
que lo llevarían a confiar en su capacidad para expresarse a través de la
música. No es hasta que comienza a salir de noche que cruza caminos con la
electrónica, el mundo oculto y brillante de los clubes, y la potencia de esa
música cuando sale expulsada de un sistema de sonido de gran tamaño. En Buenos
Aires, es muy normal que los clubes nocturnos se dividan en dos pistas: una de
música latina y otra de electrónica. Como si fuese un camino que se bifurca,
los jóvenes eligen, naturalmente, en cuál de ella se sienten cómodos. Dario
elige la segunda, el resto es la historia de muchos argentinos: conocer e
interiorizarse en la electrónica a través de las Creamfields, las Moonpark y
todo ese mundo promisorio que pone al frente tuyo el potencial de lo que un DJ
puede llegar a ser.



Nota aparte: es curioso como la música electrónica (casi) siempre llega última en la vida del productor como si, para llegar a ese lugar, hubiese que pasar primero por otros donde se recolectan los sonidos y melodías que, luego, codificadas en formas sencillas, terminarán entrando en el 4×4 de un track de club. Continúo.



Más allá de la propia formación y los logros particulares en la carrera
de un artista, hay momentos que, por más fugaces que sean, desencadenan hechos
que varían para siempre el sentido de las cosas. Momentos en los que una
variable nueva altera la forma de una señal de manera en que no vuelve a ser la
misma. Ditian tiene dos de esos.



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<iframe title="Spotify Embed: Fixed Nostalgia" width="300" height="380" allowtransparency="true" frameborder="0" allow="encrypted-media" src="https://open.spotify.com/embed/track/1NrxsJ8tPjxG24VWXA4k8P?si=0kyOu26FTRGx4w6Rq1Cqsw"></iframe>
</div></figure>



El primero se remonta a sus inicios. Es 2015 y acaba de sellar su primer track. Hace unos meses que Hernán Cattaneo ya incluye tracks en sus sets y su nombre empieza a dar vueltas en la escena del progressive. Su profesor es -nada más y nada menos que- Kevin Di Serna, uno de los mayores referentes que tiene la escena local a nivel internacional. En marzo, viaja a Miami en el marco de la Winter Music Conference, donde tiene la suerte de escuchar al grandísimo James Murphy de LCD Soundsystem, a DJ Tennis y a unos Tale of Us recién saliditos del horno en una misma tarde. Ese hecho, si bien ahora resulta obvio, le abre las puertas a un mundo nuevo o, al menos, a uno que Dario no había escuchado hasta el momento. Ese encontronazo planta una idea en su cabeza: se puede hacer música electrónica de una manera muy distinta a la que él conoce y hay un público dispuesto a disfrutarla. Pero, a veces, el contexto marca la pauta: a su vuelta, junto a Kevin, hacen “Crystal Forest”, una épica progresiva esperanzadora que sale editada en Lost & Found, el sello de Guy J. La canción es un éxito inmediato. Luego, viene “Everest”, su segunda colaboración con Kevin, que sale por un compilado del sello Balance Music curado por Hernán. Para casi cualquiera, arrancar así es arrancar muy bien, por donde muchos quisieran culminar una carrera. Sin embargo, Ditian ya tiene algo claro: quiere cambiar su sonido.



<figure class="wp-block-image size-large"><img src="https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2021/02/TAXI-1024x683.jpg" alt="" class="wp-image-1154571" srcset="https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2021/02/TAXI-1024x683.jpg 1024w, https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2021/02/TAXI-300x200.jpg 300w, https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2021/02/TAXI-768x512.jpg 768w, https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2021/02/TAXI-1536x1024.jpg 1536w, https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2021/02/TAXI-2048x1365.jpg 2048w, https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2021/02/TAXI-212x140.jpg 212w, https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2021/02/TAXI-950x633.jpg 950w" sizes="(max-width: 1024px) 100vw, 1024px" /></figure>



El segundo momento ocurre en 2016, durante un viaje a Europa, y es la ratificación del primer momento. Dario renuncia a su trabajo y se dispone a irse solo a conocer el viejo continente. Viaja a Ámsterdam en el marco del ADE, conoce Berlín, Londres, y se sumerge en la profundidad de eso que había conocido en Miami. Vuelve a Buenos Aires e inmediatamente comienza a reconstruirse. Ahí es donde nace el Ditian de hoy, la versión inicial del artista que, en aquel viaje, el proyecta ser en el largo plazo.



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<iframe title="Spotify Embed: Solid Snake EP" width="300" height="380" allowtransparency="true" frameborder="0" allow="encrypted-media" src="https://open.spotify.com/embed/album/2qgaDDmAFf4cNoAEICMd5D?si=6iDtJFVyToe_VDcNWnfdgA"></iframe>
</div></figure>



Recién llegado y con tiempo libre, se dispone a hacer algo nuevo. El producto de este tiempo es “Far From Here”, un track que conserva el sentido melódico de su música previa pero sostenido sobre percusiones más secas y pesadas. Es el primer salto de calidad en términos de producción, su intento por simplificar y marcar mejor los espacios de cada elemento, ganando identidad. Le envía el track a Bruno Deodato (alias Trikk) y, al poco tiempo, Kristian Beyer de Âme le toca el timbre: lo quiere para la edición N°10 del compilado anual de Innervisions, “Secret Weapons”. Al igual que le habría sucedió en el pasado con Hernan, el visto bueno de una figura de ese calibre lo vuelve a poner en el centro de la tormenta. Ese momento es la cúspide de su evolución y el comienzo de todo lo que viene después. Así, su nombre vuelve a estar dentro de la escena. Rápido pero de a poco, queriendo pero sin forzarlo.



A la hora de hacer música, Ditian se toma todo el tiempo que crea
necesario. Lo hace de a un track a la vez, metiéndose de lleno en lo que sea
que quiera transmitir. Aprendió con los años que no hay otra forma de hacerlo;
que, al diversificar demasiado, las cosas pierden su filo. Lo mismo hace con los
elementos que incluye dentro de sus tracks. Hay un factor meta meticuloso que
reproduce, de mayor a menor, en todos los aspectos que componen su proyecto
musical: desde su figura como artista a los lugares donde elige editar, al
cuidado particular que le dedica a sus tracks, a cada elemento que incluye en
ellos y al procesamiento de esos elementos, y así. Todo ese trabajo se percibe
al escuchar su música. Le guste a uno o no, su música tiene cimientos fuertes:
un porqué, un dónde y un cuándo. Lo mismo replica con el número de fechas que
elige, no sale a pinchar porque sí. Las circunstancias tienen que estar dadas
para que pueda plasmar su idiosincrasia sin ceder ante las exigencias
culturales de un público que espera otra cosa.



Su discografía está compuesta por numerosos singles y dos EP’s, todos cuidadosamente posicionados en los sellos por los que él se ve representado. Luego de su primera aparición en “Secret Weapons”, vuelve a Innervisions en varias ocasiones: en 2019, con “Fine Day”, que salió en el SW número 11; en 2020, con “Forgotten April”, esta vez para el N°12; y otras dos veces más, en el compilado de Transmoderna con “Expired Drama”, y en el compilado Limbo con su bellísimo track “Fixed Nostalgia”. Además de apadrinarlo, tanto Dixon como Âme marcaron una fuerte influencia en su sonido, eso está claro. Otro de los hitos en la carrera de Ditian es su track “Paranoia”, editado en Sum Over Histories, una aplanadora metálica y filosa preparada para quebrar cualquier club. Es con “Paranoia” que Ditian se presenta fuerte, supersónico, alejado de la calma y belleza estética que lo precede. A su vez, es la antesala de “Time is an Illusion”, su primer EP personal y su primera posibilidad para delimitar su mundo sonoro, el que mezcla lo triste, la melancolía esperanzadora, lo siniestro, lo orgánico y lo industrial. Vuelve a tener una oportunidad así con el EP “Solid Snake” que sale editado por TAU, el sello de los Adana Twins. Ahí, ya se puede ver a un artista maduro, uno que vuelve a concretar cuatro tracks sólidos y de impronta personal. Pero el bombo en negra no es todo lo que Ditian conoce: el 24 del último diciembre sale “Indian Carmelo” en el compilado “Palo Santo” de TAU, una joyita ambiental impulsada por un bajo continuo y melodías airosas, algo que resuena a un atardecer en la playa o a cualquier situación donde uno se siente en calma, satisfecho con las cosas. El futuro es promisorio para Dario. 



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Ditian: La importancia del porqué, el dónde y el cuándo

Llegó el momento
para Dirtybird de trazar un nuevo camino en su búsqueda como plataforma y Steve
Darko es el encargado de liderar el trayecto. “Midnight Swim” es la punta de
lanza con la que el sello de Claude VonStroke quiere recuperar la chispa que
muchos le han reconocido a través de los años, con apuestas jugadas y sonidos
que salen de lo esperado.



El nuevo álbum
del artista estadounidense es una historia de equilibrio en la vida, de
oscuridad y luz. Escrito en gran parte durante una época de incertidumbre
global y de aislamientos forzados, “Midnight Swim” le permitió a Darko
encontrar su propia libertad y hacer su catarsis, a pesar de las sombrías
circunstancias. Le pedimos más detalles respecto a cada uno de los tracks
incluidos en su reciente trabajo.



Descending



“‘Descending’
rápidamente se convirtió en una de mis melodías favoritas para sumar a los DJ sets:
tiene una intro larga y espeluznante de sintetizador que puede cambiar
totalmente la vibra de un espacio. Dejé la introducción bastante simple para que
el Prophet 6 brille mientras sube y baja en una secuencia espeluznante y el
filtro se abre gradualmente. Después de dos minutos, más o menos, desciende
hacia territorio de graves profundos y, finalmente, repite una secuencia corta
que se transforma en la línea de bajo de la pista. Siempre me ha gustado tener
un elemento en una pista para múltiples propósitos y creo que ‘Descending’ lo
hace bastante bien.”



Smooth Like Butter



“Este es uno de
los discos más divertidos y más orientados al club del álbum. Yo mismo soy un
baterista pésimo pero siempre he disfrutado y me han impresionado mucho las
bandas de música, así que pensé que era hora de convertir una grabación de
batería en una melodía house. No estoy muy seguro de cómo me llegó el vocal
‘smooth like butter’ pero parecía adecuado para la pista, así que lo hice. Hay
algunos blips extraños grabados con
el Moog Sub37 esparcidos por allí e, incluso, algunas líneas de vocoder a lo Peter
Frampton…”



How Many Times con Claude VonStroke



“Si me hubieras
dicho que haría una canción con Claude VonStroke hace un par de años, nunca te
hubiera creído, ¡pero puede pasar cualquier cosa! Esta melodía comenzó como un
demo que le había enviado a Claude. A él le interesaban algunas partes y el
ambiente general de la pista, pero estaba muy ocupado. Le envié algunos stems y
trabajó con su magia VonStroke característica. Fue realmente interesante
escuchar las nuevas partes que agregó a la melodía pero, aún más interesante,
fue escuchar cómo reelaboró ​​algunas de las partes que escribí inicialmente.
Especialmente, el sintetizador en la bajada. No podría estar más feliz con el
producto final. Creo que ambos estilos son evidentes en la melodía, que es lo
que esperaba.”



Euclidean Dreams



“‘Euclidean Dreams’ se aleja un poco de mi estilo típico
pero muestra un poco lo que hacía en algunas de mis producciones anteriores al
alias Steve Darko. Escribí este track mientras experimentaba con el
secuenciador euclidiano de Alkman en el Max for Live de Ableton, que produjo
algunos arpegios muy interesantes y en constante evolución que terminaron
siendo el corazón de la pista. El sonido principal de la última mitad de la
pista se grabó con el Prophet 6, con 6 voces al unísono, ajustando el mando
Slop, mi favorito personal. He descubierto que trabajar periódicamente en
música fuera del ámbito del house y el techno es muy revitalizante para la creatividad
y trabajar en ‘Euclidean Dreams’ no fue una excepción.”



Oohs & Arps



“Esta fue el
primer track que escribí cuando comencé el álbum. Me gusta mucho un buen
arpegio así que pensé que construir una canción alrededor de uno sería un punto
de partida apropiado para el álbum. Escribí esto en un día soleado de
septiembre, antes de que comenzara la pandemia, lo que probablemente juega un
papel importante en la vibra feliz que se emite a lo largo de la canción. El track
es bastante simple, lo que realmente deja espacio para que brillen el arpegio y
la voz.”



Red ft. Nala



“‘Red’ es una
colaboración con mi amiga Nala, a quien conocí a través de Claude VonStroke y
Dirtybird. Ella me envió este ritmo con un vocal raro e hipnótico para aplastar
la pista de baile. Fue tan bueno e inspirador que el resto del track salió de forma
muy natural y rápida. Traté de mantener toda la pista súper cruda, con la línea
303 distorsionada y la batería pesada. No hay demasiadas capas en esta canción,
pero hay un uso bastante intenso del delay con automatización para hacer que
las voces y el sonido del 303 suenen grandes y algo torpes.”



On My Own ft. Rachel Alix



“Rachel y yo
trabajamos juntos en iZotope. Queríamos trabajar juntos en una canción durante
un tiempo. ¡Me alegro de haberlo hecho finalmente! Realmente, amo esta melodía.
Es un poco diferente y más pop que la mayoría de mis otras cosas. Rachel es una
cantante muy talentosa y realmente brilla en este tema. Creo que esta melodía
atraerá a un público más amplio y, con suerte, introducirá a la gente a un
nuevo tipo de sonido.”



Block’s Last Trip ft. Phlegmbuoyant



“La pasé genial
escribiendo esta canción. Comenzó como un simple loop de batería y una línea de
bajo funky que escribí con el Sub 37, intentando emular el sonido de un bajo. Le
envié el boceto a mi hermano, también conocido como Phlegmbuoyant, quien me
envió algunas ideas de guitarra, así como algunas grabaciones de su gato,
Block, gruñendo y respirando con dificultad. En este punto, arreglé la mayor
parte de la melodía con estas nuevas partes, estiré el tiempo y modifiqué el
tono de la simple con el gruñido de gato, y grabé algunos pedazos de
sintetizador con el Prophet 6 para reproducir el riff de guitarra. Envié esto a
mi hermano, una vez más, en busca de ideas para la sección de la bajada final y
entregó algunas partes de guitarra distorsionadas completamente sucias que
terminaron siendo lo más destacado de la pista.”



Hypnotized con VNSSA



“VNSSA y yo hicimos un track llamado ‘Wavy’ en 2019 que siempre ha destacado
durante mis sets, especialmente en festivales. ‘Hypnotized’ es, esencialmente,
la próxima generación de ‘Wavy’: gran cantidad de sintetizadores mezclados con
voces hipnóticas de VNSSA y un gran ritmo de subs. Tuve la suerte de poder tocar
este en el Festival CRSSD, en marzo de 2020, y la gente se volvió loca cuando
lo escuchó. Es fantástico trabajar con VNSSA y siempre aporta nuevas ideas a la
mesa. Estoy seguro de que haremos otra colaboración juntos en el futuro.”



Love 100



“Este track surgió
de un feliz accidente, a decir verdad. Estaba trabajando en un ritmo house a
124 bpm en el Analog RYTM de Elektron a altas horas de la noche y,
accidentalmente, presioné el botón de tempo y lo bajé a 100. Sonaba realmente
lento así que, simplemente, lo seguí. La línea de sintetizadores en esta pista
proviene del Arturia MiniBrute 2S, que es un sintetizador y secuenciador
semi-modular súper versátil y poderoso. Después de la sesión inicial, de dejar
la batería y el sintetizador, agregué la muestra vocal ‘I love it’, que estiré,
lancé y bloqueé en diferentes partes de la melodía. Fue refrescante y
creativamente estimulante trabajar en algo fuera de lo común.”



The Only Thing



“Adoro los
sintetizadores extraños y las líneas ácidas. La primera versión de esta pista
estaba fuera de control, pero pensé que era un poco excesiva en el contexto del
álbum en general. Suavicé y corté las líneas de sintetizador originales que
grabé y las procesé a través del DDLY grain delay de iZotope para duplicar el
número de bleeps. Estoy muy contento
con el resultado final y creo que tiene un sonido muy tradicional de Steve
Darko.”



Eelated con Bøats



“Esta es una
colaboración con Bøats, que son buenos amigos míos y productores de house
talentosos y prometedores. Un sábado cocinamos un costillar juntos, nos comimos
las costillas y, luego, escribimos este disco. Imagina un grupo de varias
anguilas eufóricas nadando juntas, jugando un juego de disparos. Me gusta
pensar que es la mejor manera de describir la vibra de este track. Incluso, cuenta
con Mack de Bøats tocando el djembé, que aparece durante la primera bajada de
la canción. Para el trabajo vocal, casi con seguridad, me inspiré en los viejos
discos de Flume. Solía escuchar su álbum debut todo el tiempo.”



Dominical



“‘Dominical’ se
inspiró en unas vacaciones increíblemente relajantes y refrescantes que mi
prometida y yo disfrutamos en Costa Rica el año pasado, justo antes de la
pandemia. Nos alojamos en una villa en la ladera de la selva y salíamos con
manadas de monos todas las noches al atardecer. Tomé grabaciones de campo
durante algunas de estas puestas de sol y terminé usándolas como base de la
canción. Puedes escuchar una variedad de pájaros tropicales, insectos y sonidos
de monos a lo largo de la pista -así como a mí tratando de charlar con algunos
de los monos como un tonto. Me lleva de vuelta cada vez que lo escucho.”



Closure



“Esta fue una
adición final tardía al álbum. Comenzó como una improvisación casual que tenía
en mi estudio y rápidamente se transformó en una melodía completa. Trabajé por
fuera de mis límites en este: el pad, del Sequential Prophet 6, y la línea de
bajo, del Moog Sub 37, fueron secuenciados por el Toraiz SQUID y grabados en
Ableton. La batería provino del Analog Rytm y la línea principal es del
Pittsburgh Modular Microvolt 3900 que se ejecuta a través de un circuito de
distorsión personalizado que construyó mi hermano. La emoción en esta canción
oscila entre la melancolía y la euforia, por lo que se sintió como una canción
apropiada para resumir y cerrar el álbum.”



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<iframe title="Spotify Embed: Midnight Swim" width="300" height="380" allowtransparency="true" frameborder="0" allow="encrypted-media" src="https://open.spotify.com/embed/album/03zIflJb8BRb3usuEos20q?si=9NIDXVEtQFWuZy32q08F5Q"></iframe>
</div></figure>

Track by Track: Steve Darko marca el camino de Dirtybird con su nuevo álbum “Midnight Swim”

Foto por Guido Adler 



Buceando el vasto océano de los sonidos, más que Peces Raros son anfibios. La banda de La Plata le ha perdido el miedo a las etiquetas y combina las elementos más tradicionales del rock anclado en históricos músicos argentinos como Charly García y Miguel Abuelo, y los estímulos más jóvenes provenientes de la escena electrónica de clubes, con extensas transiciones, drops y sintetizadores.



Con lo mejor de los dos mundos, se han ganado un lugar en
la consideración tanto de quienes buscan algo de rock en la electrónica como de
aquellos rockeros que encuentran algo de frescura en sus beats. A días de
debutar en Mandarine Park con un show que propone nuevos sonidos, nos sentamos
a hablar vía Zoom con Marco Viera y Lucio Consolo, quienes comparten el mote de
frontman de la banda, tanto en el
escenario como en el estudio. Desde el estudio de grabación El Árbol, donde dieron
vida a sus dos discos de estudio anteriores, se disponen a contestar nuestras preguntas
en un recreo creativo, de frente a la cámara, con un monitor detrás que deja
ver un software de producción musical en pleno uso.



<h2 class="has-text-align-center">“Al día siguiente de la Time Warp, dijimos: ‘tenemos que incorporar esto a nuestra música’” </h2>



Pasó mucho tiempo desde su último show presencial. De hecho,
en pandemia solo han realizado un show en formato streaming. Están preparando el próximo show con dos temas de su
futuro álbum para presentarlos ante el público, este viernes 5 de febrero, en
su debut en Mandarine Park, el predio porteño que, en el último tiempo, se ha
convertido en uno de los lugares favoritos de los clubbers. “Es un show que ya venimos trabajando hace un montón”,
dice Marco. “Obviamente, cambiamos muchas de cosas, en base a lo que estuvimos
escuchando y aprendiendo en este último tiempo. Siempre estamos cambiando de
show constantemente y esta es otra oportunidad para hacerlo.”



Son cinco músicos en el escenario, nos explica Lucio. El
baterista agrega a su batería la nueva TR-8 de Roland, “Baro” tiene un Prologue
de Korg y un Digiton de Elektron; “Marian”, el bajista, se las arregla con un
bajo y muchos pedales. Después, aparecen ellos dos: Marco toca la guitarra,
tiene un MiniBrute y pedales de guitarra y Lucio tiene un Elektron de Analog
Keys y una guitarra sin tantos pedales. “Tengo un delay, y ahora incorporé un
Overdrive.¡Y cantamos los dos!”, agrega mientras su compañero lo ayuda: “Es
como una formación de rock clásica pero llena de sintetizadores.”



Como adelantamos, Peces Raros nació en La Plata como una
banda de rock de lo más tradicional, escuchando a los principales exponentes
del género a nivel local, como Miguel Abuelo y Charly García, y otras
corrientes extranjeras, algo más actuales, como Radiohead, Artic Monkeys, The
Strokes. Tras un primer disco de rock tradicional, el dúo francés Daft Punk
publicó su exitoso “Random Access Memories” y, lentamente, su visión empezó a
cambiar. O, al menos, eso recuerdan. “Fue un disco rarísimo”, dice Marco y se
acuerda. “También conocimos Justice, por esa época, y Soulwax también.”



Ambos coinciden que fue el disco “Cross” de Justice el que
terminó por inclinar la balanza. Ese feeling
rockero, medio gótico, sumado a una experiencia reveladora en la Time Warp
Buenos Aires de 2014 los llevó a apostar por un sonido más moderno. “Ese fue el
clic más fuerte”, coinciden. “Más allá de la electrónica que veníamos
escuchando, ahí sentimos la experiencia total y absoluta de lo que es la música
electrónica, que no es solo lo que pasa musicalmente, que se puede escuchar con
auriculares, sino todo lo que acompaña. Ese código, ese hábito, el público, la
espacialidad, el show visual que acompaña constantemente. Todos esos estímulos que
hacen a la experiencia total, los entendimos ahí y, automáticamente, lo
quisimos trasladar”, explica Marco. “Ya lo musical lo veníamos trasladando un
poco. Entonces, empezó un proceso muy largo.”



<figure class="wp-block-image size-large"><img src="https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2021/02/El-clásico-8-1024x658.png" alt="" class="wp-image-1154486" srcset="https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2021/02/El-clásico-8-1024x658.png 1024w, https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2021/02/El-clásico-8-300x193.png 300w, https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2021/02/El-clásico-8-768x494.png 768w, https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2021/02/El-clásico-8-950x611.png 950w, https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2021/02/El-clásico-8.png 1400w" sizes="(max-width: 1024px) 100vw, 1024px" /><figcaption>Foto por Guido Adler.</figcaption></figure>



“Fuimos haciendo todo nosotros, a los tumbos”, se suma
Lucio. “Al día siguiente de la Time Warp, dijimos: ‘tenemos que incorporar esto
a nuestra música’”, relata. Lo primero que hicieron fue comprar un Microkorg y
sumar una vieja caja de ritmos que ninguno de los dos recuerda de dónde salió.
“Hicimos borrón y cuenta nueva y nos propusimos dejar atrás todo lo que
sabíamos. Cueste lo que cueste. Agregamos el MicroKorg al vivo, que nos lo
íbamos pasando el uno al otro en el escenario, y empezamos a componer con otro
pensamiento”, continúa Lucio, describiendo en detalle como incorporaban
elementos de la electrónica, como el bajo ostinato que disparaba la caja de
ritmos, al cual agregaban sus instrumentos encima hasta trasladarse a otra de
sus canciones, generando así una transición sin cortes que nada tenía que ver
con el mundo del rock tradicional del que venían. “Empezamos jugando y tratando
de lograr algo parecido a un set”, cierra.



Como pueden imaginar, lo que comenzó como la transición
entre dos temas en un momento del show, terminó siendo el hilo conductor de
toda su performance sobre el
escenario. Lo describe Marco: “Al principio, era un momento del show. Íbamos
armando transiciones y una suerte de drop. Primero, con dos temas, después, con
tres… Mucha gente que nos iba a ver, más acostumbrada al formato clásico de
tensión y distención, y a ese orden de show con canciones, pensaba que era una
gran improvisación, una cosa alocada. Para nosotros era un poco frustrante
porque nos llevaba mucho tiempo de preparación. Llegó un momento en el que se
hizo tan grande que se armó un gran set y el show pasó a ser eso.”



Y, ahora, cambió todo. “Cambió el show en vivo, el
comportamiento de nuestro público, cómo viven el show, qué es lo que va a
buscar o lo que espera encontrar”, enumera Marco. “Eso determina todo. La fecha
pasa a ser como una fiesta. Mucho de nuestro público va en ‘modo electrónica’.
Eso lo empezamos a percibir desde arriba del escenario.”



<h2 class="has-very-dark-gray-color has-text-color has-text-align-center">“Empezamos a pensar cómo podíamos apropiarnos de esos elementos, reproducirlos y que funcionen. Que generen un impacto en el público.”</h2>



“Una de las cosas que más nos costó fue poder instalar ciertas ideas musicales que funcionaban en la electrónica”, profundiza Lucio. “Recursos musicales que tienen que ver con el código de alguien que va a un show hace tiempo. En el rock, el solo de guitarra es un momento cúlmine. Nosotros queríamos que el drop fuera un momento cúlmine. Empezamos a pensar cómo podíamos apropiarnos de esos elementos, reproducirlos y que funcionen. Que generen un impacto en el público.”



Este viernes llegarán a un espacio que entiende de drops y
que, si bien recibe bandas y actos de todo tipo, está acostumbrado a una
dinámica público/performer más ligada a la música de baile. “Tocar en Mandarine
Park es el acercamiento más grande que hemos tenido con el mundo de la música
electrónica”, dispara Marco. “Es el templo de la electrónica en Capital. Hemos
ido a ver a algunos DJs ahí.”



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“Dixon nos gusta mucho”, contestan cuando consultamos por sus gustos musicales en el plano electrónico. “Nos encanta Innervisions, y nos encantan sus sets. Siempre inesperado, siempre termina funcionando, es arriesgado”, analizan mientras discuten entre ellos qué artistas fueron los que más han marcado el camino de Peces Raros. “Tuvimos épocas”, se detiene Lucio. “Cuando encontramos que podíamos ir a fiestas electrónicas y descargar data, lo hicimos mucho. Arrancamos yendo a ver a John Digweed, tuvimos épocas con Dixon, con Solomun, con Tale of Us… Y, después, muchos DJs locales. Manu Rodríguez de La Plata nos encanta. Valdovinos, que saca cosas en All Day I Dream, donde también está Facu Mohr…”



“La escena nacional la tenemos muy cerca, por suerte. Siempre que encontramos un track que nos gusta, le investigamos toda la discografía al productor, sin importar quien sea”, agrega Marco. La distendida charla podría seguir por horas. Son dos apasionados y entienden que los códigos de la electrónica tienen mucho para aportar a su sonido y a su puesta en escena. Nos quedamos con ganas de verlos en vivo. Nos invitan al show del viernes y queremos ir a ver de qué se trata…



Peces Raros se presentará este <a href="https://livepass.com.ar/events/Peces-Raros-en-Mandarine-Park" target="_blank" rel="noreferrer noopener" aria-label="viernes 5 de febrero en Mandarine Park (se abre en una nueva pestaña)">viernes 5 de febrero en Mandarine Park</a>.

Peces Raros: Lo mejor de los dos mundos

De un tiempo a esta parte, Felipe Venegas se ha
convertido en uno de los grandes contribuyentes de la escena electrónica
sudamericana, con una vasta carrera como DJ y productor, conquistando
diferentes terrenos y dándose el lujo de volver a su tierra lleno de
credenciales para plantar bandera y darle lugar a las nuevas generaciones con
su academia Casa Sonido.



En este particular tiempo de encierro, Felipe ha estado
mirando hacia atrás en su carrera, revisando sus más grandes hitos.
Aprovechamos su nostalgia para conocer esas tempranas influencias que moldearon
sus gustos a temprana edad.



Sting – “Consider Me
Gone”



“De muy pequeño, conecté con la música de Sting. Primero,
como solista y, después, con The Police. Recuerdo que, a principios de los noventa,
tenía una radio al lado de mi cama. Yo dejaba el cassette listo para oir en la
mañana, vistiéndome para ir al colegio. Este disco de Sting es muy armónico y
contiene muy buenos tracks inspiradores.” 
 
Led Zeppelin – “Starway To Heaven”



“Cercano a los 11 años, tenía un guitarra y un amigo me
enseñó a tocar la intro de esta canción que, sin dudas, es parte de mis
primeras conexiones con la música. Cuando vinieron a Chile, logré oírlos en el
estadio Sausalito desde el cerro.”



Soda Stereo – “En La Ciudad De La Furia”



“Soda también es parte de mi historia. Me compré muchísimos cassettes de ellos. Este tema es una bomba. Siempre que llego a Buenos Aires, suena en mi cabeza esta canción.” 



Gustavo Cerati –
“Torteval”



“Este disco que hizo Cerati viviendo en Chile es inmenso. Por acá, empecé a conectar con la música electrónica. Recuerdo que una vez lo vi a Cerati caminando por Santiago.” 



Fulano –
“Lamentos”



“Fulano es de mi grupos chilenos favoritos. Los seguí a todos lados para oírlos en vivo. ¡Era un placer oírlos en vivo! Tanto que es una de las bandas favoritas de Mike Patton. Este cassette me lo regalo mi mamá.” 



Congreso – “El
Cielito De Mi Pieza”



“Viviendo con mi padre en la Villa Olímpica, encontré en su música este cassette de Congreso. Me transporta a mi infancia pura.” 



Gustavo Cerati
& Gabriel Melero – “Cozumel”



“Ya en el colegio, con 17 años, sale este disco Cerati y Melero. Una nueva revelación que me acercaría más aun a la música electrónica…”



The Police – “King
Of Pain”



 “The Police me acompaño a todos mis veraneos en Lican Ray. Oírlos es volver atrás.”



The Police –
“Driven To Tears”



“En el 2009, vinieron a Chile en una gira mundial. Pude cumplir mi sueño de verlos en vivo y tocaron este tema. ¡Explosión de sensaciones!”



Frank Zappa –
“Peaches En Regalia”



“Ya más grande, influenciado por los amigos de mi hermano, aparece Frank Zappa en mi vida. Mi primer viaje a Europa suena a Frank Zappa.”



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Felipe Venegas +10: las influencias que lo enamoraron

<figure class="wp-block-embed-youtube wp-block-embed is-type-video is-provider-youtube wp-embed-aspect-4-3 wp-has-aspect-ratio"><div class="wp-block-embed__wrapper">
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Kevin Saunderson y Derrick May eran amigos de la secundaria con Juan Atkins en la ciudad de Belleville, a las afueras de Detroit. Fue este último quien comenzó a hacer esa música robótica de otro mundo, a principios de los años ochenta, principalmente bajo el nombre Cybotron y, más tarde, Model 500. Él fue quien le enseñó a Derrick May a mezclar y fueron estos dos quienes luego organizarían las fiestas Deep Space y crearían mezclas para el programa de radio del influyente ícono radial The Electrifying Mojo.



“Después de graduarnos de la escuela secundaria, Juan fue a
la universidad, Derrick se fue a Chicago, yo fui a jugar fútbol a la Eastern
Michigan University, pero nos mantuvimos en contacto”, le cuenta Kevin
Saunderson a DJ Mag. “Especialmente Derrick y yo, estábamos cerca. Derrick me
mantuvo en contacto con lo que estaba sucediendo: ‘Juan tiene esta canción,
Juan tiene esto’… Luego, Derrick volvió a Detroit y me contó sobre su
experiencia con el house.”



Kevin cuenta cómo se metió a hacer música él mismo al ver a
Derrick hacer su primera canción bajo la tutela de Juan, pero que al principio
estaba más interesado en convertirse en DJ. “Derrick y Juan tocaron en una
fiesta antes de que todos fuéramos a la universidad, se llamaba Deep Space; era
una idea que tenía Juan, una temática que armaron”, dice. “Derrick haría el
warm up, y luego tocaría Juan. Él era el hombre del momento… La fiesta era en
mi casa, era para todos mis compañeros de secundaria antes de que todos
fuéramos a la universidad. Ahí fue cuando pensé que tocar era realmente genial.
Eso fue una inspiración.”



Oriundo de Nueva York, Kevin a menudo regresaba a la ciudad
para el verano y, en 1982, terminó por ir al legendario Paradise Garage. “Escuché
a Larry Levan tocando en un sistema de sonido serio, no en una casa, y había
una atmósfera que nunca podría haber imaginado”, recuerda. “Salías del club y
era de día, eran las 12 del mediodía. Esa fue una situación muy inspiradora
para mí.”



Su carrera en el fútbol americano en la Universidad Eastern
Michigan sufrió un traspié cuando su entrenador fue despedido y el nuevo
entrenador ni siquiera quería saber su nombre. Derrick May lo había alertado
sobre algunos compañeros de la universidad que tocaban en fiestas de la fraternidad,
dentro del campus. “Estaban tocando música realmente adelantada a su tiempo”,
recuerda Saunderson.



Estos nuevos amigos le permitieron tocar y, a mediados de
los años ochenta, ya lo hacía regularmente y lanzaba sus propias producciones
en el sello de Juan, Metroplex. Después de algunos lanzamientos technoides, comenzó a pensar en la
creación de su propio sello, KMS, e hizo una canción llamada “Big Fun” que
estaba más cerca de la música house, tanto en el tempo como en el estado de
ánimo. “Me gustan las melodías, me gustan las voces… Era de Nueva York, así que
estaba acostumbrado a todas estas canciones llenas de groove a 120 bpm”, Kevin
explica. “También, influyó en mí Detroit, así que tenía ambos lados, ¡y
disfruté de ambos lados! Solo dependía del humor en el que me encontraba.”



El DJ británico Neil Rushton viajó a Detroit buscando firmar
algunas canciones para la compilación que estaba armando: un álbum llamado “The
New Sound of Detroit”. Kevin ofreció “Big Fun”, un sencillo que ya había estado
promocionando y, con la ayuda de este compilado que salió por Virgin, se
convirtió en un éxito en Europa y Estados Unidos.



<div class="wp-block-image"><figure class="aligncenter size-large"><img src="https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2021/02/Good-LIfe-2.jpg" alt="" class="wp-image-1154420" srcset="https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2021/02/Good-LIfe-2.jpg 500w, https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2021/02/Good-LIfe-2-300x300.jpg 300w, https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2021/02/Good-LIfe-2-150x150.jpg 150w, https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2021/02/Good-LIfe-2-50x50.jpg 50w, https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2021/02/Good-LIfe-2-185x185.jpg 185w, https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2021/02/Good-LIfe-2-87x87.jpg 87w, https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2021/02/Good-LIfe-2-166x166.jpg 166w, https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2021/02/Good-LIfe-2-212x212.jpg 212w, https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2021/02/Good-LIfe-2-235x235.jpg 235w, https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2021/02/Good-LIfe-2-318x318.jpg 318w, https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2021/02/Good-LIfe-2-275x275.jpg 275w, https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2021/02/Good-LIfe-2-97x97.jpg 97w, https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2021/02/Good-LIfe-2-66x66.jpg 66w" sizes="(max-width: 500px) 100vw, 500px" /></figure></div>



Kevin había producido “Big Fun” con James Pennington, y con
la voz de Paris Gray. “Inner City comenzó conmigo y con James. Yo estaba esperando
que él apareciera… ‘James, ¡estoy listo para comenzar el próximo disco!’, pero
él nunca apareció”, dice Kevin. “Decidí continuar por mi cuenta.”



Trabajando en una nueva canción para Inner City, Kevin tocó
el riff principal del teclado, agregó algunos tambores y una pequeña parte de
cuerdas antes de desarrollarlo con la ayuda de un amigo que tocaba el teclado.
Usando equipos rudimentarios -un sintetizador Casio CZ-5000, una caja de ritmos
Roland TR-909 y no mucho más- crearon la parte instrumental en el departamento
de Kevin, en unas pocas horas. Entonces, Kevin volvió a llamar a la cantante
Paris Gray. “Las vocales en ‘Good Life’ eran 100% Paris, así que solo le di
alguna dirección”, explica Saunderson. “Le dije: ‘Mira, no quiero que suene
como ‘Big Fun’ pero quiero que sea de la misma familia, quiero seguir con una
sensación similar.”



Alquiló un estudio profesional durante 24 horas para terminarlo
y quedó satisfecho con los resultados instantáneamente. “Cuando lo terminé,
sonaba como una continuación, ¡como lo había imaginado! Creo que es mejor que ‘Big
Fun’. Tiene un tipo diferente de energía. Es como una elevación de ‘Big Fun’.”



El timing no pudo
haber sido mejor, ya que Virgin había pedido una continuación después del éxito
de “Big Fun”, canción que había entrado al Top 10 en el Reino Unido. “’Good
Life’ gustó de inmediato”, recuerda el hombre detrás de Inner City. “La versión
original que creé era casi como una versión radial: solo una canción y música.
Y era corta, así que ahora necesitábamos una versión extendida.”



Obtuvo remezclas de Juan, Derrick y Steve Hurley, y el
lanzamiento llegó al puesto N°4 en las listas del Reino Unido, a fines de 1988.
La pista era enorme en fiestas y clubes de acid house, con cualidades
universales accesibles que desafiaban la categorización. “Era muy consciente de
que nos metieron en ese grupo de música que estaba saliendo”, dice Kevin. “Fui
a las fiestas de acid house cuando estaba en Inglaterra y pensé, ‘Wow, esto sí
que es un movimiento’.”



Saunderson había utilizado el nombre Inner City después de
sacar un disco techno llamado “Groovin’ Without A Doubt” de Inter City un año
antes. “Eso fue un error. Se suponía que era Inner City”, revela. “Se
relacionaba con crecer en el centro de la ciudad. Solo quería que la gente
supiera que era un estilo de música urbano, a pesar de que no era lo que la
gente de la ciudad escucharía normalmente.”



En las fiestas de la fraternidad, Saunderson generalmente
tocaba frente a públicos en su mayoría negros, ya que estaban segregadas de esa
manera, pero siempre soñó que también tocaría en las fiestas “de los blancos”.
Después del éxito de Inner City, comenzó a tocar para todo tipo de públicos en
toda Europa y, como uno de los Tres de Belleville, fue aclamado por multitudes
europeas durante muchos años como una leyenda del techno.



Por razones obvias, Derrick May fue apodado “El Innovador”,
Juan Atkins fue “El Inventor” y Kevin, gracias a “Good Life” de Inner City, fue
llamado “El Elevador” –en inglés, “The Innovator”, “The Originator” y “The
Elevator”. 



“Inner City ayudó a elevar a toda la escena. No
necesariamente al techno sino a toda la escena electrónica”, cree Kevin. “En
realidad, no era techno… Estaba haciendo música que encajaba en la escena, que
funcionaba, que era más house que otra cosa. Fue una cruzada. Pero, a medida
que pasaron los años, sabemos el impacto que tuvo.”



“‘Good Life’ es una canción que conmoverá a las personas
para siempre, que las inspirará y cambiará sus estados de ánimo cuando la
necesiten. Definitivamente, los hará bailar, ya sea el original o un remix”,
continúa. “Es ese tipo de canción. No fue la intención hacer que fuera un
éxito, era hacer un disco que tuviera una melodía y pudiera reproducirse en los
clubes. Algo que me recordaba a cuando solía escuchar a Larry Levan interpretar
a Evelyn King o Chaka Khan. Hubo algunos excelentes discos de baile y ese fue
mi interpretación en ese momento.”



Eligiendo el remix de Carl Craig como su versión favorita de “Good Life”, en los últimos 30 años Saunderson fue igualmente venerado por su trabajo en el underground del techno bajo varios alias como E-Dancer, Kreem, Reese Project y The Elevator.



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