La tarde del viernes 20 de abril de 2018 quedará grabada en la mente de los fanáticos de la música de todo el mundo, por las razones equivocadas. Ese día, las noticias de Omán revelaron que Tim Bergling, más conocido como Avicii, había <a href="https://djmagla.com/fallecio-avicii" target="_blank" rel="noreferrer noopener" aria-label=" (se abre en una nueva pestaña)">fallecido</a> en el lugar turístico de Mascate. Con los rumores girando aquella noche y los días siguientes, finalmente se reveló que Tim, que había luchado con problemas de salud mental, se había suicidado después de una carrera de inmensa presión siendo el centro de atención.



Con solo 28 años en el momento de su fallecimiento, la
noticia se hizo aún más trágica con el lanzamiento de la película documental
“Avicii: True Stories”, que se había estrenado solo seis meses antes, y
mostraba que la vida de Tim se encaminaba hacia un lugar más positivo después
de comenzar a viajar por el mundo con su perro “Liam”, luego de su retiro de los
shows en vivo en 2016.



El tiempo que siguió a su partida, mostró a varios DJs y productores de todo el mundo honrar a Avicii en sus sets o en el estudio, con el productor ruso ARTY creando un nuevo single llamado “<a href="https://djmagla.com/arty-lanzo-tim-nueva-cancion-homenaje-avicii" target="_blank" rel="noreferrer noopener" aria-label=" (se abre en una nueva pestaña)">TIM</a>” como un tributo al sueco o el público en Tomorrowland <a href="https://djmagla.com/tomorrowland-le-rinde-homenaje-avicii" target="_blank" rel="noreferrer noopener" aria-label=" (se abre en una nueva pestaña)">flameando</a> una enorme bandera en el escenario principal en recuerdo del artista.



Ya sea por sus logros, que fueron muchos, o por su trágico desenlace, la figura de Avicii se ha ganado un lugar de importancia en la historia de la música electrónica. Su meteórico ascenso y su constante lucha quedarán grabadas en la mente de sus fanáticos y de toda una escena que ha visto reflejadas en él todas sus ansiedades e inseguridades.



Desde la muerte de Avicii, la salud mental ha ganado terreno en las carreras de los artistas y todos somos un poco más conscientes de lo que puede suceder cuando las presiones agobian a los seres humanos. Si algo podemos asegurar es que el paso de Tim Bergling por este mundo no fue en vano.

Tres años sin Avicii

Incluso
con la pandemia, el panorama electrónico en Brasil no ha dejado de revelar
grandes talentos en los últimos meses, especialmente, artistas que han
intensificado su trabajo de estudio y han lanzado música de alto nivel,
llamando la atención de la industria internacional. Analizando el excelente
desempeño del año pasado y proyectando lo que vendrá en un futuro cercano,
hemos enumerado algunos nombres nuevos del techno brasileño que prometen
reverberar en los próximos meses y, muy probablemente, en el futuro a largo
plazo.



Bervon El DJ y productor de Curitiba ya se había destacado en las grandes pistas de baile de la escena antes de la pandemia, pero fue con un trabajo de estudio consistente que impresionó aún más. Lanzó en sellos internacionales de renombre como Cartel Recordings y Ballroom Black, y fue notado por brasileños como Kaligo Records, Soundscape Records OFF y Noise Music de Anderson Noise. Este año, abrió su calendario a todo trapo integrando un compilado de la plataforma Hotstage junto a grandes nombres de la escena del techno local en Brasil.



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MAUK MAUK de San Pablo sorprendió a la escena con su intenso viaje por el estudio en el 2020, sumando dos álbumes y la impresionante cifra de más de 100 temas lanzados en el último año, muchos por reconocidos sellos internacionales. Siempre con una huella enérgica y poderosa, su sonido estampa ya ha sido notada por DJ Murphy y recientemente por nada menos que Victor Ruiz, quien acaba de dar soporte al tema “The Witches Waltz” que fue editado por The Hidden Fox, su propio sello.



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Marcal Marcal es un ejemplo de enfoque, trabajo duro y talento que se ha traducido en un gran reconocimiento en el escenario internacional. Realizando un trabajo sólido en el estudio desde 2017, con el apoyo de grandes exponentes, no pasó mucho tiempo antes de que enamorase a Sam Paganini, firmando con su sello JAM, y también a Ramon Tapia, quien recibió al artista en Say What?. Como si fuera poco, Radio Slave lo invitó a lanzar dos poderosos EP para Rekids. Por supuesto, estos lanzamientos han recorrido el mundo de la mano de nombres como Len Faki, Amelie Lens, Adam Beyer, Charlotte de Witte y Pan-Pot, entre muchos otros.



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Fers Una carrera corta pero una intensa rutina de estudios y aprendizaje llevó a Fers a una rápida evolución en el estudio. El productor de Rio Grande do Sul se sumergió en el mundo de la producción musical, formó parte de la masterclass de Alex Stein, se unió a la Audio Community de Andre Salata y allí descubrió su habilidad para manipular las frecuencias del techno. Incluso, fue elogiado por Salata y multitud de artistas cuando el profesor seleccionó su canción durante una transmisión en vivo, como una de las 10 más destacadas de sus alumnos.



Hemos recibido información de que Fers tiene
fuertes lanzamientos para este año en sellos prominentes, pero eso no puede ser
revelado en este momento.



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KaioBarssalos Después de algunos singles poderosos en Suara, Planet Rhythm y un EP de peso pesado en Say What?, el 2020 fue probablemente el mejor año en la carrera del destacado KaioBarssalos. Sin embargo, este año no ha sido diferente. Comenzó con todo, lanzando el “Saturnian System EP” en Märked y, hace solo unos días, ganó espacio en el sello de Nastia, NECHTO, además de contar con el apoyo de la artista durante una transmisión en vivo. Con los trabajos mencionados anteriormente, el brasileño también sumó el apoyo de Charlotte de Witte, Slam, Dubfire, Marcel Fengler, Amelie Lens y muchos otros. Sin dudas, una joya que se está puliendo cada vez más.



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5 talentos ascendentes del techno brasileño que debes conocer

El jefe de Redolent Music y reconocido impulsor del
famoso sonido ibérico, DJ Chus, se reunió con el DJ y productor con sede en
Dubai Rosewall y el vocalista y productor de Frankfurt, TOSZ, para elaborar una
asombrosa combinación de ideas en el nuevo single “Who”.



El single muestra la profundidad de la creatividad y la
emoción que se forman cuando estos artistas entran juntos al estudio, con voces
conmovedoras, sintetizadores enfáticos y sutiles ritmos tribales que impregnan
todo el original, reduciendo la brecha entre la melancolía y una trascendencia
esperanzadora hacia el futuro.



“‘Who’ ha sido gestado durante el periodo de confinamiento por el Covid-19 como una manera de seguir dándole a mis fans música de calidad pero teniendo en cuenta la experiencia de escuchar la música fuera del club o la pista de baile. Es decir, creando una canción para ser disfrutada en cualquier lugar y a cualquier hora del día. Hay también una intención clara por mi parte de crear canciones, con letra, con mensaje, música que perdure en el tiempo y que la gente pueda cantar y recordar”, nos explicó el artista ex integrante del <a href="https://djmagla.com/tras-veinte-anos-chus-ceballos-se-separan" target="_blank" rel="noreferrer noopener" aria-label=" (se abre en una nueva pestaña)">icónico dúo</a> español Chus & Ceballos. 



El lanzamiento llega a través de su nueva plataforma, Redolent Music, un sello que nació tras un año de lo más complicado para la industria de la música electrónica que le ha permitidio experimentar y redescubrirse como artista, explorando nuevos caminos y dedicándose en cuerpo y alma a la producción musical. “Redolent significa un renacer, un volver a empezar con mucha ilusión y muchos sueños por realizar”, comentó al respecto. “He fundado este label con mi socia La Santa, una fantástica DJ de Madrid que me ha ayudado mucho en este nueva etapa de mi carrera.”



“Espero poder seguir transmitiendo sensaciones con mi música. Hemos dejado atrás años de muy poca creatividad donde los patrones se repetían una y otra vez”, agregó DJ Chus. “Creo sinceramente que estamos delante de un futuro espectacular para la música, donde el contenido vuelve a importar más que la cantidad. La calidad por encima de todo.” 



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DJ Chus vuelve a empezar con “Who”: “La calidad por encima de todo”

Bruce Zalcer descubrió la música desde
muy chico: comenzó a tocar el piano a los cinco años y, para los siete, ya comenzaba
a tocar el violín. Influenciado por bandas como Metallica, Guns N’ Roses,
Slayer y Grateful Dead, descubrió la guitarra eléctrica y el rock pesado, hasta
que la música electrónica llegó a su vida.



La situación general y presiones
familiares, sociales y económicas de su país le bloquearon la posibilidad de
hacer una carrera de la música. Era una época diferente, sin tanta internet y
sin tanta información. Por suerte para todos, Bruce retomó el camino de la música
y comenzó a hacer las cosas con menos prejuicios, rigidez y mucha apertura a
las cosas nuevas.



En 2017, comenzó a explorar la
producción musical y, un año después, se embarcó en el hermoso viaje de la
producción, principalmente, para otros artistas. Al año y medio, decidió enfocarse
principalmente en el techno y en producir música para él como artista y
productor. 



Su historial y su pasión por la música lo llevaron a desarrollar una faceta y un estilo artístico merecedor de aplausos, abrazando lo nuevo y superando sus límites. Con un sonido que él mismo describe como “agresivo con groove” y melodías con intención de que el oyente conecte con su cuerpo y mente, en 2020 lanzó su primer EP en el sello IAMT del famoso DJ Spartaque. De ese lanzamiento, el esloveno Umek fichó una de sus canciones e incluyó en un set y terminó incluyéndolo en un compilado de <a href="https://djmagla.com/sello-de-calidad-1605" target="_blank" rel="noreferrer noopener" aria-label=" (se abre en una nueva pestaña)">1605</a>, su famoso sello.



El segundo EP de Bruce Zalcer fue un lanzamiento en colaboración con el productor ucraniano Alan Wools en el sello Set About de Metodi Hristov. A finales del año pasado, en diciembre, salió en el compilado “Desiderati 4.5” en 1605. También la ucraniana Xenia le solicitó un remix para un EP en su reconocido sello Numen. A finales de enero de este año, lanzó el EP Ceremony de tres tracks en IAMT red.  



En febrero lanzó un EP en Codex, llamado “Impulse Commando” junto a un remix
del dúo argentino Beico. Ahora, en dos días, vuelve a Numen. Esta vez, en
formato de EP con “Dark Desires”.



Agitada agenda de
producción tiene este panameño cuya carrera tuvo un impulso sideral en
pandemia, y se divide los días entre su pasión por la música, la producción
musical, su mujer y sus dos hijas, y su trabajo como Vice Presidente de una
importante empresa de seguros local que maneja virtualmente.



Con sentimientos
encontrados y ansioso por la incertidumbre laboral, Bruce Zalcer tuvo un
crecimiento y éxito en materia musical del que no se puede quejar, aunque
afirma que le hubiese gustado tener más tiempo para dedicarle a la música en
pandemia. Es que Panamá tuvo un encierro muy rígido y largo y, aunque ahora las cosas están algo estables y normales,
hay mucha vacilación y, en cualquier momento, se puede echar para atrás.



A dos días de lanzar su EP “Dark Desires” en Numen, te traemos su nueva producción en exclusiva para que escuches antes que nadie. 



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 Le enviamos unas preguntas a Bruce, las cuales nos respondió desde su estudio en Panamá…



Cuéntanos un poco sobre el EP que estás lanzando en Numen, el sello de la ucraniana Xenia. ¿Cuándo comenzaste a trabajar en él? “Tenía varias canciones que comencé a trabajar alrededor de agosto de 2020.  Fue una época en la que pude producir mucho.  No las hice especialmente para Numen.”



¿Dónde lo creaste? ¿Cómo fue el proceso creativo que te llevó a terminarlo? “Lo trabajé más que todo en mi estudio en casa. Más que todo, trato de escuchar mucha música y escoger algunas o varias referencias que me llamen la atención. Así puedo estar al día con los sonidos actuales y, a la vez, incorporar cosas nuevas a mi música. Creo que las referencias son importantes, no para copiarlas, sino para usarlas como base y trascenderlas.”



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¿Qué puedes decir del trabajo final? “Estoy bastante satisfecho. No pensé que el público iba a acoger el EP de esta forma. En este momento, Beatport escogió a ‘Jungle Walk’ para el Best Hype Techno de abril. Ambas pistas están en el Techno Hype Chart y en el Top 100 de Peak Time Techno.”



Gracias por colaborar con nosotros con la premiere de “Dark Desires” ¿Qué nos puedes contar de este track que le da nombre al EP? “Gracias a ustedes por la oportunidad. Normalmente, escojo los nombres después de terminar las pistas. Las escucho, siento o me imagino algo y así les pongo el nombre. Me vino la imagen de una persona con una obsesión, un deseo, que considera negativo, pero le da placer. Algo que ha reprimido por mucho tiempo, pero está a punto de dejarse llevar. Deseos que para él son oscuros, porque apelan a lados de su naturaleza que no muchos conocen. Por eso el nombre. “Dark Desires”, o deseos oscuros…”



¿Cómo está tu estudio de música? ¿Qué máquinas son tus mejores aliadas para construir toda tu fábrica de baile? ¿Qué máquinas usaste para crear el EP? “Gracias a Dios, he tenido la oportunidad de acumular muchas máquinas con el pasar de los años.  Me gusta tener todo disponible para usar. Que solo sea de encenderlo. Aliados, diría que el Elektron Analog Four, Moog Sub 37, el Korg MS 20 y el Shared System de Make Noise. Francamente, no recuerdo exactamente qué use, pero debo haber usado alguna de estas. Sé que la Korg no, porque no lo tenía en el momento.”



¿Cómo llegaste a Numen? “Numen es parte del Grupo de IAMT. Después de mis lanzamientos con IAMT y Set About, Spartaque me comentó que Xenia estaba interesada en que le hiciera un remix de su track ‘Stimulant X’. Bueno, así fue como me puse en contacto con ella. Después del éxito del remix, me pidió que le enviará algunos temas para ver si sacaba algo con Numen.”



Dentro de poco, vuelves al sello 1605 de Umek. Ya sos parte de la familia del sello. Contános cómo se siente volver y qué se siente que un referente del techno como Umek elija un track tuyo para ser parte del compilado. ¿Qué nos puedes contar del track? “Francamente, es una satisfacción y un logro muy grande. Considero a Umek un profesional de primera y un gran ser humano. Así que es un gran honor que me haya invitado por segunda vez. El track se llama ‘Evocation’. Tiene un groove bastante movido, unas melodías potentes y una bajada con mucho sentimiento que rompe con todo. Me parece que tiene una buena mezcla entre ritmo y melodía. Está saliendo a la venta en Beatport el 23 de abril y dos semanas despues estará disponible para streaming.”



Desde que volviste a producir has recibido apoyo de grandes sellos y artistas. ¿Por qué crees que se dio eso? “Me siento muy afortunado, la verdad. Creo que me he enfocado en sacar buen material y no sacar por sacar. Y ha dado resultado. Umek tocó un track de mi primer lanzamiento con IAMT en octubre de 2020. Ese fue un gran apoyo. También he tratado de ponerme en contacto con otros artistas. Apoyándolos, sacando un ‘Track of the Day’ en Instagram y ahora con mi nuevo playlist Techno Dialectic. Pero lo principal es escoger buen material y, si no hay nada, mejor no sacar.”



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Premiere: el panameño Bruce Zalcer lanza “Dark Desires” en Numen

Como
esta columna ha estado afirmando, el 2020 fue un año decisivo para los
conciertos dentro de los videojuegos, desde Travis Scott, Steve Aoki y Dillon
Francis en Fortnite hasta Ava Max y Lil Nas X en Roblox. Sin embargo,
irónicamente, los promotores de conciertos tradicionales, incluso los líderes
del mercado como Live Nation y AEG, han sido eliminados casi por completo del
boom de los conciertos dentro del universo gamer.



En
cambio, los desarrolladores de juegos como Epic Games y Roblox han asumido el papel
de promotores y espacios, ellos mismos de una sola vez, aprovechando su
infraestructura virtual existente, su conjunto de habilidades y conexiones de
audiencia para impulsar la interacción, en lugar de depender de terceros para hacer
el trabajo. Incluso, los eventos centrados en los juegos que no tienen lugar
directamente dentro de los juegos han eliminado a los promotores de conciertos
tradicionales. Por ejemplo, el 15 de enero de este año, Twitch y Riot Games se
asociaron en la transmisión en vivo híbrida de EDM y videojuegos “wwFest:
Valorant”, que contó con artistas como Madeon, ARMNHMR y Whipped Cream en lo
que parecía una programación estándar de festivales, pero no hubo promotor del
festival a la vista en el comunicado de prensa o copia de marketing del evento.



Esto no es necesariamente por malicia intencional, y no es como si los promotores de conciertos no estuvieran colaborando con los mundos de los juegos y los deportes electrónicos antes de COVID. De hecho, alrededor de 2018, hubo un aumento en los eventos IRL que combinaron las habilidades de los promotores, desarrolladores de juegos y marcas de deportes electrónicos en nuevas experiencias de entretenimiento híbridas, desde el festival PLAY de Insomniac hasta el festival Hyperplay de Riot Games. Más bien, a medida que todo el ecosistema de música en vivo se ha movido al plano virtual en el último año, los límites entre las funciones laborales tradicionales se han difuminado, de una manera que podría hacer que algunos roles parezcan redundantes.



La mayoría de las veces, las empresas que “promueven” conciertos en in-game, ya sea un importante desarrollador de juegos o una plataforma de contenido como Twitch, también son las que contratan el talento, construyen el escenario y son dueñas de la audiencia. Esto representa una verticalización y centralización de operaciones y oportunidades, y difícilmente presenta un “futuro” viable para la música en vivo online, ya que no apoya un ecosistema más abierto y descentralizado de promotores que son libres de fomentar sus propios eventos y comunidades como ellos lo ven oportuno.



Entonces,
¿cómo resolvemos esto? Hay un área en la que los promotores de conciertos no
son redundantes, especialmente en un contexto virtual: crear experiencias que
se adapten a las geografías específicas y las comunidades musicales de nicho
que mejor conocen.



En general, para que los conciertos in-game se conviertan realmente en el futuro de la música en vivo, tienen que presentar mucho más que espectáculos verticalizados para el 1% de los mejores artistas.



Con
esto en mente, creo que los desarrolladores de juegos deberían brindar a los
promotores herramientas más accesibles y flexibles para crear sus propios
mundos virtuales y lugares en el metaverso, de una manera que se alinee con sus
respectivas estrategias de programación y participación comunitaria. Esta
mentalidad puede ser valiosa en todo el espectro de promotores. Sony acaba de
anunciar un nuevo “estudio de música inmersivo” interno que organizará
espectáculos virtuales para sus artistas. No hay ninguna razón por la que otros
gigantes de la industria no puedan desarrollar sus propios lugares virtuales
también.



En
el lado más indie y “hágalo usted mismo”, los promotores carecen de espacios
públicos virtuales donde puedan experimentar libremente con integraciones en
juegos. Esta es la razón por la que tantos artistas electrónicos y
organizadores de eventos han elegido Minecraft como su juego preferido, debido
a la personalización y flexibilidad de la interfaz del juego y la capacidad
para que cualquiera pueda construir cualquier tipo de escenario y entorno que
desee en su propio servidor. Por esta razón, Roblox, que también es una
plataforma de juegos abiertos con un componente más social, también emergerá
como un importante competidor para las asociaciones de promotores este año.



Hay algunas iniciativas interesantes en la comunidad de música electrónica clandestina, como la serie de tutoriales “Virtual Utopia” de George Clanton, que se centran en el intercambio abierto de habilidades para crear eventos de transmisión en vivo en 3D utilizando herramientas de desarrollo de juegos como Unity y Unreal Engine. Con todo, para que los conciertos in-game se conviertan realmente en el futuro de la música en vivo, tienen que presentar mucho más que espectáculos verticalizados para el 1% de los mejores artistas. También, tienen que convertirse en una plataforma viable para una industria multimillonaria que, incluso tras un año de pandemia, sigue luchando por su vida.



¿Quieres
conocer más? Listo la columna “State of Play” del mes pasado donde Cherie Hu
analiza FUSER, el nuevo juego para DJs de los creadores del Guitar Hero.



Traducido del artículo original “<a href="https://djmag.com/longreads/state-play-game-concert-boom" target="_blank" rel="noreferrer noopener" aria-label=" (se abre en una nueva pestaña)">State of Play: the in-game concert boom</a>” escrito por Cherie Hu en DJ Mag.

State of Play: el boom de los conciertos in-game

Ha
llegado el momento de que Gorje Hewek exponga al mundo su obra de arte más
ambiciosa. “Collages”, su primer álbum de estudio, llegó el pasado viernes de 2
de abril en All Day I Dream, presentando paisajes sonoros etéreos con
influencias mundanas que ha recogido durante sus largos años como creador de
música.



Cada pieza de “Collages” representa la experimentación y, en última instancia, el descubrimiento. El álbum le dio a Hewek la oportunidad de pintar una nueva imagen con su música, compuesta de tonos claros y oscuros que logran un equilibrio perfecto entre sí. 



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Unos
días después de su salida, nos contó en detalle de dónde salió cada una de sus
composiciónes. Esto nos dijo…



Forest Song in the Morning “A pesar de que este track resultó ideal para abrir el álbum, fue uno de los últimos que escribí. Realmente amo y aprecio los momentos en los que logro escribir algo de un tirón, sin detenerme. Esta pista es un claro ejemplo. De hecho, fue grabado por la mañana, después de una caminata diaria en el bosque donde me mudé a vivir el año pasado.”



Shroud in Your Warmth ft. Amonita “Cuando le envié un mensaje a Amonita sobre los planes de mi álbum, ya había terminado algunas canciones y sabía lo que necesitaba a continuación. Como siempre me ha gustado la sensación de ritmo y la atmósfera de sus tracks, quería intentar grabar algo juntos. Natasha (Amonita) trajo al estudio un loop muy fuerte para las partes rítmicas y una parte de piano que me engancharon de inmediato. Literalmente, acomodamos toda la idea en unas tres o cuatro horas. Luego, hubo algunas semanas más de trabajo detrás de escena, donde hice unas quince o veinte versiones, con y sin voz, diferentes arreglos en la segunda mitad de la pista, y otras cosas más. Así que no puedo decir que todo el proceso fue rápido pero el resultado fue una pista emocional muy fuerte. Admito que, a veces, puede hacerme llorar.” 



Actrice “La profesión de periodismo siempre me ha parecido cercana e interesante (aunque no lo consideré seriamente), por lo que a menudo veo entrevistas, leo libros biográficos, etc. Hace un tiempo, me topé con un video de una entrevista con uno de mis actrices favoritas, que también es música. Fue grabada en 1988, cuando tenía entre 17 y 18 años, y me impresionó la forma en que hablaba y respondía las preguntas de un periodista experimentado cuando era tan joven. La entrevista se grabó en el otoño y estaban sentados en un tren donde hermosos paisajes amarillos volaban por la ventana, lo que se sumaba a toda la atmósfera. Entonces, después de verlo, abrí mi computadora portátil y escribí el boceto del que nació esta pista. Y se trata de eso: otoño, un tren, el sonido de las ruedas, la naturaleza fuera de la ventana, y dentro, una conversación dulce y pausada.”



Mogwai ft. Makebo “Todo comenzó con un simple riff de guitarra, que se armó en mi cabeza muy rápidamente. La pista se grabó con mucha facilidad y rapidez, a pesar de que el proyecto constaba de más de 100 canales, donde la mitad de ellos eran varias guitarras repetidas. Hicimos todo en la casa de Makebo, bebiendo solo té y comiendo muchos postres. Y dondequiera que haya té y postres, siempre surgen largas conversaciones. Creo que en esos días hablamos más de otras cosas que de escribir música. Pero en un ambiente tan ligero y relajado… Fue lo mejor para escribir.”



Aya ft. Lost Desert “Si conoces a Patrick (Lost Desert) personalmente, sabes que siempre tiene cientos de ideas de pistas sobre las que dirá ‘hice esto hace un par de días’. Es un hombre de fantástica productividad y experiencia. Cuando le pedí que me enviara algo nuevo para captar la dirección general de nuestra colaboración, me envió unas 30 o 40 opciones. Me inspiré en esta especie de riff de acordes de ensueño y una voz afinada en una de sus ideas que me recordó ‘el llamado de la naturaleza’. A partir de ahí, completé las partes rítmicas y el resto de los detalles finos.” 



Full Of Wonder ft. Volen Sentir “Este track fue grabado con seis manos. Los chicos de Volen Sentir llevaron cada una de sus computadoras portátiles al estudio, conectamos las tres a un par de monitores y, en tiempo real, esbozamos ideas. Desde el principio, no discutimos nada ni teníamos ningún plan, aunque desde fuera puede parecer que actuamos sobre las mismas ideas, o con algún orden. Nos sentimos claramente el uno al otro en ese momento y disfrutamos del proceso. Después de dos sesiones de estudio así, se completó una grabación que se convirtió en ‘Full Of Wonder’.”



Amulet ft. M.O.S. “Ciertas pistas a menudo se escriben de una vez, impulsadas por una fuerte impresión o deseo. Esta trata sobre las fiestas de día. Tiene unos shakers fáciles, comprensibles y enérgicos. Durante el año pasado me perdí muchas de estas fiestas, como nos sigue pasando a todos. Entonces, inicialmente sabía cómo debería sonar la pista. Recuerdo incluso decírselo en palabras a M.O.S. en nuestro chat. Después de un tiempo, los muchachos dieron en el blanco. Enviaron una pequeña pieza con loops melódicos hipnóticos. Además de eso, agregué la línea de bajo principal -que había estado en mi cabeza todo este tiempo-, un xilófono, voz y más baterías. Luego, solo quedaban algunas cosas por hacer para terminar.”



Leto Ete-Satien “A menudo grabo música sin una silla, dejándola lejos de la mesa para poder sentir la vibración de la pista y bailar. ‘Leto Ete-Satien’ es precisamente este tipo de track. También fue la primera que grabé para el álbum. Puedo decir que todo el álbum comenzó con esto y que esta pieza marcó el tono general. Se trata del verano, un viaje en barco, aire caliente, olor a sal marina, cabello que se mueve por el viento y solo pensamientos e imágenes agradables. También fue, probablemente, la pista más rápida que he escrito en su totalidad, ya que realmente no modifiqué nada después de la primera sesión. Obviamente, estaba inspirado.”



A Man “Burning Man… La raíz de todos los tracks están allí. Empecé a escribiré este sin un propósito especial, sin pensar en el disco y, en ese momento, en un estado de mucha calma. Pero tuve la sensación de que el estado de ánimo que se imprimía en él venía de mis sensaciones en relación a Burning Man. Antes de empezar a escribir el disco, viajé al desierto de Black Rock City durante varios años seguidos y pasé, por supuesto, muchos días y noches inolvidables. Han sobrevivido muchos recuerdos agradables, que también recuerdo ahora, como si fuera ayer. Desierto tranquilo, polvo, fuego y muchas otras cosas que las palabras no pueden transmitir componen esta canción.”



Forest Song in the Night “En realidad, este fue escrito al mismo tiempo y sobre el mismo bosque que su versión de la mañana, pero de noche. Inicialmente, el álbum terminaba con una pista completamente diferente que, al final, salió del tracklist definitivo. No tenía ningún plan especial para la versión ‘Night’ hasta que aparecieron las voces. Son tan misteriosas y enigmáticas… En la mitología eslava, hay muchas criaturas del bosque imaginarias, lindas y amables que protegen el bosque y sus habitantes, y ayudan a quienes se pierden allí. Imaginé a una de ellas sentada en el borde del bosque peinando su largo cabello trenzado a la luz de la luna, tarareando la melodía que ahora está en la pista. ‘Forest Song in the Night’ se transformó de un simple boceto en una pista muy cinematográfica.”

Track by track: Gorje Hewek analiza su primer LP, “Collages”

Fotos: Esteban Salino Tarditti



Hace algunos meses, descubrí que a la provincia de Córdoba le decían “el Brasil de Argentina”, un mote que, de buenas a primeras me resultó extraño pero que, a medida que fui haciendo el análisis, me pareció de lo más atinado. La más musical de todas las provincias, por allí todos tienen algo para disfrutar. Desde el cuarteto y el Cosquín Rock hasta los recientes hitos realizados por Hernán Cattaneo en Forja, reuniendo a personas de todo el continente en un predio con capacidades que superan ampliamente las diez mil personas.



Sin embargo, no son solo los eventos que tienen lugar
allí los que destacan. Desde hace un tiempo, la provincia del fernet ha sido
una de las canteras más importantes que tiene el progressive house en la
región, convirtiéndose en el epicentro de los beats de ese género. Pero, ¿a qué
se debe semejante producción de talentos? 



Le preguntamos a algunos de los protagonistas de esta nueva ola de productores, quienes tienen todo tipo de teorías. El dúo Artfaq, compuesto por Ignacio Ferroni e Ignacio Varela, es uno de los que mayor crecimiento ha registrado en los últimos años. “Córdoba es una ciudad muy cultural, donde se realizan muchos eventos de este tipo de música” analizan. “Influye además que tengamos a una de las productoras más grandes de Latinoamérica, como es BNP, la cual produce los eventos más grandes en la ciudad e impulsa a su vez a la cultura electrónica tanto del país como de Córdoba.”



BNP es culpable, entre otras cosas, de que Hernán Cattaneo haya marcado en el mapa a Córdoba como el <a href="https://djmagla.com/hernan-cattaneo-confirmo-shows-cordoba-back-to-back-mas-esperado" target="_blank" rel="noreferrer noopener" aria-label=" (se abre en una nueva pestaña)">punto de encuentro imperdible</a> para sus fanáticos, por supuesto, mientras podíamos apretarnos en un espacio cerrado, antes de que la pandemia haga estragos en nuestra escena local. Antrim, uno de los talentos de exportación que más destacan en la actualidad, con producciones que hacen ruido en las cabinas de todo el mundo, coincide: “Tiene que ver mucho con las productoras de eventos que apostaron al género, con las fechas de Nick (Warren) o Hernan (Cattaneo) en Forja, por ejemplo. Creo que esto produjo una fuerte atracción a este estilo de música, ya sea como gente que va a bailar, como a nuevos productores.”



<figure class="wp-block-image size-large"><img src="https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2021/03/El-clásico-63-1024x658.jpg" alt="" class="wp-image-1155560" srcset="https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2021/03/El-clásico-63-1024x658.jpg 1024w, https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2021/03/El-clásico-63-300x193.jpg 300w, https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2021/03/El-clásico-63-768x494.jpg 768w, https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2021/03/El-clásico-63-950x611.jpg 950w, https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2021/03/El-clásico-63.jpg 1400w" sizes="(max-width: 1024px) 100vw, 1024px" /><figcaption>Hernán Cattaneo en uno de sus multitudinarios shows en Forja.</figcaption></figure>



Lo que dice Guillermo Cornejo, a quien conocemos como
Antrim, tiene sentido. De hecho, sus colegas coinciden con su punto de vista.
Analog Jungs agrega a los clubes a la ecuación. “Siempre dieron oportunidades”,
analizan sobre las discotecas cordobesas Gustavo Ruarte y Claudio Cornejo,
integrantes del dúo electrónico desde hace ya 12 años. “Aparecieron muchas
productoras que nos permitieron poder tocar junto a
artistas internacionales y hasta, incluso, tener algún horario
principal. Eso da un
impulso al artista a ir por más.”



Por su parte, Ezequiel Arias, tiene una mirada un poco más abarcativa. Con ocho años de experiencia y un gran presente que lo vio publicar música en sellos como <a href="https://djmagla.com/ezequiel-arias-debuto-en-anjunadeep" target="_blank" rel="noreferrer noopener" aria-label="Anjunadeep (se abre en una nueva pestaña)">Anjunadeep </a>y Sudbeat, además de presentarse en lugares tan diversos como Brasil, España, Hungría, Rusia, Turquía, India y Sri Lanka, Ezequiel incluye a los productores de todo el país. “Creo que es algo a nivel país, en general. El nivel de los productores nuevos y ya establecidos es muy alto, y no solamente en el progressive, sino en casi todos los géneros”, nos dice. Una vez más, la razón que brinda tiene que ver con la masividad que la electrónica ha alcanzado y como los shows y las oportunidades en las diferentes provincias han generado oportunidades para quienes las buscan.



Si bien el análisis de Ezequiel Arias es real y no podemos minimizar este crecimiento a tan solo una provincia y mucho menos un género, este artículo pone el foco en un fenómeno puntual que, para muchos, existe. Está a la vista de todos. Nico Cerban es uno de los talentos ascendentes con menor recorrido de este artículo pero, en sus tres años de carrera, ha conseguido grandes logros. Además de conseguir que su música suene en sesiones de artistas como Hernán Cattaneo, ha firmado su track “Xumoh” en el <a href="https://djmagla.com/escucha-primer-lanzamiento-dj-mag-latinoamerica-music">primer compilado</a> de nuestro sello, DJ Mag Latinoamérica Music, gracias a la elección de nuestro curador Mariano Mellino. Nicolás sí le encuentra sentido a que el progressive haya acaparado tanta atención y sea uno de los géneros que más talentos lleva produciendo en la provincia. “Creo que la esencia del progressive, el tipo de sonido y lo que produce en las personas que lo escuchan, va de la mano con cómo somos los argentinos a nivel general. Muy apegados y muy afectuosos. Creo que es un género que une muchísimo porque la pasión que genera es inigualable”.



Como DJ, productor y organizador de fiestas en el espacio
Lola Cruz, Berni Turletti también destaca al progressive como el género por el
que más se inclina el público local. “Nuestras
fechas más fuertes y eventos más grandes los hicimos junto a DJs de progressive
house”, anticipa, y coincide con sus colegas. “No es casualidad que sea el
progressive. Creo que Hernan Cattaneo, como un gran referente del género, es
una persona con mucha influencia en nuestra provincia y en el país. El show que
viene dando hace unos años en Cordoba Capital hizo que el género creciera
mucho.”



En línea con el resto de los consultados, Sebastián
Sellares destaca la figura de Cattaneo como uno de los catalizadores. Como otro
de los más recientes en incorporarse a la escena, con cuatro años de
experiencia tras las bandejas y algunos lanzamientos que le ganaron el
reconocimiento de sus pares, su visión parece ir un poco más allá. “Me parece
que este fenómeno se da, principalmente, por el hecho de que existen varios
productores que ya tienen un nivel muy definido y, al estar constantemente
apoyados por DJs como Hernán, crean una exposición tremenda del género en la
provincia. También, por el hecho de que varios dan clases y, al aparecer nuevas
camadas de productores, muchos se terminan interesando en el género por la
enseñanza de los maestros.”



Parece ser un círculo vicioso que le da cada vez más
presencia al progressive en la provincia, aunque todavía falte. “Los clubes de
Córdoba no ponen mucho progressive. ¡No se animan!”, dice el experimentado
Matias Chilano, uno de los artistas cordobeses con mayor recorrido de este
artículo y, al parecer, uno que tiene una mirada un poco más controversial
respecto al género y su provincia. “Córdoba siempre tuvo DJs de minimal tech o
tech house y techno”, asegura. “Al darse el fenómeno del crecimiento del género
a nivel nacional es que hay en Cordoba más productores que se destaquen o que
hagan música progresiva”, y se entusiasma. “Creo que hoy los DJs están más
animados a llevar al progressive a otro sonido o nivel, y salir un poco del
‘progressive argento’.”



<figure class="wp-block-image size-large"><img src="https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2021/03/El-clásico-62-1024x658.jpg" alt="" class="wp-image-1155561" srcset="https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2021/03/El-clásico-62-1024x658.jpg 1024w, https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2021/03/El-clásico-62-300x193.jpg 300w, https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2021/03/El-clásico-62-768x494.jpg 768w, https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2021/03/El-clásico-62-950x611.jpg 950w, https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2021/03/El-clásico-62.jpg 1400w" sizes="(max-width: 1024px) 100vw, 1024px" /><figcaption>Artfaq en su presentación para el streaming benéfico Beats of Nature.</figcaption></figure>



“Me gustaría que la gente elija más al progressive antes
que a otros géneros más populares”, agrega Chilano, dejando en claro su visión
al respecto. Artfaq tiene una mirada más democrática y general: “Nos gustaría
ver crecer a Córdoba aún más en la música electrónica, que haya más variedad,
más cantidad de eventos, más artistas y más espacios para compartir esto que
tanto nos gusta.”



“Creo que el crecimiento también se debe a la constancia
de los artistas como Hernán Cattaneo, John Digweed, Nick Warren, Danny Howells,
Sasha, entre otros. Más, menos, nunca se movieron del sonido y siempre
siguieron en la suya. Otros artistas fueron del minimal al techno y al tech, cambiando
según la moda del momento, tratando de imitar a otros artistas. Y nosotros,
como productora, nunca dejamos de apoyar fuerte a ese género, por más que las
modas iban para otro lado”, piensa Ivan Aballay, director de Buenas Noches
Producciones. “Otra cosa qué pasó también es que la música electrónica, y el
progressive puntualmente, tuvo su despegue con los 10 años de eventos en el
predio Orfeo, que es unos de los estadios más grandes de Latinoamérica. Esto hizo
que se acercara gente de todos lados, y no sólo adeptos a la música
electrónica. Eso abrió la cancha para mostrarle a muchas más personas de qué se
trataba todo.”



El presente hiperconectado, la semilla que plantó el
Orfeo, la elección de Hernán Cattaneo de ir a Córdoba con su show anual de la
mano de las increíbles producciones de la productora de eventos BNP y un grupo
de talentos comprometidos parecen haber ayudado al progressive a crecer en la
provincia. “No es casualidad”, agregan los integrantes de Analog Jungs.
“Conocemos a
la mayoría de los chicos y sabemos el tiempo y profesionalismo que tienen a la hora de sentarse a producir. Siempre están en la búsqueda de mejorar
su sonido y eso hace que Córdoba sea cada día más competitiva. El estilo es muy desafiante desde el
lado compositivo. El que lo hace, lo hace bien, o no lo hace.”



Nico Cerbán suscribe: “Hay una camada de artistas que
están a un nivel top mundial, y también potenciales artistas que vienen desde
abajo haciendo mucha fuerza y produciendo música increíble. Todos los días me
sorprendo con nuevos artistas emergentes, que con muy poca trayectoria están
logrando resultados increíbles en sus producciones y un concepto muy claro de
la esencia que tiene este género musical.”



Es en esta misma línea donde todos coinciden y, para el
futuro, esperan una escena de eventos con mayor presencia de talentos locales.
Los más optimistas, creen que la salida de la pandemia es un buen momento para
organizar eventos con artistas de cabotaje, una palabra que suele tener una
connotación negativa cuando no lo es, de ninguna manera. 



Ya sea que las cosas sucedan de esta manera o no lo
hagan, detalles más, detalles menos, la exposición de los talentos cordobeses
ha crecido en los últimos años. Y la proyección es aún más grande…

El creciente fenómeno del progressive house cordobés

Tras una década de carrera, el dúo holandés Vicetone
lanzó su muy esperado álbum debut, “Legacy” en Monstercat. El proyecto abarca
diez tracks, cada una con su propio sabor distintivo de la profunda paleta
musical de Vicetone. Desde el alegre “No Rest”, hasta el progressive con tintes
pop de “Somebody Like You” junto a Lena Leon, “Legacy” es una carta de amor a
la música electrónica.



Inspirado por <a href="https://djmagla.com/vicetone-anuncio-la-salida-de-su-album-debut-en-homenaje-a-avicii">el
impacto</a> monumental que su héroe Avicii tuvo en la comunidad musical,
el dúo buscó crear un cuerpo de trabajo atemporal que deje una marca nostálgica
que perdure por años. En “Legacy” se pueden ver las habilidades en el estudio
de parte de Vicetone, quienes pretenden dejar un legado para las generaciones
venideras de la música electrónica.



Con el álbum recién salido del horno, los integrantes
del dúo exponen en detalle de qué se trató cada pieza del rompecabezas.



No Rest “Esta canción es una mezcla de todo lo que amamos de la música electrónica. Es motivador, edificante, melódico con voces increíbles de Sarah Solovay, Solly. Queríamos que fuera una canción alegre y despreocupada para comenzar el álbum.”



Animal “Esta es una de nuestras canciones favoritas de todo el disco. ‘Animal’ tiene esa energía pura y cruda que amamos de nuestra música. Grabar la voz de en Los Ángeles junto con Jordan Powers y Bekah Novi fue una auténtica maravilla, ya que ambos iban con toda su fuerza, con las voces al mismo tiempo. Grabarlos a ambos juntos en la cabina, cantando al mismo tiempo, hizo que la voz se sintiera más como una voz grupal, lo que realmente lleva la canción al siguiente nivel.”



Nothing But Love For You “Esta canción nos lleva a los días del french house francés con el que crecimos, un estilo de música que todavía nos encanta escuchar. El estilo en el que el uso de vocoders era prominente y los ritmos eran estimulantes y maravillosos. Nos encantó tanto el sonido de los vocoders que agregamos a la voz de Lena Leon que decidimos centrarnos en ellos durante las secciones del drop. Esto hace que suene muy diferente a las otras pistas.”



I Feel Human “Comenzamos con las voces de BullySongs para este y, una vez que intentamos agregar el efectivo ‘I Feel Human’ en el drop, supimos que queríamos agregar más capas vocales para que sonara más grande. Así que terminamos trabajando juntos con todo un coro de niños para cantar todo el estribillo. Alquilamos una hermosa sala de estudio en Nashville y grabamos a unos 40 niños cantándolo. Eso, más la brillante voz de BullySongs, realmente hizo brillar la canción.” 



Shadow “‘Shadow’ es una de las canciones más atrapantes del álbum y tiene mucha energía emocional. Trabajar con Allie X fue una gran experiencia y su voz encajaba como un guante en la atmósfera más oscura de la canción.”



Somebody Like You “Una melodía maravillosa que mezcla ritmos y sonidos de percusión más tribales con un sonido principal funky. La voz de Lena es una combinación perfecta para el instrumental y realmente acertó a la energía de la canción: se siente grande, como una de esas canciones imprescindibles para la pista de baile.”



Elevate “Esta canción tiene una vibra muy aireada y las voces enfatizan eso. Los acordes tienen un ligero sentimiento melancólico, pero se elevan hacia una sensación enérgica y vigorizante en los drops. Estamos ansiosos por tocar este en vivo en un futuro próximo.”



Outta My Mind “Trabajar con Allie Kaplan fue una gran experiencia. Su voz era la combinación perfecta para esta canción de baile inspirada en el rock. Queríamos combinar y fusionar el pop, el rock y la música electrónica en una canción enérgica y alegre.”



Ghost Of My Past “Esta es, posiblemente, una de las canciones más tristes del álbum. Queríamos crear una canción con un estilo completamente diferente al resto del álbum y poner mucha emoción en las partes de piano. Si bien el tempo y la vibra son muy diferentes del resto de las pistas, incorporamos algunos sonidos clásicos de Vicetone y una melodía principal que se combina con el ritmo y el piano inspirados en el hip-hop.”



Nostalgia “Con esta canción, queríamos incorporar los sonidos y estilos de la música electrónica con la que crecimos, por lo que presenta unas sierras de sonido y partes arpegiadas al mejor estilo trance. La voz trata de un sentimiento eléctrico entre las personas, y sentimos que encajaba perfectamente con la vibra de la pista instrumental.”



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Track by Track: Vicetone publicó su esperado álbum debut, “Legacy”

“Alrededor del año
2007, extrañaba las melodías en la escena de la música electrónica, así que
decidí buscar música con ese tipo de sentimiento”, recuerda Lee Burridge, un
verdadero veterano de la escena electrónica reconocido por haber sido impulsor
de la escena de clubes de Hong Kong en los años noventa. 



Por ese entonces,
Lee quería escaparle al dominio del minimal que había tomado por sorpresa a
toda la escena y recuperar las melodías en la música electrónica. “Decidí armar
un mix con las pistas que había encontrado, y tratar de crear una sensación de
viaje, algo que sentía uqe también había pasado de moda en los DJs sets de
aquella época”, recuerda. Así fue como, desde la nostalgia, plantó la semilla
de lo que luego sería All Day I Dream. “Vi el efecto que esta
música tenía en la gente y supe que tenía que intentar llevarla a un público
más amplio, así que decidí comenzar una fiesta y, luego, el sello.”



“Toda la idea nació del amor. Mejor dicho, la pérdida
del amor. All Day I Dream es un viaje diurno musical que atrae y da la
bienvenida a una comunidad de personas que aman soñar. Maldita sea, soy un
hippy.”



Con 67 lanzamientos editados y muchos más planeados para este 2021 en el que celebra su décimo aniversario, All Day I Dream supo establecerse en la industria como una plataforma con una identidad muy marcada. En esta nueva edición de Sello de Calidad, hablamos con su creador para conocer todos los detalles de estos primeros diez años.



Lugar de origen: Fareham, Inglaterra Fecha de nacimiento: octubre de 2011 Cantidad de lanzamientos: 67 Artista con más lanzamientos: Lee Burridge & Lost Desert



¿Cómo y cuándo surgió All Day I Dream? “Mis primeros pensamientos sobre la creación de un nuevo género en la música electrónica comenzaron en 2007. Me las arreglé para encontrar suficiente música para hacer un mix que se llamaba ‘all day I dream of her’ –‘todo el día sueño con ella’. Después de eso, pasé algún tiempo experimentando en fiestas, tocando sets de este estilo. Al público, especialmente a las chicas, le encantó esta atmósfera. Realicé los primeros eventos durante el verano de 2011 en Nueva York. El sello discográfico comenzó, aproximadamente, un año después.”



¿Qué pasaba en tu vida cuando comenzaste con el sello? “Afortunadamente, estaba pasando mucho tiempo con Matthew Dekay. Su genio realmente dio forma al sonido de la plataforma.”



¿Qué recuerdas de los primeros pasos de All Day I Dream como sello? “Tengo la suerte de haber sido mayor y haber tenido otros sellos discográficos. Los primeros pasos de All Day I Dream fueron realmente divertidos. Lanzamos algo de música que a otros artistas les encantaba y los inspiramos a hacer este sonido. Siempre fue mi intención intentar crear un nuevo nicho musical. El sello realmente ayudó a que esto sucediera.”



¿Cómo se desarrolló el equipo a lo largo de los años? ¿Quién está involucrado en la plataforma hoy en día? “Afortunadamente, tengo algunas personas increíbles detrás de escena que mantienen el impulso de las cosas, a medida que los eventos se han vuelto más globales y numerosos. La agencia FM Artists dirige algunas cosas. También, tengo un brillante manager llamado Philip sin el cual no podría vivir. Es difícil ejecutar un concepto como este sin un grupo de personas tan dedicado y trabajador.”



¿Las fiestas empezaron al mismo tiempo con el sello? “La mayoría de las marcas comienzan con un sello y luego realizan eventos, una vez que se establece la plataforma. Sin embargo, primero tuve una visión para los eventos. La estética y la sensación del evento realmente complementaron la música. Después de describir el evento a Matthew Dekay, usó su imaginación para soñar con la música. Funcionó muy bien para los dos.”



¿Qué planeas para el 10 ° aniversario? “Teníamos planeado un año completo de fiestas pero, obviamente, en este momento, somos cautelosos y pacientes con la organización de eventos. Es importante mantener a las personas sanas y seguras. Nunca fui de los que hacen grandes celebraciones en relación al tiempo, pero me siento orgulloso de que después de diez años seguimos brindando felicidad a la experiencia de la música electrónica y la gente. Tal vez, hagamos una pequeña tarta de cumpleaños en forma de nube y encendamos diez velas en junio.”



¿Cómo suena All Day I Dream? “Es una hermosa y melancólica música house con excelentes ritmos y un ambiente seductor. Perfecto para cerrar los ojos y dejarse llevar…”



¿Quién lanza música en el sello? “Siempre he querido animar y apoyar el talento nuevo y emergente. Artistas como Double Touch, Tim Green, Lost Desert, Roy Rosenfeld, Hoj, Amonita, Facundo Mohrr, Gorje Hewek, YokoO, Volen Sentir, Sebastien Leger, Maxi Degrassi, Dim Kelly, Madraas, Slow Hearts, Oona Dahl… ¡Hay tantos artistas increíbles!”



¿Qué necesita un track para ser publicado allí? “Necesita tener su propia interpretación de lo que es nuestro sonido. Hay muchos artistas que hacen sus tracks intentando sonar como Sebastien Leger o Lost Desert. Necesita un buen ritmo y algún tipo de sentimiento emotivo.”



¿Quiénes lo tocan? “Quiénes no lo hacen, debería ser la pregunta…”



¿Cuál fue el momento de mayor orgullo para All Day I Dream? “Creo que es tan simple como ver a todos mis nuevos artistas tocar por primera vez para los increíbles públicos de todo el mundo. ¡La alegría en sus rostros es lo que más me llena de orgullo!”



¿Qué sigue para la plataforma? “Hay tanta buena música en camino. Lost Desert tiene un gran lanzamiento con algunas pistas increíbles. El nuevo EP de Tim Green es hermoso y hay un <a href="https://djmagla.com/all-day-dream-album-gorje-hewek">álbum de Gorje Hewek</a> en abril. Es impresionante.” 



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Sello de Calidad: All Day I Dream

Desde Kiev a las sierras de Córdoba, la DJ y productora
de progressive house Miss Monique disfruta del privilegio de haber podido armar
un tour y presentarse en diferentes ciudades de la República Argentina en medio
de una pandemia que nos tiene a todos en vilo.



Luego de su presentación en La Estación, la artista
Alesia Arkusha, a quien todos conocen por su alias Miss Monique, habló con
nosotros sobre este particular presente. “No revelo ningún secreto si digo que
el público sudamericano es uno de los mejores del mundo. ¡Todo el mundo lo
sabe! Siempre entregan todo. Volver a disfrutar de las fiestas aquí es una
sensación absolutamente increíble. Me siento más que feliz de tener la
oportunidad de tocar para esta gente. ¡No puedo encontrar palabras para
explicar cuánto los extrañaba!”



Después de un año muy duro, un tour internacional parece
una gran recompensa para la ucraniana. “El año pasado no fue tan ‘rico’ en
cuanto a eventos, por supuesto, pero hubo algunas fiestas, cuando se podía, en
Ucrania. También tuve una residencia en uno de los mejores clubes de Ucrania
llamado ‘Ibiza Beach Club’ durante el verano pasado. Fue increíble compartir la
cabina con grandes artistas como Boris Brejcha, Oliver Huntemann, Oliver
Koletzki y ARTBAT.”



<figure class="wp-block-image size-large"><img src="https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2021/03/163770646_147413127270437_4176109026438862501_n-1024x768.jpg" alt="" class="wp-image-1155555" srcset="https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2021/03/163770646_147413127270437_4176109026438862501_n-1024x768.jpg 1024w, https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2021/03/163770646_147413127270437_4176109026438862501_n-300x225.jpg 300w, https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2021/03/163770646_147413127270437_4176109026438862501_n-768x576.jpg 768w, https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2021/03/163770646_147413127270437_4176109026438862501_n-950x713.jpg 950w, https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2021/03/163770646_147413127270437_4176109026438862501_n.jpg 1080w" sizes="(max-width: 1024px) 100vw, 1024px" /><figcaption>Miss Monique en su paso por Córdoba.</figcaption></figure>



“La pista de baile ha cambiado a mesas con asientos, y
debemos tener una distancia entre nosotros, por supuesto. Pero, pase lo que
pase, todos están disfrutando de este momento especial que tuvimos que esperar
durante muchos meses”, agrega respecto a los últimos eventos que ha podido
disfrutar en sueño argentino. “Ya toqué
en Córdoba, Tucumán y Santa Fé y están por venir varios shows más. No veo la hora
de ver a la gente de Buenos Aires y San Juan.”



“Estoy guardando el recuerdo de cada segundo de esta
gira, de cada momento que tengo porque en estos días todo cambia muy rápido y
no sabes qué será lo próximo”, analiza respecto a este oasis en medio del
desierto que vive, mientras piensa en lo que se viene: “Creo que este es el
nuevo mundo que se está abriendo ahora y hay que aceptarlo y tratar de vivir
con reglas diferentes o te quedarás fuera de este mundo”, sugiere. “Es difícil
para mí no tener la oportunidad de estar tan cerca del público como antes y no
poder darles un abrazo, pero solo estoy tratando de estar agradecida, al menos,
de tener la oportunidad de venir aquí.”



A días de haber publicado su nuevo single “<a href="https://www.beatport.com/release/valhalla/3303077" target="_blank" rel="noreferrer noopener" aria-label=" (se abre en una nueva pestaña)">Valhalla</a>” en Siona Records, se prepara para cerrar su tour con shows en La Boite de Tucumán, Mandarine Park de Buenos Aires y Quattro Summer en San Juan.

Miss Monique: “No revelo ningún secreto si digo que el público sudamericano es uno de los mejores del mundo”

Desde: La Mancha, España Suena como: TOM And His Computer, Beanfield, Monolink Tres canciones: “Dusseldorf”, “Strange Music From The Dark Side Moon”



Compuesto por David López and Carlos Cruz, los orígenes del dúo
Lopezhouse se remontan mucho tiempo atrás, cuando la música electrónica
empezaba a influenciarlos a muy temprana edad, antes siquiera de saberlo ellos
mismos. “Mi padre siempre ha sido un amante de la música”, recuerda David,
quien siempre tuvo buenos equipos de audio en su casa. “Con 13 o 14 años, un
sábado por la mañana en casa, se podía escuchar un disco de Kitarō, Jean
Michel Jarre o el ‘Tubular Bells’”, describe. Para ese entonces, su compañero
Carlos daba sus primeros pasos con una guitarra eléctrica. Pese a esos primeros
encontronazos con la música, no fue hasta que se mudaron a Madrid que se
metieron de lleno en la música electrónica de baile. 



Oriundos de la pequeña ciudad de Valdepeñas, lugar de
residencia de unos 35 mil habitantes, el éxito de su proyecto podría tener que
ver con un fenómeno que sobrevuela a esta pequeña región de La Mancha. “Siempre ha habido buenos garitos de rock. Pocos, pero
buenos. Nosotros también somos amantes del rock. Hemos tenido amigos en común y
a raíz de ahí empezamos a conocernos.”



Lopezhouse empezó como un
proyecto en solitario de David, hasta que se dieron cuenta que había lugar para
Carlos, después de algunos encuentros en el estudio, donde empezaron a juntarse
a colaborar. De ahí en más, el proyecto pasó a tener dos cerebros y se hizo más
serio. Al tiempo, llegó su primer gran éxito, debutando en el año 2015 en el
sello de Claude VonStroke, Dirtybird, con el single “Mude Tod”, una pieza vocal
que sigue vigente al día de hoy. “Editamos en Dirtybird, fuimos a México y
después tocamos en Tomorrowland”, recuerdan los compañeros. Desde entonces, los
grandes nombres de la escena empezaron a ver qué hacían estos dos valdepeñeros.



Avanzando hasta el presente,
Lopezhouse vive el mejor momento de su carrera. Más allá de la pandemia, por
supuesto, les han pasado cosas muy bonitas en el último tiempo. “Nuestro
momento actual es el mejor, sin duda”, se ponen de acuerdo y casi se les escapa
una primicia: “Estamos trabajando en lo más importante de nuestras carreras,
pero no podemos desvelarlo.”



Esos planes misteriosos y la exposición que se han ganado
como uno de los actos favoritos de John Digweed y su plataforma Bedrock, los
tienen de bueno humor. “Que un artista como
John se fijara en nosotros es el punto que afianza nuestra carrera, ese apoyo
incondicional que nos ha dado es muy importante. Él confía mucho en nosotros.
Además, hay un gran respeto profesional y muy buen feedback, y eso hace que nos
encontremos muy bien trabajando con ellos.”



Desde que están juntos, David y Carlos se consideran una
familia y, como a todos, la pandemia les ha modificado todos los planes. “Cómo
todo el mundo, cuando nos dejaron, pudimos trabajar juntos y cuando no, pues,
nos fuimos repartiendo el trabajo como pudimos. Lógicamente, nos centramos en
la producción y, si pasamos por alto que no pudimos hacer actuaciones, no ha sido
un mal año después de todo”, dicen positivos.



“Hablando de estilos, es difícil encontrar una etiqueta
que englobe nuestro sonido”, analizan. “Si es geográficamente, siempre pensamos
a nivel global o internacional, siendo necesario para nosotros afianzarnos como
artistas internacionales.”



Con la confianza intacta, Lopezhouse gana la batalla mental y espera. Cuando se pueda, no hay dudas que aprovecharán su momento. “Estamos trabajando para que en el momento que se abran los festivales y clubes podamos girar por Sudamérica y los Estados Unidos.”



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