Layton Giordani atraviesa un momento de consolidación dentro de la escena electrónica internacional. Después de crecer bajo la influencia de la cultura club de Nueva York y construir una relación fundamental con Drumcode y Adam Beyer, el productor pasó de ocupar los primeros horarios de la noche a encabezar sus propios shows alrededor del mundo.



En los últimos años, esa evolución también comenzó a reflejarse en una identidad musical cada vez más abierta. Techno, house y elementos melódicos conviven en sus producciones sin demasiadas reglas, mientras Giordani desarrolla paralelamente MADMINDS, su propio sello con base en Nueva York y una plataforma con la que busca avanzar más allá de las divisiones tradicionales entre géneros.



Este septiembre, el estadounidense volverá a Argentina para dos presentaciones consecutivas: el 18 de septiembre en Desert In Me, en Palacio Alsina, Buenos Aires, y el 19 de septiembre en La Fábrica, Córdoba. Un regreso que tiene un significado particular para un artista que reconoce a Sudamérica como una de las primeras regiones donde sintió que su carrera había alcanzado otra dimensión.



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Tu carrera evolucionó considerablemente desde tus primeros años en Nueva York. ¿Qué es lo que más cambió en vos como artista durante ese recorrido?



Cuando era más joven, realmente admiraba a mis mentores y, naturalmente, seguía su dirección musical mientras aprendía y encontraba mi camino. Ahora siento que tracé mi propio camino y convivo junto a muchos de los artistas que alguna vez admiré. Es bastante increíble pensar que pasé de ser el DJ del warm-up a encabezar y organizar mis propios shows.



Tu sonido se mueve entre el techno, el house y producciones más melódicas. ¿Cómo suele comenzar tu proceso creativo cuando trabajás en un nuevo track?



Normalmente intento encontrar primero el alma del track, ya sea una voz, una melodía o cualquier otra cosa que le dé una identidad. A partir de ahí, simplemente dejo que fluya. No me gusta establecer demasiadas reglas ni decidir exactamente qué tiene que ser un track antes de empezar. Prefiero ver hacia dónde me lleva la idea.



Si pudieras elegir un track de otro artista que te hubiera gustado producir vos, ¿cuál sería y por qué?



“Rave”, de Sam Paganini. Es un track de techno muy simple que no hace demasiado, pero tiene un efecto enorme. Es un ejemplo perfecto de cómo menos puede ser más cuando encontrás los ingredientes adecuados.



En septiembre volvés a Argentina para presentarte en Buenos Aires y Córdoba. ¿Qué hace que el público argentino y sudamericano, y su relación con la música electrónica, sean tan especiales para vos?



Sudamérica fue realmente el primer lugar donde sentí que me había convertido en un artista grande, y siempre tuve una conexión emocional especial con Argentina. Siento que fuimos creciendo juntos a lo largo de los años. Hay muchísima pasión por la música y podés sentir que la conexión va más allá de simplemente otro show o concierto.



MADMINDS está entrando en una nueva etapa. ¿Hacia dónde imaginás que se dirige el sello y, en términos más generales, la música electrónica durante los próximos años?



Es un momento emocionante. El sello está creciendo a un ritmo realmente rápido y estoy muy entusiasmado con el camino que está tomando. La música está cambiando muy rápido y creo que estamos entrando en un mundo donde cada vez se trata menos de encajar dentro de un género específico y más de la sensación general.



Eso es en lo que me estoy enfocando con MADMINDS: crear una sensación y una identidad alrededor del sello en lugar de encerrarlo dentro de una categoría. No es un proceso perfecto y todavía estamos encontrando nuestro camino, pero esa evolución es parte de lo que lo hace emocionante.



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Con MADMINDS como uno de los ejes de esta nueva etapa, Giordani continúa ampliando su identidad más allá de los límites entre el house y el techno. Una evolución que también refleja el recorrido de un artista que pasó de abrir noches en Nueva York a encabezar sus propios shows alrededor del mundo.



Su regreso a Argentina tendrá dos paradas consecutivas: el 18 de septiembre en Desert In Me, en Palacio Alsina, Buenos Aires, y el 19 de septiembre en La Fábrica, Córdoba, renovando una relación con el público local que el propio Giordani considera parte fundamental de su carrera.

Layton Giordani: “Siempre tuve una conexión emocional especial con Argentina”

Hay productores que encuentran una fórmula y la repiten durante años. Hot Since 82 hizo exactamente lo contrario.



Desde que Daley Padley irrumpió en la escena internacional a comienzos de la década pasada, su música nunca dejó de evolucionar. Lo que comenzó como un sonido profundamente influenciado por el deep house británico fue incorporando melodías, texturas y una sensibilidad cada vez más refinada sin perder aquello que convirtió a sus producciones en una referencia para DJs de todo el mundo: el groove.



A diferencia de otros artistas de su generación, Hot Since 82 nunca necesitó recurrir a grandes drops o estructuras explosivas para construir identidad. Su lenguaje siempre estuvo en los pequeños detalles: bajos precisos, percusiones que respiran, sintetizadores utilizados con moderación y una capacidad casi única para generar tensión durante varios minutos utilizando muy pocos elementos.



Ese enfoque terminó definiendo no solo sus producciones, sino también la identidad de Knee Deep In Sound y de unos DJ sets que, con el paso de los años, se convirtieron en una referencia dentro del house contemporáneo.



Estas son algunas de las canciones que mejor cuentan esa evolución.



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Todo gran productor tiene un punto de inflexión. Para Hot Since 82 fue este remix a Green Velvet.



Más que aumentar la energía del original, Daley Padley decidió despojar la canción de todo lo innecesario y construirla alrededor de tres elementos: un bajo crudo, seco y con ese inconfundible carácter británico, una batería cargada de groove y un uso minimalista de la voz. El resultado fue un remix tan simple como efectivo, que se convirtió en uno de los grandes himnos de Ibiza y dominó las pistas de baile durante 2013, 2014 y buena parte de 2015.



Aquí aparece por primera vez esa filosofía que luego acompañaría toda su carrera: hacer que el groove sea mucho más importante que el impacto inmediato.



Representa: el nacimiento del sonido Hot Since 82.



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Después del éxito de Bigger Than Prince, Hot Since 82 demostró que no se trataba de un caso aislado.



El track reinterpreta este clásico del house con una identidad completamente propia. La producción gira alrededor de la nueva vocal de SLO y un potente sintetizador con decay corto que aporta un carácter mucho más melódico que crudo. Recién cerca del quinto minuto aparece la icónica vocal original, preparando un drop donde ese mismo lead vuelve a tomar protagonismo siguiendo una progresión melódica que terminaría convirtiéndose en una de las firmas sonoras de Daley Padley.



Todo está construido con paciencia: cada elemento encuentra su espacio dentro de la mezcla, la tensión crece de forma natural y nada parece estar de más. Es el tipo de producción que revela nuevos detalles cuanto más tiempo lleva sonando.



Representa: la consolidación de su identidad como remezclador.



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Con Veins, Hot Since 82 consolida un sonido mucho más orientado al club. El groove se acerca al tech house, mientras una vocal loopeada genera tensión constante durante las bajadas.



Los sintetizadores, con una clara identidad británica, se combinan con un lead brillante que recuerda al sonido de unas campanas y aporta ese aire ibicenco que terminó convirtiéndose en una de las señas de identidad de Hot Since 82.



Representa: la consolidación de su sonido para la pista de baile.



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Si existe una canción que resume el equilibrio que Hot Since 82 encontró entre la energía del club y una narrativa más emocional, probablemente sea Buggin.



La voz de Jem Cooke habla de confusión, ansiedad y búsqueda interior, pero nunca rompe el impulso de la pista. Al contrario: se integra a la perfección con un stab constante y sintetizadores que empujan el track de principio a fin, generando una energía hipnótica que invita a levantar las manos tanto en un atardecer como en los primeros rayos del amanecer.



Representa: el momento en que Hot Since 82 demuestra que una canción puede transmitir emoción sin dejar de ser un arma para la pista de baile.



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Con Paper Walls, Hot Since 82 demuestra que todavía puede renovar su sonido sin perder su identidad. El track se sostiene sobre un bajo constante y un groove sólido, mientras incorpora una paleta sonora mucho más moderna y detallista.



La vocal permanece completamente sumergida en una larga reverb, funcionando más como una textura que como un elemento narrativo. Nunca llega a tomar el protagonismo, dejando que la atmósfera construya la emoción del tema. El resultado transmite esa sensación de cierre perfecto, como el aftermovie de una noche que salió exactamente como debía.



Representa: la evolución de un sonido que sigue mirando hacia adelante sin perder su esencia.



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Más que una producción para escuchar de forma aislada, este track refleja una de las mayores virtudes de Hot Since 82 como DJ: entender perfectamente cómo mantener la tensión dentro de una pista durante largos períodos.



En su remix de Witch Doctor, Daley lleva el track hacia un terreno mucho más orientado al club. El groove gana velocidad y combina el house minimal contemporáneo con sutiles guiños al UK garage, generando una sensación de movimiento constante sin perder la elegancia que caracteriza a Hot Since 82. La vocal femenina funciona como el eje del remix, mientras el nuevo groove transforma por completo la energía del track.



Sin modificar la esencia del original, Hot Since 82 consigue transformarlo en una herramienta pensada para sus sets, con una energía constante de principio a fin.



Representa: su capacidad para reinterpretar un track contemporáneo desde su propio lenguaje sonoro.



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Con Oh La La La, Hot Since 82 vuelve a mirar hacia un clásico de la música dance para llevarlo a su propio universo. Esta nueva versión del éxito de 2 Eivissa conserva el espíritu festivo del original, pero lo traslada a un sonido mucho más contemporáneo.



Un groove de house acelerado, con sutiles influencias del UK garage, sostiene toda la producción y demuestra una vez más la capacidad de Daley Padley para tomar melodías conocidas y convertirlas en herramientas pensadas para la pista de baile. El resultado es un track fresco, enérgico y con ese equilibrio entre nostalgia y modernidad que caracteriza sus producciones más recientes.



Más que una simple actualización, Daley consigue que un himno de los noventa dialogue con el house actual sin perder su esencia festiva.



Representa: su habilidad para reinterpretar clásicos sin perder su identidad sonora.



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Con Alive, Hot Since 82 firma uno de los momentos más emotivos de su catálogo. La vocal transmite una sensación de plenitud y renacimiento, acompañada por un piano que marca cada entrada con precisión y un groove inconfundible que mantiene viva la energía de la pista.



Los pads brillantes, las voces loopeadas en el fondo y pequeños ad-libs terminan de construir una atmósfera tan emocionante como eufórica. Es el tipo de producción pensada para un gran cierre, cuando la pista ya está completamente conectada y solo queda disfrutar el último momento.



Representa: el equilibrio entre emoción, euforia y el groove que define a Hot Since 82.



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Más de una década después de irrumpir en la escena internacional, Hot Since 82 sigue demostrando que su evolución está lejos de detenerse. El próximo 4 de septiembre publicará Obsessions, su nuevo álbum de estudio a través de Knee Deep In Sound, un trabajo que ya empezó a revelar con Shaded y Life’s Too Short, dos adelantos que anticipan una nueva etapa en su evolución artística.



Mientras espera ese nuevo capítulo, vale la pena volver sobre estas canciones para entender cómo Daley Padley construyó una de las identidades más sólidas del house contemporáneo.



Y, por supuesto, esta es solo nuestra selección. Si querés descubrir realmente el universo sonoro de Hot Since 82, no dejes de explorar el resto de su catálogo.



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Las canciones que construyeron el sonido de Hot Since 82

A lo largo de los últimos años, Ann Clue se consolidó como una de las figuras más reconocidas del universo Fckng Serious. Su energía detrás de las bandejas, una identidad sonora propia y una agenda de giras que la llevó a recorrer más de 35 países la posicionaron entre las artistas más destacadas de la escena electrónica actual.



Desde festivales como Awakenings, Time Warp, Sonus, EXIT Festival, EDC Las Vegas y OFF Sonar hasta escenarios de América, Europa y Oceanía, la DJ y productora alemana construyó una carrera basada en la autenticidad y la conexión con el público. Mientras se prepara para regresar a Sudamérica como parte de Boris Brejcha presents Reflections el próximo 17 de octubre en Argentina junto a Frieder & Jakob, conversó con DJ Mag Latin America sobre los momentos que marcaron su vida, el espíritu de la familia Fckng Serious y los desafíos de abrirse camino en la industria.



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¿Recordás un momento específico durante una gira en el que te diste cuenta de que tu vida había cambiado por completo?



El 19 de diciembre de 2021 en Mandarine Park, Buenos Aires. Después de casi dos años sin poder viajar a Argentina por la pandemia, volvimos para realizar dos shows frente a una verdadera marea de personas.



No era la primera vez que veía una multitud tan grande ni que tocaba frente a ella, pero fue increíble observar a tanta gente bailando nuestra música. Mientras Boris estaba tocando, fui al área VIP para ver el show desde otra perspectiva y pensé: “Esta es realmente mi vida”. No eran unas vacaciones ni algo temporal. Había construido algo con lo que la mayoría de las personas solo sueña.



En ese momento, entre el cansancio y una enorme sensación de gratitud, entendí que no solo había cambiado de carrera: había rediseñado por completo lo que una vida podía llegar a ser.



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Viajar constantemente con el mismo equipo genera vínculos muy particulares. ¿Cómo describirías la dinámica dentro de la familia Fckng Serious?



Es una de esas cosas difíciles de explicar para alguien que nunca lo vivió. Cuando recorrés más de 90 países junto a las mismas personas, dejan de ser colegas para convertirse en algo parecido a una familia elegida.



Son las personas que te ven en tus momentos de mayor cansancio, vulnerabilidad y también en los más felices. Lo especial de Fckng Serious es que no compartimos solamente una visión musical; compartimos una forma de entender las cosas. Nadie tiene que explicar qué estamos buscando porque todos lo sabemos. Ese nivel de conexión es extremadamente raro.



La música electrónica sigue siendo un espacio predominantemente masculino en muchos aspectos. ¿Sentís que haber tenido que encontrar tu propio lugar fortaleció tu identidad artística?



Absolutamente. Creo que eso sucede en cualquier ámbito donde no te entregan automáticamente un lugar en la mesa. Tenés dos opciones: hacerte más pequeña o construir la tuya.



Yo elegí lo segundo. No por rebeldía, sino porque tenía claro quién era y qué podía aportar. La resistencia que enfrentás como mujer dentro de la música electrónica puede desgastarte o fortalecerte. En mi caso, me hizo más fuerte. Dejé de intentar encajar en moldes ajenos y empecé a confiar en que mi propia visión de la música era exactamente lo que quería expresar.



¿Dónde aparece la versión más auténtica de Ann Clue: sobre el escenario, en el estudio o completamente lejos de la música?



Honestamente, las tres muestran distintas capas de mi personalidad, y aprendí que todas se necesitan entre sí.



Sobre el escenario soy pura energía y presencia. En el estudio soy paciente, curiosa y estoy constantemente buscando algo nuevo. Pero la versión más auténtica de mí aparece en los momentos de silencio. En las mañanas, antes de que nadie se despierte. En las páginas de un diario. En conversaciones que terminan llevándote a lugares inesperados.



La música es la forma en la que expreso quién soy, pero quién soy existe mucho más allá de la música.



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Más allá de los escenarios y las giras, la historia de Ann Clue es también la de una artista que encontró su lugar sin renunciar a su identidad. Su recorrido dentro de Fckng Serious demuestra que el crecimiento sostenido suele construirse desde la autenticidad y no desde la adaptación a las expectativas de otros.



El próximo 17 de octubre, el público argentino volverá a encontrarse con ella en una nueva edición de Boris Brejcha presents Reflections. Una fecha que marcará su regreso al país y que inevitablemente la conectará con aquel recuerdo de Mandarine Park, la noche en la que comprendió que el sueño que había imaginado durante años ya se había convertido en realidad.

Ann Clue: “No esperé un lugar en la mesa, construí la mía”

Hay artistas que llegan a la música electrónica desde la pista de baile. Otros lo hacen desde una búsqueda más profunda, atravesando distintos lenguajes musicales hasta encontrar una identidad propia. El recorrido de Zehavi pertenece a esta segunda categoría.



Con raíces marroquíes y persas, una infancia rodeada de instrumentos tradicionales y una posterior inmersión en la cultura electrónica, el productor y live artist israelí construyó un proyecto que desafía fronteras estilísticas. Su música combina melodías mediterráneas, texturas orgánicas y producción contemporánea en una propuesta que hoy encuentra cada vez más resonancia alrededor del mundo.



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<h3 class="wp-block-heading">¿Cuáles fueron las principales fuentes de inspiración que te llevaron a dedicarte a la música?</h3>



Mi mayor inspiración vino de casa. Crecer rodeado de música y aprender a tocar el bouzouki con mi padre me dio una conexión emocional muy profunda con las melodías y los instrumentos en vivo desde muy chico.



Más adelante, descubrir la música electrónica abrió un mundo completamente nuevo para mí a nivel creativo. La combinación entre la emoción de la música tradicional y la energía moderna de la electrónica fue lo que realmente me impulsó a construir una carrera dentro de la música.



<h3 class="wp-block-heading">Tu música se mueve entre la producción electrónica y elementos en vivo como el bouzouki. ¿Cómo nació esa combinación y cómo evolucionó con el tiempo?</h3>



La combinación surgió de manera muy natural porque ambos mundos forman parte de mi vida. Crecí tocando bouzouki y escuchando música mediterránea, y más tarde me enamoré de la música electrónica y de la producción.



En algún momento dejé de verlos como universos separados y empecé a mezclarlos de mi propia manera. Con el tiempo, esa fusión terminó convirtiéndose en mi voz artística.



<h3 class="wp-block-heading">Tus cifras en plataformas y redes crecieron mucho en los últimos tiempos. ¿Qué representa ese reconocimiento para vos?</h3>



Para mí es una señal de que la música está llegando a las personas de una forma real. Ver ese crecimiento en plataformas y redes me da motivación para seguir creando y llevando el proyecto más lejos.



Al mismo tiempo, siento que esto es apenas el comienzo. La visión es mucho más grande y estoy enfocado en seguir creciendo internacionalmente, lanzar más música original y desarrollar experiencias en vivo con las que la gente pueda conectar de verdad.



<h3 class="wp-block-heading">Antes de tu proyecto solista formaste parte de Malabi Jam. ¿Qué te dejó esa experiencia?</h3>



Ser parte de Malabi Jam me enseñó mucho sobre el trabajo en equipo, la escucha y la capacidad de compartir una visión musical con otros artistas. Fue una etapa muy importante tanto a nivel musical como personal porque me ayudó a crecer sobre el escenario y entender el poder de las presentaciones en vivo.



Al mismo tiempo, también fue una experiencia que me hizo dar cuenta de que quería construir algo más personal. Amaba formar parte de la banda, pero en el fondo sabía que quería desarrollar mi propio universo creativo.



<h3 class="wp-block-heading">También trabajaste junto a artistas importantes desde muy temprano. ¿Qué aprendizajes te dejaron esas experiencias?</h3>



Trabajar con artistas reconocidos me mostró la importancia de la constancia y de creer en uno mismo. Entendí que detrás de cada gran artista hay años de trabajo, presión y dedicación que muchas veces no se ven desde afuera.



También aprendí a mantenerme enfocado en mi propio camino y a no tener miedo de aportar algo diferente desde lo creativo. Cada colaboración me dio más confianza y me ayudó a entender el nivel al que quiero llegar.



<h3 class="wp-block-heading">Mirando hacia atrás, ¿cuál sentís que fue el gran punto de inflexión de tu carrera?</h3>



Sin dudas, la primera vez que viví un evento de música electrónica en el desierto. Hasta ese momento venía de un mundo musical completamente distinto, pero ver a miles de personas conectando emocionalmente a través de la música electrónica cambió mi perspectiva para siempre.



Recuerdo sentir esa energía, esa libertad y esa conexión entre la música y el público. En ese momento entendí que quería formar parte de la creación de esas experiencias. Fue lo que me impulsó a construir el sonido y la visión que más tarde se convertirían en Zehavi.



<h3 class="wp-block-heading">¿Qué se viene para el futuro del proyecto?</h3>



Sinceramente, siento que esto recién empieza. La visión sigue creciendo cada año y hay muchas cosas que estuve desarrollando detrás de escena que la gente comenzará a descubrir muy pronto. Nueva música, nuevas experiencias en vivo y nuevas colaboraciones.



Quiero que el proyecto siga sorprendiendo. No solamente a través de la música, sino también mediante la atmósfera, la emoción y la energía que lo rodean. El objetivo es construir algo atemporal que pueda conectar con personas de cualquier parte del mundo.



Lo que más me entusiasma es sentir que todavía hay muchísimo espacio para seguir creciendo creativamente. Creo que los próximos pasos van a sorprender a mucha gente.



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Más allá del crecimiento en plataformas o del alcance internacional que continúa desarrollando, la historia de Zehavi parece estar definida por una búsqueda constante de identidad. Una búsqueda que comenzó entre instrumentos tradicionales y que encontró en la música electrónica un nuevo lenguaje para expresarse.



Mientras prepara un nuevo álbum concebido como un recorrido sonoro alrededor del mundo, su visión permanece intacta: utilizar la música como una herramienta de conexión. En tiempos donde las fronteras parecen multiplicarse, Zehavi apuesta por construir puentes. Y, a juzgar por el camino recorrido hasta ahora, recién está comenzando.

Zehavi: entre raíces, desierto y música electrónica

Hablar del techno moderno es hablar inevitablemente de Adam Beyer y Drumcode. Lo que comenzó en la Suecia de mediados de los noventa como un sello independiente impulsado por un joven obsesionado con los vinilos, los loops hipnóticos y la energía rave terminó convirtiéndose en una de las plataformas más influyentes de toda la música electrónica contemporánea.



Mucho antes de los escenarios gigantes, los festivales multitudinarios y los radioshows globales, Beyer era simplemente un chico trabajando en una disquería en Estocolmo, intentando encontrar la forma de editar su propia música.



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“El primer release de Drumcode es muy especial para mí”, recuerda Beyer en diálogo con DJMAGLA. “Salió en 1996 y en esa época era mucho más difícil editar música porque había que prensar vinilos. Yo financié todo por mi cuenta y conseguí también una distribuidora.”



A mediados de los noventa, el techno europeo atravesaba una transformación enorme. Detroit ya había sentado las bases del género, mientras ciudades como Berlín, Ámsterdam y Estocolmo comenzaban a desarrollar identidades propias. En Suecia surgía una nueva generación enfocada en un techno más funcional, hipnótico y físico, pensado completamente para la pista.



Antes de crear Drumcode, Adam Beyer ya lanzaba música en sellos fundamentales como Planet Rhythm. Pero rápidamente entendió que necesitaba tener control total sobre su sonido y su visión artística.



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“En ese momento trabajaba en una disquería en Suecia y desde ahí también operaba otro sello, así que ya tenía algunos contactos. Me encargué de todos los primeros lanzamientos de Drumcode por mi cuenta, prensamos un par de miles de copias y funcionó muy bien.”



El primer lanzamiento, conocido hoy como “Drumcode 1”, terminaría convirtiéndose en una pieza histórica del techno europeo. Su sonido era directo y crudo: bombos secos, grooves repetitivos y una tensión constante orientada completamente al club.



“Artistas que yo admiraba muchísimo estaban tocando esos discos, personas como Jeff Mills y DJ Hell. Entonces Drumcode tuvo un comienzo muy fuerte. Fue un momento muy especial para mí. Además coincidió exactamente con la época en la que estaba cumpliendo veinte años.”



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Treinta años después, Beyer todavía considera ese release como uno de los momentos más importantes de toda su carrera.



“Si tuviera que elegir un release de esa época, probablemente sería Drumcode 1, simplemente porque fue algo muy especial. La gente todavía lo sigue tocando hoy y sigue sonando bien.”



Durante sus primeros años, Drumcode se convirtió en una pieza clave del techno sueco. Releases de artistas como Cari Lekebusch, Joel Mull, Hardcell y Henrik B ayudaron a consolidar una identidad sonora que rápidamente comenzó a expandirse por toda Europa.



El sonido Drumcode no buscaba sofisticación melódica ni experimentalismo abstracto. Buscaba impacto físico. Era techno diseñado para warehouses, clubes oscuros y sistemas de sonido al límite.



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Con el paso del tiempo, Drumcode dejó de ser simplemente un sello discográfico para convertirse en una identidad global dentro del techno. La marca evolucionó hacia showcases internacionales, festivales, radioshows y eventos propios que ayudaron a acercar el género a nuevas generaciones de público.



Sin embargo, una de las claves del fenómeno Drumcode fue su capacidad para evolucionar sin perder identidad.



“Nunca pensé que iba a construir algo durante treinta años y que terminaría convirtiéndose en mi vida de esta manera”, cuenta Beyer. “Empezás en tus veinte con una idea y de repente pasaron treinta años.”



“Creo que lo que más orgullo me da es haber podido mantener una consistencia, pero al mismo tiempo renovarme constantemente, tanto yo como el sello. Creo que por eso sigue siendo popular hoy. Porque seguimos evolucionando con los tiempos, pero todavía podés sentir inmediatamente cuando algo es un release de Drumcode.”



“Hay una consistencia y una actitud dentro del sello, pero siempre estamos cambiando y avanzando.”



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Esa evolución también puede escucharse en la propia música de Beyer. Sus primeras producciones estaban profundamente ligadas al techno percusivo y minimalista de los noventa, mientras que sus trabajos más recientes incorporan melodías, texturas cinematográficas y estructuras mucho más expansivas.



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En 2025, Beyer atraviesa además una nueva etapa creativa con el anuncio de <a href="https://open.spotify.com/album/7jvBgKQK4ALnqRoxGQbktc?si=j5bYpVr4RVikODqYNMOuIg">Explorer Vol. 1</a>, su primer álbum de estudio en más de veinte años. El proyecto representa una expansión de su universo sonoro sin abandonar la energía que definió toda su carrera.



Pero incluso después de décadas dentro de la escena, todavía existen momentos capaces de sorprenderlo.



Al recordar un instante clave de toda su trayectoria, Beyer vuelve mentalmente a Ultra Music Festival Miami en 2019.



“Hay muchísimos momentos importantes”, explica. “Pero ahora que estamos en Ultra Miami haciendo esta entrevista, me acuerdo perfectamente de 2018.”



“Venía en el avión escuchando música nueva que me enviaba la gente y Bart Skils me mandó algunas ideas. Una de ellas era un demo muy crudo de ‘Your Mind’. En ese momento solo tenía el kick y el sample principal, todavía no estaba terminado.”



“Entonces agregué algunos snares, una línea de 303 y algunos stems más, y al día siguiente lo toqué acá mismo en Miami. Esa fue la primera vez que ‘Your Mind’ sonó en público.”



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Aquel track terminaría convirtiéndose en uno de los himnos más importantes de la historia reciente de Drumcode y en una pieza fundamental dentro de la explosión global del techno festivalero.



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En paralelo, Beyer también fue testigo directo de toda la evolución tecnológica de la producción electrónica: desde los estudios MIDI y las máquinas analógicas de los noventa hasta la llegada actual de la inteligencia artificial.



“Cuando empezamos en los noventa, todo eran estudios MIDI. Teníamos hardware real y yo vengo completamente de ese mundo. Después lentamente pasamos a las PCs y luego a las Macs. Vi toda la evolución.” Hice mis primeras grabaciones alrededor de 1993 con equipamiento muy limitado y prácticamente sin dinero.”



Aunque reconoce el enorme impacto de las nuevas tecnologías, Beyer cree que el diferencial artístico sigue estando en otro lado.



“La inteligencia artificial está cambiando muchísimo el juego, especialmente con las voces y ese tipo de herramientas. Pero hoy más que nunca no se trata de qué usás, sino de tu imaginación.”



“Hay demasiada tecnología en la música electrónica y mucha termina sonando parecida porque la gente usa los mismos sample packs, Splice y exactamente las mismas herramientas.”



“Los artistas con verdadera imaginación son los que logran crear ideas diferentes. Y ahí es donde realmente está el valor.”



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Hoy, con Drumcode acercándose a su 30 aniversario en 2026, Adam Beyer sigue ocupando un lugar central dentro de la música electrónica global. Ya sea liderando escenarios gigantes, reinventando su sonido o impulsando nuevas generaciones de artistas desde Drumcode, su figura continúa funcionando como uno de los grandes puentes entre el espíritu underground del techno noventoso y la dimensión masiva que el género alcanzó en la actualidad.



Pocas carreras lograron mantenerse relevantes durante tanto tiempo sin perder identidad. Y pocas marcas dentro de la música electrónica consiguieron redefinir el sonido de toda una generación como lo hizo Drumcode.



En las próximas semanas, Adam Beyer volverá además a Latinoamérica como parte de la celebración global por los 30 años de Drumcode, con fechas en Bogotá el 12 de junio y Buenos Aires el 13 de junio, donde encabezará una nueva edición de Drumcode.



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Adam Beyer y Drumcode: la historia del sello que transformó el techno moderno

Hay máquinas que trascienden su función. El Minimoog Model D es una de ellas. Y ahora, más de cinco décadas después de su lanzamiento original, Moog Music presenta una nueva edición limitada que vuelve a ponerlo en el centro de la conversación global.



Se trata del Bob Moog Tribute Edition, una versión especial del legendario sintetizador analógico que rendirá homenaje a su creador, Bob Moog, y a su impacto en la evolución de la música electrónica. La producción estará limitada a solo 500 unidades en todo el mundo, cada una ensamblada a mano por el equipo de la marca en Carolina del Norte.



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A nivel estético, esta edición incorpora un gabinete de roble blanco quartersawn especialmente diseñado, junto con un decal exclusivo de la Bob Moog Foundation en el panel trasero. Además, incluye un estuche de transporte semi-rígido personalizado, pensado para preservar el instrumento tanto en estudio como en movimiento.



El Minimoog Model D, lanzado originalmente en 1970 y producido hasta 1981, marcó un antes y un después en la historia de los sintetizadores, convirtiéndose en una herramienta clave para generaciones de artistas. Su regreso a producción en 2022 ya había despertado el interés de productores y coleccionistas, y esta nueva edición refuerza aún más su estatus como objeto de culto.



La Bob Moog Tribute Edition tendrá un precio de USD 3.999, posicionándose como una pieza tanto musical como histórica dentro del universo del hardware analógico.



Este lanzamiento se suma a una serie de iniciativas recientes que celebran el legado del Minimoog, incluyendo exhibiciones de prototipos originales en el Moogseum y la publicación de un libro en 2024 que explora su impacto cultural, con testimonios de figuras como Dr. Dre, Anne Dudley y Mac DeMarco.



Una vez más, el Minimoog no solo vuelve: reafirma por qué sigue siendo uno de los instrumentos más influyentes en la historia de la música electrónica.

Moog lanza una edición limitada del Minimoog Model D en homenaje a Bob Moog

Curol ha surgido como una fuerza imparable dentro de la nueva generación de DJs y productoras brasileñas que están rediseñando el mapa del house y el afro house con sensibilidad para la pista y una mirada atenta a las identidades culturales. Su trayectoria ya acumula presentaciones en lugares icónicos —desde DGTL y Zamna hasta Rock in Rio y Tomorrowland, además de giras junto a Black Coffee, Lee Burridge y Keinemusik.



Además de ser una DJ experimentada en los decks y con mucha sensibilidad para elegir cada track, Curol se diferencia por una curaduría que cruza el groove del afro y del house clásico sumado a los matices latinos, una identidad que se ha conectado con cada vez más personas en sus shows. Fue eso también lo que la hizo estar presente por cuarto año consecutivo en la lista Future Of Dance de la prestigiosa 1001 Tracklists.



En esta entrevista exclusiva para DJ Mag Latinoamérica, Curol habla sobre su conexión con el público sudamericano, los aprendizajes de las giras recientes, nuevos trabajos de estudio, remixes, y los planes que ya delinean su próxima fase internacional.



Curol, gracias por recibirnos. Para comenzar: nos gustaría saber un poco más sobre tu trayectoria. ¿Qué te motivó a apostar por la música electrónica y cómo ese camino fue moldeando a la artista que eres hoy? Empecé en la música electrónica desde los bastidores. Yo era fotógrafa, vivía detrás de los escenarios, observando la energía de las personas, captando las reacciones, la entrega de los artistas y la fuerza que tenía la música allí. Un día me di cuenta de que no quería solo registrar esa historia, yo quería ser parte de ella.



Cuando empecé a tocar y producir, entendí que mi identidad era mi mayor diferencial. Llevé mis referencias afrobrasileñas, mi lado espiritual, mis vivencias. Todo eso moldeó a quien soy hoy: una artista que crea a partir de mis raíces y de la forma en que siento el mundo.



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Hoy ya puedes estar orgullosa de haber tocado en lugares como Zamna, DGTL, Rock in Rio, Lollapalooza, Tomorrowland… pero sabemos que la industria no siempre es simple, especialmente para las mujeres. ¿Cuáles fueron algunos de los desafíos que enfrentaste y qué aprendiste en ese proceso? La escena electrónica puede ser dura, principalmente para las mujeres. Necesité demostrar mi valor muchas veces, incluso cuando ya entregaba más de lo que esperaban. También enfrenté resistencia por traer un sonido que no era el más «obvio» o comercial.



Pero todo eso me fortaleció. Aprendí a confiar en mi instinto y en mi identidad. Aprendí que insistir en mi verdad me llevaría más lejos que intentar agradar. Y fue precisamente eso lo que abrió puertas como Tomorrowland, DGTL, Zamna, Rock in Rio, Lolla y tantos otros escenarios con los que siempre soñé.



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En este proceso, ¿cómo describirías tu identidad artística hoy y de qué forma dialoga con el público sudamericano? Antes que nada, yo percibí que mi estilo aún es novedad para algunos países latinoamericanos. Puedo notar que el groove del beat afro es algo común para ellos, pero al mismo tiempo diferente, tal vez eso llame más su atención por «salir de lo obvio».



Mi identidad también carga influencias latinas, así que es interesante para mi momento actual mostrar no solo mi identidad, sino también mi versatilidad dentro de la house music.



A lo largo del año pasaste por ciudades como Bogotá, Lima, Mendoza, Mar del Plata y Santiago. ¿Notaste reacciones diferentes? ¿Qué aprendizajes dejaron estas experiencias? ¿Cómo piensas la construcción de tus sets para cada lugar? Para Bogotá y Medellín preparo sets con más Latin House, pero con un toque más oscuro. Para Lima, noté que las reacciones fueron más altas con el house clásico. Ya en las ciudades de Argentina siempre hago mezclas con Progressive y Organic House, pues ya es natural de ellos amar el estilo y tener a los mayores artistas de la subvertiente siendo de allá.



En Santiago, ya toqué 3 veces y noté que les gusta la música brasileña misma, con nuestro swing. Así que es perceptible durante el set hacer mezclas y notar esas reacciones.



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Tus sets generalmente llevan sonidos y mensajes que representan culturas muchas veces marginadas. ¿Cómo ves tu responsabilidad al trabajar con esas referencias? Llevo eso con mucho cuidado y respeto. Esas referencias son parte de mi historia, de mi vivencia y de la forma en que me conecto espiritualmente con la música. No son elementos que uso solo por estética, son parte de quien soy.



Cuando traigo esos sonidos y símbolos, investigo, respeto y tengo conciencia de que estoy representando algo más grande que yo. Mi objetivo es siempre honrar esas referencias y mostrar que tienen potencia, fuerza y lugar dentro de la música electrónica.



Hablando un poco sobre producción musical… en 2024 y 2025, lanzaste remixes importantes —para ZERB & The Chainsmokers, 3030 y Gadjo— siendo este último uno de los más vendidos de tu carrera, hoy Top 1 en tu Beatport. ¿Cuál es tu relación con el arte de los remixes? ¿Es un formato que te gusta explorar más? El remix es siempre una carta interesante en la vida del artista. En su gran mayoría es el gran punto de inflexión, y en mi vida no fue diferente. Los 3 remixes citados en la pregunta son los que más elevaron mi nombre en 2024 mundialmente.



Recibí innumerables apoyos y mis pedidos de bookings aumentaron considerablemente. Cuando involucra grandes nombres como esos, considero explorar ese formato por la expansión de los involucrados.



En noviembre del año pasado también lanzaste un remix para Ratier a través de D-Edge Records y haces tu debut en Watergate con un single colaborativo. ¿Qué nos puedes contar sobre cada uno de estos trabajos? Ratier es uno de los mayores impulsores de la escena brasileña, actualmente tiene los dos clubes más importantes en estados diferentes. Cuando me invitó a participar en el álbum de remixes no lo dudé dos veces; Abençoado fue hecha con mucho cariño.



En cuanto a Víbora, marca un deseo antiguo de lanzar en Watergate, el sello de uno de los clubes más importantes de Berlín que, lamentablemente, ya no está en funcionamiento. Tanto la marca Ratier como la marca Watergate tienen historia en la música electrónica mundial, e involucrarme con ambas es una gratificación y un hito de respeto para mí.



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Para quienes están conociendo tu trabajo ahora en países donde tu sonido aún es una novedad, ¿qué mensaje te gustaría dejar sobre tu música y sobre los shows que están por venir? ¡Gracias! Respeto mucho la historia de cada país y estaría muy feliz de que abrieran el corazón a lo «nuevo». Espero y tengo la intención de mostrar que podemos divertirnos juntos.

Curol: ritmo, identidad y creciente presencia en América Latina

Tras una serie de presentaciones destacadas en Argentina, Terry Golden vuelve de Sudamérica cargado de energía, ideas nuevas y una inspiración renovada. Su paso por el país incluyó shows en espacios abiertos, clubes y rooftops, donde la conexión con el público fue intensa y profunda, marcando cada una de sus actuaciones.



Entre atmósferas envolventes, pistas atentas y una respuesta emocional poco habitual, el artista encontró en Argentina un terreno fértil para explorar su costado más progresivo. Hablamos con Terry Golden para repasar su experiencia con el público local, cómo influyó el viaje en su proceso creativo y qué se viene en esta nueva etapa de su carrera.



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Hola Terry! ¿Cómo estás? Me siento muy bien, con mucha energía e inspiración. Los shows en Argentina dejaron una huella fuerte en mí, así que todavía sigo llevando ese impulso conmigo.



Recientemente tocaste en varios shows en Argentina. ¿Cómo sentís que fueron en general? Fueron shows muy fuertes. Cada uno tuvo su propia identidad y además una gran combinación entre venues al aire libre, clubes y sesiones en rooftops. La conexión con el público fue constante. La energía era intensa y muy enfocada, lo cual hace una gran diferencia como artista. No veo la hora de volver.



¿Cuáles fueron tus primeras impresiones del público argentino? ¿Algo te sorprendió de su energía? Me sorprendió mucho el nivel de atención. El público está muy presente y emocionalmente involucrado desde el primer momento, lo que crea una atmósfera muy poderosa. No solo reaccionan a los grandes momentos o drops, sino que realmente se siente que aman la música, algo muy distinto a muchos lugares donde toco en Europa.



¿Cómo respondió el público argentino a tus sets? ¿Se sintió diferente a otros shows? Sí, definitivamente. La respuesta fue más profunda que explosiva. La gente reaccionaba al flujo y a los detalles, y desde el primer minuto estaban listos para ir a fondo. Eso me permitió explorar la música con más libertad. Fue increíble tocar para un público así.



¿Pudiste interactuar con fans después de los sets? ¿Alguna reacción que te haya quedado grabada?Sí, hablé con bastante gente. Lo que más me llamó la atención fue que muchos hablaban de las sensaciones y del viaje del set, no solo de tracks puntuales. Ese tipo de devolución es muy gratificante. Además, todos estaban súper interesados en mí y en mi música, realmente me voló la cabeza.



¿Modificaste tu setlist para el público argentino o mantuviste la misma estructura? Mantuve la estructura base, pero fui adaptando día a día, sobre todo porque había gente que vino a varios de los shows. Fue bastante fácil, ya que el público me dio espacio para construir transiciones más largas y profundizar en secciones más hipnóticas.



¿Cómo influyó tu experiencia en Argentina a nivel creativo? ¿Te despertó nuevas ideas para futuras producciones? Sí, totalmente. La intensidad y la apertura del público reforzaron mi costado más progresivo. Definitivamente influyó en cómo estoy encarando nueva música y me inspiró a profundizar más en ese sonido.



¿Tuviste tiempo de explorar la escena local fuera de tus shows? ¿Algún club, DJ o fiesta que te haya llamado la atención? Un poco, sí. Fui al famoso La Fabrik, un lugar donde sin dudas me gustaría tocar en el futuro. La escena se siente muy genuina, con una fuerte apreciación por DJs que trabajan la atmósfera y la progresión, más que los resultados inmediatos. Me gusta mucho Argentina.



Mirando hacia atrás este capítulo argentino, ¿qué recuerdo creés que va a quedarte más marcado?Un momento durante uno de los sets en el que todo se alineó: el público, el sonido y el espacio, con un backdrop increíble al aire libre y la gente completamente entregada a la música. Esos momentos son raros y muy especiales, así que sin dudas ese va a quedar conmigo.



¿Qué pueden esperar los fans de vos próximamente? ¿Nuevos proyectos, colaboraciones o shows?Nueva música está en camino, junto con colaboraciones y más shows internacionales. Estoy llevando mucha de la inspiración de esta gira a lo que viene. Además, acabo de firmar con un nuevo agente en Miami, así que ya estaré por ahí tocando en algunos shows en enero de 2026.



El paso de Terry Golden por Argentina no solo dejó pistas llenas y momentos memorables, sino también una marca clara en su presente artístico. La conexión con el público local, atento y emocional, reafirmó su búsqueda sonora y abrió nuevas puertas creativas.



Con nueva música en desarrollo, colaboraciones en el horizonte y una agenda internacional que sigue creciendo, todo indica que este capítulo sudamericano será un punto de inflexión en su recorrido. Argentina, una vez más, demostrando por qué es una plaza clave en el mapa global de la música electrónica.

Terry Golden regresa de Argentina con nueva inspiración creativa

Con una trayectoria marcada por raíces musicales profundas y una relación visceral con la pista de baile, Zeb Wayne continúa construyendo una identidad propia dentro de la música electrónica contemporánea. Su recorrido —desde fiestas caseras y radio pirata hasta residencias en clubes clave de Londres y lanzamientos en sellos de referencia— siempre estuvo guiado por el instinto antes que por la fórmula.



En “Ooh, My Soul”, su más reciente lanzamiento, esa filosofía se vuelve más evidente que nunca. Publicado a través de WiP, el track abraza el groove, la imperfección y la espontaneidad como respuesta directa a la estandarización sonora y al avance de procesos automatizados. Charlamos con Zeb sobre el detrás de escena del release, el rol del humor en su música y la libertad que implica tener su propio sello.



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“Ooh, My Soul” tiene un hook vocal líricamente minimalista pero muy resonante. ¿Podés contar la inspiración detrás de esa vocal y cómo influyó en el resto del track? Estaba intentando ser desafiante frente a la música generada por IA. Además, es una frase de un disco que produjo mi papá y que se me quedó en la cabeza ese día… espero que no me haga juicio.



Cuando empezaste a producir este track, ¿tenías un género claro en mente o fue evolucionando de forma orgánica? Todo es producción orgánica, como mi comida.



La percusión y el bajo tienen una energía cruda pero a la vez muy bailable. ¿Cómo encaraste el diseño sonoro y el ritmo para que se sienta natural pero fresco? Tomé muchísimo café mientras hacía el track. Café orgánico.



¿Hubo algún software, sintetizador o técnica de producción en particular para lograr esos acordes jazzeros y las capas de percusión? Me apoyé en aprender a tocar acordes jazzeros.



¿Hubo algún momento en el que el track casi tomó una dirección completamente distinta? ¿Qué te hizo cambiar de idea? Sí, la mayoría de la música que hago tiene unas 10 versiones distintas y el resultado final no se parece en nada al comienzo. Suelo cambiar de idea cuando me doy cuenta de que no está sonando bien.



Solés incorporar sonidos cálidos y con mirada al futuro. ¿Cómo equilibrás la nostalgia con la innovación en tu trabajo? ¿Podés escribir mi nueva bio por mí?



“Ooh, My Soul” sale por tu propio sello WiP. ¿Qué te inspiró a crear el label y cómo fue evolucionando la visión desde su lanzamiento? Me inspiró la idea de no tener que hablar más con A&R. ¿Cómo evolucionó? Es apenas el segundo lanzamiento, ¡dame un poco de tiempo!



¿Cómo definirías la identidad sonora del sello? Orgánica.



¿Ves a WiP como un espacio para tu experimentación personal, una plataforma para artistas emergentes o ambas cosas? Ambas.



¿Te imaginás experimentando aún más con tracks que crucen géneros o hay una nueva dirección sonora en el horizonte? Cruzar géneros suena bien para mí. Sigamos empujando eso… orgánicamente. 



Con “Ooh, My Soul”, Zeb Wayne reafirma una postura cada vez más clara: la música como proceso, como juego y como extensión directa de la personalidad del artista. Lejos de perseguir tendencias o estructuras rígidas, el productor apuesta por dejar que las ideas respiren y encuentren su forma de manera natural.



Mientras WiP da sus primeros pasos como sello y plataforma creativa, este lanzamiento funciona como una declaración de principios. Zeb no solo está construyendo tracks para el club, sino también un espacio donde la libertad artística, el humor y la intuición vuelven a ocupar el centro de la escena.



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Zeb Wayne presenta “Ooh, My Soul”: instinto, groove y libertad creativa

Sam Shure inició 2025 con un volumen de lanzamientos que refuerza su consistencia creativa y, al mismo tiempo, evidencia un cambio de dirección estética que se viene gestando desde hace tiempo. Después de años construyendo una identidad reconocida en la música electrónica melódica, el artista vive ahora un período de creación más abierto, ligero y orientado al groove; quiere acercar su estética a atmósferas más vivas y luminosas, sin renunciar a la sofisticación que siempre ha marcado su trabajo.



El primer trabajo de esta larga secuencia llegó en febrero, con «Bring It Back», lanzado por CORE Records y producido en colaboración con Bora Uzer. La canción rápidamente se convirtió en el lanzamiento más vendido del sello, impulsada por el equilibrio entre energía directa y una vocal destacada que la convirtió en una de las más comentadas de la fase reciente del artista.



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En marzo, Sam presentó su «Shure in Rio Version» de la canción «Don’t DJ» de Gumm a través de TAU, incorporando vocales del funk brasileño en una revisión que conectó diferentes lenguajes. Al mes siguiente, volvió a HABITAT con «Boom Boom«, parte de la compilación METAFLORA III — un trabajo más experimental y «freaky», que expandió su repertorio sonoro y mostró disposición para probar ideas fuera de su eje habitual.



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Uno de los puntos más simbólicos llegó en junio, con «Your River«, colaboración con Monolink lanzada por Cercle Records. La canción carga una atmósfera más luminosa y contemplativa, con texturas que dialogan directamente con el camino que Sam viene asumiendo: menos densidad, más color y una musicalidad orientada a atmósferas soñadoras y emotivas.



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En agosto, el EP Pressure por ICONYC obtuvo cuatro remixes — firmados por Denis Horvat, Mosoo & Sentin, Dharma y Anido — cada uno revelando una interpretación distinta sobre la obra original. En el mismo período, Sam entregó además un remix de «A Great Light» para Pole Position por el histórico sello Renaissance Music, reforzando su presencia en sellos de prestigio.



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Septiembre marcó su debut en Magnifik Music con «Shine«, junto a Temple Haze, canción guiada por vocales suaves, clima deep y un groove que apunta a una faceta más accesible de su producción. En octubre, el EP Manifest por TAU amplió este espectro con tres canciones que transitan entre melódico, house y deep, cada una explorando perspectivas distintas de su identidad.



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Ya en noviembre, Sam volvió a HABITAT con un EP de cuatro canciones originales que orbitan alrededor del Melodic House con vocales y synths bien pulidos — uno de los trabajos más completos de esta secuencia por su coherencia interna y por la madurez técnica. Su lanzamiento más reciente, Miel, por Crib Records, presenta dos composiciones más percusivas y crudas, revelando cómo logra asumir ropajes rítmicos bastante diferentes en un mismo lanzamiento.



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Este conjunto de lanzamientos ayuda a dibujar un retrato del momento que vive Sam Shure: un período de alta productividad, exploración estética y direccionamiento concreto. Con un nuevo álbum en desarrollo y un proyecto de live band en construcción junto a Cairo Steps, banda de jazz de su padre, el artista se prepara para una fase que promete ampliar aún más su presencia global y consolidar esta nueva lectura de su identidad musical.



Sigue a <a href="https://www.instagram.com/sam_shure/" target="_blank" rel="noreferrer noopener">Sam Shure</a> en Instagram y acompáñalo.

Sam Shure: un año de lanzamientos estratégicos y la consolidación de una nueva fase artística

El pasado fin de semana, Under Rail volvió a demostrar por qué es una de las productoras más destacadas de la escena electrónica argentina. Con una edición especial de Halloween presentada por Stella Artois, el equipo celebró la noche más intensa del año en ARCHI Costanera, con un formato club para 800 personas que fusionó música, ambientación y una energía colectiva inigualable.



El line-up fue una verdadera celebración del house: Cosa Nostra, Bonjour Berlin, Otto, Mago y White se encargaron de encender la pista desde el primer track, en una noche que mantuvo un pulso constante entre groove, euforia y conexión. Cada set aportó una identidad distinta dentro de un mismo hilo conductor: el sonido cálido y envolvente que caracteriza a Under Rail.



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El espacio, transformado especialmente para la ocasión, combinó una estética oscura y elegante con la esencia propia de la marca: detalles visuales, iluminación precisa y una ambientación inmersiva que convirtió cada rincón en una experiencia sensorial. Todo acompañado de una producción cuidada al milímetro y una comunidad que crece evento tras evento.



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Con entradas totalmente agotadas, Under Rail Halloween reafirmó el poder de la marca para convocar, sorprender y generar pertenencia, manteniendo siempre el equilibrio entre la calidad artística, el diseño y la experiencia colectiva.



La noche en ARCHI no fue solo una fiesta: fue un nuevo capítulo en la historia de Under Rail, un movimiento que sigue consolidándose como un espacio donde la música, el arte y la comunidad se encuentran en perfecta sintonía.



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Under Rail Halloween: una noche sold out en ARCHI, Costanera

Nacido y criado en Montreal, Senudiz es el alias de Sacha Benudiz, un representante de una nueva generación de artistas que entienden el valor de la autenticidad y los riesgos de seguir las tendencias. Después de años tocando en los principales clubes de su ciudad natal y compartiendo escenarios con grandes nombres, el productor canadiense hizo su debut oficial en el mundo de las producciones en julio con «Sometimes«, lanzado por Calamar Records.



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Con un sonido que se mueve libremente entre diferentes facetas del house—siempre priorizando la emoción y la conexión—Senudiz ha ido expandiendo gradualmente su presencia internacional y recientemente tuvo la oportunidad de tocar antes de Fisher en BEACHCLUB, considerado el «club al aire libre más grande de Norteamérica».



Hablamos con el artista sobre su trayectoria, la importancia de la autenticidad en la música y sus planes para los próximos años.



¿Qué elementos de tu trayectoria consideras fundamentales para entender tu historia como artista? La música ha sido parte de mi vida desde que era niño. Siempre me atrajo cómo podía cambiar un estado de ánimo o unir a las personas. Esa conexión es lo que me hizo enamorarme de ella y eventualmente convertirla en lo que hago todos los días.



Comencé experimentando y aprendiendo por mi cuenta, luego poco a poco empecé a actuar y a desarrollar mi sonido. Con el tiempo, he tenido la oportunidad de tocar en entornos muy diferentes, desde clubes hasta festivales y lugares más íntimos. Cada experiencia me ha enseñado algo nuevo y ha ayudado a moldear quién soy como artista. Lo que siempre se ha mantenido igual es el amor por la música en sí misma y la motivación para seguir creciendo mientras me mantengo fiel a quien soy.



¿Cómo definirías tu estilo musical hoy? Mi sonido tiene sus raíces en la música house. Esa siempre ha sido la base. Lo que lo define es una energía positiva construida en torno al ritmo y el groove; quiero que la gente sienta eso. Me gusta incorporar elementos que añadan calidez y un cierto atractivo, algo que se sienta acogedor y mantenga a la gente enganchada. Para mí, se trata de mantener el equilibrio adecuado entre todos los elementos para que la energía fluya naturalmente. Es música hecha para que la gente sienta, disfrute el momento y se permita experimentar lo que la música despierte en ellos.



Recientemente tocaste antes de Fisher en BEACHCLUB. ¿Cómo fue esa experiencia? Ese día fue inolvidable. Subir a ese escenario frente a más de seis mil personas, con la lluvia cayendo a cántaros desde por la mañana, fue algo que nunca olvidaré. El clima fácilmente pudo haber arruinado el ambiente, pero en vez de eso hizo lo contrario. Añadió una energía cruda a todo el asunto. Todos estaban empapados, pero a nadie le importó. El público estaba completamente concentrado, gritando, bailando y dándolo todo. Ese tipo de ambiente saca algo de ti. Te hace querer dar aún más.



Definitivamente es uno de mis mejores sets hasta ahora. Tocar antes de alguien como Fisher conlleva presión porque la mayoría de la gente está allí por él, pero aún así tienes que dejar tu huella y construir la energía adecuada para lo que viene después. No puedes ir demasiado fuerte, necesitas mantener el equilibrio y el flujo correctos. Fue durante el día, así que las luces no tenían el mismo impacto, y todo el CO₂ y los efectos escénicos se reservaron para su set. Eso significó que todo dependía puramente de la música y la energía compartida con el público. Ese día me recordó exactamente por qué amo hacer esto.



Tu versatilidad también se refleja en los tipos de venues donde tocas, desde clubes tradicionales hasta lugares más sofisticados como Matignon París… Matignon fue una experiencia especial. Es un club de estilo VIP más tradicional, con una configuración diferente a la mayoría de los venues de hoy. La cabina del DJ no está en el centro de la sala, por lo que la gente no se centra en ti de la misma manera que podría estarlo en un club moderno. Eso obliga a que la música tome la delantera, que es como siempre debería ser, incluso si no siempre es el caso hoy en día. La gente se ha acostumbrado a alimentarse de la energía de la cabina y el lado visual, pero en Matignon, todo fue puramente sobre el sonido y el ambiente.



Eso lo hizo a la vez desafiante y refrescante. Centró la atención nuevamente en lo que más importa, que es dejar que la música guíe la noche. El público fue increíble y la energía en la sala se construyó perfectamente. Resultó ser una de las mejores fiestas durante la Semana de la Moda de París y un gran éxito en general.



Hablando de autenticidad, ¿cómo fue hacer tu debut como productor con «Sometimes» en Calamar Records? «Sometimes» siempre será especial para mí porque fue mi primer lanzamiento y salió en un sello tan respetado. Calamar siempre ha sido una referencia de calidad, y el hecho de que también pertenezca a un amigo cercano lo hizo aún más significativo. Cuando Tommy y yo fuimos a donde Moojo con la idea inicial, a él le encantó de inmediato. Nos dijo que termináramos el tema y que lo lanzaríamos en Calamar. 



No hubo presión ni plazos estrictos, solo buena energía y creatividad. Nos tomó unas cuantas sesiones conseguir que sonara como queríamos, pero todo el proceso fue divertido y genuino. Es una gran historia detrás de un primer lanzamiento.



Calamar Records es el sello de Moojo, con quien tienes una amistad cercana. ¿Cómo ha influido esta relación en tu carrera? Moojo ha tenido un gran impacto en mí, tanto como artista como persona. Siempre he admirado su visión y la forma en que se conduce. Tenerlo cerca me ha impulsado a mantenerme concentrado, confiar en mis instintos y mantener las cosas genuinas. Siempre ha dado el ejemplo, y eso es algo que valoro mucho.



Calamar es más que un sello, es una familia de personas con ideas afines que comparten los mismos valores y perspectiva de la vida. Por eso lo llamamos el Calamar Crew. En los primeros días había una cita que decía: «Ascendemos elevando a otros», y eso realmente define de qué se trata. Refleja la mentalidad de Moojo y la forma en que trata a todos los que lo rodean. Esa forma de pensar me ha influenciado mucho y es algo que trato de aplicar, dentro y fuera de la música.



¿Puedes darnos un adelanto de proyectos futuros? Hay mucho en proceso ahora mismo. No puedo decir mucho todavía, pero hay dos colaboraciones con Moojo para 2026 que me emocionan mucho. También he estado trabajando en proyectos con Del Arte que esperamos firmar con algunos sellos conocidos. Definitivamente habrá más música en Calamar también, que siempre se siente como en casa.



También estoy explorando la idea de hacer algunos shows junto a mi buen amigo Nico De Andrea, lo cual sería increíble. Se están confirmando muchas nuevas fechas para el próximo año en diferentes partes del mundo, así que estoy realmente expectante por lo que viene.



¿Qué mensaje te gustaría dejar para quienes recién están conociendo tu trabajo? Diría gracias a cualquiera que se tome el tiempo de escuchar o venir a un show. Todo lo que hago nace de un amor real por la música y los momentos que crea. Solo espero que la gente lo disfrute a su manera y sienta algo real con ello. Eso es lo que me mantiene haciendo esto y de lo que siempre se ha tratado.

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