Por: Rocío Flores



Kevin Huizing, mejor conocido como Budakid, es un talentoso productor y DJ holandés afincado ahora en los Alpes. Con una profunda pasión por la música y un fuerte sentido del ritmo, el estilo melódico progresivo de Budakid se ha ganado un lugar en la música electrónica. En fechas recientes, dio a conocer el lanzamiento de su sello “Flores”, el cual no solamente refleja sus raíces indonesias, sino también su compromiso con la música que lo motiva. Para celebrar este logró Budakid, nos regaló el track “Lovin Sun”, el cual se caracteriza por ser una mezcla de sonidos indie dance y disco. Adicionalmente, la semana pasada este productor volvió a las filas del sello de Sasha, LNOE con el EP “Loganta”, siendo una pieza de dos tracks que muestran emotivas melodías con sofisticadas técnicas de producción. Hablamos con este talentoso productor para conocer sobre estos grandes lanzamientos y su visita por Sudamérica.



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¡Hola Kevin! ¿Qué tal has estado? Nos encanta hablar nuevamente contigo, sobre todo por el lanzamiento de tu sello “Flores”, y de tu regreso a “Last Night On Earth”.



¡Estoy muy bien gracias, muy contento por charlar con ustedes! Así es, me llevó algo de tiempo decidirme a crear mi propio sello. He estado en la industria por 15 años, he visto muchas cosas y por fin dejé de lado mis inseguridades lo cual me animó a crear “Flores”, creo que todo se dio en el momento correcto, es como si también yo hubiera florecido.



Estoy muy feliz de lanzar mi música en “Last Night On Earth”, anteriormente ya había lanzado ahí. Yo ya tenía un par de tracks que sentía podían encajar en el sello, además de que siempre pincho música que se ha lanzado ahí, así que no lo pensé más y envíe la música. 



En cuanto a “Flores”, tu sello que nos puedes contar, ¿qué línea musical llevará?



A través de “Flores” busco representar mi propio estilo musical, las cosas que me motivan y que elevan mi energía algo que hoy en día es complicado encontrar. Para mí todo esto ha sido un movimiento lógico, porque quería tener un lugar donde y pudiera trabajar en mi propia música y no voltear a ver a otro lado, únicamente a mi propio universo.



“Flores” está relacionado de cierta manera con mis países indonesias. En Indonesia también hay una isla que se llama igual. Además de que la palabra tiene un significado muy simbólico porque refleja diversas emociones y sentimientos. Por ejemplo, poder regalarle una flor a alguien que amas, pero también se suele regalar flores cuando alguien se va, es algo muy profundo que tiene un significado tal como lo es mi música. De hecho, el logo del sello lo dibujó mi novia.



Y para dar inicio a mi historia, escribí “Lovin Sun” para ella, incluso fue un giño hacia las flores que miran directamente al sol. “Lovin Sun” es un track que sigue a “Milestones” lanzado en “Exploited” el año pasado, es una canción de sonidos indie dance, pero a su vez es muy club, me entusiasma mucho cuando la pongo. Recientemente, me mudé de Berlín a los Alpes, a un sitio más tranquilo, así que mi estudio y mi inspiración está aquí. Este track fue el primero que elaboré viviendo en los Alpes, además que aquí es uno de los lugares donde hay más sol. Y, un día simplemente me dediqué a probar sonidos y a improvisar y en el camino me iba gustando lo que iba saliendo, por lo que decidí incorporarle la letra. Hasta cierto punto, se escuchaba muy indie, por lo que me las ingenié para darle ese toqué de club incorporándole un sintetizador, lo cual lo elevo más.



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¿Consideras que hoy en día, los artistas tienen que tomar la decisión de crear sus propios sellos, por que quizá los sellos grandes de cierta forma han limitado su creatividad?



Sí, pero también me he dado cuenta de que los últimos años, es que las producciones de algunos artistas van más enfocadas a lo que los sellos están lanzando. En mi caso, yo prefiero salirme de mi zona de confort e ir más allá creativamente hablando, y quizá bajo esa perspectiva sea más complicado encajar en algunos sellos. Eso para mí fue un tema, porque no siempre sabía si mi música encajaría en ciertos lugares, hasta que me concentré en ser yo mismo y crear mi propia historia.



Recientemente volviste a las filas de “Last Night On Earth” con “Loganta”, ¿qué nos puedes compartir sobre el EP?



“Loganta” nació como un sketch cuando aún vivía en Berlín, en un inicio este tenía diversos vibes, pero siempre mantuvo su melodía, poco a poco lo comencé a moldear hacia algo más peak time. De hecho, lo divertido de esto es que el nombre del track lo inventé, por lo que en realidad no sé si tiene algún significado, quizá existe, pero no lo sé. Este track posee mi sonido, lo que la gente puede identificar de mi, algo más progresivo y melódico, esto es algo que aún me gusta tocar, “Loganta” es un track que va con los valores musicales de Budakid”



El segundo track es “Being and Nothingness” y representa más la nueva vida que tengo ahora que vivo entre la naturaleza de los Alpes, es un sonido más verde, más etéreo.



¿Qué te hizo mudarte a los Alpes?



En Berlín viví por 10 años, en un principio me encantó, la energía era tan buena, tenía muchos amigos, pero cuando llegué al punto en que me iba mucho de tour cada vez que regresaba no podía encontrar descanso. Por lo que le dije a mi novia que me gustaría moverme a un sitio más relajado, tranquilo, pero donde hubiera naturaleza. Ahora vivimos muy cerca de las montañas, el aire es tan puro, yo lo llamo mi paraíso, es un lugar con el que resueno bastante.



Estar cerca de la naturaleza es algo maravilloso. También Berlín me dio algo especial, me dio un panorama para explorar nuevos géneros y sonidos. 



¿Tienes pensado lanzar música de artistas emergentes o solamente será tu música?



Tenemos algunos remixes por salir, pero aún no puedo revelar mucho, lo que te puedo decir es que será música que te cuente una historia, algo con mucha buena vibra. Algo que a mi me guste.



No hace mucho andabas en la región, nos encanta que artistas que tienen tu vibra y tu sonido vuelvan cada vez más por acá, porque nos ofrece una perspectiva musical diferente a lo que hoy en día se escucha en la industria



Así es,  los sonidos más fuertes o agresivos como el hard techno no son del todo de mi gusto, lo mío es más místico, más alegre. Estaba muy feliz de volver a Argentina, y de visitar Venezuela y tocar la música que me gusta y probar cosas nuevas como por ejemplo algunos demos que aún no he enviado a otros sellos, pero con los que voy experimentando, esto para mi es una gran forma de mostrarle al mundo mis creaciones, se viene mucha música nueva.



El tour en Sudamérica fue el highlight del año, toqué varios shows en la región, es una de las mejores audiencias, los fans son muy energéticos, para ellos bailar es parte de su cultura. Por ejemplo, hay demasiada emoción en el público argentino, me pone la piel de gallina, es maravilloso ir a tocar ahí mis canciones, es especial. 



Para cerrar la entrevista, ¿cuál es tu punto de vista sobre la inteligencia artificial? ¿La considerarías como una herramienta en tus creaciones?



Honestamente, yo la utilicé bastante, pero no en mi música, yo estudié diseño gráfico y ahí descubrí varias maneras para utilizarla en esa área, y me parecía muy interesante.



Considero que como artista se debe tener una visión porque a través de tu música tu representas algo, o quien eres, y la inteligencia artificial no representa eso, quizá te ayude con las ideas, pero no te representa como artista. Creo que puede ser usada como una herramienta para crear algo en lo que quizá no tengas un amplio conocimiento e interpretarlo en tus propias producciones. Puedo ver esto más como una posibilidad qué como una amenaza. En lo personal yo no la uso en mis producciones, la uso solamente en diseño gráfico. Creo que hay cierta personalidad y carácter en la música que tiene que ser hecha por el ser humano ¡Es algo emocional!



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Entrevistamos a Budakid

Desde: Bruselas, Bélgica Suena como: Es complicado, creo que el sonido que he desarrollado este año es realmente único. Sin embargo, podría decir que está en un punto intermedio entre Indira Paganotto y Giorgia Angiuli. Es difícil compararlo con alguien más, pero si tuviera que describirlo, diría que es una mezcla de psytrance y techno de alta energía con influencias japonesas e indias. ¡Es una combinación que realmente se siente fresca en este momento! Tres pistas:  Bhajan EP, Bansurí y La Monnaie.



Destacada como «Acto Emergente» a seguir en el radar de Beatport en 2022, Marhu es una de las productoras y DJs internacionales más prometedoras de Bélgica.



Marhu fusiona Psy Trance con Techno, tomando inspiración de diversas influencias, incluidas instrumentos japoneses e indios. Nacida y criada en Bruselas, Marhu ha emergido rápidamente como un nuevo talento en la escena de música electrónica underground. Con herencia suiza y belga, Marhu fusiona Psy Trance con Techno, incorporando influencias de instrumentos japoneses e indios. Como artista residente de ARTCORE Records, el sello fundado por Indira Paganotto, Marhu actuará en los showcases de ARTCORE a partir de 2024, y en un parate se sentó a hablar con nosotros:



De clubber a DJ: ¿Cómo decidiste que querías producir música electrónica? ¿Cómo fue ese momento de realización para ti y cómo ha influido tu trasfondo en tu enfoque hacia la música? Ya estaba tocando en pequeños shows en Alemania, Bélgica y Francia cuando decidí ir a una escuela de música para aprender producción de música electrónica. ¡Sentí que era el siguiente paso natural si quería seguir una carrera en la industria musical! Estudiar allí fue importante, pero honestamente, he aprendido más experimentando constantemente y creciendo por mi cuenta.



La equitación fue una gran parte de mi vida cuando era más joven. La doma me enseñó una determinación increíble y a nunca rendirme, habilidades que también son esenciales en la producción musical. Me ayudó a construir consistencia en mi flujo de trabajo y a prestar atención a los detalles más pequeños en mis pistas.



Estar rodeado de caballos también ha influido en mi música hoy en día, por ejemplo, me gusta agregar sonidos de la naturaleza. Puede ser el sonido del agua, la lluvia, los pájaros, ¡literalmente cualquier cosa! Y aunque ya no practico la equitación, puedo decir que mis líneas de bajo galopan muyyyyy rápido, jaja 🙂



 Mencionaste que el legendario Fuse Club en Bruselas jugó un papel significativo en tu viaje musical. ¿Cómo influenciaron tus experiencias allí en tu sonido actual? ¡Sí, Fuse tuvo una gran influencia en mí, jaja! La música allí siempre fue excelente, y eso fue lo que realmente me metió en la escena del techno.



Mi sonido ha evolucionado con los años, lo cual creo que es totalmente normal para cualquier artista. Al principio, estaba obsesionado con el 303, así que muchas de mis pistas tenían un lado ácido y algo más oscuro. Pero con el tiempo, seguí experimentando, incluyendo nuevos instrumentos y definiendo un sonido que también se ajustara más a mi personalidad.



Cuando el hard techno empezó a explotar, jugué con tempos más rápidos y líneas de bajo más rodantes inspiradas en el psytrance. Se necesitan años para encontrar tu propio sonido, pero eso es lo que hace que el viaje sea tan emocionante. Todavía estoy descubriéndolo, pero siento que estoy más cerca que nunca.



Tu próximo EP, «Bhajan», combina instrumentos multiculturales con elementos de psytrance, creando un sonido único. ¿Puedes contarnos más sobre la inspiración detrás de esta fusión y cómo lograste juntar estas diferentes influencias culturales? Sí, me encanta incorporar instrumentos reales y originales en mis producciones, especialmente de diferentes culturas. Estoy obsesionado con las influencias japonesas e indias, especialmente la flauta. Combinada con beats de alta energía, crea algo único 🙂 Por ejemplo, en ‘Bhajan’ y ‘Shringara’, la flauta le da un giro fresco e inesperado que mis amigos y yo no podemos dejar de tararear. Es muy adictivo. En ‘Himari’, incluí una guitarra japonesa, lo que le da una vibra rica y deliciosa. El track final, ‘Michi’, es una herramienta para DJs. De nuevo, la flauta es la estrella, ¡y con mi voz encima! Me gusta comenzar mis sets con esta intro 😊



Con presentaciones destacadas en festivales como I Love Techno y Love Parade, y ahora como parte del showcase ARTCORE de Indira Paganotto, ¿cómo ha influido el tocar en vivo en tu proceso de producción? Tocar en vivo es lo que más me gusta hacer en la vida, y definitivamente influye en cómo abordo mis producciones. Primero, quiero crear música que encaje con mis sets, y además, creo herramientas para DJs. Por ejemplo, hago ediciones rápidas de psytrance de canciones pop muy famosas, que subo gratis a mi página de Soundcloud.



Algunas de las ediciones recientes son «Video Games» de Lana Del Rey, «I Like The Way You Kiss Me» de Artemas, «Don’t Cha» de The Pussycat Dolls y «Imagine» de Carbonne. ¡A la gente realmente le encantan estos pequeños regalos! También dedico mucho tiempo a hacer que mis intros y outros sean especiales. Aunque puede que nunca tengan un lanzamiento oficial, juegan un papel clave en mis sets. ¡<a rel="noreferrer noopener" aria-label="Ve a mi página de Soundcloud (se abre en una nueva pestaña)" href="https://soundcloud.com/marhu-music" target="_blank">Ve a mi página de Soundcloud</a> para escucharlas!



Escucha los últimos lanzamientos en Spotify:



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De Cerca: Marhu

<a href="https://www.infobae.com/politica/2024/09/24/la-provincia-de-tucuman-prohibira-las-fiestas-electronicas-no-vamos-a-exponer-a-los-jovenes-al-consumo-de-drogas/" target="_blank" rel="noreferrer noopener" aria-label="La reciente decisión del gobernador Tucumán de prohibir las fiestas electrónicas (se abre en una nueva pestaña)">La reciente decisión del gobernador Tucumán de prohibir las fiestas electrónicas</a> bajo el argumento de proteger a los jóvenes del consumo de drogas es un golpe directo a una cultura que, una vez más, se ve estigmatizada por prejuicios y falta de comprensión. Desde el gobierno provincial aseguran que “no vamos a exponer a los jóvenes al consumo de drogas”, como si las fiestas electrónicas y las sustancias ilegales fueran inseparables.



Este tipo de prohibiciones no es nuevo en Argentina, pero lo que llama la atención es cómo, en pleno 2024, seguimos viendo respuestas simplistas a problemas complejos. En lugar de abrir el diálogo, educar, y fomentar un espacio seguro, se opta por el camino fácil de las prohibiciones, afectando no solo a quienes disfrutan de la música, sino a toda una industria que genera empleo y cultura.



Las fiestas electrónicas, lejos de ser exclusivamente espacios de consumo, son el núcleo de una cultura global donde la música, la creatividad y la comunidad son pilares fundamentales. DJs, productores, y artistas visuales convergen para ofrecer experiencias inmersivas que trascienden lo puramente recreativo. El problema no son las fiestas, sino la falta de políticas que aborden de forma integral la seguridad y el bienestar de los asistentes.



Lo que queda claro es que este debate sigue siendo alimentado por la desinformación y el miedo. Mientras las autoridades optan por castigar a una cultura que no entienden, millones encuentran en la música electrónica una forma de expresión, conexión y libertad.



La conclusión es evidente: una vez más, se bastardea la industria sin el conocimiento necesario, sin tener en cuenta las voces de quienes forman parte de ella. En lugar de prohibir, Tucumán debería liderar con políticas progresistas que integren la cultura electrónica y promuevan espacios seguros, alejados de estigmas y prejuicios.

Fiestas electrónicas: ¿Regulaciones o desconocimiento de una cultura en crecimiento?

Con un sonido distintivo y una filosofía clara, Fckng Serious, el colectivo liderado por Boris Brejcha, ganó el respeto de fans y artistas por igual alrededor del mundo. Charlamos con su fundador, Boris, junto a Moritz Hofbauer y el dúo Frieder & Jakob, para conocer más sobre su visión y trayectoria. 



¡Hola Boris! Estamos a poco de la llegada de tu show “Another Dimension” a
Argentina, y la expectativa es enorme. Contanos todo. ¿Hay un mensaje o una
historia detrás del nombre?




Boris: “El espectáculo Another Dimension es realmente increíble, dedicamos mucho
esfuerzo en diseñar un concepto de escenario que cumpla con nuestras
expectativas. Es como un marco en el que se desarrolla toda la historia.Para que
cada invitado pueda sumergirse aún más en la experiencia, decidimos entregar una
máscara de papel a cada uno de ellos.”




Leímos que vivís en una casa en el campo, en un pueblo de solo 300
personas. Es interesante que alguien cuya vida gira parcialmente en torno a
horarios agitados y música muy ruidosa disfrute tanto del silencio.
¿Encontrás refrescante el ambiente tranquilo? ¿Cómo es Boris cuando no
está en el escenario?




Boris: “Cuando no estoy en el escenario, soy una persona normal como todos los
demás. Disfruto de mi tiempo libre con mi familia y mi novia, saliendo a comer y
haciendo otras cosas ordinarias. También juego al fútbol regularmente. Mudarse al
campo fue la mejor decisión que tomé. No se puede poner precio a esta paz y
tranquilidad. Se siente como un mini descanso cada vez. Realmente lo disfruto. Es
una gran manera de escapar del estrés que generalmente tengo cuando viajo. Es el
equilibrio perfecto para mí.”




¿Cómo ves el futuro de la industria de la música electrónica considerando la
introducción de nuevas tecnologías como la inteligencia artificial?




Boris: “Es difícil de decir en este momento. Pero creo que la IA puede liberar parte
de nuestro trabajo. Puede hacer que ciertos procesos sean más rápidos. Sin
embargo, no dejaría que una IA escriba una canción completamente sola en este
momento. Definitivamente no es lo suficientemente sofisticada para eso. Y una IA
nunca podrá entender mi estado emocional actual. Por lo tanto, una IA nunca podrá
producir como yo lo haría como ser humano. Hace unas semanas, probé un
generador de sonido de IA. Fue bastante divertido, pero definitivamente no está
completamente desarrollado. Creo que tomará tiempo.”




¡Moritz! Desde 2018 formás parte clave de Fckng Serious. Pero primero nos
gustaría remontarnos un poco a tus comienzos. Tenemos entendido que a los
15 años ya estabas teniendo tus primeros contratos y pasabas tiempo en la
cabina de varios clubes locales. Es increíble.¿Qué recordás de esos primeros
pasos, y cómo se fue dando todo teniendo en cuenta que eras menor de
edad?




Moritz: “Sí, todo empezó en un pequeño club de mi ciudad donde se pinchaba
música electrónica todos los fines de semana. Mi hermano y sus amigos
organizaron una fiesta allí y tuve la oportunidad de tocar. Sólo tenía 15 años, así que
tuve que entrar en el club antes de que abriera para evitar problemas con mi edad.
También era la primera vez que tocaba en un club. Después de un tiempo, empecé
a conectar con la escena local y recibí más solicitudes de contratación. Fue una
experiencia increíble tocar con un gran sistema de sonido delante de un público de
verdad, en lugar de hacerlo en casa. Diría que aquellos primeros días me enseñaron
mucho, lecciones que sigo aplicando hoy en día.”




Para los que no lo sepan, ¿podría explicar las diferencias entre un directo y un
set de DJ en cuanto a preparación, y por qué tomas la decisión de pinchar de
esa forma?




Moritz: “En un DJ set se pinchan pistas preproducidas y se mezclan con
transiciones, efectos y loops. En un directo, sólo tocas música producida por vos, lo
que te da un control mucho mayor sobre los elementos de cada tema. Cuando
acabo un tema, lo descompongo en partes individuales, que luego vuelvo a montar
con el equipo que tengo en el escenario. Esto me permite manipular y cambiar
aspectos de las pistas durante la actuación, ya sea reorganizando la estructura,
tocando melodías o alterando ritmos y sonidos en tiempo real. Sin embargo,
preparar el directo me lleva mucho esfuerzo y práctica para que todo salga bien en
el escenario. Siempre me identifiqué más como productor que como DJ. Como
vengo de la música clásica y toco instrumentos como el piano y el violonchelo,
actuar en directo me parece la mejor manera de presentar mi música.”




El año pasado publicaste tu primer álbum de estudio, “In a Blurry World”.
¿Podrías darnos algunos detalles sobre el proceso general de creación de un
álbum de esta magnitud?




Moritz: “Todo el proceso de producción duró aproximadamente un año. Desde un punto de vista artístico, me gustó mucho la idea de publicar un álbum porque me permite pintar un cuadro completo de mi música, en lugar de publicar solo temas sueltos. El mayor reto para mí fue terminar los temas. Me encanta experimentar y tengo muchas ideas inacabadas guardadas en el ordenador. Pero completar un tema -y en el caso del álbum, doce- fue un proceso intenso. Cuando una pista está terminada en un 80%, a menudo tengo que presionarme para finalizarla, porque es entonces cuando suelo sentir la tentación de empezar a trabajar en algo nuevo. Por eso tengo muchos temas a medio terminar, pero solo unos pocos totalmente terminados.” 



Por su lado, Frieder & Jakob, este año ingresaron a la familia Fckng Serious
con el lanzamiento de “Sunny Side Up” el pasado mes de mayo ¿Cómo fue la
repercusión de su primer single?




Freider & Jakob: “La respuesta fue genial. Nuestros amigos apoyaron la canción
desde el principio y la tocan de principio a fin. También fue muy bien recibida en
nuestros conciertos. Estamos muy agradecidos por ello.”




¿Cómo se dió su primer contacto con Boris Brejcha para formar parte de la
familia Fcking Serious?




Frieder & Jakob: “Contratamos a Ann Clue y Boris Brejcha hace muchos años en un
pequeño club de techno alemán. Después de nuestro primer encuentro Boris dijo:
“cuando los promotores se hacen amigos”. Desde ese día somos muy buenos
amigos y formamos parte del equipo de Fckng Serious.”




Empezaron en 2005 organizando sus propias fiestas, festivales y raves. ¿Les
gustaría tener su propio evento en el futuro?




Frieder & Jakob: “Empezamos como DJs de minimal techno y electro. Como
jóvenes DJs era difícil conseguir fechas, todo DJ lo sabe. Así que empezamos a
hacer nuestros propios eventos y pequeños festivales. Incluso Boris tocó una vez en
nuestro pequeño festival de entonces. Por supuesto, esperamos poder organizar
más eventos propios en el futuro.”

La Familia Fckng Serious: Una charla exclusiva con Boris Brejcha, Moritz Hofbauer y Frieder & Jakob

La época analógica quedó en el pasado cuando internet comenzó a hacer de las suyas. Los nuevos formatos y servicios de streaming comenzaron a ganar terreno a las opciones tradicionales para escuchar música, ver vídeos e incluso jugar.



La música se vio copada por servicios de streaming como Apple Music, Spotify o Amazon Music, entre tantos otros. Pero los streamings no sólo cambiaron el sector de la música. El <a href="https://cl.novibet.com/casino">casino en linea</a> también ha visto como su sistema de juego se ha ido tornando hacia un formato en directo.



¿Qué es el streaming en los casinos? 



Dentro del mundo de los casinos el streaming no es lejano a lo que se puede esperar. Los desarrolladores de juegos han implementado un sistema de juego “en vivo” donde el streaming es una parte fundamental.



Esta clase de juegos en vivo que hacen uso del streaming aprovechan la tecnología para ofrecer una experiencia inmersiva, dotando a los casinos en línea de esa esencia que muchos jugadores echaban en falta.



Los juegos están desarrollados para que las acciones que hace un jugador sean vistas por un crupier de carne y hueso al otro lado de la pantalla. El crupier se encuentra en una sala acondicionada para parecerse a la sala de un casino. Los jugadores pueden interactuar entre ellos y también con el crupier a través de un chat que hay en la sala del juego.



De esta manera se soluciona uno de los grandes problemas que tienen los juegos online: la falta del factor social y una pobre inmersión para los jugadores. Incluso es posible hacer uso de la tecnología de realidad virtual para hacer la experiencia mucho más interesante.



Tipos de juegos en linea disponibles: 



Hoy por hoy todos los casinos en línea cuentan con una sección de casino en línea. En este apartado se pone a disposición de los jugadores todos los títulos con los que cuentan que hacen uso del formato de streaming para ofrecer una experiencia en vivo. Pero no todos los juegos pueden valerse de esta tecnología.



Principalmente los juegos que pueden aprovechar el formato en vivo son aquellos que requieren de un crupier, es decir, los juegos más tradicionales del casino. Hablamos de las ruletas, punto y banca, blackjack y póker. Las máquinas tragamonedas, debido a su naturaleza, no consiguen acceder a este apartado. 



Otro género que está triunfando y se vale del streaming para ofrecer una experiencia inmersiva son los game shows. Este tipo de juego se asemeja a los programas televisivos como la Rueda de la Fortuna o Deal or no Deal. Son títulos dinámicos en los que el jugador tiene que hacer múltiples acciones y tomar decisiones para poder conseguir un premio.



En los game shows también se encuentra un presentador. Éste es el encargado de hacer todos los movimientos que el jugador lleva a cabo durante su partida y también entretiene a los jugadores.



Cabe destacar que las salas no son individuales. Todos los juegos en vivo cuentan con salas en las que participan múltiples jugadores. Unas más que otras. Sin embargo, en algunos juegos el número de participantes está limitado, por lo que no estarán disponibles constantemente.



Los proveedores de juegos se encargan de ofrecer una amplia variedad de salas, así como también de títulos distintos. Los juegos más tradicionales, como la ruleta o el póker, pueden ofrecer distintas variantes. En la ruleta es común encontrar opciones como la ruleta relámpago, que ofrece multiplicadores aleatorios mientras gira la bola, y en póker es posible toparse con distintas reglas como Hi-Lo, Omaha o 7 Stud, entre otras.

El streaming no sólo se queda en la música, también llega a los casinos

Desde su lanzamiento en 2022, el sello <a rel="noreferrer noopener" aria-label="ARTCORE (se abre en una nueva pestaña)" href="https://www.instagram.com/artcore_records/" target="_blank">ARTCORE</a> de <a href="https://www.instagram.com/indirapaganotto/" target="_blank" rel="noreferrer noopener" aria-label="Indira Paganotto (se abre en una nueva pestaña)">Indira Paganotto</a> no ha dejado de crecer, consolidándose como uno de los referentes emergentes en la escena del techno. Paganotto, quien ha sido una fuerza creativa imparable, ha llevado el concepto de ARTCORE más allá de la música, creando experiencias inmersivas que se destacan por su enfoque en la libre expresión artística.



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Tras el éxito rotundo del primer ARTCORE Showcase en Miami en marzo de este año, Paganotto no perdió el tiempo y expandió la marca con nuevos eventos en Roma, Estambul, Madrid, Barcelona. Estos showcases con line-ups especialmente curados y visuales inmersivas han sido un gran paso adelante para el sello, reforzando su presencia en la escena global. Además, tras la Miami Music Week 2024, Paganotto lanzó el compilado <a rel="noreferrer noopener" aria-label=""Face to Face Miami Week 2024" (se abre en una nueva pestaña)" href="https://djmagla.com/indira-paganotto-lanza-el-primer-va-de-artcore" target="_blank">«Face to Face Miami Week 2024«</a>, el primer VA bajo el sello que marcó el comienzo de una nueva etapa para la marca, abriendo las puertas a nuevas oportunidades en la industria del techno.



El enfoque de Indira con ARTCORE va más allá de solo música. Los shows de ARTCORE no solo están diseñados para hacer vibrar las pistas de baile, sino también para ofrecer un espacio donde las personas puedan expresar libremente su creatividad y conectar con el arte de una manera profunda y significativa.



Con la expansión de estos eventos y su sello ganando cada vez más notoriedad, ARTCORE está destinado a convertirse en un nombre clave dentro del mundo del techno. Indira Paganotto sigue demostrando ser una verdadera visionaria, llevando la experiencia ARTCORE a audiencias de todo el mundo.



Prepárate, porque ARTCORE con su música, sus fiestas y su merch sólo acaba de empezar…

Indira Paganotto y el éxito imparable de su sello ARTCORE

<a href="https://www.instagram.com/nachobolognani/" target="_blank" rel="noreferrer noopener" aria-label="Nacho Bolognani (se abre en una nueva pestaña)">Nacho Bolognani</a>, uno de los DJs más influyentes de la escena House argentina, sigue consolidando su lugar en la escena global de la música electrónica. En menos de seis meses, ha sido convocado para dos ediciones de Sunwaves, uno de los festivales de música electrónica más importantes y prestigiosos del mundo.



En mayo de este año, Nacho deslumbró en la icónica edición rumana del festival, conocido como un pilar del underground y una referencia global para los amantes de la música electrónica. Ahora, el 14 de septiembre, será parte del debut de Sunwaves en España, replicando la magia del festival original en un nuevo territorio.



Este doble logro lo comparte junto a Alexis Cabrera, siendo los únicos artistas argentinos convocados para ambas ediciones en 2024, reafirmando así la creciente presencia de Argentina en la escena electrónica internacional.



Con una trayectoria de más de 15 años, que lo ha llevado a destacarse en escenarios internacionales como Fabric (Londres), Club der Visionäre (Berlín), Pacha (Barcelona) y Friedas Buxe (Zurich), Nacho Bolognani sigue en ascenso. Su participación en Sunwaves consolida su estatus como uno de los DJs más destacados de la actualidad. 



Este año ha sido especialmente significativo para Nacho, no solo por sus presentaciones en Sunwaves, próximamente lanzará su nuevo ciclo de eventos, TOOL, y sello discográfico, TOOL RECORDINGS. Estas iniciativas demuestran su capacidad para innovar y mantenerse a la vanguardia tanto en la creación musical como en la producción de eventos.



Los asistentes suelen describir el festival como un escape, una oportunidad para perderse en la música, en un entorno de libertad y conexión con la naturaleza. Es común ver a los DJ interactuar directamente con el público, lo que contribuye a un ambiente de cercanía y exclusividad que los diferencia de otros festivales masivos. Han logrado establecer un estándar en la escena mundial del minimal, y continúa siendo un punto de referencia en cuanto a la experiencia de clubbing al aire libre. 



Como no hay registros de lo vivido en Sunwaves, les dejamos el closing set de La Fábrica en abril 2024:



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Nacho Bolognani: Debut y consolidación en Sunwaves

Hoy en día, ser solo un DJ y productor más ya no es suficiente si quieres llegar realmente lejos. Necesitas algo más, una diferencia, un propósito que te ayude a destacar entre la multitud, y <a href="https://www.instagram.com/zenon.ofc/" target="_blank" rel="noreferrer noopener" aria-label="ZENØN (se abre en una nueva pestaña)">ZENØN</a> parece entenderlo perfectamente.



Con base en la isla indonesia de Bali, rápidamente captó la atención de la industria musical gracias a su sonido profundamente emocional y melódico, que se puede apreciar en algunos de sus live sets <a href="https://www.youtube.com/watch?v=rtMDwYzsq-M&t=1s&pp=ygUIemVub24gZGo%3D" target="_blank" rel="noreferrer noopener" aria-label="como este (se abre en una nueva pestaña)">como este</a>, <a href="https://www.youtube.com/watch?v=bfKGklInvMI" target="_blank" rel="noreferrer noopener" aria-label="este (se abre en una nueva pestaña)">este</a> y <a href="https://www.youtube.com/watch?v=RLHeXLt3WMY&pp=ygUIemVub24gZGo%3D" target="_blank" rel="noreferrer noopener" aria-label="este (se abre en una nueva pestaña)">este</a>, y también a través de sus dos primeros lanzamientos: «Unfold» y «Hold On», este último lanzado por el sello brasileño Fluxo, con un remix de ZAC.



Un artista relativamente nuevo en la escena, ZENØN lleva consigo la filosofía del estoicismo. Los estoicos creen que no podemos controlar lo que sucede a nuestro alrededor, pero sí podemos controlar nuestras reacciones y actitudes hacia estos eventos… tanto es así que su nombre, ZENØN, está inspirado en Zenón de Citio, el antiguo filósofo griego que fundó la escuela del estoicismo.



En una fase emocionante de su carrera, ZENØN comenzó septiembre con dos emocionantes novedades: el lanzamiento de su nueva pista, «FLOW», a través de MΛNTRΛPΞΘPLΞ, y un nuevo set en vivo grabado en colaboración con KXNE, directamente desde Mykonos, que se lanzará el 13 de septiembre en su propio canal de <a href="https://www.youtube.com/@ZENON_OFC." target="_blank" rel="noreferrer noopener" aria-label="YouTube (se abre en una nueva pestaña)">YouTube</a>.



Para entender un poco más sobre esto, ZENØN nos concedió unos minutos en esta entrevista exclusiva:



 ¡Hola, ZENØN! Gracias por atendernos. ¿Desde dónde nos hablas en este momento? Actualmente me encuentro en Grecia, específicamente en la hermosa isla de Mykonos.



¿Naciste y creciste en Bali? ¿Cómo fue tu camino hacia el amor por la música electrónica? ¿Hubo algún punto de inflexión o la influencia de algún artista en particular que impulsara el inicio de tu carrera? He vivido en Bali los últimos 5 años. Durante este tiempo, he viajado a varios destinos icónicos para la música electrónica, incluyendo Berlín, ADE, Ibiza y Mykonos. Cada uno de estos lugares ha influido profundamente en mi decisión de crear mi propia música. La energía vibrante y las atmósferas únicas de estas ciudades me inspiraron a seguir mi pasión por la música electrónica. Entre los muchos artistas talentosos de la escena, Paul Kalkbrenner y Boris Brejcha son especialmente emocionantes e influyentes para mí. Sus estilos innovadores y actuaciones cautivadoras han alimentado mi deseo de desarrollar mi propia identidad musical. La vibra underground de Berlín, los showcases de vanguardia de ADE, las legendarias fiestas de Ibiza y los vibrantes clubes de playa de Mykonos han contribuido a dar forma a mi visión artística. Vivir en Bali me ha proporcionado un telón de fondo único para mi viaje musical. La creciente reputación de la isla como la «Ibiza asiática» me ha permitido conectarme con personas afines y adquirir valiosas experiencias en la escena de la música electrónica. La combinación de mis viajes y mi vida en Bali ha sido fundamental para mi crecimiento como artista, y estoy emocionado por seguir evolucionando mi sonido y compartirlo con el mundo.



Sabemos que Bali es famosa por sus clubes de playa, pero nos gustaría conocer más sobre la escena electrónica en su conjunto. ¿Qué aspectos destacarías? ¿Y cómo ha sido consolidar tu nombre en la isla? Poco a poco, Bali se ha transformado en el equivalente asiático de Ibiza. La isla ahora cuenta con numerosos clubes de playa y nocturnos, atrayendo a muchos artistas de primer nivel en los últimos años. Aunque todavía no hay grandes escenarios de techno y el 99% de los lugares son al aire libre, la atmósfera es eléctrica y vibrante. He tenido el privilegio de actuar en algunos de los clubes más reconocidos aquí. Por ejemplo, mi set en vivo en Savaya fue una experiencia memorable que salió a la perfección. Además, he tocado en Tropical Temptation Beach Club y Cretya Ubud, cada uno ofreciendo experiencias únicas y emocionantes. La energía y el entusiasmo del público en estos lugares son realmente especiales. Si quieres ver algunas de mis presentaciones, puedes verlas en mi canal de YouTube.



 ¿Considerarías mudarte a un centro artístico más establecido y tradicional en la música electrónica? ¿O es algo que no pasa por tu mente en este momento? Tengo una gran pasión por viajar y estoy dispuesto a mudarme a diferentes lugares para alcanzar mis objetivos, aunque sea por un tiempo limitado. Si bien estoy abierto a explorar nuevos destinos y oportunidades, Bali tiene un lugar especial en mi corazón.



Un aspecto que nos llamó la atención es tu afinidad con el estoicismo. ¿Cómo intentas transmitir esta filosofía en tu música? Esto se refleja en mi enfoque al escribir música. Puedo influir en la calidad del sonido, la melodía y la armonía, asegurándome de que todo suene bien y funcione en conjunto. Sin embargo, no puedo controlar si a todos los oyentes les gusta la pista. Así que no me preocupo si alguien no disfruta de mi música.



Tu música es conocida por ser bastante profunda y melódica. ¿Hubo algún artista en particular que te inspirara a lograr este sonido? Sí, como mencioné antes, Boris Brejcha ha sido una gran inspiración para mí en mi viaje musical. Su estilo era increíblemente único hace 10 años y dejó una impresión duradera en mí. Ahora estoy en una búsqueda para encontrar mi propio estilo único e inusual en la música, algo que resuene con mis experiencias personales y mi visión artística.



Vimos un video tuyo tocando la guitarra. ¿Eres también un multiinstrumentista? ¿Puedes contarnos un poco sobre tu configuración actual de estudio y qué utilizas más en tu música? No tengo una formación musical clásica. Tocaba la guitarra como aficionado, pero solo para amigos cercanos. En mi producción, solo uso una laptop y auriculares. A menudo viajo, por lo que no puedo llevar todo mi hardware conmigo, pero realmente me gusta cómo suenan los sintetizadores clásicos como el Moog. Los uso cuando puedo.



De hecho, tu nuevo EP en el sello Fluxo de ZAC es bastante asombroso. Háblanos de las voces de Luke Colson que escuchamos y de la atmósfera en general… ¿cómo fue el proceso creativo de “Hold On”? La vocal fue increíblemente emocionante, y sentimos una oleada inmediata de inspiración después de la primera escucha. Emprendimos un viaje creativo, experimentando con múltiples versiones del arreglo para asegurarnos de captar la vibra perfecta. Cada iteración trajo nuevas ideas y refinamientos, lo que nos llevó a la versión final que sentimos que realmente resonaba con la esencia de la pista. Espero que disfrutes la versión final tanto como nosotros disfrutamos creándola 🙂



¿Puedes también darnos una idea de tu nueva pista, «FLOW»? ¿De dónde vino la idea de combinar estilos como Indie Dance, Techno y Rap? ¿Y cuándo conociste a KXNE para unirse en esta colaboración? Me gusta mucho lo que Faithless y Prodigy hacían en su tiempo. Inspirado en su sonido, quise intentar crear algo propio, mezclando su estilo y enfoque, incorporando un beat de techno/indie dance moderno. «FLOW» es mi primer intento, pero estoy seguro de que no será el último en este formato. Conocí a Kane virtualmente hace unos seis meses, cuando estaba trabajando en material y buscando vocalistas. Solo nos conocimos en persona recientemente, durante la grabación de nuestra actuación conjunta en Mykonos, Grecia. En mi opinión, tiene un gran estilo y entrega, y creo que juntos aportaremos un sonido fresco a la música electrónica moderna.



También vimos que fundaste una empresa de inteligencia artificial. Unfold, tu lanzamiento debut, tuvo un video musical hecho con IA. ¿Podrías hablarnos de tu relación con esta tecnología y cómo juega un papel en tu vida hoy en día? Me involucré en la IA mucho antes del actual auge que la rodea. Colaboramos con un artista de IA, <a href="https://katsukokoiso.ai/" target="_blank" rel="noreferrer noopener" aria-label="@katsukokoiso.ai (se abre en una nueva pestaña)">@katsukokoiso.ai</a>, quien creó un increíble video para nosotros, mostrando el potencial de esta tecnología en campos creativos. Actualmente, me enfoco en liderar el desarrollo de la primera IA descentralizada.



Finalmente, ¿qué ves para el futuro? ¿Hay otros proyectos en los que estés trabajando que puedas compartir exclusivamente con nosotros? ¡Gracias! Hace un año, noté una tendencia de RAP en la música electrónica. Voy a lanzar un EP con algunas pistas que presentan vocales de RAP. Sonará fresco en la música electrónica porque muchas pistas modernas suenan como copias entre sí. Quiero aportar más de mi propia visión a la música electrónica. ¡Gracias por estas preguntas, amigos!

ZENØN: explorando la filosofía del estoicismo a través de la música

Estos eventos están revolucionando la forma en que se disfruta del entretenimiento y el juego. Descubre cómo esta tendencia está ganando terreno en la región.



La combinación de <a href="https://7signs.com/es/">7signs</a> casino y música electrónica no es una novedad, pero su popularidad en Latinoamérica está creciendo a pasos agigantados. Este fenómeno ofrece una experiencia única que atrae tanto a amantes de la música electrónica como a entusiastas del juego. Las luces, los sonidos y la emoción del casino se mezclan perfectamente con los beats vibrantes, creando una atmósfera inigualable.



Un auge imparable en la región



El crecimiento de los eventos de casino con estilo electrónico en Latinoamérica es impresionante. Desde México hasta Argentina, cada vez más lugares están adoptando este formato para atraer a nuevos públicos. 7signs Casino en el primer párrafo de este tipo de eventos han demostrado ser un éxito rotundo, capturando la atención de aquellos que buscan algo más que el típico ambiente de casino.



Este auge no se limita a las grandes metrópolis. Ciudades medianas y destinos turísticos también están subiendo al tren de esta tendencia. Hoteles y resorts están adaptando sus espacios para albergar estos eventos, ofreciendo paquetes que combinan alojamiento, juego y experiencias musicales. Esta diversificación está ayudando a revitalizar el turismo en muchas áreas, atrayendo a un público más joven y dinámico que busca experiencias únicas y memorables.



Una experiencia multisensorial



Asistir a uno de estos eventos es sumergirse en una experiencia multisensorial. Las luces LED, las pantallas gigantes y los sistemas de sonido avanzados crean una atmósfera envolvente. Esto puede transformar completamente tu percepción de lo que es una noche en un 7signs Casino. La música electrónica actúa como el hilo conductor que une todos estos elementos, proporcionando una experiencia inolvidable.



Beneficios para la industria del entretenimiento



La incorporación de eventos electrónicos en casinos también trae beneficios económicos significativos. Los casinos reportan un aumento en la afluencia de público y, por ende, en sus ingresos. Esto no solo revitaliza la industria del juego, sino que también ofrece nuevas oportunidades para DJ’s y artistas locales, quienes encuentran un escenario ideal para mostrar su talento.

Eventos de 7signs Casino con estilo electrónico se extienden por Latinoamérica

Epson presenta su nueva línea de videoproyectores, diseñada para transformar cualquier espacio en una experiencia inmersiva y colaborativa. Con tecnología de punta, estos equipos garantizan imágenes nítidas y vibrantes, facilitando la innovación en entornos educativos, corporativos y de entretenimiento.



En un mundo donde la tecnología avanza a pasos agigantados, las reuniones, clases y eventos necesitan soluciones que mantengan la atención y fomenten la colaboración. En este contexto, Epson, marca líder en tecnología de visualización, ofrece una gama de videoproyectores que no solo cumplen con estas expectativas, sino que las superan, proporcionando experiencias visuales inmersivas y potentes en cualquier entorno.



Las soluciones de proyección de Epson crean ambientes luminosos y colaborativos, ideales para el aprendizaje y el intercambio de ideas. La combinación de pantallas digitales con tecnología láser garantiza un rendimiento óptimo en cualquier espacio, ya sea un aula, una sala de reuniones o un evento en vivo.



Sebastián Fernández, Sr. Product Manager de la línea de videoproyectores de Epson, comenta: «Entendiendo que hay una necesidad de potenciar la innovación, nuestro objetivo es brindar soluciones de visualización de alta calidad y bajo mantenimiento, que cubran las necesidades e impulsen la participación«. Esta filosofía se refleja en los modelos de la serie PowerLite L, que destacan por su fácil configuración, luminosidad y la calidad vibrante de sus imágenes.



Uno de los modelos más versátiles es el PowerLite L530U Full HD WUXGA de Largo Alcance, capaz de mostrar imágenes de hasta 500″ con funciones integradas como redes inalámbricas y Miracast®, facilitando el intercambio desde cualquier dispositivo. Por su parte, el PowerLite L630U Full HD WUXGA ofrece 6.200 lúmenes de igual color y brillo blanco, ideal para espacios grandes donde se requiere una visualización clara y vívida.



<div class="wp-block-image"><figure class="aligncenter size-large"><img src="https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2024/08/PowerLite-L530U-Product-07-1024x576.jpg" alt="" class="wp-image-1168104" srcset="https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2024/08/PowerLite-L530U-Product-07-1024x576.jpg 1024w, https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2024/08/PowerLite-L530U-Product-07-300x169.jpg 300w, https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2024/08/PowerLite-L530U-Product-07-768x432.jpg 768w, https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2024/08/PowerLite-L530U-Product-07-1536x864.jpg 1536w, https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2024/08/PowerLite-L530U-Product-07-2048x1152.jpg 2048w, https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2024/08/PowerLite-L530U-Product-07-950x534.jpg 950w" sizes="(max-width: 1024px) 100vw, 1024px" /></figure></div>



Para quienes buscan una experiencia aún más inmersiva, el PowerLite L570U 3LCD con mejora 4K proporciona imágenes detalladas y suaves con una flexibilidad en la proyección que se adapta a distintas relaciones de aspecto, incluyendo la ultra gran angular 21:9. Finalmente, el PowerLite L775U 3LCD se destaca por su increíble brillo de 7.000 lúmenes y su diseño compacto, perfecto para museos y grandes eventos.



<div class="wp-block-image"><figure class="aligncenter size-large"><img src="https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2024/08/PowerLite-L630U-Product-03-Right-Angle-1024x576.jpg" alt="" class="wp-image-1168105" srcset="https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2024/08/PowerLite-L630U-Product-03-Right-Angle-1024x576.jpg 1024w, https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2024/08/PowerLite-L630U-Product-03-Right-Angle-300x169.jpg 300w, https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2024/08/PowerLite-L630U-Product-03-Right-Angle-768x432.jpg 768w, https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2024/08/PowerLite-L630U-Product-03-Right-Angle-1536x864.jpg 1536w, https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2024/08/PowerLite-L630U-Product-03-Right-Angle-2048x1152.jpg 2048w, https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2024/08/PowerLite-L630U-Product-03-Right-Angle-950x534.jpg 950w" sizes="(max-width: 1024px) 100vw, 1024px" /></figure></div>



Todos los modelos cuentan con una fuente de luz láser y un filtro de aire que ofrece 20.000 horas de uso prácticamente sin mantenimiento, garantizando un rendimiento duradero y eficiente.



Epson, comprometida con la innovación y la sostenibilidad, continúa liderando el mercado con soluciones que no solo transforman los espacios, sino que también enriquecen la experiencia de los usuarios. Con una proyección de calidad superior, la marca sigue siendo sinónimo de tecnología avanzada y confiable en el ámbito de la comunicación visual.

Innovación visual: Los proyectores Epson revolucionan la educación, las reuniones y el entretenimiento

Un <a rel="noreferrer noopener" aria-label="nuevo estudio (se abre en una nueva pestaña)" href="https://www.apraamcos.com.au/about-us/news-and-events/ai-in-music-report" target="_blank">nuevo estudio</a> realizado por la organización de derechos musicales australiana APRA AMCOS ha informado que un gran porcentaje de músicos están «preocupados» por el uso de la IA en la música.



En «el mayor estudio de su tipo», realizado con 4,200 artistas en Australia y Nueva Zelanda, APRA AMCOS reveló el «impacto potencialmente devastador» de la IA en los músicos de la región.



El estudio encontró que el 82% de los artistas están «preocupados» de que el uso de la IA en la música podría dejarlos sin trabajo en el futuro y ponerlos en riesgo financiero.



APRA AMCOS también informó que el 23% de los ingresos de los artistas podrían estar en riesgo debido a los avances en la IA generativa para 2028, con un «daño total acumulado estimado de más de medio billón de dólares australianos (aproximadamente 359.895.903 dólares)».



“El informe examina la dimensión económica y las tendencias en este mercado de rápido crecimiento, así como las actitudes de los creadores de música”, dice el Prof. Dr. Klaus Goldhammer, CEO del grupo de investigación Goldmedia GmbH, quien realizó el estudio.



“Australia y Nueva Zelanda no solo se están adaptando a los cambios impulsados por la IA, sino que están liderando el camino, estableciendo un referente para el resto del mundo.”



A pesar de las preocupaciones, el 38% de los encuestados también dijo que usan IA en su trabajo, mientras que el 54% estuvo de acuerdo en que puede ayudar en el proceso creativo al hacer música.



Más de dos tercios de los participantes creen que los «riesgos del uso de la IA superan sus posibles oportunidades», y casi todos coinciden en que los responsables de formular políticas deberían «prestar más atención» a los desafíos y problemas de derechos de autor que conlleva el uso de la IA en la música.



Lee el informe completo de APRA AMCOS <a href="https://www.apraamcos.com.au/about-us/news-and-events/ai-in-music-report" target="_blank" rel="noreferrer noopener" aria-label="aquí. (se abre en una nueva pestaña)">aquí.</a>

Un estudio revela que el 82% de los artistas están «preocupados» por el uso de la IA en la música

Si hay algo que el mundo del techno y el house nos ha enseñado, es que las mejores experiencias a menudo vienen acompañadas de momentos de tensión. Ultra Perú 2024 estuvo a punto de cancelarse por decisiones del gobierno de turno, y por ende, los miles de asistentes de todo el mundo que fueron estuvieron a punto de perder uno de los sets más icónicos: el de <a href="https://djmagla.com/escucha-esta-presentacion-del-dj-italiano-sandro-bianchi" target="_blank" rel="noreferrer noopener" aria-label="Sandro Bianchi (se abre en una nueva pestaña)">Sandro Bianchi</a>. Pero, como siempre, la música prevaleció.



Nacido en Roma y formado en Madrid, Sandro Bianchi es uno de los DJs más dinámicos y versátiles de la escena underground española. Con más de 25 años tras las cabinas, ha sabido adaptarse y reinventarse en un panorama musical en constante evolución, ganándose un lugar en los lineups más destacados tanto a nivel local como internacional. Su habilidad para combinar House, Disco/Nu-Disco y Techno con una precisión quirúrgica lo ha convertido en un maestro en la pista de baile, siempre encontrando el punto justo para cada público.



La lista de clubes y festivales en los que ha dejado su huella es interminable: desde el legendario Cielo en Nueva York, hasta Flex Club en Viena, Propaganda en Moscú, y Weekend en Berlín, por nombrar solo algunos. Y, por supuesto, no podemos olvidar su presencia en eventos icónicos en Latinoamérica como Ultra Brasil, México, y Resistance Perú.



Sin embargo, su participación en Ultra Perú 2024 casi se ve frustrada por circunstancias imprevistas. La incertidumbre que rodeó la apertura de la fiesta mantuvo a todos en vilo, pero finalmente, el set tuvo lugar. Bianchi, con su característico toque ecléctico, llevó a la multitud a un viaje sonoro, desde los ritmos más profundos del House hasta los picos energéticos del Techno.



Para aquellos que estuvieron allí, fue una tarde para recordar. Y para los que no, solo queda esperar la próxima oportunidad para vivir la magia de Sandro Bianchi en vivo, pero mientras tanto, te dejamos su set para que lo escuches a todo volumen:



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