DJ DALI ha construido su nombre sobre una propuesta sonora que fusiona Afro House con influencias de Medio Oriente, manteniéndose fiel a sus raíces mientras rompe fronteras. Para él, la música es mucho más que ritmo: es una forma de contar historias. Su objetivo es crear un viaje emocional, equilibrando la nostalgia con la emoción, y la tradición con la innovación. Su herencia cultural del Medio Oriente moldea sus producciones, integrando melodías ancestrales con beats electrónicos modernos de una forma que conecta con audiencias en todo el mundo.



En conversación con DJMAGLA, nos compartió detalles sobre su proceso creativo. La improvisación juega un papel fundamental en sus presentaciones en vivo: nunca sigue una playlist estricta, sino que se deja llevar por la energía del público y ajusta su set en tiempo real. En el estudio, muchas de sus mejores ideas han nacido de la experimentación espontánea, como aquella vez en que invirtió accidentalmente un sample y dio con una nueva dirección sonora. De cara al futuro, su visión artística se expande más allá de la pista de baile, con ambiciones que incluyen la composición para cine, proyectos multimedia y colaboraciones con artistas de distintas disciplinas. A través de todo ello, mantiene un enfoque claro: hacer música auténtica y sin límites.



¿Qué emociones buscas generar en tu audiencia a través de tu música? Para mí, la música es narrativa. Quiero que las personas sientan una conexión profunda al escuchar mis tracks. Busco evocar una mezcla de nostalgia y emoción—algo que los haga sentirse arraigados en la tradición pero abiertos a nuevas posibilidades. Quiero que se pierdan en los grooves hipnóticos y que las melodías e instrumentos los transporten emocionalmente.



¿Cómo influye tu cultura en los temas que exploras musicalmente? Mis raíces de Medio Oriente son centrales en mi visión artística. Crecí escuchando instrumentos y melodías tradicionales, que naturalmente se incorporan en mi música. Mi enfoque es fusionar esos sonidos antiguos con beats electrónicos, haciéndolos accesibles para oyentes modernos sin perder su esencia. Es mi manera de honrar mi herencia y proyectarla hacia una nueva era.



¿Has tenido alguna revelación creativa inesperada al producir? Definitivamente. Muchas de mis mejores ideas surgen de la experimentación espontánea. Una vez, invertí accidentalmente un sample y eso cambió por completo la energía del track, dándole un aura mística. Ese momento me enseñó la importancia de estar abierto a los errores—muchas veces llevan a los sonidos más innovadores.



¿Qué rol juega la improvisación en tus sets en vivo? La improvisación es clave para que cada set sea único. Nunca sigo una lista fija de temas—leo la energía del público y ajusto en tiempo real. A veces extiendo un breakdown, repito un canto o lanzo drops inesperados. Esa capacidad de adaptación hace que la experiencia sea más inmersiva y personal.



¿Cuáles son tus principales objetivos artísticos para los próximos años? Quiero llevar mi música más allá del club: componer para cine, participar en proyectos multimedia y colaborar con artistas de otras disciplinas como pintores, diseñadores de moda y bailarines. La música debe vivirse más allá del sonido, y hacia allá voy.



¿Algún consejo para DJs y productores emergentes? Sé fiel a tu sonido y no apures el proceso. Las modas van y vienen, pero la autenticidad perdura. Experimenta sin miedo, aprende de distintos estilos y culturas, y enfócate en crear algo que sea indiscutiblemente tuyo.



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¿Cómo ha influido tocar en diferentes festivales en tu estilo? Cada festival tiene su propia vibra. Tocar en distintos entornos me ha enseñado a adaptarme sin perder mi esencia. Los festivales grandes requieren sets de mucha energía, mientras que los íntimos permiten recorridos más emocionales. Actuar en distintos países también me ha dado nuevas perspectivas sobre cómo estructurar mis sets.



¿Qué crees que hace a un set de DJ realmente bueno? Un gran set cuenta una historia. No se trata solo de hits, sino de construir un arco emocional, equilibrando tensión y liberación, llevando al público por un viaje. También es fundamental leer la energía del público y responderle: cada show es una conversación de ida y vuelta.



¿Qué te inspira más allá de la música? El arte, la moda y los viajes tienen un papel enorme en mi creatividad. Me inspiran los artistas visuales que juegan con la forma y la estructura, así como las estéticas culturales que encuentro viajando. Todo eso influye en mi diseño sonoro y en mis presentaciones.



¿Alguna vez sentiste presión por seguir las tendencias comerciales? A veces, pero siempre he creído en mantenerme auténtico. Aunque estoy al tanto de lo que pasa en la industria, me aseguro de que mi trabajo refleje mi visión personal y no una reacción a las modas. La longevidad se construye con innovación, no con imitación.



¿Qué track cambió tu vida? “Baglami.” Ese track consolidó mi identidad como artista y me abrió muchas puertas. Representa todo lo que amo: raíces culturales profundas, ritmos hipnóticos y experimentación electrónica.



¿Cuál es tu sueño máximo como artista? Crear un legado que trascienda la música. Quiero construir una marca que una diferentes formas de arte, genere conversaciones culturales globales e inspire a las nuevas generaciones de creadores.



¿Cómo te preparas mental y físicamente para una presentación importante? Mentalmente, visualizo cómo quiero que el público reaccione a mi música. También medito para entrar en el estado mental correcto, concentrado en el momento. Físicamente, me hidrato bien y hago estiramientos para mantener la energía durante el set. Tener una rutina equilibrada me ayuda a rendir al máximo.



¿Hay algún track o momento en tu carrera que aún se sienta irreal? Cada vez que toco temas como “Nateka” y escucho la reacción del público, es algo surreal. La energía y conexión son abrumadoras. Esos momentos reflejan todo el trabajo que hay detrás.



¿Cómo equilibras la vida familiar con tu carrera como DJ y productor? Es un desafío, especialmente siendo padre a tiempo completo de gemelas. Pero me organizo para dedicar tiempo de calidad tanto a mi familia como a mi música. Es clave estar presente en ambos roles.



¿Qué rol juega hoy en día la presencia en redes sociales para un artista? Las redes sociales son esenciales para conectar con los fans y compartir mi proceso creativo. Me permiten mostrar mi música y mi viaje. Pero lo más importante es ser auténtico—los fans quieren ver el lado real del artista.



¿Qué esperás que la gente sienta al escuchar tu música? Espero que encuentren una conexión emocional. Ya sea la energía de un festival o la profundidad de un track en casa, quiero que sientan algo real. La música es poderosa, y deseo que resuene con todos los que la escuchen.



¿Cuáles son tus metas a largo plazo en la industria musical? Seguir evolucionando mi sonido, colaborar con artistas de distintos géneros y empujar los límites de lo que puede ser la música electrónica. Quiero dejar una marca duradera como creador que fusiona culturas, historias y sonidos.



¿Cuál ha sido el mejor consejo que recibiste como artista? “Sé fiel a ti mismo.” Es algo que siempre tengo presente. En una industria llena de presiones externas, es vital seguir tu propio camino. La autenticidad siempre se destaca.



¿Cómo enfrentás los bloqueos creativos? Encuentro inspiración en la vida cotidiana: un viaje, una conversación, un momento de silencio. Cuando me siento bloqueado, me alejo del estudio y dejo que la mente divague. Muchas veces, las mejores ideas llegan cuando dejas de forzarlas.



¿Cómo desarrollás y hacés evolucionar tu sonido único? Experimento con distintos géneros y elementos—ya sea música del mundo, techno o house—e incorporo lo que más me resuena. Busco evolucionar empujando los límites de lo que ya hice, pero sin perder mis influencias culturales.



¿Cómo conectás con tus fans después de los shows o lanzamientos? Me encanta conectar con ellos, tanto en persona como por redes sociales. Siempre me tomo un tiempo para conversar, sacarme fotos y agradecerles su apoyo.



¿Qué es algo que sorprendería a la gente saber de vos? Estoy muy involucrado en todos los aspectos de mi música, incluyendo la mezcla y masterización. Muchos no saben lo detallista que soy, pero para mí es clave que el producto final refleje por completo mi visión.



¿Dónde te gustaría tocar si pudieras elegir cualquier lugar del mundo? Me encantaría tocar en África o Sudamérica, donde la cultura musical está profundamente arraigada en el ritmo y la narrativa. Creo que la energía de esos lugares sería increíble.



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DJ DALI: Tradición, emoción e innovación sonora

Dos estilos musicales se fusionan en «Raiva», la nueva colaboración entre Trikk y Meute.



Por un lado, tenemos la estética de Trikk: una fusión meticulosa y enigmática de música electrónica y puesta en escena visual. El productor y DJ nacido en Oporto es conocido por sus producciones profundas, percusivas y estéticamente distintivas, lanzadas en sellos como Ninja Tune, Innervisions y DGTL. Su enfoque combina ritmos con una narrativa cinematográfica, expandiendo constantemente los límites de la música electrónica underground.



En la otra esquina, está Meute, la banda de metales con once integrantes que ha conquistado el mundo desde Hamburgo desde 2015. Su misión: reinterpretar clásicos del house y techno como «Rej» o «The Man With The Red Face» en versiones propias, llenas de energía orgánica y vibrante.



«Raiva» une estos dos universos, combinando el sonido rítmico y cargado de new wave de Trikk con la arrolladora sección de metales de Meute. En exclusiva para nosotros, Trikk nos respondió algunas preguntas sobre su visión y el proceso detrás de este trabajo.



Tu nuevo proyecto en Innervisions es una declaración poderosa. ¿Cómo completan los nuevos temas inéditos la narrativa sonora que iniciaste con «Luxo», «Rigor» y «Fortuna»? Mientras que los temas anteriores marcaron el tono con intensidad, emoción y energía, los nuevos exploran más a fondo el impacto físico y la introspección. Existe una fuerte correlación entre todos ellos, ya que el proyecto completo se creó bajo una única premisa: música de club emocional y física.



Dado el intrincado diseño sonoro y la profundidad emocional de tus producciones, ¿cómo traduces esa energía a tus sets en vivo? ¿Has probado ya estos nuevos temas en la pista de baile y cómo reaccionó el público? ¿Cómo decides cuándo un track está listo para sonar en un set en vivo? Seleccionar música de otros productores que comparten mi misma visión me ayuda a construir el flujo de mis DJ sets. Ya he probado algunos de los nuevos temas, y funcionan muy bien si se tocan en el momento justo, que es la esencia de ser DJ. Elegir la canción correcta para el momento indicado no es una ciencia exacta, sino más bien una sensación que desarrollas con los años de tocar en distintos escenarios, frente a diferentes públicos y en múltiples países.



Has vuelto a Buenos Aires, una ciudad con una comunidad electrónica apasionada. ¿Qué hace especial tocar aquí y cómo influye la energía de la ciudad en la preparación de tu set? Siento que el público fue honesto, y eso es una gran virtud cuando estás actuando. Puede ser abrumador si dejas que las emociones te controlen, pero la gente reacciona cuando realmente lo siente. Si no están conectados con la música, simplemente no responden, lo cual puede dar miedo como DJ. Me gusta ese desafío y la honestidad, porque me ayuda a mantenerme presente en el momento. No preparo mi set con anticipación, pero sí profundizo en mis playlists para tener opciones cuando sea necesario.



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Tus producciones logran un equilibrio entre texturas orgánicas y una estética de club vanguardista. ¿Cómo abordas la creación de tracks que funcionan tanto como experiencias de escucha profunda como armas de pista de baile en su punto máximo? Para mí, se trata de asegurar que el track tenga resonancia tanto física como emocional. Busco la sinergia entre esos elementos, garantizando que la música impacte en ambos niveles, ya sea en un momento introspectivo o en plena acción en la pista. Sin embargo, lo más importante para mí es la reacción del público. Sea positiva o negativa, una reacción es clave. Lo peor es que no haya ninguna. Busco una respuesta subconsciente de la audiencia, y si no la encuentro, sé que algo falta.



Como alguien que constantemente empuja los límites del sonido, ¿cómo ha evolucionado tu proceso creativo mientras trabajabas en este proyecto para Innervisions? ¿Experimentaste con nuevas técnicas o fuentes de inspiración? Este proyecto es más bien una respuesta a mi álbum de 2023. Quería hacer algo con un enfoque más orientado a la pista de baile, pero que aún mantuviera una apertura emocional. Aparte de grabar con Meute e incorporar sus registros en vivo, lo que me llevó a explorar nuevas técnicas, mi única regla e inspiración fue crear música que fuera tanto física como emocional, música de club con profundidad. Eso es lo que define este trabajo.



Enchufa, conéctate y siente la intensidad, o simplemente toma asiento mientras Trikk y Meute llevan la experiencia al escenario. No te pierdas ‘Raiva’, una colaboración que redefine los límites entre la música electrónica y la energía instrumental en vivo. 



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Trikk: La Fusión perfecta entre emoción y fuerza en la música electrónica

Mochakk es uno de los nombres más impactantes de la música electrónica actual, y su reciente visita a Argentina no fue la excepción. Como parte de su serie global de eventos, Mochakk Calling, el DJ y productor brasileño presentó su visión artística única en Buenos Aires, dejando una huella con su actuación y conectando con los fanáticos de una manera íntima y poderosa. Tuvimos la oportunidad de conversar con Mochakk sobre la inspiración detrás de Mochakk Calling, sus experiencias en Argentina y lo que viene en su camino.



Trajiste tu primer evento Mochakk Calling a Buenos Aires el 8 de febrero. ¿Cómo se sintió introducir este concepto de evento en Argentina por primera vez? Siempre he sentido un amor por Argentina y quería hacer algo allí desde hace tiempo, así que finalmente llevar Mochakk Calling a Buenos Aires fue un momento enorme para mí y para el equipo. Argentina y Latinoamérica en general tienen una energía increíble, y quería hacer esto realidad desde hace tiempo. Encontramos el lugar perfecto para la fiesta, y con tantas cosas importantes sucediendo esa semana, como el lanzamiento de mi nuevo EP From The Stars con Ninja Tune, fue como si todo se alineara perfectamente.



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Mochakk Calling: ¿Bajo qué visión artística nació este proyecto? ¿Qué tipo de atmósfera intentas crear para que el público disfrute de la música? Mochakk Calling surgió de una idea de uno de los chicos del equipo. Sabíamos que queríamos hacer nuestra propia serie de fiestas y estuvimos planeándolo durante un tiempo. Teníamos claro que queríamos tener esta vibra industrial que refleja un poco la esencia de São Paulo. Necesitábamos un nombre y un concepto, y Calling simplemente funcionó, como llamar a tus amigos para que vengan a una fiesta. Se quedó. Nos permite jugar mucho con el concepto y con cómo escribimos los textos para los eventos. La vibra industrial de São Paulo está presente en los visuales, la escenografía y los lugares que elegimos, todo encaja en una misma estética, como los cables telefónicos de la ciudad que transmiten el caos urbano.



Hemos escuchado que cuando llegas a un lugar, te gusta traducir lo que sientes o lo que el lugar te transmite en lo que tocas. Ya tuviste algunas experiencias con Argentina en 2022. ¿Cómo fue reencontrarte con tu público argentino en Mochakk Calling Buenos Aires? ¿Qué te transmite Argentina? Sí, los sets que toco en cada lugar definitivamente cambian según la ubicación y el público. Argentina estaba en mi lista de lugares donde realmente quería volver a tocar, así que me puse muy feliz cuando supe que íbamos a llevar Calling allí. No sé cómo describirlo, pero Argentina tiene una energía diferente, el público se emociona muchísimo. ¡Me encanta tocar aquí! También pude pasar algunos días en Buenos Aires después del show, así que estaba emocionado.



Con tantas facetas en tu carrera, ¿cómo es tu «lado B»? ¿Qué hace Mochakk cuando no está inmerso en la música, largas giras, organización de eventos o administrando tu club? Cuando estoy en casa, me encanta pasar tiempo con la familia y los amigos, y simplemente relajarme. São Paulo es una ciudad loca, siempre estamos haciendo cosas, es una ciudad que nunca duerme. Me encanta conducir de un lugar a otro con mis amigos y relajarme. Voy mucho al gimnasio cuando estoy en casa. Trabajo mucho en música. Juego baloncesto o fútbol con los chicos, también voy a los partidos. Básicamente, simplemente disfruto el tiempo libre.



¿Puedes contarnos más sobre tu ultimo EP, From the Stars? Tenía las canciones From the Stars y Maria desde hace un tiempo, así que es una locura que finalmente estén disponibles para el mundo. Además, lanzar en un sello como Ninja Tune fue un gran hito para mí. From the Stars samplea una increíble canción de los 80 de The RAH Band, Messages from the Stars. Tiene una vibra nostálgica, un poco disco. Maria también se hizo bastante grande cuando hice mi set para Cercle en la Plaza de España en 2023, así que si la querías, ¡ahora está disponible!



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¡El Carnaval en Brasil es una de las celebraciones más grandes de Latinoamérica! ¿Qué hiciste para celebrarlo? ¡El Carnaval ha sido increíble este año! Estaba muy emocionado por esta edición, fue súper intenso, pero es lo mejor. Tenía como siete u ocho shows grandes en todo Brasil. Uno de ellos fue en el Museu do Amanhã en Río para BOMA con Fatboy Slim, lo cual fue una locuraaaa. ¡Increíble!



Este también fue nuestro primer Carnaval en el club que tengo con mis amigos en mi ciudad natal, OBLIQO. Tuvimos una semana completa de eventos e incluso trajimos a Seth Troxler. Es una locura que podamos llevar artistas internacionales enormes a mi ciudad natal. Fue una locura.



Con Mochakk Calling en plena expansión y su visión creativa evolucionando continuamente, Mochakk se está consolidando como una de las figuras más emocionantes de la escena electrónica actual. Con latinoamérica ya abrazando su sonido y concepto, no podemos esperar a ver qué es lo próximo en su viaje.



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Mochakk: Trayendo Mochakk Calling a Buenos Aires y Más Allá

Nacido en Mar del Plata, Agustín Giri ha logrado consolidarse como uno de los nombres más interesantes de la escena electrónica argentina y mundial. En esta entrevista exclusiva con DJMAGLA, el artista comparte su viaje desde la costa atlántica hasta los escenarios internacionales, sus hitos musicales y su perspectiva sobre la evolución de la industria.



¿Cómo crees que Mar Del Plata influyó en tu sonido y en tu carrera? ¿Cómo ves la relación entre la escena electrónica latinoamericana y la europea? Haber nacido en Mar del Plata es algo de lo que estoy muy agradecido, tanto a nivel personal como artístico. Hablando sobre mi carrera, siento que, al ser una ciudad más chica (comparada a Capital), hay más oportunidades, ya que es más “fácil” llamar la atención de los clubes y productoras. En cuanto a mi sonido, no sé qué tanto influyó; creo que ahí sí influyó más Buenos Aires, cuando venía desde Mar del Plata a escuchar a los artistas que me gustaban o me daban curiosidad. Hace 2 años, me mudé a Buenos Aires y fue un movimiento clave para seguir desarrollándome como artista. Hace casi un año que trabajo con Sol Solar y estoy muy feliz de poder trabajar con ellos; son muy profesionales y, sobre todo, grandes personas. Quiero hacer una mención especial para Andrés Rego; él fue la primera persona en confiar en mí en Buenos Aires y, en poco menos de un año, me enseñó muchísimo. Lo vamos a extrañar mucho.



La relación entre ambas escenas creo que es muy valiosa, ya que constantemente hay un intercambio de nuevos sonidos y talentos. En general, creo que los sonidos que se escuchan en Europa hoy, tal vez se hagan populares en Argentina en un par de años; aunque hoy en día, con las redes sociales, la escena en general se homogeneizó. Hablando específicamente de Argentina, depende todo del enfoque que se le ponga; podríamos “quejarnos” de que la escena está cada vez más comercial, o podemos enfocarnos en que cada vez más gente consume más música electrónica, y eso llevará a que en el futuro se le dé más lugar a otros sonidos no tan comerciales. Ahí es donde tal vez veo la mayor diferencia con la escena europea, en donde está lo main/comercial, pero también hay una gran movida alternativa. Cabe destacar que no hay como el público argentino; eso es algo que me asombró mucho cuando comencé a viajar a tocar a otros lugares.



“Transient Enigma» en Innervisions y «Not Now» en Nervous Records son hitos en tu carrera. ¿Cómo fue el proceso de llegar a sellos tan icónicos y qué significó para vos lanzar en ellos? Es gracioso porque fue muy diferente con cada sello. 



Innervisions es, desde hace muchos años, un sello que me inspiró mucho y me moldeó como artista. Estuve trabajando durante mucho tiempo en mis producciones hasta que sentí que ya estaba al nivel para enviarles. Así que empecé a mandarle a Âme (Kristian); le habré enviado en 2 años unos 35/40 tracks, de los cuales pinchó varios, hasta que un día me dijo que le gustaría firmar “Transient Enigma”.



En cambio, con Nervous fue todo muy diferente; un día estaba escuchando mis demos y escuché «Not Now» (lo tenía olvidado), que originalmente tenía unas vocales de Biggie, y se me ocurrió mandarlo a Nervous. No esperaba sellarlo, ya que no es un track de house, pero algo me decía que podía gustarles y así fue. Lo envié simplemente para probar y, a la media hora, el A&R de Nervous me dijo que lo querían lanzar.



Ambos releases fueron súper importantes para mí, ya que son sellos discográficos legendarios: por un lado, Innervisions, que fue y sigue siendo una guía para mí, y, por otro lado, Nervous, que nunca lo imaginé y, a la vez, me motivó a seguir haciendo la música que me salga, ya que nunca se sabe dónde terminará saliendo.



Has colaborado varias veces con Juan Hansen, ¿cómo nace esta conexión y qué aporta cada uno a los tracks que crean juntos? Con Juan compartimos muchas fechas ya, y siempre hubo mucha buena onda. Una de las últimas que compartimos fue en Mute, en Mar del Plata, y ahí dijimos que teníamos que hacer música juntos. No soy de hacer muchas colaboraciones, excepto que haya una amistad de por medio, y así lo sentí con Juan. Nos complementamos muy bien; él es un gran músico, súper creativo y con muchas ideas. Así que fue fácil trabajar juntos; fluyó muy rápido. Primero hicimos “<a href="https://djmagla.com/juan-hansen-y-agustin-giri-capturan-la-magia-del-amanecer-con-su-nuevo-track-sentir-asi">Sentir Así</a>” a la distancia y, cuando nos juntamos para terminarlo, nos pusimos creativos y empezamos “Hurting”; en 3 o 4 sesiones ya teníamos ambos tracks terminados. Y hay más en proceso…



En abril vas a lanzar un EP en Just This con un remix de Robag Wruhme y en octubre llega tu primer álbum con Rummel. ¿Cómo fue trabajar con un artista con tanta trayectoria como Robag? ¿Qué nos podés adelantar sobre tu álbum y cómo fue el proceso de creación en comparación con un EP o single? Así es; en abril sale mi próximo EP en colaboración con Gespona en “Just This” label de Hunter Game. Robag es un productor que admiro mucho por su originalidad, así que, cuando firmamos el EP con Gonza (Gespona), dijimos que nos encantaría un remix de él, y así fue. Estamos muy contentos con este release, ya que es nuestro primer EP en colaboración.



La idea del álbum surgió hablando con Gespona y Djolee (dueños de Rummel y grandes amigos), ya que tengo mucha música de diferentes BPMs, intensidades y géneros (desde ambient a techno). Nos pusimos a imaginar un posible tracklist y nos dimos cuenta de que quedaba muy bien y con mucho sentido. En este momento estoy en el proceso final de varios de los tracks. Espero que les guste.



Amancay se ha convertido en una plataforma clave en la escena argentina. ¿Cómo surgió la idea y cómo ha evolucionado con el tiempo? ¿Cuál es la visión a futuro del proyecto y en qué se diferencia de otros colectivos? <a href="https://djmagla.com/amancay-cuando-la-musica-florece-en-colectivo">Amancay</a>, antes de ser Amancay, era un grupo de Whatsapp en donde hablábamos mucho de música; nos dábamos consejos y feedbacks de nuestros tracks. Un poco en chiste y un poco no, surgió la idea de crear una especie de sello para lanzar nuestra música, y así sucedió. Ya vamos 4 años trabajando en este hermoso proyecto. Año a año seguimos creciendo, tanto como sello como cada uno en su proyecto personal.



Nuestro objetivo es seguir creciendo y poder dejar una huella en la escena argentina. Trabajamos para eso y así lo seguiremos haciendo.



No sabría decir en qué nos diferenciamos de otros colectivos, pero puedo decir que en Amancay somos un grupo de amigos que nos apoyamos día a día en cuestiones artísticas y personales, y ahí creo que está lo más lindo que tenemos: la amistad.



En los próximos meses vas a tocar en Berlín, Estambul, Dubái, Barcelona y más ciudades. ¿Cómo ves la recepción de tu música en distintas partes del mundo? ¿Hay alguna ciudad o club en particular que te haya marcado? La verdad que estoy muy contento con la recepción de mi música en el mundo. Como productor, me gusta mostrar diferentes facetas para que diferentes personas puedan conectar con lo que hago; en algunos lugares les gusta la música más amigable y, en otros, la música más “rara” o oscura. Como DJ, siento que es muy importante saber contarle al público lo que uno quiere contar.



Cada ciudad es diferente; ahí es donde creo que es muy importante saber leer el contexto y al público. No es el mismo en Dubái que en Berlín y ese desafío es el que más disfruto a la hora de pasar música. Más allá de esto, me siento muy afortunado de poder conocer diferentes culturas en cada viaje que hago. 



Como dije antes, de todas las ciudades y clubes me llevo algo; pero hubo dos lugares que me marcaron mucho: uno fue “Kater Blau” en Berlín y, por otro lado, “Garden of Dreams”, un festival que se hace en Bosnia y Herzegovina.



Argentina tiene una fuerte cultura de música electrónica, pero también grandes desafíos para los artistas emergentes. ¿Cuáles creés que son los mayores retos y oportunidades para un productor hoy en día? Creo que, post-pandemia, la escena global cambió bastante; muchos más productores y muchos más DJs, por lo tanto, es difícil captar la atención. Me parece muy importante entender que no alcanza con solo ser buen productor o buen DJ; hoy en día hay muchas otras cuestiones en juego que hay que tomar en consideración a la hora de querer ser parte de la escena, como, por ejemplo, redes sociales, saber manejarse y ser profesional. Dicho todo esto, no hay que dejar de ser auténtico y real a uno mismo; saber nuestros propios límites y respetarlos.



Trabajo, constancia y saber aprovechar las oportunidades me parece lo más importante; la suerte juega un gran papel también.



Con una visión clara y un sonido en constante evolución, Agustín Giri continúa dejando su huella en la escena global, llevando su música a nuevos territorios y consolidándose como uno de los talentos más prometedores de la industria de la musica electrónica. Desde su primer contacto con la electrónica en Mar del Plata hasta sus lanzamientos en sellos icónicos y su expansión internacional, su historia es un testimonio de pasión, trabajo y dedicación. Con un 2024 cargado de novedades, incluyendo su esperado álbum debut, su viaje está lejos de detenerse. Nos queda claro que lo mejor de Agustín Giri aún está por venir.



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Agustín Giri: De Mar del Plata al mundo con un sonido propio

<a href="https://www.instagram.com/famouswhendeadmusic/">Famous When Dead Records</a> (FWDR), el sello recientemente lanzado por el DJ y productor <a href="https://www.instagram.com/cashonlynocards/">CASH ONLY</a>, ha presentado su primera referencia con el sencillo «Another One», interpretado por el artista británico Syncia. 



Con este debut, la discográfica establece su propuesta musical, enfocada en sonidos electrónicos con énfasis en el House. Además del lanzamiento inicial, <a href="https://www.instagram.com/famouswhendeadmusic/">FWDR</a> anunció una serie de producciones futuras y una agenda de actividades que incluyen eventos y un programa de radio.



El catálogo del sello contará con la participación de artistas como Syncia, Reigns, Rahh, Maisie Mae, Patrick Meeks y Holly Ellison, entre otros. Según CASH ONLY, el proyecto surge de la combinación entre música y artes visuales, en colaboración con el artista callejero Andrew Turner, conocido como Famous When Dead. La iniciativa busca ir más allá de la distribución musical, proponiendo experiencias que integran sonido, imagen y diseño.



En su trayectoria, CASH ONLY ha trabajado como Label Manager en Dvine Sounds y ha consolidado una presencia en plataformas digitales con más de 50 mil oyentes mensuales en Spotify. Además, mantiene un programa en Centreforce Radio y acumula reproducciones en redes sociales como TikTok e Instagram. La creación de <a href="https://www.instagram.com/famouswhendeadmusic/">FWDR</a> representa una nueva etapa en su carrera, con la intención de establecer una comunidad en torno a la música y la creatividad.



<div class="wp-block-image"><figure class="aligncenter size-large"><img src="https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2025/03/CASH-ONLY-1024x768.jpg" alt="" class="wp-image-1169562" srcset="https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2025/03/CASH-ONLY-1024x768.jpg 1024w, https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2025/03/CASH-ONLY-300x225.jpg 300w, https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2025/03/CASH-ONLY-768x576.jpg 768w, https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2025/03/CASH-ONLY-1536x1153.jpg 1536w, https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2025/03/CASH-ONLY-2048x1537.jpg 2048w, https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2025/03/CASH-ONLY-950x713.jpg 950w" sizes="(max-width: 1024px) 100vw, 1024px" /></figure></div>



Reflexionando sobre la creación del sello, CASH ONLY comparte: «<a href="https://www.instagram.com/famouswhendeadmusic/">FWDR</a> nació de una pasión compartida por la música y las artes visuales creativas. Es una colaboración emocionante entre mí y el artista callejero abstracto de Midlands, Andrew Turner, también conocido como Famous When Dead. Nuestro objetivo no era simplemente crear otro sello para lanzar música, sino construir una comunidad vibrante. Queríamos ofrecer algo más allá del sonido, una experiencia completa que pudiera verse como una película o una obra de arte en movimiento, usarse como una camiseta con un diseño creativo o vivirse en un entorno de club inmersivo donde los visuales y el sonido se fusionen en perfecta armonía.»



El sello plantea un espacio para la exploración artística tanto para nuevos talentos como para nombres consolidados en la escena. CASH ONLY enfatiza que <a href="https://www.instagram.com/famouswhendeadmusic/">FWDR</a> pretende combinar una visión satírica con una estrategia seria de difusión musical. La propuesta también busca expandirse mediante eventos en clubes y colaboraciones con otras marcas del sector.



<a href="https://www.instagram.com/cashonlynocards/">CASH ONLY</a> añade: «FWDR es divertido y satírico a la vez. Nos tomamos en serio la promoción de nuestra música, pero queremos disfrutar el camino. Apoyar a nuevos talentos es importante para nosotros, pero también queremos ofrecer un espacio donde los artistas consolidados puedan explorar su creatividad con mayor libertad.»



Como parte de su plan de expansión, CASH ONLY prepara el lanzamiento de una serie de eventos bajo la marca <a href="https://www.instagram.com/famouswhendeadmusic/">FWDR</a>, con una fecha confirmada en el club E1, en Londres. Además, el sello desarrollará un programa de radio con el objetivo de difundir su catálogo y presentar a sus artistas en un formato regular.



El sencillo «Another One» ya está disponible en plataformas digitales y ha comenzado a recibir apoyo en la industria. El sello proyecta un año de actividad con lanzamientos, eventos y una estrategia enfocada en la promoción de nuevos talentos y en la producción de contenidos audiovisuales vinculados a su identidad artística.



Para más información sobre Famous When Dead Records, se pueden visitar sus canales oficiales <a href="https://www.instagram.com/famouswhendeadmusic/">Instagram</a>, <a href="https://www.beatport.com/label/famous-when-dead-records/127716">Beatport</a> y <a href="https://www.traxsource.com/label/73322/famous-when-dead-records">Traxsource</a> y CASH ONLY tiene su <a href="https://djcashonly.com/">website</a>, <a href="https://www.instagram.com/cashonlynocards/">Instagram</a>, <a href="https://soundcloud.com/cashonlydj">Soundcloud</a>.

CASH ONLY lanza el sello Famous When Dead Records y presenta sus primeros lanzamientos

Con más de tres décadas de experiencia en la música electrónica y profundas raíces en la escena italiana, Max Porcelli no es solo un DJ y productor consumado, sino también una figura clave en la difusión del conocimiento, ya que ahora es instructor certificado de Steinberg.



Su fascinación por el DJing comenzó después de su primera gran experiencia en clubes en los años 90. A lo largo de su trayectoria, Max ha lanzado más de 80 trabajos, incluidos sencillos, EPs y remixes, colaborando con artistas renombrados como Inaya Day, Jocelyn Brown y Angie Brown (Bizarre Inc).



En 2007, comenzó a escribir un capítulo importante en su carrera al fundar su sello, <a rel="noreferrer noopener" href="https://www.instagram.com/989records/" target="_blank">989Records</a>, cuya influencia va mucho más allá de la pista de baile. A través del sello, ha sido una fuerza impulsora detrás de lanzamientos que navegan por Deep House, Progressive y Organic House, incorporando también influencias Downtempo. Su enfoque sigue siendo la creación de paisajes sonoros inmersivos y la síntesis de emociones, ya sea apoyando talentos emergentes o reforzando su propia identidad artística.



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Más allá de la producción musical, Porcelli se ha destacado como mentor y educador. A través de <a href="https://www.howtomakeelectronicmusic.org/" target="_blank" rel="noreferrer noopener">HTMEM Online Blog y Academy</a>, ha creado un espacio para que nuevos productores exploren su potencial artístico. Su reconocimiento como entrenador certificado de Steinberg refuerza aún más su autoridad en la industria, cerrando la brecha entre la teoría musical y la práctica. De hecho, en 2018, su dedicación a la educación lo llevó a Ibiza, donde dirigió una escuela de DJ y presentó un programa de radio en Mambo Radio.



Hoy en día, Max Porcelli sigue enfocado en expandir su presencia internacional, fortaleciendo su carrera a través de colaboraciones estratégicas y trabajo en estudio. Con un sonido que fusiona capas inmersivas y texturas progresivas, sus sets y producciones llevan a los oyentes a un viaje profundo que refleja su vasta experiencia musical. La versatilidad de Porcelli radica en su capacidad para crear música que resuene tanto en la pista de baile como en momentos más introspectivos, manteniendo siempre una calidad atemporal.



«Orchid», su último lanzamiento en Be Adult Music, encarna perfectamente esta dualidad, ofreciendo una escapatoria sonora mientras mantiene un ritmo irresistible. La pista original envuelve a los oyentes en suaves pads, sintetizadores etéreos y delicadas notas de piano, creando una atmósfera de pura inmersión. Mientras tanto, el remix lleva la experiencia a otro nivel, añadiendo capas de suspense y una caída electrificante que mantiene la energía alta y cautivadora.



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Con cada nuevo lanzamiento, Porcelli sigue consolidándose como un artista altamente versátil y auténtico en la escena electrónica, equilibrando perfectamente el arte de crear, enseñar e inspirar, siempre empujando los límites en el proceso.



Sigue a <a rel="noreferrer noopener" href="https://www.instagram.com/max__porcelli/" target="_blank">Max Porcelli en Instagram</a> y mantente al tanto de sus últimos proyectos.

El artista italiano Max Porcelli equilibra perfectamente el arte de crear, enseñar e inspirar

Viajar a Las Vegas para presenciar a Solomun en la Sphere no fue solo asistir a un show, fue sumergirse en un mundo donde la música y la imagen se entrelazan de manera indescriptible. Desde el momento en que ingresamos al venue, la sensación era diferente. La energía en el ambiente anticipaba algo fuera de lo común, y lo que vivimos superó cualquier expectativa.



La imponente pantalla de la Sphere dio inicio a la presentación con frases que parecían susurrar un mensaje ancestral: «The beginning was the word, and the word became sound, and the sound became music». En un bosque oscuro, el sonido creció progresivamente, hasta que un beat sutil marcó el ingreso a un viaje que nadie en la sala olvidaría.



Solomun creó paisajes sonoros que se reflejaban en las visuales de manera impactante. No se trató solo de un despliegue tecnológico impresionante, sino de una ejecución artística concebida para sumergir al público en una atmósfera jamás explorada, un firmamento donde sonido e imagen danzan en armonía efímera.



<figure class="wp-block-image size-large"><img src="https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2025/03/06-1-683x1024.jpeg" alt="" class="wp-image-1169536" srcset="https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2025/03/06-1-683x1024.jpeg 683w, https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2025/03/06-1-200x300.jpeg 200w, https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2025/03/06-1-768x1152.jpeg 768w, https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2025/03/06-1-1024x1536.jpeg 1024w, https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2025/03/06-1-1366x2048.jpeg 1366w, https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2025/03/06-1-950x1425.jpeg 950w, https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2025/03/06-1.jpeg 1667w" sizes="(max-width: 683px) 100vw, 683px" /></figure>



Uno de los aspectos más fascinantes de la puesta en escena fue la colaboración con Blanca Li, coreógrafa de renombre internacional que ha trabajado con Daft Punk. Su participación fue clave para dar vida a la visión de Solomun, aportando una dimensión humana a la experiencia visual. Junto a su equipo de bailarines, Blanca creó secuencias coreográficas que se integraron a la perfección en las visuales, logrando momentos donde el movimiento parecía emerger directamente del sonido. 



Esta fusión entre danza y tecnología elevó aún más el espectáculo, reforzando el mensaje central de la presentación: la música y la danza son el lenguaje más antiguo de la humanidad, capaces de sanar y despertar a las personas. En la visión de Solomun, este show no solo fue una exhibición visual y sonora, sino un recordatorio del poder divino de la música y su capacidad de conectar a la humanidad a través del movimiento.



Tuvimos la oportunidad de conversar con Solomun antes del evento y nos habló sobre la preparación para esta presentación tan especial: “Este lugar es todo. Fue un desafío encontrar un equilibrio entre la espontaneidad de un set en vivo y la estructura visual que queríamos presentar. Cada track tenía su propia narrativa y visuales, pero aún así quise conservar la libertad de decidir qué tocar en el momento.” Nos reveló que el proceso de producción fue intenso y que trabajó junto a su equipo en la creación de 15 a 16 tracks con visuales específicas, asegurando que cada detalle estuviera perfectamente sincronizado.



<figure class="wp-block-image size-large"><img src="https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2025/03/03-2-683x1024.jpeg" alt="" class="wp-image-1169545" srcset="https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2025/03/03-2-683x1024.jpeg 683w, https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2025/03/03-2-200x300.jpeg 200w, https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2025/03/03-2-768x1152.jpeg 768w, https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2025/03/03-2-1024x1536.jpeg 1024w, https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2025/03/03-2-1366x2048.jpeg 1366w, https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2025/03/03-2-950x1425.jpeg 950w, https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2025/03/03-2.jpeg 1667w" sizes="(max-width: 683px) 100vw, 683px" /></figure>



La forma en que la música llenó el espacio fue impactante. Cada nota, cada sonido, se sentía diseñado específicamente para cada asiento dentro de la Sphere, generando una sensación de inmersión total. “No sé cómo reaccionará el público. Nunca antes existió un espacio como la Sphere”, nos comentó Solomun. Luego agregó: “No solo era un espacio único, sino que tampoco había hecho algo así antes. Contar una historia de esta magnitud no solo con música, sino con música y grandes visuales, fue el verdadero desafío para mí en este evento único”. Concebir y ejecutar un concepto tan ambicioso en una sola presentación representó una prueba de creatividad y producción que lo llevó a explorar nuevas dimensiones artísticas. “Solo espero que se dejen llevar por la historia”, concluyó antes de su presentación. Y el público respondió entregándose por completo a la experiencia.



A lo largo del show, la audiencia fue transportada por diferentes escenarios: desde ciudades futuristas con estructuras colosales hasta paisajes desconocidos donde gigantescas máquinas parecían observarnos desde la distancia. En algunos momentos, la inmensidad de estos paisajes podía resultar sobrecogedora, casi amenazante, pero la música de Solomun actuaba como un faro de estabilidad. Cada nota parecía guiar a los asistentes, disipando cualquier atisbo de inquietud y recordando que, incluso en lo desconocido, la música es un refugio seguro.



El final fue un círculo perfecto: las frases iniciales volvieron a proyectarse en la pantalla, pero esta vez con la voz de una mujer y el sonido de un silbido. Este no fue un simple detalle sonoro, sino la culminación del mensaje central de la presentación: ¿Qué hace una persona cuando se encuentra sola en un bosque oscuro? Silba o canta, y de inmediato se siente menos sola, menos asustada. Mientras la última nota resonaba en el imponente recinto, la Sphere parecía recordarnos que mientras la música suene, no hay razón para temer.



En un escenario donde la innovación y la grandeza dictan las reglas, Solomun logró algo diferente: convirtió la Sphere en un santuario donde la música y el arte visual se entrelazaron de manera sublime. No fue solo un show, fue una experiencia imposible de replicar en otro lugar del mundo. Ahora, con su <a href="https://djmagla.com/solomun-vuelve-a-buenos-aires-la-proxima-aventura-sera-el-1-de-abril-en-parque-sarmiento">regreso a Buenos Aires programado para el 1 de abril en Parque Sarmiento</a>, la pregunta es inevitable: ¿podremos vivir aquí algo de la magia que experimentamos en la Sphere? Solo el tiempo dirá, pero una cosa es segura: el talento de Solomun trasciende cualquier escenario.



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Solomun en la Sphere: Una experiencia audiovisual sin comparación

Desde sus inicios en la escena electrónica, Afrojack ha sabido reinventarse constantemente. Su impacto en la música dance es innegable, con un historial de hits que lo han convertido en una figura clave dentro del EDM y más allá. Conocido por su estilo característico que fusiona big room, house y techno, su carrera ha estado marcada por decisiones audaces y momentos que definieron su camino en la industria.



Su verdadero nombre es Nick van de Wall, pero su alias artístico tiene un significado especial. «Afro» hace referencia a sus influencias funk y soul, mientras que «jack» es un término utilizado en la música house para remixes o reinterpretaciones. Su nombre refleja su evolución sonora y sus raíces dentro de la música electrónica.



Aunque muchos no lo saben, Afrojack co-produjo «Titanium» junto a David Guetta. Sin embargo, en ese momento consideró que la canción era demasiado comercial y decidió que su nombre no apareciera en los créditos. Años después, lo reconoció como el mayor error de su carrera, aprendiendo una valiosa lección: no temer al qué dirán y confiar en su instinto artístico.



Antes de convertirse en Afrojack, Nick comenzó su carrera en Holanda como DJ de house y techno. Durante años, su enfoque estuvo en los mainstages y el big room, pero en 2020 decidió revivir su alias Kapuchon para reconectar con sus raíces underground. En 2024, llevó este proyecto un paso más allá, abriendo el Ultra Music Festival bajo este alias y reafirmando su amor por el género.



ULTRA Buenos Aires acaba de anunciar la fase final de su lineup para su esperado regreso a Argentina, que se llevará a cabo el 18 y 19 de abril de 2025 en el Parque de la Ciudad. A los artistas previamente confirmados, como Anyma, ARTBAT, Black Coffee, Martin Garrix y Nico Moreno, ahora se suman nombres como MRAK, Miss Monique, Axwell, NGHTMRE, Korolova, Moritz Hofbauer y más. Dentro de este impresionante cartel, la presencia de Afrojack resalta como una de las actuaciones más esperadas del festival, con su energía contundente y su capacidad de fusionar sonidos que van desde el big room hasta el techno más underground.



De sus raíces en la escena holandesa hasta los mainstages más icónicos del mundo, Afrojack sigue reinventándose. Su show en Ultra Buenos Aires 2025 promete ser una experiencia inolvidable para los fanáticos de la música electrónica.



Las entradas Tier 2 ya están disponibles, con precios de $220,000 ARS para General y $330,000 ARS para VIP. Para más información sobre el festival, sigue el Especial Ultra Buenos Aires de DJMAGLA y BOMBO, donde te contamos todas las novedades y sorpresas que trae el evento más esperado del año.



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AFROJACK: Del underground a los mainstages más icónicos del mundo

Hay lugares en el mundo que todos deberían visitar al menos una vez en la vida, y Warung Beach Club es, sin duda, uno de ellos. Este legendario club de música electrónica brasileño, ubicado en Itajaí, en el sur de Brasil, cuenta con 22 años de historia y noches inolvidables. Además del club, Warung también ha gestionado su propio sello discográfico, Warung Recordings, desde 2012.



Detrás de la impecable curaduría del sello está <a href="https://www.instagram.com/albuquerquemusic/" target="_blank" rel="noreferrer noopener">Albuquerque</a>, el experimentado DJ brasileño que ha sido uno de los residentes más longevos de Warung Beach Club, un puesto que mantiene desde 2013. Esto significa que conoce el “Templo”, apodo con el que los fanáticos han bautizado al club, mejor que nadie. Desde House hasta Deep House, pasando por Progressive, Organic, Indie Dance y Techno, Warung Recordings abraza la diversidad sonora en su catálogo, asegurando que cada lanzamiento conserve la esencia de sus dos icónicas pistas de baile: Inside y Garden.



En los últimos meses, el sello ha lanzado trabajos notables con un enfoque sólido en la esencia del Progressive House. Entre ellos se encuentra el EP <a rel="noreferrer noopener" href="https://open.spotify.com/intl-pt/album/46uWeQNCOSspal8vNZAvGe?si=c0Tm1R-fQZi4PWAnwnUM-A" target="_blank">No Fear</a>, creado por tres íconos de la historia del género: Quivver, Dave Seaman y Glenn Morrison. Le siguieron <a rel="noreferrer noopener" href="https://open.spotify.com/intl-pt/album/6BYpWCGFHjVfFxeHydk1jx?si=jW402haaQr-SnH5Waw3YQg" target="_blank">What You Do To Me</a> de Newman (I Love) y, más recientemente, el <a rel="noreferrer noopener" href="https://open.spotify.com/intl-pt/album/48LbQJwiMo1YhNxR7bY2Be?si=sp9omHRFRgarCSBxsbrZXw" target="_blank">Mirage EP</a>, una colaboración entre Kamilo Sanclemente y Andre Moret.



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Aprovechamos este emocionante momento para conversar con Albuquerque sobre su trabajo en el sello y lo que se avecina. ¡Échale un vistazo!



Hola, Albuquerque. Gracias por hablar con nosotros. ¿En qué año comenzaste a tocar en Warung? ¿Recuerdas tus primeras apariciones en el club? Mi primer set en Warung fue en 2010, en el Garden, durante el octavo aniversario del club, en una noche con Sasha. Inolvidable. Warung ya era considerado un lugar sagrado por mi grupo de amigos. Cuando me dieron esta primera oportunidad, fue una explosión de alegría colectiva (risas). Todos vinieron al club, las expectativas eran altísimas y terminó siendo aún mejor de lo que imaginábamos.



Un dato curioso es que cuando me invitaron a tocar ese viernes, ya había comprado un boleto para XXXPerience en Itu, São Paulo, el sábado. El cartel incluía a Sasha, 16 Bit Lolitas, Magda, Dubfire, Mau Mau, Marc Houle y otros. Así que, después de ver a Dimitri Nakov cerrar el main floor de Warung, nos fuimos directo a Itu para celebrar y seguir la fiesta. Ese fin de semana fue una gran representación de cómo eran las cosas en aquella época.



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¿Cuándo surgió la idea de lanzar el sello discográfico? ¿Estuviste involucrado desde el principio o asumiste el rol de A&R más tarde? Fue una evolución natural para el club. Fundé el sello junto a Leo Janeiro y Rassi en 2012. Estábamos en Ámsterdam durante el ADE cuando salió el primer lanzamiento. También hicimos una fiesta para celebrarlo. Durante bastante tiempo, los tres trabajamos como A&R, dividiéndonos otras tareas. Hoy en día, además de A&R, también me encargo de la dirección artística y la selección de temas.



A pesar de contar con un catálogo diverso, el Progressive House es un pilar tanto del club como del sello. Es un estilo que ha tenido altibajos, pero parece estar resurgiendo. ¿Cómo ves el momento actual del Progressive House? El Progressive House tiene muchas facetas. Nos inclinamos por un sonido que considero conceptual y refinado. No suele ser lo suficientemente comercial como para atraer a las masas, pero cuando los fanáticos de otros estilos electrónicos exploran más a fondo, pueden encontrar el Progressive, Deep u Organic House y enamorarse.



Personalmente, me encantan las producciones que mezclan géneros, como un track de Tech House con elementos Progressive o un Deep House con influencias de los años 80. Esta fusión es fascinante y es lo que siempre estoy buscando.



<h3>No quiero que Warung Recordings sea un sello de Progressive House; quiero que sea un sello de buena música.</h3>



Warung Recordings tiene una identidad sonora muy ligada a la atmósfera del club. ¿Cómo te aseguras de que cada lanzamiento mantenga esa conexión? ¿En qué te enfocas al decidir si un track entra en el catálogo? El club está junto al mar, con una estética balinesa. Fue creado por surfistas apasionados por la música electrónica e inspirados en marcas como Global Underground. Eso moldeó lo que somos y nos trajo hasta aquí. Esa energía, a veces intensa y a veces más suave, es lo que me atrapó a mí también. Esa complejidad sutil que desafía lo obvio con valentía.



Hay muchas capas en los criterios que usamos. La manera en que yo percibo Warung puede no ser la misma que la de otra persona, y eso está bien. Durante más de 15 años, he sido parte de su historia y he presenciado innumerables momentos. Los que más me marcaron fueron cuando vi a la multitud conectando con la música, ya sea en el club o en nuestras giras por Brasil y el extranjero. Mi selección es, en cierto modo, mi contribución a esta hermosa historia.



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¿Cuáles son algunos de los artistas más destacados que han lanzado en el sello? ¿Tienes un lanzamiento favorito o algún momento especial? Hernan Cattaneo, Quivver, Dave Seaman, Newman (I Love), Hot Since 82, Shai T, Sébastien Léger, Amonita, Lost Desert, Nick Curly, Khen, Mihai Popoviciu, Volen Sentir… tantos grandes nombres. Amo todos los lanzamientos y es difícil elegir uno solo. Lo veo como una colección, una secuencia, una historia que vivirá para siempre a través de la música.



¿Puedes contarnos más sobre los lanzamientos recientes, en particular el Mirage EP de Kamilo Sanclemente y Andre Moret? ¿Y darnos algún adelanto de lo que viene? ¡Gracias! Hemos tenido una racha increíble de lanzamientos últimamente. Es un honor trabajar con verdaderas leyendas del Progressive House, un reconocimiento que hemos logrado con mucho esfuerzo y una curaduría artística meticulosa.



Al mismo tiempo, siempre estamos atentos a talentos emergentes que hacen un trabajo excepcional, como Kamilo y Andre. El Mirage EP captura a la perfección la musicalidad que resuena en la pista principal de Warung.



Mirando hacia el futuro, estamos entusiasmados con lo que viene, incluidos remixes de Hernan Cattaneo y Soundexile para EANP, Marcelo Vasami y muchas más sorpresas. ¡Gracias por recibirnos!



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Albuquerque, A&R de Warung Recordings, reflexiona sobre los 12 años del sello

El Progressive House ha estado vinculado al Reino Unido durante mucho tiempo, pero el invitado de hoy proviene de un lugar mucho más lejano: Ruben Karapetyan. De Estados Unidos al mundo y preparándonos para una tour en Argentina, ha construido una carrera que abarca más de tres décadas, comenzando en los años 90, influenciado por el movimiento rave de la época y leyendas como Hernan Cattaneo, Nick Warren, Sasha y Digweed.



A lo largo de los años, Ruben ha ganado un sólido reconocimiento como DJ y, más recientemente, ha estado haciendo olas también como productor. Se ha convertido en un nombre familiar en sellos como Mango Alley y Clubsonica, mientras también dirige su propio sello, RKP Records, donde pronto lanzará un proyecto con un remix de Hernan Cattaneo.



Su sello incluso alcanzó el primer lugar en el Beatstats Hype Progressive House chart el año pasado. Otro hito que vale la pena mencionar es su track ‘Cosmic Dot,’ una colaboración con Maze 28, que llegó a la lista de los Mejores Tracks de Progressive House de 2024 de Beatport. 



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Más allá del estudio, pinchar sigue siendo un pilar fundamental de su carrera. Ahora es cabeza de cartel y co-cabeza de cartel en todas las showcases de Mango Alley a nivel mundial, un sello reconocido como uno de los más influyentes del género.



Ahora representado por PFbeats en Sudamérica, pronto comenzará una gira por el continente, con shows confirmados en Argentina este 2 de marzo, donde será el cabeza de cartel de la afterparty del evento Sunset Trip de Hernan Cattaneo en Niceto Club.



Nos sentamos con Ruben Karapetyan para hablar de esta nueva y emocionante fase, sus próximos lanzamientos y su primera gira por Argentina:



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¡Hola, Ruben! ¡Gracias por tomarte el tiempo para charlar con nosotros! Pronto estarás tocando en Argentina por primera vez, ¿cierto? Y como cabeza de cartel de la afterparty de Sunset Trip, nada menos. ¿Qué significa esto para ti? ¡Hola DJ Mag, es un verdadero placer estar aquí! ¡Estoy absolutamente emocionado de anunciar mi primer show en Argentina! El año pasado tuvimos muchas ofertas, pero por una u otra razón, las cosas no se dieron. Así que pueden imaginarse la pura emoción cuando mi management me llamó con la increíble noticia de que voy a ser cabeza de cartel en Buenos Aires, ¡y para hacerlo aún más dulce, estaré tocando en la afterparty del legendario Sunsetsrip de Hernan!



Cuando te preparas para un show en un país nuevo, ¿cambia tu enfoque en comparación con los lugares en los que ya has tocado? ¿Cómo lo manejas? ¿Qué planeas traerle al público argentino que sea diferente? Cuando me preparo para un set, me gusta mantenerlo fresco. Armo una carpeta con los últimos tracks, así como cualquier material inédito que me esté gustando en ese momento. A partir de ahí, simplemente sigo la corriente. Pinchar es todo sobre conectar con el público, sentir la vibra y contar una historia a través de la música. Como siempre digo, un gran set de DJ es como leer una historia cautivadora para la gente, ¡pero con notas en lugar de palabras! Tengo un montón de nuevos tracks listos, incluidos algunos que se escucharán en vivo por primera vez, así que esperen mucho material inédito en la mezcla.



El año pasado, hiciste una gira mundial de dos meses, tocando en varios países. ¿Cuáles fueron algunos de los momentos destacados de ese viaje? ¡El 2024 fue un año increíble! Fue un año con más giras y menos tiempo en el estudio, pero las experiencias valieron absolutamente la pena. Tuve el privilegio de tocar en algunos shows masivos alrededor del mundo. Algunos de los más destacados incluyen ser invitado a cerrar para Hernan Cattaneo en Los Ángeles, abrir para Nick Warren en Miami durante el MMW, y tocar sets back-to-back con Guy Mantzur tanto en Armenia como en Los Ángeles. Pero los dos shows que realmente se destacaron fueron las showcases de MA en Sri Lanka y Pakistán, ¡ambos fueron absolutamente masivos con miles de personas en la audiencia! Esos momentos se quedarán conmigo para siempre.



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¿Hay países en los que aún no has tocado pero te encantaría visitar pronto? Definitivamente hay algunos países específicos que tengo en mente, aunque creo que cada lugar trae algo único al dancefloor. Cada país tiene su propia vibra y energía, y me encanta el desafío de adaptarme a ello. Mi objetivo es tocar por todo el mundo y experimentar la diversidad de multitudes, conectar con los fans en todas partes y crear momentos inolvidables sin importar en qué parte del mundo esté.



Cambiando un poco de tema, ¿puedes darnos un pequeño adelanto de tu próximo lanzamiento que incluirá un remix de Hernan Cattaneo? ¿Has colaborado con él antes? Crecí escuchando a Hernan desde principios de los 90 cuando era residente en el Reino Unido. Es uno de los pocos DJ/productores a los que siempre he admirado, no solo como músico sino también como hombre de familia, empresario, así que pueden imaginarse la emoción que sentí cuando comencé a trabajar con él hace unos años. Esta será la segunda vez que Hernan se une al sello RKP para un remix. La primera fue para el track de Maze 28 ‘This Is a Dream’, y ahora está trayendo su magia a mi track original ‘Moai’. Es un remix increíble, ¡y no tengo dudas de que será abrazado por los fans del progressive house de todo el mundo cuando se lance el 27 de marzo! Quiero aprovechar esta oportunidad para agradecer a Hernan por su amistad y apoyo continuo a mi música.



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Hemos notado que el Progressive House está experimentando una especie de resurgimiento, ganando impulso nuevamente, al igual que lo hizo a fines de los 90 y principios de los 2000. ¿Tú también lo ves así? ¿Cómo imaginas el futuro del género? Definitivamente estoy de acuerdo contigo, hay un sonido profundo, oscuro y pulsante que está comenzando a dominar nuevamente los dancefloors de todo el mundo. Por un tiempo, parecía que las cosas se habían vuelto un poco repetitivas, con todos siguiendo las mismas tendencias. Pero ahora, está evolucionando una vez más. La gente está trayendo ideas frescas, dejando caer breakbeats durante los breakdowns, experimentando con nuevas líneas de sintetizadores y bajos. La creatividad ha vuelto, y la música se está volviendo emocionante nuevamente.



 Sellos como Mango Alley, Meanwhile, Clubsonica y Balance están liderando la carga, llevando ese sonido profundo, oscuro y de alta calidad hacia adelante. Es un cambio positivo, y estoy muy feliz de ver cómo el progressive house está prosperando globalmente una vez más, ¡y aún más emocionado de vivirlo de primera mano!



Finalmente, como un artista con tanta experiencia, ¿qué crees que se necesita para que un DJ/productor se destaque en la escena actual? ¿Hay algo crucial que no se debe pasar por alto? ¡Gracias, Ruben! Definitivamente, este es un momento desafiante para que los DJs y productores brillen de verdad. Con la tecnología haciendo que sea tan fácil crear música hoy en día, el juego se ha vuelto increíblemente competitivo. En los años 90, teníamos que invertir mucho dinero y recursos solo para poder hacer música. Ahora, con una laptop, podrías crear el próximo gran hit. Es una espada de doble filo, porque aunque la barrera de entrada es más baja, la competencia es más feroz que nunca.



Las redes sociales también se han convertido en una parte enorme del negocio de la música. Cuando volví a la música hace cuatro años después de un descanso de 14 años, me sorprendió mucho cómo las redes sociales cambiaron el juego. Recuerdo que John 00 Fleming, después de su show en Los Ángeles, se tomó una hora para enseñarme cómo usar las redes sociales a mi favor en esta industria. También recuerdo a Hernan diciendo: «Estoy tan feliz de haberlo logrado en los años 90, antes de que todo esto de las redes sociales tomara el control».



La realidad es que, para triunfar ahora, no solo necesitas una buena producción, sino también una fuerte presencia en las redes sociales, marketing inteligente y, por supuesto, algo de suerte. ¡Un poco de suerte definitivamente ayuda mucho hoy en día!



¡Muchas gracias por la invitación! ¡Siempre es un placer charlar contigo!

Ruben Karapetyan: hablamos con el DJ y productor de progressive house que realizará un tour por Argentina por primera vez

Cuando se habla de eventos que rompen esquemas en el carnaval brasileño, <a href="https://www.instagram.com/rarafestarara/" target="_blank" rel="noreferrer noopener" aria-label="CarnaRARA (se abre en una nueva pestaña)">CarnaRARA</a> se destaca como una de las propuestas más innovadoras. Este festival, que fusiona la energía vibrante del carnaval carioca con la música electrónica de vanguardia, ha crecido hasta convertirse en un referente cultural en Río de Janeiro. En el centro de esta revolución está <a href="https://www.instagram.com/stroxler/" target="_blank" rel="noreferrer noopener" aria-label="Seth Troxler, (se abre en una nueva pestaña)">Seth Troxler,</a> quien no solo es el headliner, sino también una pieza clave en la curaduría y evolución del evento.



La historia de amor entre CarnaRARA y Seth Troxler comenzó en 2020, pero su germen se remonta al año anterior. Durante el carnaval de 2019, Troxler experimentó la magia del festejo como espectador y quedó tan impresionado que expresó su deseo de tocar en un evento gratuito durante estas celebraciones. Esta idea llegó al equipo de RARA, quienes hicieron realidad la primera edición de CarnaRARA en 2020, con el DJ como principal atracción del evento.



Desde entonces, la colaboración ha evolucionado significativamente. A pesar de la pausa obligada por la pandemia, el festival regresó con fuerza en 2023 y 2024, consolidando su modelo de financiamiento colectivo. Este enfoque no solo permite la accesibilidad al evento, sino que también involucra a la comunidad en su realización.



Para la edición 2025, CarnaRARA promete elevar la experiencia con una curaduría que combina talento internacional y local. Además de Seth Troxler, el cartel incluye nombres de peso como <a rel="noreferrer noopener" href="https://www.instagram.com/p/DFvvbFtP6pu/?img_index=1" target="_blank">Mochakk, Adam Ten, Chloé Caillet, que vuelve por tercer año, esta vez en un B2B con Eli Iwasa, RARA DJs, Bernardo Campos y Carrot Green</a>, entre otros. La escenografía también jugará un papel fundamental, diseñada para ofrecer una experiencia inmersiva tanto en la pista gratuita como en el backstage. 



<div class="wp-block-image"><figure class="aligncenter size-large"><img src="https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2025/02/rarafestarara_1738876220_3562274387513992901_1808911966-819x1024.jpg" alt="" class="wp-image-1169478" srcset="https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2025/02/rarafestarara_1738876220_3562274387513992901_1808911966-819x1024.jpg 819w, https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2025/02/rarafestarara_1738876220_3562274387513992901_1808911966-240x300.jpg 240w, https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2025/02/rarafestarara_1738876220_3562274387513992901_1808911966-768x960.jpg 768w, https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2025/02/rarafestarara_1738876220_3562274387513992901_1808911966-950x1188.jpg 950w, https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2025/02/rarafestarara_1738876220_3562274387513992901_1808911966.jpg 1080w" sizes="(max-width: 819px) 100vw, 819px" /></figure></div>



El evento tendrá lugar en el icónico Museo de Arte Moderno de Río de Janeiro (MAM RIO), un espacio que refuerza el vínculo entre arte, música y cultura.



Más allá de su rol como artista, Seth Troxler es un actor fundamental en la curaduría del festival. Trabaja directamente con el equipo de RARA para definir la identidad sonora y seleccionar a los artistas que representan la vanguardia de la música electrónica. Su visión para esta edición es clara: consolidar a CarnaRARA como el evento más innovador del carnaval de Río, manteniendo la calidad artística y el espíritu inclusivo que lo caracteriza.



«Quiero que CarnaRARA siga siendo un espacio donde la música, la cultura y la comunidad se fusionen de forma auténtica. Es un honor formar parte de un proyecto que celebra la diversidad y el poder de la música electrónica en un contexto tan único como el carnaval carioca«, señala Troxler.



Asi que ya sabes, si estás en Rio no te lo puedes perder. <a href="https://shotgun.live/pt-pt/festivals/carna-rara" target="_blank" rel="noreferrer noopener" aria-label="Las entradas están disponibles (se abre en una nueva pestaña)">Las entradas están disponibles</a>, y quienes contribuyan al proyecto recibirán beneficios exclusivos.



Para más información y asegurar tu lugar en una de las experiencias más emocionantes del carnaval,<a href="https://www.carnarara.com.br/seth-troxler" target="_blank" rel="noreferrer noopener" aria-label=" visita el sitio oficial de CarnaRARA. (se abre en una nueva pestaña)"> visita el sitio oficial de CarnaRARA.</a>

Seth Troxler vuelve a CarnaRARA para darle ritmo al carnaval

Originario de los vibrantes paisajes de Uruguay, <a rel="noreferrer noopener" aria-label="Facu Baez (se abre en una nueva pestaña)" href="https://www.instagram.com/facu_baezdj/" target="_blank">Facu Baez</a> se ha consolidado como una de las figuras en ascenso dentro de la escena electrónica regional. Con lanzamientos en sellos como Revival, HellBent y Nervous Records, y el respaldo de artistas de la talla de Cloonee, Blond:ish y Mau P, su trayectoria sigue en ascenso.



Ahora, con «New Era», Facu presenta un track que encapsula su evolución artística y su constante búsqueda de nuevos horizontes sonoros.



Conversamos con él en el día del lanzamiento para conocer más sobre el proceso detrás de esta nueva etapa en su carrera.



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<h4>«New Era» y el camino hacia la evolución</h4>



Hola Facu, contanos dónde estás y qué tan feliz estás hoy en el día de lanzamiento. ¡Hola! Aquí me encuentro en mi casa en la ciudad de La Paloma, Uruguay. Muy feliz y contento de haber sacado «New Era» a la luz. Estoy tomando unos mates mientras veo la respuesta de mi público hacia este nuevo track.



«New Era» suena como un manifiesto de evolución en tu carrera. ¿Qué momentos o experiencias influyeron más en este cambio de dirección sonora? Uno de los momentos clave que influyó en este cambio fue que siempre me encontraba produciendo nueva música, cada vez más diferente a la que venía haciendo. Track tras track, intentaba cambiar, apostar a más y mejorar constantemente. De pronto, me encontré en el estudio probando nuevas técnicas, y así fue que hace un año terminé «New Era».



Tu música se nutre de múltiples influencias sudamericanas. ¿Cómo logras equilibrar esos elementos orgánicos con la energía del house y el tech que domina la escena global? — Siempre intento nutrirme de todo lo que me rodea. Encuentro inspiración en muchísimas cosas, no solamente en mis raíces sudamericanas. Mi padre, gran conocedor y admirador de la música en general, me inculcó desde chico los sonidos de los 80s y 90s, lo cual me marcó mucho. A eso se suma mi propia búsqueda, que me llevó a encontrar una fuerte influencia en el hip hop y R&B de los 90. Todo eso me inspira y me ayuda a darle mi propio toque a cada producción. Es como una gran mezcla de todo lo que me gusta, y trato de que siempre refleje mis gustos al 100%.



<div class="wp-block-image"><figure class="aligncenter size-large"><img src="https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2025/02/Facu-Baez-819x1024.jpg" alt="" class="wp-image-1169459" srcset="https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2025/02/Facu-Baez-819x1024.jpg 819w, https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2025/02/Facu-Baez-240x300.jpg 240w, https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2025/02/Facu-Baez-768x960.jpg 768w, https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2025/02/Facu-Baez-1229x1536.jpg 1229w, https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2025/02/Facu-Baez-950x1188.jpg 950w, https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2025/02/Facu-Baez.jpg 1440w" sizes="(max-width: 819px) 100vw, 819px" /></figure></div>



Has lanzado en sellos icónicos como Revival, HellBent y Nervous Records. ¿Cómo encaja «New Era» dentro de esa trayectoria y qué lo hace especial en comparación con tus trabajos anteriores? «New Era» es un track al que le tengo mucho cariño porque nació en un momento complicado para mí. Estaba pasando por una etapa en la que me costaba terminar música, no me sentía del todo inspirado. Pero decidí probar cosas nuevas, arriesgarme, y de ese proceso salió este track que hoy significa tanto para mí. Encaja perfecto con esta etapa de cambio, tanto personal como en mi carrera. Siento que marca un antes y un después, y me llena de orgullo haberlo lanzado en un sello soñado como Revival New York.



Mencionaste que este track representa tanto tu pasado como tu futuro. Si tuvieras que describir en pocas palabras hacia dónde te diriges musicalmente, ¿cuál sería tu visión? Hoy me encuentro en un camino donde busco demostrar de lo que soy capaz con mi música. Quiero seguir haciendo lo que me gusta, pero también mostrar la madurez y evolución que ha tenido mi sonido.



Artistas como Cloonee, Blond:ish y Mau P han apoyado tu música. ¿Cómo influye ese respaldo en tu confianza creativa y en las decisiones que tomás al producir? Siempre creí que hay que confiar en uno mismo, cueste lo que cueste. Pero es verdad que el apoyo de artistas que admiro me ha dado un extra de confianza e inspiración. Saber que gente como Cloonee, Blond:ish o Mau P tocan mi música en sus shows me motiva a seguir arriesgándome y explorando nuevos caminos en mis producciones.



En una escena en constante cambio, ¿qué desafíos has enfrentado al tratar de innovar sin perder tu identidad sonora? El mayor desafío ha sido encontrar el equilibrio entre experimentar y no perder mi esencia. Siempre estoy buscando innovar, probar cosas nuevas, pero sin dejar de lado lo que me identifica y lo que me gusta transmitir con mi música. A veces es fácil dejarse llevar por las tendencias o lo que funciona en el momento, pero aprendí que lo importante es que cada track tenga mi sello personal. Prefiero que la gente escuche algo mío y diga «esto suena a Facu».



Si «New Era» fuese la introducción perfecta a tu sonido para alguien que nunca te ha escuchado, ¿qué sensación o mensaje te gustaría que se lleven al escucharlo? Si alguien escucha «New Era» por primera vez y nunca antes había escuchado nada mío, me gustaría que piense: «Wow, qué energía tiene este tipo».



Si pudieras hacer un asado hoy e invitar a quien quieras de la industria, ¿a quién invitarías y por qué? Primero llamaría a mis amigos productores, que son de mis mayores inspiraciones en la música electrónica. Amigos como Ragie Ban, Braydon Terzo, Andrés Asorey, entre otros. Y si me pongo a soñar, también me encantaría compartir ese asado y charlar con artistas que admiro profundamente como Michael Bibi, Pawsa, Chris Stussy, Ben Sterling, Fabe y muchos más.



Con «New Era», Facu Baez no solo reafirma su identidad sonora, sino que abre un nuevo capítulo en su carrera. Un track que, sin dudas, será parte fundamental de su repertorio y de la escena electrónica actual.



<a rel="noreferrer noopener" aria-label="No dejes de seguirlo (se abre en una nueva pestaña)" href="https://www.instagram.com/facu_baezdj/" target="_blank">No dejes de seguirlo</a>. Realmente tiene un futuro brillante y lo escucharás por largo tiempo. 



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