El DJ y productor alemán Boris Brejcha se prepara para estrenar “16 Red Even”, un track inspirado en una experiencia personal tan intensa como cinematográfica. La historia nació en la víspera de Año Nuevo 2024, cuando Boris y su círculo de amigos vivieron un momento límite en la mesa de ruleta, que pudo haber terminado de forma trágica. Esa tensión —la adrenalina de jugarlo todo al rojo— se transforma en música a través de una producción inconfundible: melodías inquietantes, un bajo hipnótico y el característico beat de high-tech minimal que hace vibrar a sus seguidores en todo el mundo.



El lanzamiento, lanzado a través de su sello Fckng Serious, incluye la versión original y un poderoso extended mix. Además, Boris acompaña el estreno con un videoclip que traslada esa atmósfera al terreno audiovisual: una historia surrealista donde él mismo interpreta al crupier, mientras su amigo Jakob se juega el destino en una apuesta equivocada.



<iframe loading="lazy" width="560" height="315" src="https://www.youtube.com/embed/kb8_KYVQ-MI?si=YWediuI3AmWNo-ev" title="YouTube video player" frameborder="0" allow="accelerometer; autoplay; clipboard-write; encrypted-media; gyroscope; picture-in-picture; web-share" referrerpolicy="strict-origin-when-cross-origin" allowfullscreen></iframe>



Este nuevo single refuerza el universo creativo de Boris, un artista que desde hace casi dos décadas combina talento, identidad y un concepto sonoro propio. Tras sobrevivir a la tragedia del desastre aéreo de Ramstein en su infancia —cuyas secuelas físicas aún lleva consigo—, Boris encontró en la música electrónica una vía de escape y expresión. Con su máscara como firma inconfundible, logró llevar su estilo a festivales de todo el planeta, consolidando su género “High-Tech Minimal” como referente absoluto de la escena global.



A la par del estreno de “16 Red Even”, Boris continúa con su gira “Reflections”, un tour inmersivo que promete recorrer Estados Unidos, Europa y Latinoamérica durante todo 2025, con escalas destacadas en Nueva York, Berlín, Bogotá, Peru y Medellín, entre otras ciudades. La gira, con invitados como Frieder & Jakob y Moritz Hofbauer, propone al público una experiencia de conexión total: “Reflections no es solo mirar atrás —dice Boris—, sino reflejar lo que nos une: música, emociones, recuerdos.”



Con más de 140 millones de visualizaciones en sus icónicos sets para Cercle y Tomorrowland, además de su reciente disco de oro en México con “Gravity”, Boris Brejcha sigue apostando fuerte —y esta vez, el rojo es su jugada maestra.



<iframe style="border-radius:12px" src="https://open.spotify.com/embed/album/45yHwPUeNO9HadDFChp1Ly?utm_source=generator" width="100%" height="352" frameBorder="0" allowfullscreen="" allow="autoplay; clipboard-write; encrypted-media; fullscreen; picture-in-picture" loading="lazy"></iframe>

Boris Brejcha apuesta al rojo: llega 16 Red Even, su nuevo single cargado de tensión y energía

Eric Prydz ha estrenado hoy la primera parte de una serie documental que revela el detrás de escena de su nuevo show en vivo: Holosphere 2.0. En colaboración con el flamante club ibicenco [UNVRS], esta producción en tres capítulos documenta el proceso creativo, técnico y artístico detrás de un espectáculo que redefine los límites entre música, tecnología y experiencia sensorial.



La primera entrega ya está disponible en su canal de YouTube, con nuevos episodios que se estrenarán cada miércoles. Rodado en Ibiza, el documental muestra testimonios inéditos de productores, ingenieros, artistas visuales y del propio Prydz, ofreciendo acceso exclusivo a la gestación de una obra que se ha ganado el calificativo de visionaria.



<figure class="wp-block-image size-large"><a href="https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2025/06/20250602_UNVRS_Eric_Prydz_Opening_0005_6000x4000px_-scaled.jpg"><img loading="lazy" decoding="async" width="819" height="1024" src="https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2025/06/20250602_UNVRS_Eric_Prydz_Opening_0005_6000x4000px_-819x1024.jpg" alt="" class="wp-image-1170269" srcset="https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2025/06/20250602_UNVRS_Eric_Prydz_Opening_0005_6000x4000px_-819x1024.jpg 819w, https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2025/06/20250602_UNVRS_Eric_Prydz_Opening_0005_6000x4000px_-240x300.jpg 240w, https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2025/06/20250602_UNVRS_Eric_Prydz_Opening_0005_6000x4000px_-768x960.jpg 768w, https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2025/06/20250602_UNVRS_Eric_Prydz_Opening_0005_6000x4000px_-1229x1536.jpg 1229w, https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2025/06/20250602_UNVRS_Eric_Prydz_Opening_0005_6000x4000px_-1638x2048.jpg 1638w, https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2025/06/20250602_UNVRS_Eric_Prydz_Opening_0005_6000x4000px_-950x1188.jpg 950w, https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2025/06/20250602_UNVRS_Eric_Prydz_Opening_0005_6000x4000px_-scaled.jpg 2048w" sizes="auto, (max-width: 819px) 100vw, 819px" /></a></figure>



Holosphere 2.0 no es un simple show: es una estructura de ocho metros de alto y ocho toneladas construida a medida, compuesta por capas de pantallas LED transparentes, donde Prydz actúa en el interior como eje de una esfera holográfica sin precedentes. No sigue una narrativa fija, sino que reacciona en tiempo real a sus mezclas, convirtiendo cada noche en una experiencia única.



“Hemos esperado seis años para hacer esto realidad”, afirma Eric Prydz. “No porque quisiéramos, sino porque la tecnología debía ponerse a la altura de nuestra visión”.



Cada elemento de la esfera fue desarrollado especialmente para este proyecto. Con efectos visuales diseñados por estudios como GMUNK, la producción fusiona CGI cinematográfico y capturas prácticas en 360°, integradas en entornos holográficos envolventes. El resultado: una fidelidad visual y una resolución que marcan un antes y un después desde la primera Holosphere presentada en 2019.



<figure class="wp-block-image size-large"><a href="https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2025/06/20250602_UNVRS_Eric_Prydz_Opening_0007_6000x4000px_-scaled.jpg"><img loading="lazy" decoding="async" width="819" height="1024" src="https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2025/06/20250602_UNVRS_Eric_Prydz_Opening_0007_6000x4000px_-819x1024.jpg" alt="" class="wp-image-1170270" srcset="https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2025/06/20250602_UNVRS_Eric_Prydz_Opening_0007_6000x4000px_-819x1024.jpg 819w, https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2025/06/20250602_UNVRS_Eric_Prydz_Opening_0007_6000x4000px_-240x300.jpg 240w, https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2025/06/20250602_UNVRS_Eric_Prydz_Opening_0007_6000x4000px_-768x960.jpg 768w, https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2025/06/20250602_UNVRS_Eric_Prydz_Opening_0007_6000x4000px_-1229x1536.jpg 1229w, https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2025/06/20250602_UNVRS_Eric_Prydz_Opening_0007_6000x4000px_-1638x2048.jpg 1638w, https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2025/06/20250602_UNVRS_Eric_Prydz_Opening_0007_6000x4000px_-950x1188.jpg 950w, https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2025/06/20250602_UNVRS_Eric_Prydz_Opening_0007_6000x4000px_-scaled.jpg 2048w" sizes="auto, (max-width: 819px) 100vw, 819px" /></a></figure>



El nuevo club [UNVRS], desarrollado por The Night League (creadores de Ushuaïa y Hï Ibiza), fue concebido para albergar proyectos de esta magnitud. Con estructura de arena, sonido L-Acoustics y una grilla de luces personalizada, el venue se convierte en una extensión del espectáculo en sí mismo.



Desde el 2 de junio y hasta el 1 de septiembre, Holosphere 2.0 estará en residencia todos los lunes en [UNVRS], ofreciendo una oportunidad única de vivir esta experiencia inmersiva en carne propia.



<iframe loading="lazy" width="560" height="315" src="https://www.youtube.com/embed/vxuSFua0Tkc?si=-AtUsi4LD7pvQM0P" title="YouTube video player" frameborder="0" allow="accelerometer; autoplay; clipboard-write; encrypted-media; gyroscope; picture-in-picture; web-share" referrerpolicy="strict-origin-when-cross-origin" allowfullscreen></iframe>

Eric Prydz desvela los secretos de Holosphere 2.0 en una nueva serie documental

En un momento en que gran parte de la música electrónica se produce con ayuda de la inteligencia artificial, el DJ y productor italiano Mowgli toma el camino totalmente opuesto con su nuevo sencillo: ‘It’s So Good’. Lanzado bajo su propio sello, Disco Volante, el track es un tributo a la vieja escuela: música hecha con instrumentos reales, músicos de verdad y una atención casi obsesiva a los detalles.



Grabada 100% en estudio con músicos —incluyendo cuerdas, metales, guitarra, percusión, bajo y hasta un arp—, la pieza es prácticamente una excepción a la regla. “Nada de samples, nada de plugins. Solo la batería fue hecha en computadora”, explica el artista. Su intención fue rescatar la esencia de la House Music sin caer en la estética genérica que domina muchas pistas actualmente.



Inspirado por Teddy Pendergrass y su clásico “When Someone Loves You Back”, Mowgli decidió reinterpretar la canción desde cero, reconstruyendo cada parte junto a músicos en el estudio. El resultado fue tan sólido que Warner Music US aprobó oficialmente el remake, dando luz verde al lanzamiento.



En lo sonoro, ‘It’s So Good’ es exactamente lo que promete su nombre: un track potente, con groove marcado, una melodía bellísima y una atmósfera que mezcla la exuberancia de la música disco con la elegancia del house clásico de los 90, sin dejar de conectarse con la estética más actual de la música electrónica.



El lanzamiento también marca el inicio de una nueva fase para el productor italiano, que ya trabaja en una serie de nuevos temas que culminarán en un álbum previsto para 2026. Más que un single, ‘It’s So Good’ es un recordatorio de que aún se puede hacer música real y atemporal, la que no se desecha ni se olvida al día siguiente.



Con dos décadas de trayectoria, lanzamientos por sellos como Defected y Ministry of Sound, y presentaciones en festivales como Tomorrowland y Ultra, Mowgli decidió bajar el ritmo de las giras para volver a sumergirse en el estudio. Así redescubrió el placer de crear con profundidad y visión artística. Disco Volante, su nuevo sello, nace justamente con ese propósito: ser un espacio para productores que valoran el proceso, la experimentación y la musicalidad en tiempos de atajos fáciles.



‘It’s So Good’ ya está disponible en todas las plataformas digitales.



<iframe style="border-radius:12px" src="https://open.spotify.com/embed/track/2eZnQZJKfl5t65pi1DVnMb?utm_source=generator" width="100%" height="352" frameBorder="0" allowfullscreen="" allow="autoplay; clipboard-write; encrypted-media; fullscreen; picture-in-picture" loading="lazy"></iframe>

Mowgli presenta ‘It’s So Good’: música house hecha al viejo estilo

El multiinstrumentista y vocalista Juan Hansen estrena RADAR, un nuevo concepto de show en vivo grabado en una performance audiovisual única desde el Metropolitano Rosario. Lanzado el 25 de junio de 2025, este proyecto representa un giro introspectivo y emocional en su propuesta, apostando por una narrativa escénica que integra sonido, luz y presencia en una experiencia sensorial.



“Con RADAR quiero dar un show envolvente, y la clave está en la sincronización”, explica Hansen. “Fueron varios meses de trabajo duro para que toda la puesta de luces y las visuales se muevan en unidad total con la música, pero siempre intentando que no se pierda el ambiente de una fiesta y que la imagen no distraiga. El objetivo principal es la inmersión del espectador en dos horas de un viaje sonoro y visual.”



<figure class="wp-block-image size-large"><a href="https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2025/06/Copy-of-Copy-of-RADAR-YT-3-scaled.jpeg"><img loading="lazy" decoding="async" width="1024" height="576" src="https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2025/06/Copy-of-Copy-of-RADAR-YT-3-1024x576.jpeg" alt="" class="wp-image-1170258" srcset="https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2025/06/Copy-of-Copy-of-RADAR-YT-3-1024x576.jpeg 1024w, https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2025/06/Copy-of-Copy-of-RADAR-YT-3-300x169.jpeg 300w, https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2025/06/Copy-of-Copy-of-RADAR-YT-3-768x432.jpeg 768w, https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2025/06/Copy-of-Copy-of-RADAR-YT-3-1536x864.jpeg 1536w, https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2025/06/Copy-of-Copy-of-RADAR-YT-3-2048x1152.jpeg 2048w, https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2025/06/Copy-of-Copy-of-RADAR-YT-3-950x534.jpeg 950w" sizes="auto, (max-width: 1024px) 100vw, 1024px" /></a></figure>



RADAR no es solo un concierto: es una historia de exploración interior, construida a través de la música electrónica, las voces en vivo y un sofisticado despliegue visual. Desde la dirección artística hasta el diseño de luces, el proyecto refleja la búsqueda personal de Hansen por expandir los límites de lo performático, reforzando su lugar como una de las figuras más innovadoras de la escena electrónica latinoamericana.



“El Metropolitano es perfecto en todos sus aspectos para presentar un show así”, cuenta. “Es un lugar donde nos pudimos explayar creativamente al máximo y donde sabemos que la calidad sonora y visual que se puede lograr es óptima.”



Músico de formación clásica, Juan Hansen ha sabido integrar la improvisación, el equipamiento analógico y la performance vocal en un lenguaje propio que trasciende géneros. Su evolución —desde sus orígenes en el indie y el rock hasta sus presentaciones en lugares como Watergate, Burning Man o Boiler Room— demuestra una constante inquietud artística y un fuerte compromiso con la expresión auténtica.



“En el concepto RADAR, es una interfaz de búsqueda, y esto es lo que simboliza el show: una búsqueda interna, un descubrimiento de algo en nosotros mismos que aún no conocíamos.”



<figure class="wp-block-image size-large"><a href="https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2025/06/Copy-of-Copy-of-RADAR-YT-1.png"><img loading="lazy" decoding="async" width="1024" height="576" src="https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2025/06/Copy-of-Copy-of-RADAR-YT-1-1024x576.png" alt="" class="wp-image-1170260" srcset="https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2025/06/Copy-of-Copy-of-RADAR-YT-1-1024x576.png 1024w, https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2025/06/Copy-of-Copy-of-RADAR-YT-1-300x169.png 300w, https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2025/06/Copy-of-Copy-of-RADAR-YT-1-768x432.png 768w, https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2025/06/Copy-of-Copy-of-RADAR-YT-1-950x534.png 950w, https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2025/06/Copy-of-Copy-of-RADAR-YT-1.png 1280w" sizes="auto, (max-width: 1024px) 100vw, 1024px" /></a></figure>



El show cuenta con la participación de un equipo de primer nivel: visuales de Tim McClane y Francisco Berón, diseño de luces y escenario a cargo de Blackout, mezcla y mastering de Pablo Bursztyn, y producción de Lado B. Todo bajo la dirección creativa del propio Hansen.



<iframe loading="lazy" width="560" height="315" src="https://www.youtube.com/embed/BCltghk5pOM?si=mxe1mq2IZcUywhTy" title="YouTube video player" frameborder="0" allow="accelerometer; autoplay; clipboard-write; encrypted-media; gyroscope; picture-in-picture; web-share" referrerpolicy="strict-origin-when-cross-origin" allowfullscreen></iframe>

Juan Hansen presenta RADAR: una nueva experiencia audiovisual que fue grabada en vivo

El productor británico Ollie Mundy es uno de esos nombres que vienen ganando notoriedad por evitar los clichés. Su música no tiene límites: coquetea con el House, el Techno y el Afro, pero siempre con un enfoque emocional, profundo y delicado. Esa identidad vuelve a destacar en su nuevo lanzamiento, «The Mountains«, single publicado oficialmente el pasado 20 de junio por el sello Adesso Music, dirigido por Junior Jack.



Con una base marcada por percusiones orgánicas, voces susurradas y sintetizadores brillando en capas, «The Mountains» funciona perfectamente en la pista, pero también es una obra sensorial, construida para momentos de introspección y éxtasis. El arreglo es envolvente y la producción es meticulosa, sin caer en excesos.



En los últimos meses, el sello ha ampliado su enfoque creativo al apostar por lanzamientos que dialogan con la esencia del Afro y del Melodic House, ya sea en su vertiente más ritual, como presentó Tommy Gustav en «Shadow Rituals»; con matices más introspectivos, como en «Velar» de Danyel Irsina; o con un mayor atractivo de pista, como Tim Davis mostró en «Na Ite». En todos los casos, la conexión entre ritmo, organicidad y emoción es el eje central — algo que también aplica al nuevo single de Ollie.



Artista residente del proyecto Lost In Sound y con presentaciones en eventos como Burning Man, Back To Mine (Ibiza) y Secret Garden Party, Ollie Mundy ya se había destacado con lanzamientos en sellos como Sondela, My Other Side Of The Moon y su propio imprint, OVAVA Music. Este debut en Adesso representa un paso más hacia una carrera construida con coherencia y sensibilidad.



Poco a poco, Adesso Music ha dejado claro que su curaduría va más allá de la energía Tech House que marcó sus primeros lanzamientos en 2020. Ahora hay una atención especial a las pistas con identidad fuerte y texturas emocionales. «The Mountains» es, sin duda, un excelente ejemplo de lo que está siendo priorizado dentro del sello.



<iframe style="border-radius:12px" src="https://open.spotify.com/embed/album/66PYtLvaSoKfvT4JZ4n4bt?utm_source=generator" width="100%" height="352" frameBorder="0" allowfullscreen="" allow="autoplay; clipboard-write; encrypted-media; fullscreen; picture-in-picture" loading="lazy"></iframe>

Ollie Mundy debuta en Adesso Music con la etérea «The Mountains»

Desde las profundidades de Rumania y con una historia marcada por accidentes extremos, lesiones irreversibles y una reconstrucción física y mental desde cero, Gojnea76 se ha convertido en una figura única dentro del circuito underground global. Su música desafía etiquetas: es tensa, minimalista, sucia y poderosa. Su EP más reciente, «Punisher Braila«, editado por su propio sello FUEL, condensa todo ese enfoque: visceral pero preciso, salvaje pero disciplinado.



En esta entrevista exclusiva con DJ Mag Latinoamérica, Gojnea76 —también conocido como G76— responde sin filtros sobre su conexión con el metal, el impacto de su lesión de columna y el significado profundo detrás de su música.



1. Tu música combina la energía cruda del house con un minimalismo experimental. ¿Cómo influyó tu pasado en el metal y el punk en ese sonido tan particular? No fue algo planeado. Ese sonido simplemente me sale así. Crecí escuchando slam, sludge, hardcore… buscaba lo más oscuro que pudiera encontrar. Esa mentalidad se quedó conmigo. No se trata de un estilo, sino de una forma de encarar las cosas: no conformarse, ir más allá, encontrar tu propia versión del sonido. Incluso ahora sigo escuchando metal. Me mantiene afilado. Es parte de la razón por la que mi música no suena como lo que la gente suele esperar de Rumania.



2. Has hablado abiertamente sobre tus desafíos físicos y tu proceso de recuperación. ¿Cómo transformaron esas experiencias tu manera de producir y tocar música? Cambió todo, pero no de la noche a la mañana. Después de la fractura en la columna en 2018, entré en una especie de limbo raro. Estaba realmente lesionado, pero aún así intentaba seguir funcionando de alguna manera. Tenía dolor todos los días, todo el día. No podía estar de pie lo suficiente como para terminar un set correctamente, y mucho menos disfrutarlo. Estaba ahí físicamente, pero mentalmente no. Durante esos años, mi música sonaba como yo me sentía: pesada, plana, a veces incluso amarga. No intentaba que fuera así, simplemente salía así. Más adelante, cuando empecé a reconstruirme fuera del estudio con meditación, baños de hielo, respiración consciente y entrenamiento adecuado, la energía cambió. No solo en mi cuerpo, sino también en la forma en que abordaba la música. Dejé de forzar y empecé a escuchar. Ahí fue cuando todo comenzó a moverse de nuevo.



3. Tu EP «Punisher Braila» se siente caótico y controlado al mismo tiempo. ¿Qué historia querías contar con esos cuatro tracks? No lo encaré como una narración. Simplemente elegí cuatro temas que compartían una cierta tensión y sarcasmo. Algunos los hice de viaje, otros en el estudio, pero todos tenían esa intensidad. No es rabia, es simplemente algo sin filtros. El track principal samplea una banda de metal estadounidense que me gusta, Psyopus, y las letras me recordaban a una energía de amor/odio muy particular, familiar si creciste en Braila. Es algo personal, pero también universal. Ese equilibrio entre control y caos es cómo se sienten las cosas a veces. No lo planeé así, pero encajó.



4. Después de lanzar más de 100 tracks en 2024, ¿qué mantiene viva tu creatividad y cómo evitás caer en la repetición? Trabajo mucho. Ese es el secreto. También trabajo en distintos lugares: a veces mientras viajo, en hoteles, aeropuertos, y por supuesto en mi estudio en casa. Aprendí a mantenerlo simple. Cuanto más equipo uso, más me distraigo. Si me limito al Elektron Octatrack y uno o dos sintes, o solo a la laptop cuando viajo, termino tomando mejores decisiones. Tampoco intento reinventar nada. Solo quiero que cada track tenga energía. Si algo suena parecido a lo que ya hice, paso a lo siguiente. Así evito repetirme. Tiene más que ver con sentir que con seguir reglas.



5. Dijiste que FUEL es más que un sello, es una mentalidad. ¿Qué significa para vos «alimentar la pista de baile»? FUEL es la abreviación de Future Electronics, que es mi sello. Pero el nombre significa algo completamente diferente para mí. Después de mi lesión, pasé años con dolor, rehabilitación, procedimientos invasivos, incluso consideré una cirugía de fusión espinal. Ninguna tecnología me ayudó. Lo que realmente me sacó adelante fue el movimiento, la disciplina, la meditación trascendental, la respiración consciente… cosas que no cuestan nada. Eso es lo que significa Future Electronics. No se trata de máquinas. Se trata del cuerpo y la mente como tecnología. FUEL, la serie de fiestas, vino después. Es la prueba de que ahora puedo moverme y hacer música que también mueve a otros. No se trata de un género o una estética. Es físico. Es espiritual. Es ese cambio de apenas poder estar de pie a hacer que las pistas de baile exploten durante horas. Eso es alimentar, en el sentido más literal.



Hoy, Gojnea76 no solo baila con el caos: lo transforma en motor para sí mismo y para los demás. Su historia no es solo sobre beats, sino sobre supervivencia, reinvención y una filosofía clara: moverse es vivir.



<iframe style="border-radius:12px" src="https://open.spotify.com/embed/album/3M6mdtIB7WPLtB7mXFEkbh?utm_source=generator" width="100%" height="352" frameBorder="0" allowfullscreen="" allow="autoplay; clipboard-write; encrypted-media; fullscreen; picture-in-picture" loading="lazy"></iframe>

Gojnea76: Crudeza, caos y catarsis electrónica

El productor toscano UNDERCATT vuelve a sorprender con un lanzamiento que combina nostalgia y vanguardia: un impactante cover de “Sirius”, el legendario tema instrumental de The Alan Parsons Project. La nueva versión, que verá la luz este 4 de julio, transforma el clásico ochentero en una pieza electrónica contemporánea cargada de tensión cinematográfica y melodías seductoras.



<figure class="wp-block-image size-large"><a href="https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2025/06/p-1.jpeg"><img loading="lazy" decoding="async" width="1024" height="1024" src="https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2025/06/p-1-1024x1024.jpeg" alt="" class="wp-image-1170248" srcset="https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2025/06/p-1-1024x1024.jpeg 1024w, https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2025/06/p-1-300x300.jpeg 300w, https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2025/06/p-1-150x150.jpeg 150w, https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2025/06/p-1-768x768.jpeg 768w, https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2025/06/p-1-1536x1536.jpeg 1536w, https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2025/06/p-1-2048x2048.jpeg 2048w, https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2025/06/p-1-50x50.jpeg 50w, https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2025/06/p-1-185x185.jpeg 185w, https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2025/06/p-1-87x87.jpeg 87w, https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2025/06/p-1-950x950.jpeg 950w, https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2025/06/p-1-166x166.jpeg 166w, https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2025/06/p-1-212x212.jpeg 212w, https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2025/06/p-1-235x235.jpeg 235w, https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2025/06/p-1-318x318.jpeg 318w, https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2025/06/p-1-275x275.jpeg 275w, https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2025/06/p-1-97x97.jpeg 97w, https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2025/06/p-1-66x66.jpeg 66w" sizes="auto, (max-width: 1024px) 100vw, 1024px" /></a></figure>



En el último tiempo, el artista ha cosechado elogios por su colaboración con Tiësto en “Shadows” (Musical Freedom), su emotivo remix de “Neon Capital” de Kölsch y su poderoso track junto a Adriatique, “Horizon”. Cada uno de estos lanzamientos ha fortalecido su lugar como una de las voces más originales del techno melódico actual.



<iframe style="border-radius:12px" src="https://open.spotify.com/embed/track/3yx9FvpJyHrHd5CwONQUIM?utm_source=generator" width="100%" height="152" frameBorder="0" allowfullscreen="" allow="autoplay; clipboard-write; encrypted-media; fullscreen; picture-in-picture" loading="lazy"></iframe>



Para acompañar estos estrenos, UNDERCATT se encuentra girando por Sudamérica con fechas confirmadas en Crobar (Buenos Aires) el 27 de junio, El Ática (Mendoza) el 28 de junio, Lotus (Montevideo) el 4 de julio —coincidiendo con el lanzamiento de “Sirius”—, y finalmente Salta el 5 de julio.



Originario de la región italiana de Toscana, Elia Crecchi —el nombre detrás de UNDERCATT— comenzó organizando fiestas locales que se transformaron rápidamente en punto de encuentro internacional. Su estilo, que oscila entre la melodía y el groove con tintes de techno oscuro, lo llevó a debutar en Diynamic, el sello de Solomun, y a presentarse en escenarios como Tomorrowland, Rex Club, Stereo Montreal, Roxy Prague y más.



Con más de 7 millones de reproducciones en Spotify y tres Essential New Tunes seleccionados por Pete Tong, UNDERCATT sigue explorando nuevas formas de expresión musical sin limitarse a un solo género. “Sirius” promete ser otro paso audaz en esa trayectoria.



<div style="width: 500px; height: 705px; overflow: hidden; position: relative;">
 <iframe loading="lazy" src="https://www.instagram.com/p/DLF2opHsoAy/embed" width="500" height="700" frameborder="0" scrolling="no" allowtransparency="true"></iframe>
</div>

UNDERCATT reimagina el clásico de The Alan Parsons Project con un cover de “Sirius”

Con presentaciones en cuatro continentes —Europa, América, Asia y Oceanía— y una trayectoria que lo ha llevado a escenarios como Maze (Berlín), CultureBox (Copenhague), WeLove (Sídney), Cave Element (Madrid) y Kaos (Argentina), <a href="https://www.instagram.com/4night_/">4NIGHT</a> ha construido una carrera sólida basada en la exploración sonora, el respeto por sus raíces y una clara visión de futuro.



Su estilo fluye entre el techno, hardgroove, schranz y hard techno, con influencias que van desde Derrick May y Richie Hawtin hasta Héctor Oaks y Klangkuenstler. 4NIGHT se consolida como un artista con una propuesta única: conectar pista, historia y cultura en un mismo beat. Toda esto queda demostrado en su nueva producción.



Actualmente radicado en Madrid, presenta su más reciente lanzamiento: “<a href="https://www.beatport.com/es/release/lautaro/5124721">Lautaro</a>”, un poderoso sencillo que fusiona la herencia sonora del pueblo mapuche con la fuerza cruda y futurista del techno. Con un tempo dominante de 150 BPM, el track lleva al oyente a un trance sonoro durante aproximadamente seis minutos.



“Lautaro” no es solo un track de club: es una declaración artística. En esta obra, 4NIGHT incorpora instrumentos tradicionales y cantos mapuches dentro de una estructura de techno hipnótico y envolvente, creando una experiencia sonora que une lo ancestral con lo contemporáneo.



“Quería crear algo que fuera más allá de la música de club tradicional”, explica 4NIGHT. “Sentía la necesidad de reconectar con mis raíces y rendir homenaje a la resistencia y espiritualidad del pueblo mapuche. ‘Lautaro’ es un tributo a esa fuerza, traducida al lenguaje del techno.”



Este lanzamiento marca un nuevo capítulo en su carrera, mientras se prepara para una nueva gira por Europa con paradas en Ámsterdam, Varsovia y París, además de varios lanzamientos programados en sellos afines a su visión estética y sonora.



<iframe style="border-radius:12px" src="https://open.spotify.com/embed/album/3cW3xVTKdyV4yvgqdxNjuN?utm_source=generator" width="100%" height="352" frameBorder="0" allowfullscreen="" allow="autoplay; clipboard-write; encrypted-media; fullscreen; picture-in-picture" loading="lazy"></iframe>

“Lautaro”  lo nuevo de 4NIGHT: el DJ y productor chileno que conecto el techno y las influencias de las  raíces mapuches.

La escena brasileña de Tech House vuelve a proyectarse internacionalmente con el lanzamiento de «Terrace Collapse» EP, una colaboración entre el ya reconocido Classmatic y el ascendente duo Crewcutz. El EP, disponible desde el 13 de junio, llega bajo el prestigioso sello Factory 93.



Conformado por dos tracks originales, el proyecto destaca por su contraste sonoro: mientras «Terrace Collapse» propone un enfoque más directo y energético, ideal para momentos de pico en la pista, «Sinestesia» revela una faceta introspectiva, con atmosferas suaves y elementos minimalistas que invitan a la imersión. «Ambas las veo como tracks de club», comenta Classmatic. «Pero ‘Terrace Collapse’ está pensada para el peak time, mientras que ‘Sinestesia’ funciona bien en un long set, de forma más cómoda y elegante».



El proceso creativo nació de forma natural entre los artistas. Crewcutz, proyecto integrado por Pedro y Felipe, relatan que «el EP surgió de una forma bien natural y sin compromiso, sólo estábamos enfocados en hacer música buena y el resto fue fluyendo». Tras varias sesiones en estudio en Florianópolis, las ideas se fueron consolidando, integrando la experiencia de Classmatic con la frescura de los nuevos productores.



«Terrace Collapse» también representa un momento clave en la evolución sonora de Classmatic, quien viene explorando una estética más limpia y minimalista. Para Crewcutz, el lanzamiento supone un paso firme en su proyección internacional. Su propuesta, caracterizada por grooves envolventes y un enfoque pulido de producción, ya ha llamado la atención de figuras como Jamie Jones, Michael Bibi y Marco Carola.



«Terrace Collapse EP» ya se encuentra disponible en todas las plataformas digitales. 



<iframe style="border-radius:12px" src="https://open.spotify.com/embed/album/6KuFUH2blTUhnt7CqRSaPE?utm_source=generator" width="100%" height="352" frameBorder="0" allowfullscreen="" allow="autoplay; clipboard-write; encrypted-media; fullscreen; picture-in-picture" loading="lazy"></iframe>

Classmatic & Crewcutz presentan «Terrace Collapse» EP en Factory 93

From House To Disco es un proyecto musical brasileño formado por Lívia y Bruna — compañeras de vida y arte — que se ha destacado como una de las fuerzas más originales de la nueva generación de artistas de su país. Con un sonido que mezcla sofisticación, emoción e identidad, han estado cruzando fronteras estéticas y geográficas, conquistando espacio tanto en los escenarios underground como en las carteleras de grandes festivales. Prueba de ello es que ya han tocado en lugares como Rock in Rio Lisboa, Lollapalooza, Time Warp, DGTL y tienen su debut programado para octubre en Tomorrowland Brasil.



En los últimos meses, el proyecto ha intensificado aún más su presencia en el escenario global a través de algunos lanzamientos, colocando trabajos en sellos como Definitive Recordings, Razor-N-Tape y, a finales de junio, en Heattraxx, donde firman un remix para «House Will Survive», tema de Roland Clark reinterpretado por el francés DJ Merci. Pero la novedad más reciente fue el debut del dúo en el sello brasileño Jardineira Records con el EP Blissful Moments — un trabajo que sintetiza la dualidad emocional y energética que atraviesa sus producciones, y que marca otro paso importante en la trayectoria ascendente de From House To Disco.



<iframe style="border-radius:12px" src="https://open.spotify.com/embed/album/1dpUf6yRoFRmIUgSBbaAAh?utm_source=generator" width="100%" height="352" frameBorder="0" allowfullscreen="" allow="autoplay; clipboard-write; encrypted-media; fullscreen; picture-in-picture" loading="lazy"></iframe>



Hablamos con las artistas sobre este momento de expansión, el nuevo lanzamiento, los entresijos de la creación y los próximos pasos de este viaje. ¡Mira!



DJ Mag LA: Bruna, Lívia, ¡gracias por recibirnos! Están viviendo una secuencia impresionante de presentaciones, que incluyó DGTL, Gop Tun Festival, C6 Fest y, muy pronto, tocarán en Tomorrowland Brasil. ¿Cómo han enfrentado esta fase de gran visibilidad en los escenarios y qué representa para ustedes hoy, como artistas brasileñas y queer en la escena electrónica?



FHTD: – ¡Hola, chicos, el placer es nuestro! Ha sido intenso, ya que son siete años en este viaje, así que ver este reconocimiento llegando ahora tiene un sabor especial, más aún siendo dos mujeres, lesbianas, en una escena más mainstream que no siempre abre espacio.



DJ Mag LA: Con la agenda cada vez más llena y la visibilidad en aumento, ¿cuáles han sido los principales desafíos de mantener la organización y el enfoque artístico? ¿Cómo equilibrar presencia en el escenario, estudio, comunicación y vida personal?



FHTD: – Lo más difícil es el equilibrio entre la agenda y el estudio. Cada uno tiene su proceso y la rutina agitada muchas veces ya sirvió como detonante de inspiración, pero hoy en día preferimos tomar algunas pequeñas «temporadas» a lo largo del año para dedicarnos exclusivamente a la producción, cosa de una o dos semanas sin tocar. Cuando hacemos remixes, el proceso es más fácil y rápido, pero con los temas originales, preferimos aislarnos durante esos períodos. Claro que siempre tenemos la computadora cerca, especialmente durante los viajes, porque todo está más a flor de piel y no queremos perder ninguna idea. La vida personal va sucediendo en medio de todo esto, todo junto al mismo tiempo (risas), ventajas y desventajas de ser una pareja que trabaja junta.



DJ Mag LA: Una de las respuestas, de hecho, debe ser porque son compañeras en la vida y en la creación artística, y este vínculo aparece cada vez más como una parte importante de la identidad pública de From House To Disco. ¿De qué forma influye esta conexión en el día a día de trabajo y en el proceso creativo?



FHTD: – Nos complementamos, quizás ese sea el elemento clave del FHTD. Tenemos personalidades distintas, obviamente, pero nos complementamos en las ideas, en el ritmo, en las inspiraciones. Nada es función de una sola, así que todo fluye de forma ligera y natural. La intimidad de diez años de relación da cuenta de esta rutina loca.



DJ Mag LA: Su música tiene una firma sonora que es bailable, emocional y atemporal; al mismo tiempo, circula por contextos bastante distintos, del underground al mainstream. ¿Cómo ven este tránsito y el papel que cumple en la escena brasileña actual?



FHTD: – Cuando creamos, no pensamos «ah, voy a crear algo así o asá» o «vamos a hacer esto o aquello que funciona». Al contrario, no pensamos en nada, intentamos no racionalizar este proceso. El lugar de creación es nuestro «safe space», donde podemos jugar, probar, arriesgar. La música, independientemente del género y contexto, tiene el papel de envolver a las personas de alguna forma, así que si tú no te involucras cuando estás creando, ¿cómo esperas que los demás se involucren en la pista? Deberíamos preocuparnos menos por los géneros musicales y más por lo que las músicas nos provocan.



DJ Mag LA: Ahora hablando del lanzamiento más reciente: el EP ‘Blissful Moments’. Este trabajo traduce muy bien la dualidad que llevan entre la potencia de pista y la emoción. ¿Cómo fue el proceso creativo detrás de los temas y de qué manera reflejan este momento de su carrera y de sus vidas?



FHTD: – Tanto Gonna Get Over como Blissful Moments nacieron en momentos de cambio, cuando necesitábamos creer que era posible atravesar, resignificar y seguir. Mucho de eso tiene que ver con nuestra relación de diez años, que también pasó por transformaciones. Entonces, naturalmente, los temas acabaron siendo espejos de ese proceso. Intentamos siempre traducir en sonido lo que vivimos y sentimos, y quizás por eso este EP tenga un toque más introspectivo, sin perder nuestra identidad más «bailable».



DJ Mag LA: Además de los dos temas originales, el EP también trae un remix de Seed y Giorgio, headlabels de Jardineira Records, sello por donde salió el release. ¿Cómo se dio este intercambio creativo con ellos? ¿Y cómo fue firmar este debut por ahí?



FHTD: – Bruno (Seed Selector) es nuestro amigo, nos conocimos en Cocada Music hace algunos años y ya hace un buen tiempo que coqueteábamos con hacer algo juntos. Demoró porque las agendas no coincidían, pero finalmente se dio. Somos fans de su sonido y seguimos hace tiempo el trabajo super bacán que él y Giorgio hacen en Jardineira. ¡Es muy chévere ser parte de esto, finalmente! Es un sello que ya es parte de nuestro pen drive (jajaja).



DJ Mag LA: Siguiendo con los lanzamientos, han venido construyendo un catálogo diverso y consistente, con pasajes por sellos como Massa Records, Definitive Recordings, Razor-N-Tape, Heattraxx… ¿Cuál ha sido la principal línea curatorial a la hora de aceptar o buscar alianzas con sellos internacionales y nacionales?



FHTD: – Somos fans de muchos sellos nacionales y ya tuvimos el placer de lanzar por algunos de ellos, como Cocada Music, Massa Records, Jardineira Records, Diversall Music y Soul Cuts. Creemos mucho en la fuerza de la escena independiente brasileña, por eso siempre estamos abiertas a fortalecer esta red, siempre que haya una afinidad sonora real. Con los sellos internacionales, buscamos o aceptamos invitaciones de aquellos que, de alguna forma, ayudaron a moldear nuestra identidad musical. Más que nombre o hype, lo que nos guía es entender si el sonido dialoga con nosotras, si tiene sentido estar en ese catálogo o si marcó nuestra vida de alguna forma nostálgica.



DJ Mag LA: Por último, ¿qué viene en el segundo semestre? Acaban de hacer una mini gira por Nueva York y, en agosto, harán otra en Berlín… ¿ya pueden compartir un poco sobre los planes futuros y los objetivos que están trazando para la próxima fase de su carrera? ¡Gracias!



FHTD: – Muchas cosas chéveres por venir, pero aún no podemos contar (perdónennos), pero estamos muy emocionadas con el debut en Tomorrowland Brasil, en octubre, y una invitación para lanzar en el sello de Eli Iwasa y Priscila Prestes, «Heels of Love», el año que viene, pero que ya empezaremos a trabajar muy pronto.

From House To Disco: de Brasil al mundo

Desde su primer lanzamiento en 2009, Woo York ha trazado un camino singular dentro de la música electrónica, consolidándose como una de las propuestas en vivo más influyentes del circuito global. En 2024, los ucranianos abren un nuevo capítulo con el nacimiento de OTHERVOICE, una experiencia inmersiva que va mucho más allá de un sello o un show: se trata de un universo creativo propio, pensado para vivir su música sin filtros ni concesiones.



“OTHERVOICE es más que un label. Es más que un evento. Es algo que soñamos durante años y que finalmente logramos materializar: un espacio donde nuestra música puede experimentarse tal como la sentimos.”



A diferencia de las propuestas tradicionales, OTHERVOICE no se construyó desde la lógica del DJ set. Woo York ha sido siempre un proyecto de performance en vivo, donde cada sonido es ejecutado en tiempo real. Por eso, esta nueva etapa también representa una reivindicación de su identidad como artistas en vivo:



“No mezclamos música de otros. Interpretamos la nuestra, siempre en vivo. Durante años se nos presentó como DJs, pero eso nunca fue del todo correcto. Ahora, eso cambia.”



Con OTHERVOICE Events, Woo York se libera de los formatos establecidos y despliega una puesta única, con escenarios diseñados exclusivamente para este show, tótems y pantallas LED que forman parte activa de la narrativa visual, y un motor visual desarrollado por su propio equipo que reacciona en tiempo real al audio. Además, cuentan con un segundo performer dedicado exclusivamente a las visuales, que también las interpreta en vivo, generando una sinergia total entre imagen y sonido.



“Cada sonido puede activar una respuesta visual. Cada momento es parte de una experiencia dinámica, viva. No es un show. Es un mundo.”



Luego de más de 15 años publicando en sellos como Afterlife, Drumcode o Innervisions, Woo York sintió la necesidad de tomar el control total sobre su visión:



“Estas colaboraciones nos ayudaron a alcanzar una audiencia global, pero siempre operábamos dentro del sistema de otro. Con OTHERVOICE, decidimos cuándo, qué y cómo lanzar. Construimos nuestro propio camino.”



El debut de esta propuesta tendrá lugar en Argentina, un país que Woo York considera esencial en su recorrido:



“Argentina nos ha dado amor y energía durante años. Por eso elegimos este país para presentar por primera vez OTHERVOICE. No se trata solo de un show, es una conexión real con una de las comunidades más apasionadas que conocemos.”



Las fechas confirmadas son el 25 de julio en San Juan y el 26 de julio en Buenos Aires, donde desplegarán el formato completo de OTHERVOICE. Además, Woo York se presentará también el 18 de julio en Tucumán y el 19 de julio en Córdoba, sumando así cuatro encuentros imperdibles con el público argentino.



“No se trata de perseguir tendencias. No se trata de encajar. Se trata de construir algo real — e invitarte a ser parte de ello.”



OTHERVOICE es Woo York en su forma más pura. Una plataforma para crear, conectar y compartir música sin compromisos. Una invitación a entrar en su mundo: directo, inmersivo y profundamente humano.



<div style="width: 500px; height: 705px; overflow: hidden; position: relative;">
 <iframe loading="lazy" src="https://www.instagram.com/reel/DLAgV-diWgZ/embed" width="500" height="700" frameborder="0" scrolling="no" allowtransparency="true"></iframe>
</div>

Woo York lanza “OTHERVOICE” y habla en exclusiva sobre su nueva era en vivo

El dúo argentino Peces Raros no para de crecer. En medio de una extensa gira internacional y a poco de presentarse junto a Innellea en Buenos Aires, acaban de recibir uno de los máximos reconocimientos de la industria musical argentina: el Premio Gardel a Mejor Álbum de Música Electrónica por Artificial, su quinto disco de estudio. Lejos de tomarse la distinción como un punto de llegada, Lucio Consolo y Marco Viera lo viven como un nuevo impulso en su incansable camino.



“Primero, significó una gran alegría, porque entendemos que si bien es un reconocimiento a Artificial, también es una distinción a nuestra carrera”, explican. “La verdad es que la escena está conformada por colegas con un gran talento y una gran trayectoria. Tuvimos la oportunidad de vincularnos con muchos productores y DJ’s de la escena nacional, y sentimos que es interesante pensar en que la electrónica como género dialogue cada vez más con estructuras que aún le resultan ajenas, como los Premios Gardel.”



Desde su irrupción en la escena argentina con una propuesta que cruza el pulso techno con la narrativa del rock, Peces Raros ha logrado trascender géneros, festivales y fronteras. Hoy se posicionan como un referente del cruce entre la música electrónica y el formato banda, uniendo el groove digital con la intensidad emocional del vivo.



<iframe loading="lazy" width="560" height="315" src="https://www.youtube.com/embed/m0zoBG-BP1U?si=iKbUcSSnndcRLFyl" title="YouTube video player" frameborder="0" allow="accelerometer; autoplay; clipboard-write; encrypted-media; gyroscope; picture-in-picture; web-share" referrerpolicy="strict-origin-when-cross-origin" allowfullscreen></iframe>



Sobre su rol como referentes para nuevas generaciones de artistas, reconocen: “Inspirar es una de las dimensiones más frágiles e inmensas del arte. Pero uno no se propone inspirar, eso sucede como consecuencia de otra cosa. Lo que sí intentamos siempre es fortalecer la escena, y eso se da todos los días en lo cotidiano: generando espacios para que nuevos productores muestren su trabajo, propiciando encuentros, colaboraciones o simplemente dando una mano.”



Después de un 2024 arrollador —con giras por Europa y Latinoamérica, presentaciones en festivales como Creamfields, Lollapalooza y Vive Latino, y dos Luna Park agotados— Peces Raros se prepara para volver a tocar en Buenos Aires el próximo 4 de octubre, en una fecha muy esperada junto a Innellea en Punta Carrasco, donde compartirán escenario con una de las figuras más influyentes del techno melódico global.



El show promete ser otro hito para una banda que hace tiempo dejó de ser promesa y se convirtió en faro. Y con Artificial, ese manifiesto de modernidad sonora donde “nada escapa a lo artificial”, Peces Raros reafirma su identidad: una en la que conviven el beat, la canción y la visión de futuro.



<iframe style="border-radius:12px" src="https://open.spotify.com/embed/album/2RuOgjec3N5frlq6O5MgUI?utm_source=generator" width="100%" height="352" frameBorder="0" allowfullscreen="" allow="autoplay; clipboard-write; encrypted-media; fullscreen; picture-in-picture" loading="lazy"></iframe>

Hay 9011 resultados para W&W

Boris Brejcha apuesta al rojo: llega 16 Red Even, su nuevo single cargado de tensión y energía