Desde: Berlin Suena como: No lo sé. Ojalá como nadie más. Tres pistas:  Oni Ayhun – OAR003-B; Mathew Jonson – Typerope; Thomas Melchior & Luciano – Father



Alejandro Mosso es un compositor, productor y artista de música electrónica argentino, actualmente radicado en Berlín. Con una vasta discografía de más de 45 EPs y 8 álbumes, Alejandro ha colaborado con artistas que han definido el género, como Ricardo Villalobos, Burnt Friedman, Tim Green, Laurence Guy, entre muchos otros.



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Conoce más sobre él en esta interesante entrevista:



¿Cuándo comenzaste a producir/tocar música y cuáles fueron tus primeras pasiones e influencias?  Desde muy pequeño siempre tuve una gran pasión por la música. Empecé a dar mis primeros pasos a los 12 años, tomando clases de guitarra y composición. A los 17, descubrí la producción de música electrónica, influenciado por artistas del sello Warp como Autechre. Poco después, me adentré en la electrónica de baile a través de sellos como Traum Schallplatten, Kompakt, Force Inc, Cadenza, Perlon, entre otros. Para 2006, ya estaba definiendo mi perfil sonoro, moldeado por todas estas influencias.



¿Qué fue lo que te atrajo de la música electrónica? Después de varios años tocando en bandas de rock y pop indie en mi juventud, empecé a incorporar sonidos electrónicos de manera progresiva, hasta que finalmente lancé mi proyecto solista en la música electrónica. Lo que me atrajo de este género fue la posibilidad de crear cualquier sonido imaginable y la libertad de producir una canción en su totalidad desde mi home-studio.



¿Cómo describirías tu desarrollo como artista en términos de intereses y desafíos y la búsqueda de una identidad personal? Creo que la identidad artística se forma de manera casi automática cuando uno crea música sin preocuparse demasiado por el objetivo comercial. Esto no significa que el aspecto comercial no sea importante, pero prefiero enfocarme en ello una vez que la música está terminada y tiene una identidad propia. Solo entonces me pregunto cuál es la mejor manera de venderla, en qué sellos podría tener éxito, etc. Mi desarrollo personal ha pasado por numerosas etapas. Comencé con el IDM y el ambient, y luego me acerqué al minimal de baile de principios de siglo, un sonido con el que logré mis primeros éxitos en la escena europea. Después de mi paso por la agencia de bookings de Cocoon en 2013/14 y tras realizar múltiples shows con Sven, experimenté un período necesario de introspección, en el que recalculé el tipo de carrera que quería seguir. Desde entonces, solo colaboro con sellos y agencias que me permiten la libertad de definir mi propio camino, sin la presión de “encajar” en estilos predefinidos. Este es un camino más difícil y largo, pero es el único que hoy puedo recorrer con honestidad y paz mental. Espero que con el tiempo, esta decisión demuestre ser la correcta.



¿Sentís que al ser de una ciudad que no es Buenos Aires tu desarrollo en términos a la producción musical pudo haber costado más esfuerzo que si vivieses en la capital?  Mendoza, mi ciudad de origen, es pequeña en comparación con Buenos Aires. Aunque entre fines de los 90 y principios de los 2000 había una pequeña escena de música electrónica, era muy limitada y el sonido que se proponía no me resultaba particularmente interesante. Sin embargo, gracias a mis primeras conexiones con sellos de Buenos Aires como Zensible, Unlock e Igloo, y a las nuevas posibilidades de comunicación que ofrecía Internet en ese entonces, pude acceder a información, música y conexiones que en Mendoza eran prácticamente inexistentes. Esto me abrió muchas puertas al exterior.



¿Cuáles dirías que son las ideas clave detrás de tu enfoque hacia la música? A lo largo de estos 20 años de carrera, he identificado algunas ideas clave en mi búsqueda artística. Busco crear música que sea accesible pero que también tenga suficiente complejidad para atraer a un público más especializado. Me esfuerzo por encontrar un equilibrio entre el perfeccionismo en la mezcla y el diseño sonoro, y la expresión orgánica y humana. Además, siempre intento componer música que sea memorable, que se destaque por su sonido, por ser un poco inusual, o por tener elementos únicos. Este enfoque puede implicar el riesgo de no encajar en un estilo definido o de ser menos convencional, pero creo que ese riesgo vale la pena por la autenticidad y originalidad que aporta.



A lo largo de tu desarrollo, ¿cuáles han sido tus instrumentos y herramientas más importantes? En términos de instrumentos clásicos, la guitarra ha sido fundamental para mí. Es el único instrumento que sé tocar y con el que aprendí las bases de teoría musical. En cuanto a herramientas, sin duda Ableton ha sido esencial para mi carrera. No solo para la composición y producción, sino también para mis presentaciones en vivo. Aunque hoy en día no utilizo laptop para mis shows, la forma en que Ableton ha estructurado la creación y conceptualización de la música electrónica ha dominado sin lugar a dudas las últimas dos décadas.



Por favor, contamos cómo es un día en tu vida, desde una posible rutina matutina hasta tu trabajo. Siempre he tenido mi estudio en casa, por lo que paso la mayor parte de mi tiempo allí. Mi día comienza temprano en la mañana; después de tomarme un café, me instalo en el estudio. No paso todo el día creando música, pero ese es mi espacio de trabajo. Dependiendo del día, puedo estar componiendo, haciendo diseño sonoro, mezclando, masterizando, o manejando aspectos administrativos de mi carrera y mi sello, como responder correos, gestionar promociones, bookings y lanzamientos. Después de almorzar, me tomo un par de horas para relajarme y despejar mi mente. En la tarde, suelo regresar al estudio para trabajar un poco más, o a veces salgo a caminar, visito a un amigo o voy a una exposición de arte. Estas actividades me ayudan a refrescar mis ideas y mantenerme inspirado.



¿Podrías describir tu proceso creativo en base a la producción de un track o una presentación en vivo? Mi proceso creativo para componer música generalmente comienza con una idea vaga sobre el “mood” o “feeling” que quiero expresar. Esta idea inicial me da una dirección general en términos de BPM, acordes y groove, aunque sigue siendo bastante abstracta. A partir de ahí, empiezo a buscar sonidos que se alineen con la intención que tengo en mente y desarrollo algunas líneas melódicas y patrones de batería. Si estas primeras ideas me convencen, las refino para lograr el efecto deseado. Sin embargo, a veces las ideas musicales que he creado no me satisfacen. En esos casos, aplico un poco de aleatoriedad, grabo algo completamente diferente, a destiempo y sin seguir un patrón específico. Luego, al hacer loops de diferentes partes de esta nueva grabación, puedo encontrar motivos interesantes que puedo desarrollar en detalle. A veces, estas ideas resultan ser las mejores o al menos refrescantes, ya que me permiten salir de mis patrones habituales mientras mantienen un sentido de originalidad e identidad.



¿Cuáles son tus espacios favoritos para producir y tocar tu música? Para la producción, mi estudio en casa es mi espacio favorito. Aunque también me siento cómodo creando música en estudios de amigos o en otros lugares, para el trabajo fino y detallado de producción y mezcla, necesito estar en mi propio estudio, donde puedo concentrarme al máximo. En cuanto a tocar en vivo, dado que sólo realizo presentaciones como Live Act, las opciones son más limitadas que para un DJ. En general, disfruto mucho tocando en clubes con capacidad de 300 a 800 personas. Prefiero si es posible tener una cabina o escenario cerca de la audiencia, donde pueda interactuar o al menos ver las caras del público. Esto siempre me ayuda a leer la energía del lugar y a ajustar mi performance en consecuencia.



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