Hay una frase que resume bastante bien el mundo de Juan Hansen: “Sentime este gru”. Porteña, espontánea y difícil de traducir sin perder algo en el camino, terminó convirtiéndose en uno de los tracks de Ultrasonido y, casi sin proponérselo, en una declaración de principios para su primer álbum.



La idea detrás de esas palabras es sencilla: hay música que primero se siente y después, si hace falta, se intenta explicar.



Ese punto de partida atraviesa los doce tracks de Ultrasonido. Después de años construyendo una identidad reconocible desde el formato live, Hansen lleva esa libertad al estudio y firma un disco que evita quedarse dentro de un único género. Indie dance, tech house, melodic house, breakbeat, guitarras, voces e instrumentos analógicos aparecen y desaparecen a medida que avanza el álbum.



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No es casualidad. Antes de convertirse en uno de los nombres argentinos con mayor recorrido dentro de la electrónica internacional, Hansen pasó por el indie y el rock. Esa formación nunca desapareció del todo: todavía puede encontrarse en su manera de componer y, sobre todo, en un directo donde sintetizadores, instrumentos, voces e improvisación tienen tanto protagonismo como la producción electrónica.



Ultrasonido parece funcionar como el punto en el que todas esas versiones finalmente se encuentran.



El recorrido comienza a mostrarlo desde “Ninjas”, colaboración con Clér Letiv concebida como un homenaje a la intensidad del público argentino. “Inside My Mind”, junto a Franco BA y con Miko Franconi en voces, abre una dirección diferente y llegó previamente a través de Belonging, el sello de Innellea.



Más adelante, “Gambeta”, junto a Brigado Crew, introduce dembow dentro de una estructura de tech house, mientras “Neon Maze” lleva el álbum hacia uno de sus momentos más nocturnos. En el otro extremo aparece “Love Also Bites”, junto a Marley Waters, que cierra el recorrido desde el breakbeat y una sensibilidad más cercana a la canción.



También está “Sentir Asi (Part II)”, creada con Santi Portillo, una continuación que conecta indie dance y tech house sin abandonar el foco sobre la pista.



La amplitud del disco tiene relación directa con la carrera que Hansen construyó durante los últimos años. Desde aquel Boiler Room de 2019 que amplificó su nombre internacionalmente, su live pasó por lugares tan diferentes como Ultra y Cosquín Rock en Argentina, Watergate en Berlín, Burning Man en Nevada y Grand Factory en Beirut.



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Pero Ultrasonido no funciona solamente como un resumen de ese recorrido. También abre algo nuevo.



Con el álbum nace Ultrasonido Records, el sello propio de Hansen y una plataforma desde la que podrá desarrollar su música bajo sus propias reglas. El nombre conecta así disco, sello y una nueva etapa creativa alrededor de un mismo concepto.



El siguiente capítulo vuelve al lugar donde buena parte de esta música cobra sentido: el escenario.



El 29 de agosto, Hansen comienza el Ultrasonido Latin American Album Tour en La Cantera, Córdoba. La gira continuará por Buenos Aires, Foz de Iguazú, San Juan, Neuquén, Santa Cruz de la Sierra, Cafayate, Ituberá, Bariloche y Florianópolis, antes de extenderse hasta enero de 2027.



Después de años haciendo del live su principal lenguaje, Juan Hansen finalmente tiene su primer álbum. Y quizá su título diga más de lo que parece: Ultrasonido reúne justamente aquello que siempre estuvo ahí, incluso cuando no era tan fácil ponerlo en palabras.



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Juan Hansen: “Sentime este gru”, doce tracks y un álbum para dejar de explicar la música

El pasado 1 de mayo, Artlab celebró una nueva edición de Círculo de Sonido con la participación de Henrik Schwarz, una de las figuras más influyentes y particulares de la electrónica contemporánea.



La fecha, enmarcada dentro de los 10 años del espacio, volvió a proponer una experiencia enfocada en la escucha y la percepción sonora, con un formato que se aleja de la lógica tradicional del club para trabajar sobre el detalle, el tiempo y la relación física entre sonido y público.



Hosteada por Solimano, la noche tuvo a Schwarz desplegando un live set completamente construido en tiempo real, manipulando material propio a partir de stems, síntesis y procesamiento dinámico. Lejos de estructuras cerradas, el alemán desarrolló una narrativa mutable, atravesando momentos, pasajes abstractos y resoluciones de fuerte impacto sobre la pista.



El sistema HiFi de Artlab —basado en parlantes Altec A7 restaurados— funcionó además como una parte central de la experiencia, permitiendo apreciar con enorme definición la espacialidad y microdinámica de cada intervención sonora.



Además de su presentación, Henrik Schwarz conversó con DJ Mag Latinoamérica sobre su enfoque artístico, las diferencias entre un DJ set y un live set, la improvisación y el futuro de la música electrónica.



<figure class="wp-block-image size-large"><a href="https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2026/05/Henrik.png"><img loading="lazy" decoding="async" width="1024" height="576" src="https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2026/05/Henrik-1024x576.png" alt="" class="wp-image-1172068" srcset="https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2026/05/Henrik-1024x576.png 1024w, https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2026/05/Henrik-300x169.png 300w, https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2026/05/Henrik-768x432.png 768w, https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2026/05/Henrik-950x534.png 950w, https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2026/05/Henrik.png 1366w" sizes="auto, (max-width: 1024px) 100vw, 1024px" /></a><figcaption class="wp-element-caption">Crédito: Mateo Cianfoni</figcaption></figure>



<h3 class="wp-block-heading">1. Tu enfoque en vivo se aleja del DJ set tradicional. ¿Qué te permite explorar el formato live que un set convencional no?</h3>



Creo que un DJ set y un live set son dos cosas completamente diferentes. También desde lo artístico son muy distintos. El DJ es un curador que trabaja sobre enormes cantidades de música y luego selecciona las piezas que tienen sentido para su idea artística.



En un live set, que es lo que hago yo, toco exclusivamente música que produje yo mismo. Mis propios tracks y remixes. Y esas canciones existen como stems individuales. Puedo llevarlas hacia distintas direcciones, modificarlas e interactuar en tiempo real con lo que está ocurriendo en la pista.



Antes también hacía mucho DJing, y todavía pienso que es algo maravilloso. Pero en un momento se volvió demasiado trabajo hacer ambas cosas realmente bien. Entonces decidí enfocarme en tocar en vivo. Eso fue hace 25 años, cuando apareció Ableton Live, y también era un momento muy emocionante porque todo era completamente nuevo. Yo quería hacerlo bien, así que pensé: voy a dedicarle todo mi tiempo a esto. Y ahí dejé de hacer DJ sets.



A veces me da un poco de pena, porque realmente es algo hermoso. Pero claro, uno trabaja con cosas diferentes. El DJ tiene una visión general de toda la música que se está lanzando en ese momento. Y nosotros, como live acts, probablemente tenemos una visión más cercana de la tecnología que aparece para producir música. Trabajamos con nuevos sonidos. Los creamos y, básicamente, en colaboración con los DJs que luego seleccionan esos tracks, todo termina teniendo sentido como un conjunto. Un ecosistema. Uno que consiste en encontrar nuevas ideas, filtrar las buenas y luego presentarlas al público para ver si realmente funcionan o no.



<h3 class="wp-block-heading">2. Muchas veces hablás de la idea de una “hoja en blanco” antes de cada presentación. En un espacio como el Círculo de Sonido de Artlab, ¿cómo influyen el lugar y el sistema de sonido en las decisiones que tomás en tiempo real?</h3>



Sí, creo que todo empieza, de cierta manera, con una hoja en blanco. El espacio es importante, el sistema de sonido es importante, toda la vibra lo es, por supuesto.



Cuando toco, la mayor parte del tiempo no sé exactamente qué voy a tocar. Más o menos sí, pero no en qué orden ni de qué manera. Puede ser algo suave, rápido, lento, emocional o más energético.



El material de base siempre es mi música. Existe como stems individuales. Y puedo transformarla completamente en tiempo real. Puede tomar muchísimas formas diferentes. Puede ser agresiva o delicada. Y todo eso depende de lo que me llega de vuelta. ¿Qué devuelve el público? ¿Cómo fue todo el día? ¿La tecnología está funcionando bien? Todo tiene algún tipo de influencia.



Creo que eso es muy humano. Y también pienso que es importante que siga siendo muy humano. Cada vez más, especialmente en los últimos años. Me parece importante una forma de expresión muy sutil, incluso cuando la música es fuerte. Siempre hay cosas delicadas ahí adentro. Es una comunicación, por decirlo de alguna manera, entre el mundo exterior y yo, y también entre todas las personas que están en la pista. Yo me incluyo ahí. Sí, es una conversación.



<h3 class="wp-block-heading">3. Tu música mezcla elementos electrónicos, jazz y música clásica. ¿Cómo conviven hoy esos distintos lenguajes dentro de tu proceso creativo?</h3>



Sí, creo que en mi música hay todo tipo de influencias. Al principio estuve muy marcado por el jazz, el funk y mucha música africana. Eso estuvo presente desde el comienzo y, de hecho, todavía sigue ahí.



Durante mucho tiempo —o en realidad pasa casi todos los años— descubro algo enorme que nunca había escuchado antes, y generalmente tiene una influencia muy fuerte sobre lo que hago después. Siempre hay algo nuevo que se filtra. Durante un tiempo fueron, por ejemplo, Arthur Russell, la música de Sun Ra o Moondog, entre muchas otras cosas.



Después, en cierto momento, apareció la música clásica. Me fascinaron especialmente los cuartetos de cuerdas. Ahí podés escuchar una enorme cantidad de ideas. Sobre todo en la música clásica reciente, creo que hay una cantidad increíble de conceptos que se pueden trasladar a nuestra música.



Para mi gusto, la música electrónica es la música más compatible que existe. Puede conectarse con cualquier otro tipo de música. O al menos creo que la música electrónica encuentra más fácilmente una forma de relacionarse con otras músicas y de encontrar un nivel abstracto desde el cual adoptar ideas de otros géneros. Yo todavía hago eso. Y tengo la sensación de que eso todavía está muy lejos de agotarse.



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<h3 class="wp-block-heading">4. Tocaste en clubes, salas de concierto y junto a orquestas. ¿Cómo cambia tu enfoque dependiendo del contexto?</h3>



¿Cómo cambia mi enfoque cuando toco en clubes, salas de concierto o con orquestas? Para ser honesto, no creo que cambie demasiado. Para mí, la esencia es, de alguna manera, “la computadora más algo más”, y ese es mi lugar. Soy la persona que está frente a esa computadora.



Eso puede suceder dentro de muchos contextos distintos. Pero yo mismo creo que sigo siendo el mismo. Y no cambia tanto. Puede cambiar mucho desde afuera, pero yo intento comunicarme. Intento escuchar. Intento aportar algo.



Con una orquesta puedo decir al menos esto: a veces es un poco difícil, porque vos sos solo un instrumento. Y después hay otros 80 más. Creo que eso tiene que prepararse muy bien. Es más fácil con un ensamble pequeño. Pero eso es más una cuestión técnica que artística.



Desde lo artístico, diría que simplemente intento hacer mi aporte, escuchar y responder.



<h3 class="wp-block-heading">5. ¿Cómo encarás una presentación en una ciudad como Buenos Aires y qué tiene de especial este público para vos?</h3>



Para ser completamente honesto, encaro una presentación en Buenos Aires exactamente de la misma manera que en cualquier otro lugar. Creo que todos estamos conectados alrededor del mundo. Estamos conectados a través de esta música. Es una comunidad que funciona globalmente.



Incluso creo que hay diferencias entre ciudades, sí. A veces más entre ciudades que entre países. Pero para mí, lo que claramente está en primer plano es que existe una comunidad global que comparte valores en común.



De alguna manera, se trata de que todo el mundo sea bienvenido. Y eso sigue siendo lo más importante. Lo fue durante muchísimos años, desde el principio. Se trata de ser bienvenido sin importar quién seas, qué hagas o de qué país vengas.



Para mí, eso sigue siendo lo más importante de la música electrónica: el hecho de que puede conectar todo y a todos. Uno puede abrirse a eso. Ese es su mayor valor.



<h3 class="wp-block-heading">6. Mirando hacia adelante, ¿cómo imaginás la evolución de la escena electrónica en los próximos 10 años?</h3>



¿Dónde veo a la música electrónica dentro de diez años? Es una pregunta interesante, porque cuando empecé, hace unos 30 años, pensé que esto iba a durar solo cinco años más y después se terminaría. Y sin embargo esta música todavía existe.



La música electrónica siempre estuvo relacionada con las nuevas tecnologías. Y ahora hay una nueva tecnología con la que urgentemente necesitamos involucrarnos: la inteligencia artificial.



La IA nos plantea una enorme cantidad de preguntas nuevas. Es un momento extremadamente interesante. Tecnológicamente, para mí se siente un poco como antes de 1990, cuando las primeras computadoras llegaron a las casas. Una revolución absoluta. Y siento que eso está ocurriendo otra vez ahora: una revolución absoluta a través de una nueva tecnología.



Todavía no sabemos exactamente hacia dónde nos va a llevar. De hecho, creo que la música electrónica puede volver a funcionar como un muy buen filtro. Estamos siendo inundados de contenido generado por IA. Y depende de nosotros filtrar lo que realmente podría ser relevante.



Hasta donde puedo ver, la IA todavía no puede hacer eso. La IA no tiene gusto. Puede generar muchísima música, puede producir mil tracks en un solo día. Pero creo que, de esos mil, probablemente solo tres sean realmente muy buenos. Y la pregunta es: ¿cómo los encontramos?



Para eso, creo que necesitamos algo así como un DJ, un curador. Alguien que haga el esfuerzo de escuchar esos mil tracks y decir: estos tres son buenos.



Sospecho que un solo DJ ya no va a alcanzar. Vamos a necesitar equipos enteros haciendo eso. Equipos que curen y encuentren las cosas valiosas.



Tal vez —y esta es mi esperanza— de ahí surja una música nueva extremadamente compleja. Una música mucho más compleja de lo que hoy podemos imaginar. Eso me parecería muy interesante. Quizás toda la historia de la música comprimida en una sola pieza y conectada de una manera inteligente.



Podría ser cualquier cosa. También podría pasar que nos hundamos en una enorme cantidad de basura; al menos así se siente por momentos. Pero aun así creo que vamos a encontrar una manera de hacer algo bueno con todo esto. Estoy muy convencido de eso.



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Schwarz además ofreció una charla abierta al público moderada junto a Mariano Trocca, que funcionó como una especie de clínica sobre producción, tecnología y pensamiento musical. A lo largo del encuentro, el artista profundizó sobre su enfoque del live set, la relación entre improvisación y composición, el rol de la escucha dentro de la electrónica contemporánea y la importancia de mantener una sensibilidad humana en un contexto cada vez más atravesado por herramientas digitales y automatización.



La programación internacional de Círculo de Sonido continuará el próximo 29 de mayo con la presentación de Robag Wruhme junto a Carlos Alfonsin, en una nueva fecha que seguirá profundizando esta línea curatorial impulsada por Artlab en el marco de sus 10 años: experiencias enfocadas en la escucha, la exploración sonora y el cruce entre cultura de pista y experimentación artística.



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Henrik Schwarz en Buenos Aires: improvisación, escucha y el futuro de la música electrónica

La escena techno global sigue orbitando alrededor de Charlotte de Witte, y su nuevo EP ‘Amor’ reafirma ese lugar con una propuesta conceptual y sonora que expande su universo. El lanzamiento —ya disponible a través de su sello KNTXT— reúne tres cortes originales junto a la artista brasileña CERES, además de un Instrumental Mix exclusivo en vinilo.



A lo largo del EP, de Witte construye una narrativa cohesionada donde cada track se conecta mediante motivos sutiles, casi como una suite. La presencia de CERES es central: su voz —cargada de textura, en portugués— atraviesa todo el release, aportando identidad y una capa emocional poco habitual en el techno más funcional.



“Este EP está inspirado en mi amor por Portugal y Brasil: su gente, su cultura, su comida. Está hecho con mucho amor”, explicó de Witte. 



El track principal, ‘Amor’, despliega un groove galopante con efectos espaciales y una tensión creciente marcada por sintetizadores tipo hoover y líneas ácidas que escalan progresivamente. En ‘Sem Ar’, la energía vira hacia una estructura más quebrada, con percusiones frenéticas que rozan el breakbeat y un breakdown acapella que resalta la versatilidad vocal de CERES. Finalmente, ‘O Movimento’ acelera el pulso con hi-hats incisivos y una progresión hipnótica donde la voz se vuelve casi etérea antes de fundirse con capas ácidas.



El lanzamiento llega en un momento particularmente alto para de Witte, quien recientemente celebró 15 años de carrera con dos shows masivos en Flanders Expo ante más de 23.000 personas por noche, además del impacto de su esperado álbum debut y su posterior edición deluxe. A esto se suma una agenda 2026 cargada de festivales clave como Time Warp Brazil, Awakenings, Sónar o Kappa Futur, consolidando su dominio absoluto en la escena global.



Con ‘Amor’, Charlotte de Witte no solo reafirma su potencia en pista, sino que también abre una nueva dimensión estética donde la identidad cultural y la sensibilidad vocal juegan un rol protagonista.



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Charlotte de Witte presenta «Amor»

Hay máquinas que trascienden su función. El Minimoog Model D es una de ellas. Y ahora, más de cinco décadas después de su lanzamiento original, Moog Music presenta una nueva edición limitada que vuelve a ponerlo en el centro de la conversación global.



Se trata del Bob Moog Tribute Edition, una versión especial del legendario sintetizador analógico que rendirá homenaje a su creador, Bob Moog, y a su impacto en la evolución de la música electrónica. La producción estará limitada a solo 500 unidades en todo el mundo, cada una ensamblada a mano por el equipo de la marca en Carolina del Norte.



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A nivel estético, esta edición incorpora un gabinete de roble blanco quartersawn especialmente diseñado, junto con un decal exclusivo de la Bob Moog Foundation en el panel trasero. Además, incluye un estuche de transporte semi-rígido personalizado, pensado para preservar el instrumento tanto en estudio como en movimiento.



El Minimoog Model D, lanzado originalmente en 1970 y producido hasta 1981, marcó un antes y un después en la historia de los sintetizadores, convirtiéndose en una herramienta clave para generaciones de artistas. Su regreso a producción en 2022 ya había despertado el interés de productores y coleccionistas, y esta nueva edición refuerza aún más su estatus como objeto de culto.



La Bob Moog Tribute Edition tendrá un precio de USD 3.999, posicionándose como una pieza tanto musical como histórica dentro del universo del hardware analógico.



Este lanzamiento se suma a una serie de iniciativas recientes que celebran el legado del Minimoog, incluyendo exhibiciones de prototipos originales en el Moogseum y la publicación de un libro en 2024 que explora su impacto cultural, con testimonios de figuras como Dr. Dre, Anne Dudley y Mac DeMarco.



Una vez más, el Minimoog no solo vuelve: reafirma por qué sigue siendo uno de los instrumentos más influyentes en la historia de la música electrónica.

Moog lanza una edición limitada del Minimoog Model D en homenaje a Bob Moog

El productor, cantante y multiinstrumentista alemán <a href="https://www.instagram.com/monolinkmusic/">Monolink </a>presenta The Beauty of It All, su tercer álbum de estudio y uno de los más personales de su carrera. Compuesto por diez canciones originales, el disco es una exploración emocional profunda donde la introspección, la textura y la sutileza son protagonistas. Desde su aislamiento creativo en el campo hasta su búsqueda por reconectar con la esencia de la música, este nuevo trabajo refleja un momento de pausa, reflexión y redescubrimiento artístico.



Si <a href="https://open.spotify.com/intl-es/album/7M0Zg2A3mrTOOqfVyRUjb8?si=c4dbd800db944a3e">Amniotic </a>(2018) mostró una fusión natural entre lo orgánico y lo electrónico, y <a href="https://open.spotify.com/intl-es/album/3YCZyxDxBnFt4x3eYGYHFv?si=WQ5W_cT9QMyFEzIg_Mh8hg">Under Darkening Skies</a> (2021) expandió esa visión con un tono más oscuro y cinematográfico, The Beauty of It All aparece como una síntesis clara y luminosa: menos orientado a la magnitud del espectáculo y más centrado en la honestidad emocional. Con canciones como Beacon, Mesmerized o Promised Land, Monolink propone un viaje de regreso al corazón mismo de su sonido.



<figure class="wp-block-image size-full"><a href="https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2025/10/2.jpg"><img decoding="async" src="https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2025/10/2.jpg" alt="" class="wp-image-1170985"/></a></figure>



Este nuevo álbum transmite una atmósfera profundamente íntima y reflexiva. ¿En qué momento personal surgió The Beauty of It All y qué necesidad artística buscabas expresar a través de él? La idea de que la apreciación de la belleza debería ser algo central en nuestras vidas es algo a lo que volví una y otra vez antes y durante la creación de este álbum, y que todavía me interpela profundamente. Parece ser lo primero que se pierde en una sociedad moderna dominada por algoritmos, basada en la falta de atención y en hacernos compararnos constantemente. Creo que la capacidad de ver la belleza a nuestro alrededor y dentro de nosotros mismos es, de algún modo, clave para vivir una vida feliz. Cuando comencé a escribir y grabar el álbum, acababa de regresar de una fase intensa de giras y me estaba cuestionando muchas de las cosas que hacía. Ya no amaba tanto mi propia música y, al mismo tiempo, sentía la presión de crear nuevo material para mis próximos shows. Así que finalmente frené y me tomé un largo descanso. Para reconectarme con el motivo por el cual hago lo que hago, y con lo que amo de la música. Quería volver a sentirme conmovido por mis propias canciones y hacer música que no tuviera otro propósito más que ese. Así fue como nació “The Beauty Of It All”.



Gran parte del disco fue escrito en aislamiento. ¿Cómo influyó ese retiro en tu proceso creativo y en el sonido final del álbum? Sí, totalmente. Quería salir de la ciudad y de mi propio estudio para poder concentrarme realmente en hacer música, sin distracciones. Mi amigo Toby acababa de terminar de construir un hermoso espacio de grabación en el campo, a dos horas de Berlín, así que parecía el lugar perfecto para mí. Al principio incluso me impuse una regla: no abrir ninguna canción ni proyecto a menos que estuviera allí, para mantener viva la esencia del lugar y la sensación que generaba.



También me recordó mucho a mi pasado: crecí en un suburbio de Hamburgo donde literalmente no había nada que hacer para los jóvenes, así que cuando mi amigo y yo descubrimos la guitarra y empezamos a hacer música, eso era todo lo que hacíamos. En cierto modo, hacer este disco me llevó de vuelta a esos tiempos. Dedicarse por completo al estudio fue lo mejor que pude haber hecho, y realmente me reconectó con la música que amo.



Si tuvieras que elegir una sola canción del álbum, ¿cuál sería y por qué? Diría que “Mesmerized” es la canción que reúne la mayoría de mis facetas musicales. Es una pieza de folk profundamente personal que se transforma en un paisaje sonoro cinematográfico y distópico de downtempo, para luego volver nuevamente a su punto de partida. De algún modo, me recuerda a mis últimos veinte años como músico. Pero también amo mucho “Promised Land”… ¡Es difícil elegir!



A lo largo del álbum se perciben guiños a distintas etapas de tu carrera —desde tus raíces acústicas hasta tus exploraciones electrónicas más profundas—. ¿Ves este disco como una síntesis de tu camino artístico? Sí, absolutamente. Por eso fue tan divertido hacerlo. Ya no sentía la necesidad de ajustarme a un sonido o género específico; simplemente quería combinar todas las cosas que amo de la música y ver si podían coexistir en un mismo disco. Creo que sí pueden, y me encanta lo versátil que resultó este álbum. Durante el proceso también volví a escuchar muchos de mis discos favoritos de todos los tiempos, canciones que, de algún modo, resistieron el paso del tiempo y siguen sonando relevantes y conmovedoras incluso 50 años después de haber sido creadas. Espero poder escuchar mi propia música dentro de 50 años y seguir sintiéndome conmovido por ella.



Durante la última década, lograste tender puentes entre la cultura de club y el formato de concierto. ¿Cómo imaginás que este álbum se trasladará al vivo y qué tipo de energía querés compartir con el público? Mi objetivo es encontrar ese punto justo entre rave y concierto, pero con aún más contrastes que antes. Creamos un nuevo diseño de escenario y un show de luces completamente renovado para sumergir al público en la música. Ahora también toco el piano en vivo, lo que aporta una capa adicional y muy estimulante, incluso para mí mismo. Quiero crear un espacio cálido donde las personas puedan conectarse y disfrutar de la música juntas, y realmente hacer que todo gire en torno a la experiencia de escuchar.



Cuando estabas creando este álbum, ¿imaginabas un escenario “perfecto” para escucharlo? ¿Dónde te gustaría que la gente disfrutara The Beauty of It All? El “escenario perfecto” probablemente sería el estudio en el que lo hicimos. Rodeado de quietud y nieve. Pero creo que puede escucharse en cualquier lugar, con un buen par de auriculares. Diría que es un álbum que requiere un poco de atención, eso sí —preferentemente con los ojos cerrados.



<figure class="wp-block-image size-full"><a href="https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2025/10/14.jpg"><img decoding="async" src="https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2025/10/14.jpg" alt="" class="wp-image-1170986"/></a></figure>



Con The Beauty of It All, Monolink se reencuentra con la esencia que lo define: la belleza en lo simple, la emoción como guía y la búsqueda constante de sentido en cada nota. El resultado es un álbum honesto, sensible y atemporal, que se distancia del vértigo de la inmediatez para reivindicar el valor de la contemplación.



En un mundo saturado de estímulos y algoritmos, Monolink nos invita a detenernos y mirar hacia adentro. The Beauty of It All no es solo un disco: es una declaración sobre el poder transformador de la música y la necesidad de volver a conectar con lo que realmente importa.



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Autor | Lucas Blumen

Juan Hansen: “Sentime este gru”, doce tracks y un álbum para dejar de explicar la música

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