Nueve años después de su último álbum, CHLOÉ vuelve al formato largo con <a href="https://ffm.to/ln050d">Shape Of The Unknown</a>, un trabajo que reúne las distintas facetas que atravesaron su carrera durante este tiempo: la pista de baile, la composición para cine y danza, sus colaboraciones y una búsqueda constante por llevar la música electrónica más allá de estructuras previsibles. El álbum llegará en octubre y encuentra a la productora parisina explorando nuevamente ese territorio en el que lo físico y lo emocional conviven dentro de una misma pieza.



El primer adelanto es “Shapeshifter”, disponible desde el 28 de agosto. Construido sobre un beat obsesivo, una línea de bajo profunda y elementos que se deforman progresivamente, el track convierte la transformación en su propia lógica interna. A propósito del lanzamiento, CHLOÉ habló con DJ Mag Latinoamérica sobre el proceso detrás del nuevo disco, los cambios que observa en la cultura de club y por qué perderse durante el proceso creativo puede ser tan importante como saber hacia dónde ir.



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“Shapeshifter” parece estar en constante evolución sin perder nunca su pulso hipnótico. ¿Cuál fue la idea inicial detrás del track y cómo tradujiste el concepto de transformación al sonido?



Produje “Shapeshifter” alrededor de un beat obsesivo e hipnótico, construido a partir de contrastes: una línea de bajo cálida y profunda y armonías melódicas que lentamente coquetean con elementos más distorsionados. El track progresa y se vuelve ligeramente inquietante, con pequeños cortes y momentos de suspensión, como si estuviera a punto de adoptar otra forma antes de que la máquina vuelva a ponerse en movimiento. Esa tensión entre repetición y transformación está realmente en el corazón del track.



Tu nuevo álbum, Shape Of The Unknown, llega nueve años después de tu último trabajo de larga duración. ¿Cómo cambió tu relación con la música —y contigo misma como artista— durante ese tiempo?



En realidad, estuve haciendo música constantemente durante esos nueve años: tocando como DJ, buscando música para mis sets o para el sello, produciendo tracks, remixes y EPs, colaborando con otros artistas, componiendo para cine y danza y explorando diferentes direcciones. Pero hacer un álbum es un proceso diferente. Es una forma de tomar distancia, volver a enfocarte y reunir todas esas experiencias en algo que vuelva a sentirse completamente personal. “Shape Of The Unknown” tiene mucho que ver con volver a encontrar ese centro, con trabajar en un proyecto personal.



A lo largo de tu carrera lograste equilibrar la funcionalidad del club con una mirada muy cinematográfica y emocional de la música electrónica. ¿Cómo sabés cuándo un track está listo tanto para la pista de baile como para una escucha más profunda?



No necesariamente pienso en esas dos cosas por separado cuando estoy en el estudio. Me gusta que un track tenga un impacto físico, pero también necesito que algo más suceda dentro de él: una tensión, una emoción, algo ligeramente inesperado. Quizás venga de moverme constantemente entre la música de club y otras formas de composición. Me gusta cuando un track funciona en la pista de baile, pero puede revelar algo diferente cuando lo escuchás fuera del club. Me interesa ese espacio entre lo físico y lo emocional.



Tocaste en espacios legendarios como Panorama Bar, Rex Club y Robert Johnson, mientras la música electrónica continúa evolucionando a una velocidad increíble. ¿Qué cambios de la cultura de club actual son los que más te entusiasman?



Lo que me gusta es que la música electrónica se abrió muchísimo. Hay más artistas, más escenas y probablemente más libertad que antes para moverse entre géneros. Hay muchos sellos nuevos, artistas y producciones, y eso es genial para descubrir nuevos tracks para tocar. Al mismo tiempo, siempre creí en conservar cierto misterio alrededor de la cultura de club. Ahora que todo es tan visible e inmediatamente accesible, creo que es importante preservar espacios en los que todavía puedas sorprenderte, donde puedan suceder la experimentación y lo inesperado.



El título Shape Of The Unknown sugiere abrazar la incertidumbre en lugar de resistirse a ella. ¿Creés que los mejores momentos creativos surgen de tener una visión clara o de permitirte perderte durante el proceso?



Probablemente en algún punto intermedio. Generalmente necesito una idea o dirección inicial, pero después me gusta dejar que el proceso me lleve hacia otro lugar. Algunos de los momentos más interesantes aparecen cuando algo no funciona de la manera que esperabas. Para mí, hacer música también tiene que ver con accidentes, limitaciones y, a veces, malas decisiones que de repente se vuelven interesantes. Me gustan esos momentos en el estudio en los que perdés de vista lo que originalmente querías hacer y descubrís otra cosa. De alguna manera, de eso se trata mucho “Shape Of The Unknown”.



Mirando hacia adelante, ¿qué esperás que sientan los oyentes después de experimentar Shape Of The Unknown de principio a fin y qué tipo de recorrido buscabas crear con este nuevo capítulo?



Realmente no quiero decirle a la gente qué debería sentir. Prefiero dejar ese espacio abierto. El álbum atraviesa diferentes territorios, algunos más físicos e hipnóticos, otros más melódicos, abstractos o emocionales, pero para mí todos pertenecen al mismo mundo. Después de nueve años sin hacer un álbum, era importante crear algo personal y permitirme moverme entre todos estos lados diferentes de mi música sin tener que definirlos demasiado. Espero que haya una sensación de movimiento y transformación a lo largo del disco, pero también suficiente espacio para que los oyentes encuentren su propio camino dentro de él.



Con Shape Of The Unknown, CHLOÉ regresa al álbum no como una forma de resumir los últimos nueve años, sino como un espacio para reunir todo lo aprendido durante ese recorrido y volver a convertirlo en algo propio. Su trabajo como DJ, sus producciones, remixes, bandas sonoras y proyectos paralelos aparecen ahora conectados por una misma idea: permitir que la música cambie de forma sin necesidad de encerrarla en una única definición.



“Shapeshifter” funciona como la primera puerta de entrada a ese universo. Entre repetición, tensión y transformación, el single adelanta un disco en el que CHLOÉ vuelve a poner en diálogo sus dos territorios más reconocibles: la intensidad de la pista y una sensibilidad compositiva capaz de existir mucho más allá del club. Shape Of The Unknown llegará en octubre como su cuarto álbum de estudio y el comienzo de una nueva etapa en una trayectoria que continúa encontrando valor en lo inesperado.



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CHLOÉ anticipa su nuevo álbum con “Shapeshifter”

Rafael Cerato atraviesa uno de los momentos de mayor actividad de su carrera. Después de más de una década construyendo su recorrido dentro de la música electrónica, el DJ y productor francés suma ahora un nuevo capítulo con su debut en Drumcode, el histórico sello de Adam Beyer.



Su llegada al label se produce junto al productor neoyorquino Charles D con “Right Now”, lanzado el 31 de julio como parte de la compilación DC4 Vol. 5. Percusión contundente, vocales de espíritu old school y un groove pensado para la pista funcionan como punto de encuentro entre dos universos musicales diferentes: el sonido de Cerato y la raíz techno de Charles D.



El lanzamiento se incorpora a un 2026 especialmente intenso para Cerato, con música publicada en sellos como Catch & Release, Belonging, Ultra Records y REALM, además de nuevas colaboraciones y proyectos previstos para los próximos meses. En esta entrevista con DJ Mag Latinoamérica, el productor reflexiona sobre su debut en Drumcode, la importancia de preservar una identidad propia y un futuro en el que siente la necesidad de volver a sus raíces más house y tech house.



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Tu debut en Drumcode se hizo esperar bastante. ¿Qué representa para vos lanzar “Right Now” junto a Charles D en el sello de Adam Beyer en esta etapa de tu carrera?



Drumcode siempre ha sido un sello legendario para mí y ha marcado el mundo de la música electrónica durante las últimas décadas. Es un honor lanzar algo en la casa de Adam Beyer. Para ser sincero, nunca pensé que mi música pudiera encajar algún día en Drumcode porque siempre ha sido más techno que mi sonido, pero estoy muy feliz de que hayamos encontrado un espacio para hacerlo.



“Right Now” equilibra vocales old school, percusión contundente y un groove muy potente. ¿Cómo surgió la colaboración con Charles D y qué aportó cada uno al estudio?



Esta colaboración surgió de manera natural. Para ser sincero, no estaba demasiado al tanto de lo que estaba pasando en la escena techno; era bastante diferente de mi sonido y yo estaba muy concentrado en mi propia música. Entonces descubrí a un artista increíblemente talentoso y a una gran persona. Conocía muchos de sus tracks, pero no sabía que eran suyos.



Después empezamos a hablar y decidimos intentar fusionar nuestros sonidos para crear algo único. Yo llevaba algunos meses trabajando en “Right Now”, pero no estaba completamente convencido con el resultado final. Le envié el proyecto y él encontró la manera correcta de llevarlo hacia un sonido más techno, hacerlo más potente y perfecto para Drumcode.



Este año publicaste música en sellos como Drumcode, Catch & Release, Belonging, Ultra Records y otros. ¿Cómo adaptás tu enfoque creativo y, al mismo tiempo, mantenés un sonido que la gente pueda reconocer inmediatamente como Rafael Cerato?



Nunca produzco música para un sello específico. Siempre intento mantener mi creatividad mientras sigo mis ideas y mis influencias. Una vez que el track está terminado, empiezo a pensar en un sello junto con mi equipo. Es un proceso, un plan, un deseo compartido y, por supuesto, una estrategia.



Por eso mi música nunca pierde su esencia. Al menos, eso intento.



Tenés un calendario de lanzamientos muy cargado para lo que queda de 2026, con nueva música prácticamente todos los meses. ¿Estos trabajos están conectados por una visión creativa más amplia o cada lanzamiento muestra una faceta diferente del momento que estás atravesando como artista?



Sí, mi calendario de lanzamientos de 2026 está bastante cargado y fue una decisión que tomamos con mi equipo, aunque seguimos dejando suficiente espacio entre cada lanzamiento para tener tiempo de promocionarlos correctamente. Eso es muy importante.



Siempre tuve mucha creatividad y trabajo muchísimo en el estudio. No puedo contar las horas que paso ahí; es mi lugar seguro.



Construiste tu carrera entre el melodic house, el indie dance y el techno. Con la música electrónica evolucionando constantemente, ¿hacia dónde sentís que se dirige naturalmente tu sonido durante los próximos años?



Es difícil decirlo, pero estoy volviendo poco a poco a mis raíces, al house y al tech house. Algo más clásico, con más groove. Es lo que siento que necesito en este momento de mi vida.



Sigo prestando atención a toda la música que sale cada semana y a cómo evoluciona la escena, pero realmente tengo ganas de producir cosas más house.



Mirando diez años hacia adelante, ¿cómo creés que evolucionará la industria de la música electrónica y qué es lo que más te entusiasma —o preocupa— de su futuro?



Es difícil decirlo porque cada mes tengo la sensación de que las cosas evolucionan y cambian poco a poco. Es una transformación constante, con nuevos artistas y nuevos conceptos, y eso es increíble.



No sé cómo serán las cosas dentro de diez años, pero lo único que sé es que vamos a seguir necesitando bailar, todos juntos, quizás incluso más que ahora.



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“Right Now” representa para Rafael Cerato algo más que su primera aparición en Drumcode. El track muestra hasta qué punto su sonido puede desplazarse hacia terrenos más techno sin abandonar el groove que ha definido buena parte de su catálogo, encontrando junto a Charles D un punto de equilibrio entre ambas identidades.



Pero mientras su calendario continúa creciendo, su mirada parece dirigirse también hacia atrás. Después de recorrer distintos territorios entre el melodic house, el indie dance y el techno, Cerato reconoce una necesidad de recuperar elementos más clásicos del house y el tech house, una dirección que podría empezar a definir su próxima etapa.



Con nuevos lanzamientos y colaboraciones previstos para lo que resta de 2026, su debut en el sello de Adam Beyer llega en un momento de movimiento constante. Y aunque no intenta anticipar dónde estará la música electrónica dentro de una década, Cerato sí conserva una certeza mucho más sencilla: la pista de baile seguirá siendo necesaria.

Rafael Cerato: “Estoy volviendo poco a poco a mis raíces, al house y al tech house”

Después de años de especulación y una relación creativa que se fue fortaleciendo con el tiempo, Martin Garrix y U2 finalmente presentaron “Fireflies”, una colaboración que reúne por primera vez al productor neerlandés con los cuatro integrantes de la histórica banda irlandesa.



El lanzamiento llegó apenas unos días después de su estreno mundial en Tomorrowland 2026, donde Garrix sorprendió al público durante el cierre de su set al invitar a The Edge al escenario para interpretar la canción frente a miles de personas.



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Aunque esta es la primera vez que Garrix trabaja oficialmente con la formación completa de U2, el vínculo entre ambos viene de varios años. En 2021 colaboró junto a Bono y The Edge en “We Are The People”, el himno oficial de la UEFA Euro, además de participar en la producción de “Your Song Saved My Life” para la película Sing 2. Más recientemente, también fue uno de los compositores de “Scars”, incluido en el EP Easter Lily de U2.



“‘Fireflies’ es una canción muy especial en la que empezamos a trabajar hace seis veranos. Fue emocionante y surrealista estrenarla finalmente en Tomorrowland junto a The Edge”, expresó Garrix. “Ya había trabajado con Bono y Edge, pero hacerlo con toda la banda me permitió ver de cerca su química y entender por qué U2 es una de las bandas más importantes de la historia. Son colaboradores increíbles y fue un verdadero honor compartir este proyecto con ellos”.



Por su parte, The Edge destacó la relación que mantiene con el productor neerlandés: “Con Martin tenemos una larga historia y siempre hay un espíritu de aventura cuando nos juntamos. Tocar ‘Fireflies’ por primera vez en Tomorrowland, frente a uno de los públicos más apasionados del mundo, fue una experiencia increíble”.



Musicalmente, “Fireflies” combina el carácter emotivo de U2 con la identidad melódica de Martin Garrix. La canción comienza con guitarras delicadas y la inconfundible voz de Bono para luego evolucionar hacia una producción de gran escala, donde sintetizadores, percusión y una potente línea de bajo desembocan en un clímax pensado para los escenarios más importantes del circuito electrónico.



El lanzamiento también coincide con una nueva etapa para U2, que recientemente presentó “Streets of Dreams”, el primer adelanto de su próximo álbum de estudio, previsto para finales de este año. Con “Fireflies”, la banda continúa explorando nuevos caminos sonoros sin perder la esencia que la convirtió en una de las formaciones más influyentes del rock, mientras que Martin Garrix suma una de las colaboraciones más importantes de su carrera.



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Martin Garrix y U2 presentan “Fireflies”

Hay artistas cuya influencia trasciende los éxitos y termina definiendo el rumbo de toda una escena. Chus & Ceballos pertenecen a ese grupo. Durante casi tres décadas, el dúo español construyó un lenguaje propio que fusionó percusiones tribales, ritmos latinos, house y techno, dando origen al reconocido Iberican Sound, mucho antes de que el Afro House o el Latin House conquistaran las pistas de baile de todo el mundo.



Tras una pausa de más de cinco años, iniciada durante la pandemia, Chus & Ceballos volvieron a reunirse a comienzos de 2026 para emprender una extensa Reunion Tour que ya recorrió más de 50 ciudades alrededor del mundo. El recibimiento del público confirmó que su música sigue tan vigente como siempre y que el deseo de volver a verlos juntos era real.



Ahora, esa reunión suma un nuevo capítulo con el lanzamiento de “Somos Uno”, el primer material original de esta nueva etapa y una declaración de principios que mira hacia el futuro sin perder la esencia que convirtió al proyecto en una referencia de la música electrónica internacional.



Lejos de buscar la nostalgia, el nuevo sencillo expande el universo sonoro que Chus & Ceballos desarrollaron durante años hacia una producción más cinematográfica y contemporánea. Percusiones orgánicas, grooves hipnóticos y una atmósfera profundamente emocional construyen una pieza que conserva intacta la identidad del dúo mientras dialoga con la nueva generación de la electrónica de raíz latina.



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“Este primer lanzamiento significa mucho más que publicar un nuevo track. Es nuestra forma de volver al estudio, redescubrir la química creativa que siempre definió a Chus & Ceballos y reconectar con el sonido que forma parte de nuestra identidad. Para quienes crecieron con nuestra música, esperamos que este disco se sienta como reencontrarse con un viejo amigo. Y para una nueva generación, esperamos que sea el comienzo para descubrir de qué se trata realmente Chus & Ceballos”, explican.



Uno de los momentos más emotivos de “Somos Uno” llega con un discurso que funciona como el corazón conceptual de la obra. Más que un simple recurso vocal, el mensaje representa un llamado a la unidad de las comunidades latinas y refuerza una idea que ha acompañado al dúo durante toda su carrera: la música electrónica como un espacio capaz de derribar fronteras y conectar culturas.



“Para nosotros este track representa la unión. No solo la conexión entre diferentes culturas a través del ritmo y el baile, sino también nuestro propio camino como dúo. Después de todo lo que vivimos, volver a encontrarnos es otro ejemplo de dos caminos que vuelven a convertirse en uno. El mensaje es simple: la música tiene el poder de unir a las personas y este disco celebra precisamente esa conexión”, agregan.



Como fundadores de Stereo Productions, Chus & Ceballos fueron fundamentales para posicionar la escena electrónica española en el mapa internacional, además de influir en generaciones enteras de DJs y productores. Su legado incluye remixes oficiales para artistas como Madonna, Shakira y Yoko Ono, además de residencias en clubes icónicos como Pacha, Cielo New York, Space Miami y Stereo Montreal.



Con “Somos Uno”, el dúo no solo celebra su reencuentro, sino que reafirma una filosofía que ha guiado toda su trayectoria: el ritmo como lenguaje universal y la pista de baile como un lugar de encuentro. Más que un regreso, este lanzamiento representa el comienzo de una nueva etapa para una de las asociaciones más influyentes de la historia del house.



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Chus & Ceballos abren un nuevo capítulo con Somos Uno, su primer lanzamiento juntos en más de cinco años

Hay artistas que encuentran un sonido. Otros construyen un movimiento. En apenas unos años, Indira Paganotto logró ambas cosas. La española regresará a la Argentina el próximo 7 de noviembre para presentar ARTCORE en Mandarine, un concepto que dejó de ser únicamente un sello discográfico para convertirse en una comunidad global que hoy marca el pulso de una nueva generación dentro de la música electrónica.



Su regreso llega pocos meses después de una visita que quedó grabada en la memoria del público argentino. Además de su explosiva actuación en ULTRA Buenos Aires, Indira sorprendió con un pop-up gratuito en Caminito como parte del Buenos Aires Dance (BAD), llevando su característico sonido a uno de los rincones más icónicos de la ciudad y convocando a miles de personas.



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Influenciada desde muy chica por la colección de discos de su padre —DJ durante la década del 80—, Indira creció rodeada de sonidos tan diversos como el disco, el jazz, el acid house y el Goa. Esa mezcla terminó moldeando una identidad artística que desafía cualquier etiqueta y que hoy muchos reconocen bajo el nombre de psy-techno, una fusión donde la potencia del techno convive con la energía del psytrance y el espíritu rave de los años noventa.



Conocida mundialmente como “Psymama”, Paganotto pasó de ser una promesa de la escena underground a convertirse en una de las figuras más demandadas del circuito internacional. En los últimos años encabezó escenarios como Tomorrowland, Awakenings, Circoloco, Amnesia Ibiza, fabric London, Space Miami, EXIT Festival, EDC Las Vegas y Coachella, consolidando una carrera que no deja de crecer.



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Buena parte de esa evolución llegó de la mano de ARTCORE, el proyecto que lanzó en 2022 para dar vida a una visión artística que no encontraba espacio dentro de los sellos tradicionales. Hoy, la marca no solo impulsa lanzamientos musicales, sino también showcases propios alrededor del mundo, una identidad visual reconocible y una comunidad que comparte la misma filosofía: libertad creativa, autenticidad y una búsqueda constante por romper los límites de los géneros.



Ese crecimiento también se refleja en sus producciones. Luego de publicar música en sellos como KNTXT, Second Statey Octopus Recordings, Indira amplió su universo creativo con colaboraciones junto a nombres como Joseph Capriati, Armin van Buuren y el legendario Nile Rodgers, demostrando una versatilidad que trasciende cualquier etiqueta.



El próximo 7 de noviembre, Buenos Aires volverá a formar parte de ese universo. Con ARTCORE como bandera, Indira Paganotto promete otra noche de alta intensidad donde la psicodelia, el groove y la energía rave volverán a extenderse hasta el amanecer porteño.



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Indira Paganotto trae ARTCORE de regreso a Buenos Aires: el fenómeno global vuelve el 7 de noviembre

Hay máquinas que trascienden su función. El Minimoog Model D es una de ellas. Y ahora, más de cinco décadas después de su lanzamiento original, Moog Music presenta una nueva edición limitada que vuelve a ponerlo en el centro de la conversación global.



Se trata del Bob Moog Tribute Edition, una versión especial del legendario sintetizador analógico que rendirá homenaje a su creador, Bob Moog, y a su impacto en la evolución de la música electrónica. La producción estará limitada a solo 500 unidades en todo el mundo, cada una ensamblada a mano por el equipo de la marca en Carolina del Norte.



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A nivel estético, esta edición incorpora un gabinete de roble blanco quartersawn especialmente diseñado, junto con un decal exclusivo de la Bob Moog Foundation en el panel trasero. Además, incluye un estuche de transporte semi-rígido personalizado, pensado para preservar el instrumento tanto en estudio como en movimiento.



El Minimoog Model D, lanzado originalmente en 1970 y producido hasta 1981, marcó un antes y un después en la historia de los sintetizadores, convirtiéndose en una herramienta clave para generaciones de artistas. Su regreso a producción en 2022 ya había despertado el interés de productores y coleccionistas, y esta nueva edición refuerza aún más su estatus como objeto de culto.



La Bob Moog Tribute Edition tendrá un precio de USD 3.999, posicionándose como una pieza tanto musical como histórica dentro del universo del hardware analógico.



Este lanzamiento se suma a una serie de iniciativas recientes que celebran el legado del Minimoog, incluyendo exhibiciones de prototipos originales en el Moogseum y la publicación de un libro en 2024 que explora su impacto cultural, con testimonios de figuras como Dr. Dre, Anne Dudley y Mac DeMarco.



Una vez más, el Minimoog no solo vuelve: reafirma por qué sigue siendo uno de los instrumentos más influyentes en la historia de la música electrónica.

Moog lanza una edición limitada del Minimoog Model D en homenaje a Bob Moog

El nombre MAYA FOURTEEN está comenzando a ser cada vez más conocido en diferentes partes del mundo. La artista, nacida en Brasil y actualmente residiendo entre Sudamérica y Europa, está construyendo una trayectoria sólida en el circuito internacional, siendo cada vez más solicitada en diferentes lugares.



Recientemente, en el mes de marzo, realizó dos debuts especiales en Chile. Primero tocó el día 5 en el Sunset de Sky Costanera [mira un video del set <a href="https://www.instagram.com/p/DWB_yP5EVDt/" target="_blank" rel="noreferrer noopener">aquí</a>], y el día 8 en<a href="https://www.instagram.com/misa.chile/" target="_blank" rel="noreferrer noopener"> M I S ∆,</a> uno de los clubes más conocidos de la capital chilena. Esta fue su primera presentación en un país de Sudamérica sin ser Brasil.



Y este gran momento continuará en los próximos meses. MAYA está iniciando una nueva gira por Europa que pasará por países como Portugal, Mónaco y Reino Unido; después, continuará rumbo a Asia, llegando a Japón, Vietnam y Tailandia. Más lugares serán anunciados.



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En los últimos dos años, su nombre ha circulado por diversos escenarios importantes alrededor del mundo, especialmente en 2025, después de realizar una gira que pasó por 10 países en Asia, Oriente Medio y Europa.



En esta maratón de sets, tocó en el festival World Club Dome, en Frankfurt, Terra Solis by Tomorrowland, en Dubái, after-parties de la Fórmula 1 en Mónaco y Abu Dabi, y el prestigioso E1 en Londres. MAYA también integró el line-up del aniversario número 17 de Greenvalley, cuando el club recibió a nada menos que Michael Bibi y Beltran.



Además, fue la encargada de amenizar eventos posteriores al festival de cine de Cannes y de comandar la banda sonora de uno de los soirée de FENDI, reforzando su versatilidad para actuar en diferentes contextos. También fue reconocida con el premio Future Talent Awards (FTA) en el IMS Ibiza y el especial Nicole Moudaber Award en esa misma edición de la conferencia.



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En paralelo, MAYA también ha ido puliendo su identidad como productora musical y ya suma lanzamientos con la legendaria Systematic Recordings, donde lanzó su primer tema en el recopilatorio del 20 aniversario del sello, junto a leyendas como Carl Cox, Marc Romboy, Timo Maas, Rodriguez Jr y Gui Boratto, y colaboró con Mario Franca en el EP Feel Better / Deep Cover en el sello de Steve Lawler, VIVa MUSiC.



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Explorando nuevos países, con una agenda internacional que sigue creciendo y cada vez más obstinada en llevar su sonido a la mayor cantidad de lugares del mundo, todo indica que MAYA será un nombre cada vez más reconocido en la escena electrónica global.



Sigue a <a href="https://www.instagram.com/mayafourteen/" target="_blank" rel="noreferrer noopener">MAYA FOURTEEN en Instagram</a> y también visita el sitio web <a href="http://www.mayafourteen.com/" target="_blank" rel="noreferrer noopener">oficial de la artista</a> para estar al tanto de las próximas novedades.

Conoce a MAYA FOURTEEN, la artista brasileña que está llevando su talento a nuevos lugares del mundo

Paul EG es un productor que concibe la música electrónica como una herramienta de movimiento continuo. Desde su residencia en el D-EDGE en São Paulo hasta sus presentaciones en clubes como Flex (Viena), Watergate Tour (Ginebra) y diversos festivales internacionales, su trayectoria está marcada por la consistencia artística. Fundador de Ethnik Groove en 2004 y, posteriormente, de Minimo Imprint, en 2008, EG ha construido una sólida reputación en el underground europeo y brasileño, compartiendo cartel con nombres como Marco Carola, Kevin Saunderson y Josh Wink.



En 2015, tuvo el honor de lanzar un trabajo en el legendario sello KMS Records de Kevin Saunderson, una obra que confirmó su capacidad para crear música atemporal. Ahora, con «<a href="https://www.beatport.com/pt/release/imprint-sixteen/6416598" target="_blank" rel="noreferrer noopener">Unbounded Leap</a>«, Paul da un paso más en su trayectoria en solitario a través de Minimo Imprint, un trabajo que sintetiza décadas de exploración sonora basada en el groove, la hipnosis y el minimalismo.



Operando a 124 BPM, «Unbounded Leap I» se presenta con un ritmo firme y estructurado desde el inicio. Un sintetizador repetitivo se entrelaza con la percusión mientras una voz susurrada hace eco al fondo, creando capas de profundidad que refuerzan la estética dub techno característica de EG. «Unbounded Leap II» mantiene el mismo BPM pero gira hacia un groove más continuo e introspectivo. Aquí, EG reordena la voz, transformando el material en una variación que respira de manera diferente. Una reinterpretación que demuestra cómo una misma materia prima puede revelar múltiples capas.



Juntas, las dos versiones condensan la maestría de un productor que comprende profundamente cómo el espacio y la repetición funcionan en la pista de baile. Es música para sesiones largas, donde la paciencia del oyente se ve recompensada con profundidad sonora. Escúchalo aquí:



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Paul EG profundiza en su característico dub techno con «Unbounded Leap», a través de su sello Minimo Imprint

Fundado en 2024 en Berlín, keep my letters nació de una idea entre amigos que simplemente aman la música progresiva. Lo que comenzó como una serie de eventos en la capital alemana — con Guy J como uno de los primeros invitados — rápidamente evolucionó hacia un sello con identidad propia, construido alrededor de Tantum y Hyunji-A como artistas centrales y con espacio para músicos que piensan de manera diferente.



En apenas su quinto lanzamiento, keep my letters ya está conectando generaciones. Recientemente, Tantum publicó un remix de «Luvsucka», el tema original de Monika Kruse y Voodooamt lanzado hace más de 20 años pero que, hasta el día de hoy, aún puede aparecer en las pistas de baile. Para hablar de este momento especial, la construcción del sello y lo que viene a continuación, hablamos con Tantum.



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Hola, Tantum, gracias por recibirnos. keep my letters comenzó como una serie de eventos antes de convertirse en un sello discográfico. ¿Cómo fue esa transición y qué ha cambiado en tu visión del proyecto a lo largo del camino?



Siempre me ha fascinado la idea de dirigir un sello, incluso allá por 2017. La idea fue creciendo durante mucho tiempo y tuve la suerte de aprender mucho sobre producción musical, el lado de los sellos, así como sobre eventos a lo largo de los años.



No fue hasta que conocí a Hyunji, Chris y mucha más gente increíble que las cosas empezaron a alinearse para que keep my letters (kml) se convirtiera finalmente en lo que es hoy. Empezamos organizando eventos primero como un grupo de amigos, luego nos dimos cuenta rápidamente de que a Hyunji y a mí nos gustaría mucho convertir kml en un sello para publicar nuestra música.



El equipo ya estaba ahí, todo tenía sentido, así que simplemente se dio de esa manera. ¡Un rayo en una botella!



El sello se posiciona como un espacio para artistas que «se atreven a pensar diferente». En la práctica, ¿qué significa eso a la hora de elegir un lanzamiento o un colaborador?



Ojalá los artistas se atrevieran a correr más riesgos y a pensar fuera de lo convencional. La mayoría de los géneros sufren de un fenómeno de unificación donde gran parte de la música que se publica hoy en día suena similar entre sí. No quiero juzgar eso en absoluto, pero cuando se trata de dónde decido poner mi propia energía y a qué proporcionar una plataforma, siempre optaría por la originalidad.



Es tentador reiterar algo que ha funcionado para uno mismo o para otros antes. Hay un gran riesgo en salirse de esos límites y queremos honrar a los artistas que sienten, viven y piensan así.



Ahora, en este quinto lanzamiento del sello, tuviste la oportunidad de remezclar «Luvsucka», un tema legendario de hace más de 20 años. ¿Cómo abordaste este material? ¿Cuál fue el mayor desafío — y la mayor libertad — al remezclar algo con tanto peso histórico?



Monika es una persona increíble y muy amable, ¡estoy muy contento de cómo resultó todo!



Un desafío es, por supuesto, honrar el original, respetar el contexto de cuándo se lanzó, cómo ha envejecido (con gracia, si me preguntas) e incorporar mis propias ideas de una manera que se sienta natural y no solo como nuevos elementos cosidos entre sí.



TENÍA que ser ese tema, es algo que simplemente sentí y quise hacer. Por lo general, los mejores temas surgen de forma natural así.



Como dije, Monika es muy amable, así que afortunadamente tuve toda la libertad creativa y a ella le gustó el resultado, así que ambos estamos emocionados con el remix final. Realmente significa mucho para mí.



Mencionaste que el tema ha funcionado muy bien en tus recientes sesiones. ¿Qué te dijo la reacción del público sobre el remix que el proceso de producción aún no te había revelado?



A veces me gusta pensar en el progressive house más como un estilo de DJing que como un género musical. Es decir, la forma en que mezclas y seleccionas los temas en el contexto de una sesión importa y este tema es genial para eso.



Tocar el tema en una versión más lenta enfatiza más el ritmo del sintetizador, mientras que tocarlo más rápido (o a su velocidad original, que es bastante rápida) lo convierte en un tema más implacable/energético.



Recientemente me he estado inclinando también hacia un lado más techno, así que encaja con esa evolución sonora.



Estar en la discografía de Monika Kruse es un gran logro para cualquier productor. ¿Qué representa esto para ti como artista y para keep my letters como sello?



¡Es un gran honor, por supuesto! Me alegra ver que Monika vio el potencial en mis ideas y confió en nosotros para publicarlo en este sello tan nuevo. Siento que le da a kml, así como a mí como artista, una especie de sello de legitimidad.



¡Ser parte de un legado tan poderoso con mis propias ideas mientras honro la idea original es muy importante para mí! Espero exponer a algunos nuevos oyentes a esta era del techno, y viceversa.



Con lanzamientos en Lost & Found, This Never Happened, Radikon, Monaberry y Poker Flat, ya has construido un catálogo sólido en otros sellos. ¿La idea es seguir equilibrando esto con otro trabajo en tu propio sello? ¿Sientes más libertad cuando publicas en keep my letters?



Definitivamente planeo utilizar la libertad en kml tanto como sea posible. Después de todo, eso es lo que me permitió hacer el remix, por ejemplo. Lo que quiero decir con eso es que licenciar el trabajo de otro artista así no habría sido posible como una maqueta en otro sello.



Tengo muchas más ideas para interesantes proyectos de EPs, recopilatorios, así como vinilos especiales. También es agradable tener la opción de lanzar temas más cerca del momento en que los he terminado y probado. Entiendo que para los artistas siempre es una lucha encontrar un sello que publique su música como ellos quieren porque, al final, hay más de una visión. Estás trabajando con alguien que tiene sus propias ideas y puntos de vista que pueden diferir de los tuyos.



Al final, todos deben sentirse bien con lo que publican y kml es pura libertad para mí ahora.



Eso no significa que publiquemos cualquier cosa, hacemos excelentes sesiones de escucha y retroalimentación y nunca dejamos de conceptualizar el futuro de kml juntos, ¡como todo el equipo!



¿Y qué nos puedes contar sobre los próximos pasos, ya sean los tuyos o los del sello? ¡Gracias!



Por mi parte, ¡estoy deseando volver a Argentina en mayo! Siempre es un punto culminante cuando toco allí. También está previsto que salga nueva música a lo largo del año.



Además, organizaremos una fiesta de Simon Vuarambon en Berlín el 14 de agosto para nuestra próxima keep my letters party en Ritter Butzke, ¡que será una fiesta increíble! Es el equipo de estrellas de kml de nuestro primer lanzamiento, todos juntos en un solo lugar. Ya era hora…

keep my letters: El sello de Tantum acaba de lanzar un remix de un clásico de Monika Kruse.

El espacio cultural Artlab presentará una nueva edición de Living Analógica Club Edition, una propuesta que combina cultura de club y experiencia de escucha de alta fidelidad. La cita será el sábado 14 de marzo desde las 23 hs en Artlab (Roseti 93, Buenos Aires) y tendrá como invitado especial al legendario DJ y productor de Detroit Rick Wade, acompañado por el argentino Lepablot en la apertura.



Figura clave dentro del house estadounidense, Rick Wade construyó una carrera profundamente ligada a la tradición underground de Detroit. Activo desde comienzos de los años noventa, su sonido se caracteriza por una fusión elegante entre house, funk, soul y jazz, con grooves cálidos y envolventes que mantienen un vínculo directo con la pista de baile.



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A lo largo de más de tres décadas de actividad, el artista desarrolló una discografía extensa con más de 140 lanzamientos entre álbumes, singles y EPs, gran parte de ellos editados en vinilo. Su música fue publicada en sellos fundamentales del circuito house como Harmonie Park, Moods & Grooves, Upstairs Asylum, Black Flag Recordings, Elevate, Track Mode, Rawax, Fina Records y Shall Not Fade.



Más allá de su reconocimiento internacional y sus presentaciones en clubes y festivales de Europa, América y Asia, Wade mantiene intacto un espíritu profundamente underground. Su obra sigue reflejando honestidad musical y un respeto genuino por las raíces del house, consolidándolo como uno de los puentes vivos entre el legado de Detroit y la pista contemporánea.



La noche se completará con el set del DJ argentino Lepablot, artista ligado a la escena local y a la exploración de texturas deep y house, en un formato especialmente pensado para la pista y para la escucha.



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En línea con la identidad sonora de Artlab, el evento se desarrollará como una experiencia Hi-Fi, donde la calidad del sistema de sonido y la atención a los detalles de reproducción ocupan un rol central, reforzando el vínculo entre cultura de club y cultura de escucha.



Las entradas ya se encuentran disponibles a través de la plataforma oficial del venue.



<a href="https://tickets.artlabpro.net/events/living-analogica-club-edition">https://tickets.artlabpro.net/events/living-analogica-club-edition</a>

Rick Wade regresa a Buenos Aires con una nueva edición de Living Analógica Club Edition en Artlab

Mientras consolida su carrera en Europa, <a href="http://instagram.com/lucy_snake">Lucy Snake</a> vuelve a América Latina con una gira que no solo marca un regreso emocional, sino también un momento estratégico en la expansión de su proyecto artístico y curatorial.



Lucy Snake es una artista que construyó su trayectoria desde una identidad clara y sostenida en el tiempo. Formada en la escena underground argentina, su desarrollo no respondió a tendencias ni fórmulas, sino a una búsqueda constante de coherencia sonora, lectura de pista y autonomía creativa. Hoy, establecida en Lisboa, articula su carrera entre Europa y América Latina, combinando producción, curaduría y una presencia cada vez más sólida en ambos circuitos.



“Nunca me interesó seguir tendencias ni copiar a nadie. Mi sonido y mis sets nacen de lo que siento en la pista y de la energía del momento”, explica la artista al definir su presente como DJ, productora y curadora.



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El momento actual de Lucy Snake está fuertemente marcado por su gira por América Latina, que funciona como eje central de este ciclo. El tour comenzó en Argentina con una presentación en el icónico Crobar, continuó en Roomie Club (Mar del Plata) y avanza con nuevas fechas en Buenos Aires, Chile y Brasil, incluyendo un show en el legendario club P12, en Florianópolis, además de paradas en Perú y Uruguay.



“Cuando vuelvo a América Latina siento que estoy en casa; la energía del público es incomparable y me recuerda por qué hago lo que hago”, señala sobre la diferencia entre tocar en Europa y reencontrarse con su audiencia histórica.



Moviéndose entre dos continentes, <a href="http://instagram.com/lucy_snake">Lucy Snake</a> articula crecimiento internacional y conexión emocional con sus raíces. Su presente combina una gira latinoamericana significativa, el desarrollo sostenido de un sello independiente liderado por mujeres y una identidad artística que se mantiene fiel a sus principios. En ese cruce entre pista, estudio y curaduría, la artista continúa construyendo un camino propio dentro de la música electrónica contemporánea.



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Instalada en Lisboa y actualmente viviendo en la costa de Caparica, <a href="http://instagram.com/lucy_snake">Lucy Snake</a> encontró un entorno que impactó directamente en su proceso creativo. La cercanía con el océano, el ritmo más calmo y la posibilidad de montar su propio estudio se tradujeron en una etapa de mayor foco en la producción musical, explorando ideas con más tiempo y profundidad.



En ese contexto nació <a href="http://instagram.com/poison777recs">Poison 777</a>, su sello discográfico, creado como una herramienta de independencia artística. El proyecto no solo funciona como plataforma para sus propios lanzamientos, sino también como un espacio curatorial para artistas con identidades fuertes y propuestas no estandarizadas. “Poison 777 nació de la necesidad de tener un lugar donde la música pueda existir sin condicionamientos, y donde otros artistas también puedan expresarse sin moldearse para encajar”, afirma.



El sello, gestionado de manera independiente por dos mujeres, combina una curaduría sonora enfocada en techno, progressive y tech house de carácter oscuro, con una identidad visual desarrollada íntegramente por la propia artista. En su primer año de actividad, Poison 777 alcanzó presencia en charts internacionales y consolidó un catálogo coherente, reforzando su posicionamiento dentro del circuito underground contemporáneo.



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Su formación en Argentina fue determinante. <a href="http://instagram.com/lucy_snake">Lucy Snake</a> emergió directamente del circuito independiente, tocando en fiestas organizadas por pequeños colectivos y promotores, un entorno que le permitió desarrollar un lenguaje propio antes de acceder a clubes de mayor escala. Ese recorrido, de lo íntimo a lo masivo, definió una ética de trabajo basada en la constancia y en la construcción gradual de espacio dentro de la escena.



El traslado a Europa representó un cambio de perspectiva. Más allá del plano artístico, la cercanía con conferencias como Amsterdam Dance Event, International Music Summit Ibiza o Sónar Barcelona le permitió comprender de manera más profunda las dinámicas de la industria global, profesionalizar decisiones y proyectar su carrera con una lógica internacional sin perder identidad.



Para conocer más sobre la trayectoria de Lucy Snake y de su sello, el público puede acompañar a la artista en Instagram a través de @<a href="http://instagram.com/lucy_snake">lucy_snake</a>, y también seguir a Poison 777 en @<a href="http://instagram.com/poison777recs">poison777recs</a>, donde se comparten novedades, lanzamientos y contenidos vinculados al universo sonoro y visual del proyecto.

Lucy Snake: identidad, autonomía y su sello Poison 777

Con una carrera que abarca más de tres décadas, Francesco Capodaglio se ha consolidado como una de las figuras más dinámicas de la música electrónica italiana. DJ, productor, pionero de la radio y curador cultural, ha construido una trayectoria que va mucho más allá de la cabina de DJ, incluyendo programas de televisión, realities y proyectos empresariales únicos como Sushi & Vinile.



Ahora, Capodaglio inicia un nuevo capítulo en su discografía con «Afrika», su debut en Adesso Music, el sello del legendario Junior Jack. El tema, que llegó a las plataformas el 31 de octubre, fusiona cautivadores ritmos afro con elementos orgánicos y un ambiente hipnótico que promete conquistar las pistas de baile.



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Hablamos con el artista sobre este lanzamiento y los próximos pasos en su carrera.



¿Cómo surgió la oportunidad de lanzar música con Adesso Music y qué significa para ti debutar en el sello de Junior Jack en este momento de tu carrera? Hace mucho tiempo que quería lanzar música en este sello. Aprecio mucho su forma de trabajar. Además, Junior Jack es uno de mis DJs favoritos. Estoy muy contento con esta nueva colaboración.



Háblanos de «Afrika». ¿Cómo fue el proceso creativo del tema? ¿Qué te inspiró durante el proceso? La canción llegó a mí una tarde. Estaba viendo un documental filmado en África sobre su gente, sus cantos, los paisajes y los lugares encantadores. Esta canción es la esencia concentrada de esa tierra.



Al revisar tu catálogo, uno puede encontrar un poco de todo. Desde House más elevador, Afro House, Tech House, hasta Deep House más elegante… ¿siempre has preferido seguir este camino más versátil? Siempre he producido lo que me conmueve. No puedo ser monotemático. Amo toda la música que sale del corazón.



Tienes más de 30 años en tu carrera. ¿Cómo ves la evolución de la música electrónica durante este periodo? ¿Qué es lo que más te llama la atención en este momento? En más de treinta años, varios géneros han ido y venido. Cada tendencia musical tiene un principio y un fin. Todo es cíclico. Actualmente, estoy viendo un regreso a la buena música house. Nombres «antiguos» están volviendo y me gusta.



Hemos visto que has tenido algunos proyectos diferentes, como Sushi & Vinile. ¿Puedes contarnos más sobre este y otras iniciativas que has creado a lo largo de los años? Nunca me detendré. Me encanta crear canciones, eventos, giras con empresas y formatos. Durante el Covid, pude continuar con mi trabajo organizando eventos donde el público se sentaba a comer respetando la distancia social, y yo seleccionaba la música.



Y cambiando un poco hacia nuestro lado: ¿cómo ves la escena electrónica latinoamericana actualmente? ¿Has tocado aquí alguna vez? ¿Sigues a algún artista de aquí? Me gusta mucho la escena latinoamericana. No sigo a ningún artista en particular. Me gusta vuestra música. Música que sale del corazón. Amo vuestra cultura. ¡Vivís la vida con una sonrisa! Nunca he tocado con vosotros. Me encantaría. Siento muy buena vibra con vuestra gente.



¿Cuáles son tus planes para los próximos meses? ¿Qué puedes compartir con nosotros? ¡Gracias! Tengo un final caliente para 2025 y todo el 2026. Tengo lanzamientos programados casi todos los viernes. Puedo daros un pequeño spoiler… un gran proyecto mío saldrá con Warner Music Italia el 5 de diciembre. ¡¡¡Manteneos atentos!!!

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