MEDUZA no tuvo tiempo de ser una promesa. Cuando se lanzó «Piece of Your Heart», en 2019, Luca de Gregorio, Mattia Vitale y Simone Giani saltaron directamente del estudio a las listas globales. El primer tema oficial del proyecto ya estaba en todas partes, llevando al trío italiano a más de 20 mil millones de reproducciones, certificaciones internacionales y una nominación al Grammy antes de que pudieran descubrir, con calma, lo que significaba sostener una carrera a esa escala.



En los lanzamientos que vinieron después, «Lose Control«, «Paradise» y «Bad Memories» demostraron que aquella explosión inicial no dependía de una sola canción y consolidaron una identidad capaz de acercar el house a las radios sin romper con los clubs. Siete años después, el grupo atraviesa una fase en la que el desafío ya no pasa solo por repetir esos números, sino por mantener vivas las diferentes dimensiones que transformaron a MEDUZA en uno de los proyectos más reconocidos de la música dance contemporánea.



Es en este punto que MEDUZA llega a 2026. «Don’t Wanna Go Home«, con Henry Camamile, lanzada en marzo, alcanzó recientemente el primer lugar en la lista Dance/Mix Show Airplay de Billboard en Estados Unidos, mientras que los lanzamientos más recientes recorren diferentes lados del proyecto. «La La Land«, con Green Velvet, GENESI y ESSENTIA, se sumerge en el universo clubber; «Silence«, con RANI, se acerca al pop; «Weekend«, colaboración con Khalid, circula entre radio y pista; y «7 Days«, con Kevin de Vries, llegó a través de Tomorrowland Music pocos días después de la presentación del trío en el Freedom Stage.



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Esa misma convivencia entre alcance popular y cultura de pista orienta el nuevo show del grupo. MEDUZA³ reúne a Luca, Mattia y Simone en un formato que combina disc jockey, piano, teclados, controles MIDI y arreglos ejecutados en vivo. Después de pasar por el EDC Las Vegas y Tomorrowland, el show continúa en expansión durante una temporada intensa, que incluye la residencia OUR HOUSE en Hï Ibiza, realizada todos los miércoles en colaboración con James Hype.



La gira desembarca en Brasil en septiembre con dos configuraciones diferentes del proyecto. El día 5, MEDUZA se presentará en formato DJ set en Laroc Guarujá. El día 6, los tres integrantes subirán juntos al escenario de Rock in Rio para la única presentación completa de MEDUZA³ en el país, llevando al festival canciones nuevas, versiones reconstruidas de sus principales éxitos y una producción desarrollada para presentar la música dance a un público que va más allá de su circuito habitual.



Después de su paso por Brasil, el trío regresa a España para continuar la residencia en Hï Ibiza. Entre nuevos lanzamientos y la expansión del show en vivo, Rock in Rio aparece como uno de los momentos centrales de este nuevo capítulo: la oportunidad de presentar a un público más amplio no solo los hits que colocaron a MEDUZA en las listas, sino la estructura musical y humana que ahora existe detrás de ellos.



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Tras su paso por Tomorrowland, MEDUZA traerá su show completo a Rock in Rio

ARTCORE continúa expandiendo su alcance global. Luego de agotar entradas en Hï Ibiza y consolidarse como uno de los conceptos más influyentes de la nueva generación del psy-techno, el sello y movimiento fundado por Indira Paganottodesembarcará por primera vez en Egipto con un showcase exclusivo dentro de Starlight Festival, el próximo 9 de octubre, frente a las emblemáticas Pirámides de Giza.



La jornada tendrá lugar en el No Sleep Giza Stage, uno de los escenarios principales del festival, y reunirá a varios de los nombres más representativos del universo ARTCORE: Charlie Sparks, BIIA, Paolo Ferrara, Valentinø, Reblok y Juno, acompañando a Paganotto en una noche que promete convertirse en uno de los momentos más destacados del evento.



Al frente del lineup estará la propia Indira Paganotto, creadora de ARTCORE y una de las figuras más importantes del techno contemporáneo. La DJ y productora española, ubicada en el puesto N.º 36 del Top 100 DJs de DJ Mag 2025, se ha convertido en una referente mundial gracias a un sonido que combina techno, psytrance y una energía explosiva, además de su residencia en Hï Ibiza, donde presenta regularmente showcases junto a artistas del sello.



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El cartel también incluye a BIIA, una de las principales exponentes del techno portugués; Charlie Sparks, reconocido por su explosiva mezcla de hard techno, acid y psytrance; y Paolo Ferrara, fundador de HEX, cuyo sonido fusiona influencias del metal con una estética industrial y una fuerte conexión con la cultura egipcia.



Completan el showcase Valentinø, residente de ARTCORE y referente del techno industrial; Reblok, una de las grandes revelaciones de los Balcanes con múltiples ingresos al Top 10 de Beatport Hard Techno; y Juno, la artista más joven del colectivo, que este año debutó en Tomorrowland y se convirtió en la DJ más joven en presentarse durante la residencia de ARTCORE en Hï Ibiza.



El showcase formará parte de un lineup internacional que también contará con Adriatique, Charlotte de Witte, Michael Bibi, Enrico Sangiuliano, Pete Tong, Vintage Culture, WhoMadeWho, Awen, Deer Jade, Fiona Kraft, Layla Benitez y Lanna, entre muchos otros.



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Organizado por EXIT Festival junto a P+US, la plataforma de música electrónica de Venture Lifestyle, Starlight Festival marcará un hito al convertirse en el primer festival electrónico multiescenario realizado frente a las Pirámides de Giza, combinando patrimonio histórico, producción de primer nivel y una propuesta artística de alcance internacional.



La presentación en Egipto llega apenas semanas antes del esperado regreso de Indira Paganotto a Argentina, donde encabezará una nueva edición de ARTCORE el próximo 7 de noviembre en Buenos Aires, llevando nuevamente su universo sonoro a uno de los públicos que más ha acompañado el crecimiento del proyecto.



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ARTCORE debutará en Egipto junto a las Pirámides de Giza

John Summit volvió a demostrar por qué es uno de los nombres más convocantes de la música electrónica actual. Durante el cierre del Mainstage de Tomorrowland 2026 en el primer fin de semana del festival, el artista de Chicago presentó un show que funcionó como una extensión de Experts Only, su sello y universo creativo, combinando estrenos, remixes exclusivos y algunos de los momentos más celebrados de su carrera.



El set comenzó con una introducción especialmente preparada para la ocasión, dando paso a “SHADOWS” y marcando desde el inicio una propuesta cargada de energía. A lo largo de la presentación aparecieron varias de sus producciones más recientes, entre ellas “SHADES OF BLUE”, “Human”, “crystallized”, “DON’T BELIEVE IT”, la colaboración con The Chainsmokers e Ilsey, “ALL THE TIME”, y “LIGHTS GO OUT”, una de las canciones más coreadas de toda la actuación.



Uno de los momentos más comentados llegó con el estreno en Tomorrowland de su nuevo remix de “Seek Bromance”, el clásico de Avicii bajo su alias Tim Berg, una reinterpretación que Summit había presentado días atrás durante su actuación en Suecia y que volvió a generar una enorme respuesta del público belga.



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La recta final mantuvo la intensidad con una sucesión de edits y remixes exclusivos, incluyendo su versión de “Sweet Disposition” junto a Silver Panda, un edit junto a Wooli sobre “Where Have You Been” de Rihanna, su remix oficial de “Silence” de Delerium junto a Sarah McLachlan —publicado por Tomorrowland Music— y el ya clásico “Where You Are”, junto a HAYLA, uno de los mayores himnos de su carrera.



Como cierre, Summit enlazó su remix de “I Wanna Go” de Britney Spears, el bootleg de Eli Brown sobre “Talk To You” de ANOTR, un mashup entre “Go Back” y “Pjanoo” de Eric Prydz, antes de despedirse con una versión drum & bass VIP de “Go Back”, dejando uno de los cierres más celebrados del primer fin de semana de Tomorrowland 2026.



Con una producción cada vez más ambiciosa y un repertorio que combina éxitos propios con nuevas versiones de clásicos, John Summit volvió a confirmar su lugar entre los grandes protagonistas de la escena electrónica mundial.



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John Summit llevó el universo de Experts Only al Mainstage de Tomorrowland 2026

Para Fede Spamer, la música funciona como una herramienta de expresión personal. Desde Buenos Aires, el productor y DJ argentino continúa desarrollando una identidad construida alrededor de arreglos narrativos, contrastes sonoros y una búsqueda que apunta a conectar con el público más allá de las etiquetas.



Su recorrido está atravesado por una formación académica en música clásica, una base que le permitió profundizar sus conocimientos de armonía, instrumentación y composición. Ese aprendizaje se traslada hoy a un lenguaje electrónico contemporáneo, donde cada producción es trabajada con paciencia y atención al detalle.



En el estudio, Spamer busca transformar sensaciones, imágenes e impulsos personales en piezas que puedan funcionar tanto en la pista de baile como en una escucha más íntima. Su proceso creativo se apoya en estructuras cuidadas, progresiones melódicas claras, percusiones definidas y una combinación de elementos que le permite construir diferentes estados de ánimo dentro de un mismo track.



Su sonido parte de un cruce entre la intensidad del melodic techno y el groove del tech house, aunque en los últimos tiempos también comenzó a incorporar influencias del peak-time techno y la sensibilidad melódica del trance. Lejos de encerrarse en un único género, el productor continúa explorando nuevas direcciones y dejando que la intuición marque el rumbo de cada lanzamiento.



“Intento crear música que revele más de lo que se escucha en una primera escucha. Cada track nace de una sensación o una imagen, y mi objetivo es transformarla en algo que las personas puedan experimentar juntas. Si alguien termina sintiendo algo que no puede explicar del todo, entonces logré lo que buscaba”, explica Fede Spamer.



Esa mirada quedó reflejada en “Late Night Visions”, el EP de tres tracks publicado en abril e integrado por “I Wanna Dance”, “Don’t Stop” y “Freak”. El lanzamiento presentó una faceta orientada al club, pero manteniendo el cuidado por los arreglos, las melodías y la construcción de una narrativa propia.



Como próximo paso, Fede Spamer prepara el lanzamiento de “Hands In The Fire”, un nuevo single previsto para finales de julio y que todavía no fue publicado. El track marcará una nueva etapa dentro de un catálogo en crecimiento, mientras el productor continúa ampliando los límites de su sonido y afianzando una identidad artística guiada por la experimentación y la expresión emocional.



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Fede Spamer expande su identidad sonora con nuevas influencias y próximos lanzamientos

El productor estadounidense Westend presentó oficialmente “The Ceiling”, su nuevo single lanzado a través de Experts Only, el sello fundado por John Summit. La canción cuenta con la participación vocal de la cantante británica Olivia Sebastianelli y marca el segundo lanzamiento de Westend dentro del sello tras “<a href="https://open.spotify.com/intl-es/track/1gkTO34Xg6FO8W9HrxYR4E?si=f75cdaf65f804458">Drum Death</a>” junto a HOSANNA.



Construido sobre una línea de bajo agresiva, baterías four-on-the-floor y una estética deliberadamente caótica, “The Ceiling” busca recuperar la energía descontrolada que definió parte de la cultura dance y fidget house de principios de la década pasada. Inspirado por el espíritu rave de 2012 y referencias culturales como Project X, el track combina intensidad clubber con un enfoque melódico más eufórico y accesible.



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“Últimamente siento que muchos tracks de tech house suenan iguales. Quería recuperar esa energía caótica de los primeros años de la década pasada”, explicó Westend sobre el origen del single, escrito durante una sesión en Londres y posteriormente apoyado por John Summit tras escuchar los demos.



El lanzamiento llega acompañado por un videoclip filmado en Brooklyn donde distintos objetos y muebles aparecen literalmente suspendidos del techo, jugando visualmente con el concepto del track. Lejos de la estética hiperproducida o generada por inteligencia artificial que domina gran parte del contenido actual, el video apuesta por una narrativa DIY cargada de humor y personalidad.



Desde su aparición en la escena electrónica en 2016, Westend se consolidó como uno de los nombres más sólidos del house y tech house estadounidense, colaborando con artistas como HUGEL, ACRAZE y SIDEPIECE, además de editar música en sellos como Toolroom Records, Dirtybird Records y Solotoko.



2026 también aparece como uno de los años más importantes de su carrera hasta ahora, incluyendo su primera residencia en Las Vegas dentro de LIV Beach y presentaciones en festivales como Electric Daisy Carnival, Lollapalooza, Electric Forest y Elements Festival.



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Westend revive la energía más caótica del tech house con «The Ceiling»

Anaya (también conocida como <a href="https://www.instagram.com/estheranaya/" target="_blank" rel="noreferrer noopener">Esther Anaya</a>: elegancia, música electrónica y visión global Anaya continúa consolidándose como una de las artistas crossover más influyentes de la escena electrónica internacional. Nacida en Colombia y formada musicalmente desde temprana edad, su historia — marcada por su migración a Estados Unidos bajo asilo político — ha moldeado una visión artística auténtica donde convergen la música clásica, los sonidos electrónicos modernos y las influencias latinas.



DJ, violinista, cantante, compositora y productora, Anaya ha desarrollado un formato en vivo distintivo que combina violín eléctrico, voces en directo y DJ sets de alto impacto. Su estilo de performance le ha permitido conectar con audiencias en cuatro continentes y posicionarse como una figura innovadora dentro del entretenimiento global.



A lo largo de su carrera, ha compartido escenario con artistas como Zedd, David Guetta, DJ Snake, Neton Vega, Rihanna, Kanye West, Maluma y Snoop Dogg, además de presentarse en festivales internacionales como EDC México, Baja Beach Fest y Coca-Cola Flow Fest.



Recientemente, <a href="https://www.beatport.com/es/artist/esther-anaya/1044030" target="_blank" rel="noreferrer noopener">Anaya</a> se ha desempeñado como DJ oficial de los Los Angeles Chargers, presentándose regularmente ante más de 70.000 personas en el SoFi Stadium en Los Ángeles. Su presencia artística también ha formado parte de eventos reconocidos globalmente como el Super Bowl, el Pro Bowl, el Formula 1 Gran Premio de México y el WM Phoenix Open.



En 2026, Esther continúa expandiendo su impacto internacional con una nueva participación en eventos oficiales de la FIFA que se llevarán a cabo durante junio y julio en el SoFi Stadium, así como en Tomorrowland 2026 en Bélgica. Ese mismo año, fue nombrada embajadora global de la marca Cadillac, reforzando su posicionamiento en la intersección entre música, innovación y lujo contemporáneo.



Su momento musical actual también refleja una etapa de gran crecimiento creativo con nuevos lanzamientos internacionales:



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<li><a href="https://open.spotify.com/intl-es/album/2PAOCFNo0hlp1kZifE10cg?si=d21pw-vPT9mscAKB1feFSg" target="_blank" rel="noreferrer noopener">Triple Threat</a> — lanzado el 10 de abril bajo Empria Records.</li>



<li><a href="https://open.spotify.com/intl-es/track/0Olsl4IFAWnne75gjOxYxS?si=76410e9d29024707" target="_blank" rel="noreferrer noopener">By My Side </a>— lanzado el 1 de mayo vía Gameroom Records / Black Hole Recordings.</li>



<li>Red Light — programado para lanzarse el 5 de junio bajo Desire Music.</li>
</ul>



Con una carrera que conecta estadios deportivos, festivales masivos y residencias exclusivas en ciudades como Las Vegas y Miami, Esther Anaya representa una nueva generación de artistas globales capaces de unir sofisticación musical, identidad cultural y visión contemporánea en una sola experiencia artística.



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Esther Anaya consolida su impacto global entre festivales, deportes y música electrónica

El nuevo lanzamiento de Fede Spamer no busca medias tintas. ‘Late Night Visions’ es una declaración directa: energía, carácter y una visión sonora que empieza a encontrar su forma más clara. Con base en Buenos Aires pero con una formación atravesada por una educación musical clásica y una mirada internacional, Spamer construye un EP que funciona tanto como carta de presentación como punto de evolución.



El trabajo se mueve en un terreno donde el melodic techno se encuentra con una estética más cruda e industrial, sin perder nunca el foco en la pista. A lo largo de tres tracks, el productor explora distintas intensidades dentro de un mismo universo sonoro.



El recorrido arranca con “Don’t Stop”, donde los leads sintéticos y las melodías de impronta robótica empujan un groove futurista, directo y efectivo. Luego, “Freak” profundiza en un clima más oscuro: capas que se expanden, tensión sostenida y un low-end que marca el pulso con precisión. Finalmente, “I Wanna Dance” cierra el EP con una energía más áspera, apoyada en arpegios rodantes y un diseño sonoro que refuerza ese carácter hipnótico y mecánico.



Más allá de su funcionalidad club, ‘Late Night Visions’ también deja ver una intención más amplia: la de construir experiencias que equilibren impacto físico y narrativa emocional. En ese cruce entre introspección y pista es donde Spamer empieza a diferenciarse.



Con este lanzamiento independiente, el artista no solo amplía su catálogo, sino que reafirma una dirección estética concreta. Sin depender de estructuras externas, el EP se siente como un movimiento estratégico: identidad clara, ejecución sólida y una proyección que apunta a seguir creciendo dentro del circuito electrónico.



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Fede Spamer presenta «Late Night Visions», un EP que captura su pulso más nocturno y contundente

En los últimos años, Juheun ha ido construyendo constantemente una sólida presencia en la escena techno underground de Norteamérica. Con una trayectoria directamente vinculada a la cultura de clubes estadounidense, su música se desarrolla desde la pista de baile, combinando presión rítmica, repetición hipnótica y una lectura de la pista perfeccionada por años de experiencia como DJ. Lanzamientos recientes como el EP Exhale en Tronic Records y su remix de «Into the Unknown» de Civil Servant refuerzan este momento de afirmación artística y madurez sonora.



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Más que producciones independientes, el proyecto Juheun se construye sobre un desarrollo a largo plazo, que involucra actuaciones en vivo híbridas, una relación profunda con el estudio y una participación activa en la escena underground a través de Circuit Arizona, una fiesta que concibió junto a su socia Michelle Sparks. Con nuevos lanzamientos programados y el anuncio de Futurephonic Records para 2026, el artista entra en una fase de expansión creativa.



A continuación, habla sobre sus orígenes, identidad sonora, perspectivas entre bastidores y los próximos pasos en su viaje.



Tu trayectoria tiene muchas capas culturales. ¿Cómo influyeron tus orígenes coreano-estadounidenses y el entorno en el que creciste en tu forma de ver la música y la identidad artística?Creciendo, estaba rodeado de música. Ambos padres eran amantes de la música. Tenían una gran colección que abarcaba desde música folclórica tradicional coreana hasta rock clásico más moderno, disco y música de los 80. Teníamos un enorme equipo de alta fidelidad con altavoces enormes y hasta un equipo de karaoke. Invitaban a sus amigos y cantaban toda la noche. Mi padre también tenía una colección de vinilos que hojeaba cuando era más joven. Esa fue mi primera exposición a la música pop. Tenía discos de Michael Jackson, Madonna y Prince. Recuerdo sentarme horas admirando las portadas de los álbumes. No fue hasta que me convertí en DJ que mis padres me contaron un pequeño secreto que guardaban. Antes de emigrar a Estados Unidos, mi padre fue DJ en una pequeña cafetería en Corea.



Siempre me pregunté de dónde salían todos esos vinilos, jaja. Creo que esto es lo que me impulsó a ser tan abierto de mente con la música. Haber escuchado tal crisol de géneros mientras crecía me permitió abrir realmente los oídos a muchos géneros que han influido en mis sesiones y lanzamientos a lo largo de los años. Realmente me ha ayudado a perfeccionar y moldear quién soy ahora como artista y me ha ayudado a navegar un camino claro y enfocado con mi carrera, identificando tendencias y modas pasajeras que tienen una vida útil corta.



Antes del techno, tu base proviene del house y la cultura DJ más tradicional. ¿Qué influencias musicales y referencias fueron importantes para ti antes de decidir dedicarte a la música profesionalmente? Al crecer en una pequeña ciudad como Albuquerque, Nuevo México, donde había una fuerte influencia de la cultura del suroeste, estuve expuesto a mucha música tradicional española y de inspiración latina, junto con rap y hip hop de la costa oeste. Escuchaba principalmente grupos como Wu-Tang Clan, A Tribe Called Quest, Dr. Dre & Snoop Dogg, Outkast y más. El rock alternativo también fue muy importante a mediados y finales de los 90, y me encontré escuchando mucho a Nine Inch Nails, Nirvana, Red Hot Chili Peppers, Smashing Pumpkins, etc. Mi gusto musical era muy variado y culpo a mi crianza con tantos géneros con los que mis padres me influenciaron. Una vez que entré en la preparatoria, comencé a exponerme más a la música dance y electrónica. Asistí a mi primera fiesta rave underground cuando tenía 16 años y esa noche todo cambió para mí.



Conociste la escena electrónica en el suroeste de Estados Unidos antes de mudarte a Chicago. ¿Qué representó ese período en tu formación como DJ y artista? Aunque Albuquerque era una ciudad pequeña, teníamos una escena musical bastante decente y la música dance underground no era una excepción. Mi primera experiencia en un rave underground marcó la pauta de lo que sería mi obsesión en el futuro previsible. Esa noche supe que todo tenía que cambiar. En ese momento estaba a punto de graduarme de la preparatoria y planeaba asistir a una escuela de cine para convertirme en director de cine. El universo tenía planes muy diferentes para mí, jaja. Recuerdo estar haciendo cola para entrar a la fiesta y darme cuenta de que era algo diferente. Noté al instante lo felices y abiertos de mente que eran todos.



Había una sensación de libertad y aceptación que nunca antes había experimentado. Esta era la época dorada del PLUR y la PAZ, el AMOR, la UNIDAD y el RESPETO eran la fuerza motriz. Al crecer como coreano-estadounidense de primera generación, siempre fui visto como un marginado y tuve que lidiar con mucho acoso y burlas de mis compañeros de clase. Siempre se esperaba que diera lo mejor de mí y tuviera que demostrar mi valía. Esta fue la primera vez que sentí que no me juzgaban y que me aceptaban por lo que soy. Supe que estaba experimentando algo realmente especial. Luego llegó la música. Una vez que tuve la oportunidad de entrar a la sala principal donde actuaban los DJs, el bajo golpeó mi cuerpo al instante y mi única reacción fue moverme y empezar a bailar. Caí en un trance y comencé a entender de qué iba tanto alboroto.



Esa noche, DJ Bad Boy Bill y DJ Dan eran los cabezas de cartel del evento y fue la primera vez que vi a un DJ dominar la sala y tomar el control. Todo estaba sincronizado, desde la música, hasta las luces y la gente en la pista de baile. En ese mismo momento supe que esto era mi vocación y que necesitaba acercarme al lugar de nacimiento de esta música.



¿En qué momento el techno dejó de ser solo una referencia para convertirse en el núcleo de tu proyecto artístico? ¿Hubo un detonante específico para esta transición? Después de mudarme a Chicago y pasar algunos años aprendiendo sobre la música house, aprendiendo a pinchar con tocadiscos y vinilos, y abriéndome camino en la escena de clubes y raves/underground, decidí que era hora de tomar lo aprendido y mudarme a un lugar más cálido. Terminé en Phoenix, Arizona, y allí pasé los siguientes 10 años desarrollándome como artista, promotor e impulsando la música house. Pasé varios años pinchando en bares, clubes y eventos de otros promotores, pero eventualmente comencé a organizar mis propias fiestas en almacenes, en el desierto y en locales de toda la ciudad.



En ese momento, me estaba convirtiendo en un nombre conocido e incluso tenía mi propio programa de radio semanal en una emisora de FM local. Fue más o menos en la misma época en que las cosas empezaron a volverse más comerciales y comenzaste a escuchar música dance y house en todas partes. Todos los locales empezaron a cambiar de rumbo y la música pasó a un segundo plano. Se puso más énfasis en las experiencias VIP y el servicio de botellas empezó a ser una cosa. Fue más o menos la misma época que el blog house y el auge del ‘EDM’ en Estados Unidos. Empecé a sentir que ya no se trataba tanto de la música y la cultura, sino más del dinero. Los DJs empezaron a cobrar honorarios exorbitantes, empezó a atraer al público equivocado y la pista de baile ya no era el foco. Fue entonces cuando empecé a planear mi salida y a seguir mi corazón de vuelta al underground… y nació Juheun.



Después de Chicago, Phoenix se convirtió en un punto clave en tu historia. ¿Cómo surgió la necesidad de crear tus propios eventos y, más tarde, Circuit Arizona? Cuando me mudé a Phoenix, estaba súper inspirado y motivado. Tenía tanta pasión por la música que lo único que quería era ser DJ y poner música. En ese momento, ni siquiera pensaba en producir. Solo quería ser el mejor DJ posible y nada me iba a detener. Después de conseguir algunas residencias en los clubes más grandes de la ciudad, aún sentía que a la escena le faltaba algo. No me malinterpretes, me lo pasaba genial pinchando cada semana en el club, pero la escena underground y rave era donde más me divertía.



En ese momento, la escena estaba muy inclinada hacia géneros como el trance, el drum and bass/jungle, el happy hardcore, etc. Había una falta de música house en todos estos eventos en los que participaba, así que era cuestión de tiempo que empezara a curar mis propios carteles y organizar mis propias fiestas donde pudiera poner más énfasis en la música house. Algunos de los momentos y las historias más locas que recuerdo fueron de esa época… pero esas historias son para otro momento, jaja.



Mirando atrás, ¿qué momentos consideras verdaderamente emblemáticos en tu trayectoria hasta ahora, esos que cambiaron cómo te veías a ti mismo dentro de la escena? No estoy seguro de que haya un momento único que pueda recordar específicamente. Para mí, siempre ha sido «despacio pero seguro se llega lejos». Nunca se ha tratado de la fama, el dinero o la popularidad para medir mi éxito. He tenido mucha suerte de poder seguir haciendo lo que amo, que es hacer música y hacer bailar a la gente. Personalmente, mis metas siempre han sido llegar a un nivel donde sea respetado por mis compañeros, obtener reconocimiento interno dentro de la industria y tener la validación de mis padres.



Tener la oportunidad de trabajar junto a mis mentores y artistas que admiro, que me han inspirado para llegar a donde estoy, es uno de mis mayores motivadores. Si te mantienes enfocado, trabajas duro y nunca te rindes… el dinero y el «éxito» son un subproducto de eso. No me malinterpretes, hubo un tiempo en que lo único que quería era que me contrataran en los locales más grandes, tener de 2 a 4 conciertos al mes y una gira sólida, sacar tracks en mis sellos favoritos, etc. Esas no son metas a largo plazo, y una vez que las logras, te das cuenta rápidamente de que aún no estás donde quieres estar. No sé si eso es bueno o malo… solo sé que me mantiene en movimiento y esforzándome aún más. Creo que la verdadera medida del éxito es cuánto tiempo perduras y cómo eres capaz de reinventarte y mantenerte relevante.



Entre 2016 y 2021, tu colaboración con Sian y Octopus Recordings jugó un papel importante. ¿Qué te enseñó ese período sobre la carrera, el mercado y la identidad artística? Trabajar junto a Sian y para su sello Octopus fue un gran paso para mí. Sabía desde el principio que era mi oportunidad para entender realmente las cosas a otro nivel. Aunque en ese momento todavía no estaba interesado en comenzar mi propio sello, sabía que el conocimiento sería invaluable en el futuro.



Quería aprender de primera mano lo que se necesitaba para dirigir y operar uno de los sellos techno más importantes de ese entonces. La experiencia me enseñó muchísimo sobre la industria, me ayudó a construir relaciones y conexiones muy sólidas, y me presentó una gran cantidad de recursos y herramientas que eventualmente ayudarían en mi carrera personal. Sian era, y sigue siendo, una de las personas más trabajadoras que he conocido. Solía pensar que yo trabajaba duro… pero después de trabajar con él, me di cuenta de que necesitaba esforzarme aún más. Sian fue un gran mentor y realmente me ayudó a guiarme para tomar las decisiones correctas en ese momento y ser más estratégico con mi música.



Aprendí muy rápido que la música en sí misma no era un boleto dorado a la cima. Es una combinación de cosas como un buen marketing, entender tu mercado, relaciones estratégicas y saber y comprender dónde encajas en el panorama general. Una vez que alcanzas cierto nivel en este juego, te das cuenta rápidamente de que no eres la única persona creativa y talentosa en la sala. Todos en este nivel lo son y empiezas a conocer a otros que son tan apasionados, si no más, de lo que tú podrías haberte considerado. Tuve momentos muy difíciles y vulnerables que realmente me hicieron ser humilde y me hicieron darme cuenta de que solo estaba arañando la superficie.



Tu trabajo también llama la atención por tu obsesión con el hardware y el equipo analógico. ¿De dónde viene esta pasión? Siempre he sentido que llegué a la escena un poco tarde y me perdí esa primera o segunda ola en la que muchos de los DJs y productores más importantes del mundo todavía están cabalgando. Llegué un poco tarde para ser parte de toda la era del estudio analógico y los sintetizadores de los 70 y 80, y la música digital y los ordenadores estaban empezando lentamente a tomar curso. No tenía dinero para comprar todas las cajas de ritmos y sintetizadores clásicos, así que pasé años aprendiendo las versiones digitales de todos los equipos antiguos que se estaban volviendo cada vez más populares en la era digital.



Podías conseguir una versión pirateada de Logic y hacerte con una versión digital de un viejo sintetizador analógico, compresor o ecualizador, etc., pero nunca se sentía como debería porque interactuaba con él usando un ratón y un teclado. Tenía la obsesión de coleccionar todas las versiones digitales y plugins/VST de esas máquinas antiguas y juré que algún día conseguiría el equipo real. Así que, resumiendo, una vez que tuve el dinero, empecé a reemplazar las versiones digitales por las reales. Una cosa es tener una carpeta llena de plugins y VST… pero es una experiencia completamente diferente poseer el equipo real. Conectarlo, encenderlo… girar las perillas y presionar los botones en el objeto físico real me ayudó totalmente a aprender lo que cada máquina y pieza de equipo estaba haciendo realmente.



Esto es lo que me perdía jugando con las versiones digitales, que nunca pude llegar a entender del todo. Creo que por eso me encanta el equipo analógico y el hardware. Llena los vacíos y conexiones que me faltaban y realmente completa el círculo para mí. ¡Amo mis máquinas y robots en el estudio!



Entre bastidores, mencionaste Futurephonic Records, tu propio sello. ¿Cuál es la fecha estimada para lanzarlo oficialmente? ¿Qué tipo de visión artística y curatorial pretendes desarrollar con el sello? Sí, mi socia Michelle Sparks y yo llevamos años planeando esto. Originalmente no era algo que quisiéramos hacer, pero con el paso del tiempo nuestros objetivos han cambiado y creemos que ahora es un buen momento para finalmente comenzar nuestro propio sello. Después del tiempo que pasamos con Octopus, aprendimos mucho de Sian sobre la industria musical y tenemos una muy buena comprensión de lo que se necesita para empezar un sello adecuado. No queríamos apresurar las cosas y queríamos tomarnos nuestro tiempo con esto.



El sello se centrará en el techno, pero un poco de todo lo que abarca ese paraguas, desde el techno crudo, hipnótico y minimal hasta el techno para las horas punta y el de corte más conductor. No buscamos seguir las tendencias con los lanzamientos, sino centrarnos en techno de calidad que sea atemporal y pueda mantenerse firmemente por sí solo en el amplio mundo del ‘techno’. Entre los dos, tenemos un muy buen conocimiento de ambos lados del espectro, y nuestro objetivo es fusionar las vibraciones clásicas con la estética moderna y vanguardista, de ahí el nombre «Futurephonic».



Planeamos lanzar el sello en el tercer trimestre de este año (2026) y ¡estamos ansiosos por compartirlo con el universo!



Para terminar: ¿Qué podemos esperar de los próximos lanzamientos y proyectos en desarrollo para 2026? ¿Hay nuevas ideas o formatos que pretendas explorar? ¡Gracias! Tengo un remix que saldrá a finales de febrero en KD Raw para el último EP de Frank Biazzi, «Open Your Eyes!», y actualmente estoy trabajando en otro remix para Unity Records que saldrá a finales de este verano, junto con algo de material original nuevo en un sello en el que siempre he querido publicar, así que estad atentos a eso también.



Hace poco firmé con una nueva agencia llamada «Blended», con sede en Nueva York, y actualmente están trabajando en mi gira por Asia para abril y mayo, que ya tiene paradas en Corea del Sur, Japón y Taiwán. ¡Pronto se anunciarán más fechas! ¡Contacta con mi chica Anna en Blended si estás interesado en tenerme en tu evento! Cuando regrese de Asia, volveré al estudio para renovar mi set en vivo para algunos shows en otoño/invierno, y estoy muy emocionado por tomarme un descanso de las sesiones como DJ para volver a centrarme en tocar en vivo. Me encanta tocar en vivo, tiene una vibración y un sentimiento totalmente diferentes en comparación con solo pinchar.



Nuestros eventos en Phoenix bajo la marca Circuit continuarán organizando más shows durante todo el año. Recientemente empezamos a trabajar con un nuevo local llamado Club Contact y pronto habrá más anuncios de shows en ese lugar. Circuit también organizará un escenario techno en algunos eventos festivaleros más grandes planeados para este año en Phoenix con nuestros amigos de Underground Nights.

Entrevista con Juheun

<a href="https://www.instagram.com/breakingpoint50/" target="_blank" rel="noreferrer noopener">Breaking Point</a> celebra su segundo aniversario consolidándose como una de las plataformas independientes más sólidas y coherentes de la escena electrónica boliviana. Nacido en Sucre, el proyecto prioriza la intensidad, la identidad y el criterio artístico, construyendo experiencias donde cada artista, sonido y elemento visual responde a una intención clara.



Lejos de apostar por fórmulas masivas, Breaking Point ha formado una comunidad orgánica y fiel, conectada con una propuesta que privilegia el impacto y la exploración estética por encima de la repetición. Esta coherencia ha sido clave para sostener una visión creativa ambiciosa en un contexto donde la cultura electrónica aún se encuentra en desarrollo.



La evolución del proyecto se refleja también en su curaduría artística. Durante su segundo año, Breaking Point presentó como headliners a Ae:ther y Keith Barrera, acompañados por un line up cuidadosamente seleccionado que incluyó a <a href="https://www.instagram.com/richycastro_music/" target="_blank" rel="noreferrer noopener">Richy Castro, </a>Soluyuni, Nat Kohler, Saintzu, Teddy Garfer, Nimeyra y Lawri, priorizando siempre la coherencia sonora sobre las tendencias pasajeras.



Uno de los pilares del proyecto es la integración del arte visual como parte esencial de la experiencia. En colaboración con<a href="https://www.instagram.com/_ixtam_/" target="_blank" rel="noreferrer noopener"> Ixtam</a>, Breaking Point traduce la sonoridad en imágenes, construyendo atmósferas inmersivas que refuerzan el carácter sensorial y humano de cada evento, apostando por la creación artística con alma y propósito, prescindiendo del uso de inteligencia artificial.



Desde sus inicios, la plataforma ha tendido puentes entre talento local e internacional, con especial foco en los sonidos melódicos que hoy marcan el pulso global. En este recorrido, ha trabajado con nombres como Silver Panda, Hunter/Game, Kristeph Cassar, Martyno Dowsha y Morttagua, junto a artistas regionales como Johanna (Colombia) y Andrés Koller (Argentina), al tiempo que ha impulsado talentos bolivianos como Animal Print, Ardoh, Soluyuni y Richy Castro.



Breaking Point demuestra que es posible construir escena desde la coherencia, el compromiso y una visión a largo plazo. Con una identidad propia y una apuesta clara por experiencias profundas y cuidadosamente diseñadas, el proyecto continúa avanzando desde Bolivia, dialogando con el circuito electrónico global sin perder su esencia. El recorrido sigue, pero su punto de quiebre ya está marcando una diferencia real.

BREAKING POINT: dos años de impacto y curaduría desde Bolivia

El productor uruguayo Enzo Monza marca un punto de inflexión en su carrera con el lanzamiento de “Late Night” en Drumcode Records, uno de los sellos más influyentes del techno a nivel global. El track forma parte de A-Sides Vol. 14, el compilado anual curado por Adam Beyer que reúne a algunas de las figuras más sólidas y prometedoras de la escena internacional.



“Late Night” presenta a Enzo Monza en su faceta más techno, con un groove firme, percusión afilada y una melodía hipnótica y contundente. El trabajo de síntesis apuesta por la tensión progresiva, las texturas brillantes y una energía claramente orientada a la pista, alineándose con el sonido característico de Drumcode sin perder identidad propia.



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En esta nueva edición de A-Sides, Enzo comparte espacio con nombres clave del techno actual, incluyendo al propio Adam Beyer, lo que representa un antes y un después en su recorrido artístico. Este debut en Drumcode no solo confirma el crecimiento sostenido del productor uruguayo, sino que también lo posiciona en un circuito de alcance global.



Durante el último tiempo, la música de Enzo Monza ha captado la atención y el support de figuras centrales de la escena como Hernán Cattaneo, Kevin de Vries, Bart Skils, Oscar L, ANNA, Wehbba y Joseph Capriati, entre otros, llevando sus producciones a clubes y festivales de todo el mundo.



Con una identidad sonora firme y un estreno en uno de los sellos más respetados del género, Enzo Monza se afianza como uno de los artistas latinoamericanos más prometedores de la música electrónica contemporánea, dando en Drumcode un paso decisivo hacia la consolidación y proyección internacional de su sonido.



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Enzo Monza debuta en Drumcode con “Late Night”, su lanzamiento más importante hasta la fecha

Sunsetstrip continúa afianzándose como una de las plataformas más sólidas y reconocidas dentro de la escena de la música electrónica en la región. Con más de siete años de trayectoria, el concepto liderado por Hernán Cattaneo anuncia su temporada de shows 2025/2026 con una agenda que no solo reafirma su presencia en plazas históricas como Punta del Este y Buenos Aires, sino que además suma un nuevo y estratégico destino: São Paulo, Brasil.



Este crecimiento marca un nuevo hito para Sunsetstrip, que a lo largo de los años ha desarrollado ediciones memorables en distintos puntos del continente, incluyendo apariciones especiales en Montevideo (2022) y Montreal (2024), posicionándose como una experiencia que trasciende el formato tradicional de fiesta para convertirse en un encuentro sensorial donde la música, el entorno y la curaduría artística dialogan de manera única.



El primer gran capítulo de esta nueva temporada tendrá lugar en Mendoza, con una edición especial de Sunsetstrip / Hernán Cattaneo que se desarrollará los días 6, 7 y 8 de diciembre de 2025 en el imponente Gran Hotel Potrerillos. La magnitud de este evento quedó demostrada con la incorporación de una tercera fecha y el agotamiento total de los tres shows en menos de dos horas, confirmando la fidelidad y el alcance de su comunidad.



Luego de cerrar el 2024 con una puesta en escena que elevó los estándares tecnológicos, estéticos y sensoriales de la plataforma, Sunsetstrip regresará a las montañas mendocinas con una propuesta que promete volver a ser inolvidable, combinando paisajes naturales, producción de alto nivel y un line up de primer nivel internacional y nacional.



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Día 1 – Sábado 6 de diciembre Danny Tenaglia, leyenda indiscutida de la música electrónica mundial, llegará desde Nueva York para protagonizar una jornada histórica. DJs locales: Marcelo Vasami y DJ Marienne.



Día 2 – Domingo 7 de diciembre HVOB, el dúo austríaco que fusiona deep techno con estructuras pop y las hipnóticas vocales de Anna Müller, presentará un show en vivo caracterizado por su elegancia y atmósfera envolvente. DJs locales: PAAX y MEINZ.



Día 3 – Lunes 8 de diciembre El cierre estará en manos de Hernán Cattaneo con su clásico extended set, una experiencia inmersiva que define la esencia de Sunsetstrip. DJs locales: Martin Garcia y B.I.R.DD (AR).



La producción del evento estará a cargo de Buena Productora y Folck Producciones, con el acompañamiento de Corona Argentina, Galicia Visa, Balanz, Sudbeat, Gran Hotel Potrerillos y la Municipalidad de Luján de Cuyo.



Como parte de su expansión regional, Sunsetstrip ya concretó su edición especial en São Paulo, Brasil, realizada el 20 de septiembre en el emblemático H-ANGAR Campo de Marte. Este evento marcó un paso estratégico en la internacionalización del concepto, ingresando a uno de los mercados más importantes y vibrantes de la música electrónica en América Latina.



El desembarco en Brasil reafirma la proyección global de Sunsetstrip, que continúa construyendo experiencias en escenarios únicos, manteniendo siempre su esencia: música de calidad, curaduría artística refinada y una conexión profunda con el público.



Desde sus inicios, Sunsetstrip se ha consolidado como una plataforma que combina música electrónica de alto nivel con locaciones cuidadosamente seleccionadas y una narrativa estética que prioriza la experiencia integral. Cada edición se convierte en un ritual sonoro donde el paisaje, la puesta en escena y la música se fusionan para ofrecer momentos irrepetibles.



Con una comunidad fiel en constante crecimiento y una agenda que sigue ampliando horizontes, la temporada 2025/2026 se proyecta como una de las más ambiciosas en la historia de Sunsetstrip.



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Sunsetstrip presenta su temporada 2025/2026 y consolida su expansión internacional

Con más de 200 mil oyentes mensuales y millones de reproducciones en su trayectoria, una fuerza femenina emerge desde la escena electrónica colombiana: <a href="https://www.instagram.com/renatemusic/">Renate</a>.



La artista atraviesa un 2025 de transformaciones, donde cada lanzamiento expande su territorio musical. Con el estreno del video de “<a href="https://open.spotify.com/track/7J6AwVm3CEJhDcuxWpo3Jz?si=09f02af8d2594a04">Amor Amor</a>”, Renate ofrece una mirada más profunda a su universo creativo, en un momento en el que la música colombiana conquista escenarios globales. <a href="https://open.spotify.com/track/7J6AwVm3CEJhDcuxWpo3Jz?si=09f02af8d2594a04">Disponible en Spotify y las plataformas digitales.</a>



El recorrido de <a href="https://www.instagram.com/renatemusic/">Renate</a> en los últimos meses refleja la madurez de una artista que ha sabido integrar su identidad latina con la estética contemporánea del house y el afro electrónico. Su presencia en festivales y eventos internacionales, especialmente en <a href="https://open.spotify.com/artist/1GyJvwv01yQ6KfdV2yet6F">Ibiza</a> y Ámsterdam, confirma el crecimiento de una trayectoria sostenida en la consistencia y en la conexión con el público.



La versión de “<a href="https://open.spotify.com/artist/1GyJvwv01yQ6KfdV2yet6F">Amor Amor</a>”, producida junto a Augusto Yepes y Presi On bajo el sello Orianna de Sony Latin, reinterpreta el clásico de Nino desde una nueva sensibilidad sonora. La producción conserva las voces originales y los arreglos de guitarra flamenca, incorporando bajos potentes y percusión afro que trasladan la balada de 1999 al lenguaje del club contemporáneo. 



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El 2025 ha sido un año de consolidación artística para Renate. Su participación en La Tierra del Olvido – 30 años, álbum tributo de Carlos Vives, marcó un punto alto en su recorrido con las canciones “Ahí Llego Yo” y “Déjala Correr”, esta última en colaboración con Martin Velilla y Fabi Hernández. Este trabajo unió géneros, generaciones y sensibilidades, reafirmando el protagonismo de la electrónica dentro del panorama musical colombiano.



La recepción fue inmediata: “Déjala Correr (Agua)” recibió el premio a Mejor Canción del Año Nacional en los Premios CDA 2025. <a href="https://www.instagram.com/renatemusic/">Renate</a> Renate celebró la noticia con un mensaje claro en redes: “¡Tenemos ‘Déjala Correr (Agua)’ a todo volumen! Celebra con nosotros este premio para la música Colombiana.” El reconocimiento amplió su visibilidad y subrayó la relevancia de su aporte a la música contemporánea del país.



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Con lanzamientos en sellos como Rose Avenue (de RÜFÜS DU SOL), Nervous Records, Abracadabra (de Blond:ish) y Hurry Up Slowly (de Calussa), la DJ y productora ha tejido una identidad sonora basada en percusiones orgánicas, texturas electrónicas y un pulso rítmico que combina el calor latino con la sofisticación del sonido global.



El estreno del video de “Amor Amor” no solo cierra un ciclo de crecimiento profesional, sino que reafirma la presencia de <a href="https://www.instagram.com/renatemusic/">Renate</a> dentro de una generación de artistas colombianos que están redefiniendo los límites de la electrónica en Latinoamérica.



Entre colaboraciones, giras internacionales y un enfoque cada vez más personal, Renate proyecta un 2026 cargado de nuevas etapas y sonidos.



Síguela en <a href="https://open.spotify.com/artist/1GyJvwv01yQ6KfdV2yet6F">Spotify</a>, y conoce más sobre su trabajo en <a href="https://www.instagram.com/renatemusic/">Instagram</a>.

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