El cinco veces
elegido N°1 del mundo Armin Van Buuren y el dos veces nominado a los premios Grammy
Steve Aoki unen fuerzas por primera vez para crear “Music Means Love Forever”,
un track poderoso que combina sonidos ácidos, drops orientados directamente a
los festivales y una letra que llama a la unidad de los fanáticos de la música electrónica.
El track y el video oficial ya se encuentran
disponibles en el sello discográfico de Armin, Armada Music.



La canción es una
mezcla perfecta entre el estilo progressive trance que propone Armin Van Buuren
y el sonido big room y electro house que suele presentar Steve Aoki. Luego de varias semanas de presentar el track en sus sets durante el
verano, ambos productores sorprendieron a todos los fanáticos en el festival
Electric Love, realizado en Austria, uniéndose en el escenario para tocar la
colaboración en vivo por primera vez.



<figure class="wp-block-image size-large"><img src="https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2021/09/Armin-Aoki-1024x1024.jpg" alt="" class="wp-image-1158160" srcset="https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2021/09/Armin-Aoki-1024x1024.jpg 1024w, https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2021/09/Armin-Aoki-300x300.jpg 300w, https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2021/09/Armin-Aoki-150x150.jpg 150w, https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2021/09/Armin-Aoki-768x768.jpg 768w, https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2021/09/Armin-Aoki-50x50.jpg 50w, https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2021/09/Armin-Aoki-185x185.jpg 185w, https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2021/09/Armin-Aoki-87x87.jpg 87w, https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2021/09/Armin-Aoki-950x950.jpg 950w, https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2021/09/Armin-Aoki-166x166.jpg 166w, https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2021/09/Armin-Aoki-212x212.jpg 212w, https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2021/09/Armin-Aoki-235x235.jpg 235w, https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2021/09/Armin-Aoki-318x318.jpg 318w, https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2021/09/Armin-Aoki-275x275.jpg 275w, https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2021/09/Armin-Aoki-97x97.jpg 97w, https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2021/09/Armin-Aoki-66x66.jpg 66w, https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2021/09/Armin-Aoki.jpg 1080w" sizes="(max-width: 1024px) 100vw, 1024px" /></figure>



La idea de este track se gestó a partir
de que ambos realizaron un remix para el otro. En primer lugar, Aoki hizo un tratamiento especial a la colaboración
entre Armin y Tempo Giusto “Mr Navigator”, y unos meses después, el productor
holandés realizó un remix de la colaboración de Steve Aoki con Icona Pop “I
love my Friends”. 



Ante este escenario, en un comunicado de
prensa, Armin comentó lo siguiente: “Luego de remixar el track del otro,
pensamos que sería una gran idea juntarnos en el estudio de grabación y hacer
un tema juntos”. Además, llenó de elogios al productor oriundo de California y
se refirió al título del track: “Soy un admirador de Steve y me encanta nuestra
colaboración. El título habla por sí solo: la música es un lenguaje universal, que
inspira sentimientos de amor en muchas personas”.



“Tengo muchas ganas de compartir este
track que hicimos con Armin”, comentó por su parte Steve Aoki. “Es una canción
que intenta celebrar la música dance, y todas las emociones que ésta genera. Tocarla
juntos en el festival Electric Love de Austria fue una forma de celebrar que,
luego de tanto tiempo, estamos bailando todos juntos de nuevo”.



Escuchá el track a
continuación:



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Steve Aoki y Armin Van Buuren presentan “Music Means Love Forever”

La votación del Top 100 DJs 2021 se lanzó junto con una
competencia, en asociación con Unicef ​​y Crowdfunder, para ganar un viaje para
conocer al ganador de este año, después de que se haga con su premio en
Ámsterdam. 



La votación también estará acompañada por el regreso del Top
100 DJs Virtual Festival, una exhibición online de diez semanas con los
principales DJs del mundo. La serie Top 100 DJs Virtual Festival se lanzó por
primera vez en 2020, en respuesta a la pandemia y al cierre de la industria
mundial de eventos. El programa de 2020 fue visto más de 10 millones de veces,
y todos los sets recaudaron dinero para Unicef.



La serie de festivales virtuales Top 100 DJs tendrá lugar todos los sábados y domingos del 24 de julio al 19 de septiembre, y se transmitirá a través de los canales de YouTube, Facebook y Twitch de DJ Mag. Los sábados estarán dedicados al Top 100 DJs y los domingos al Top 100 DJs alternativo, encuesta paralela que usa los mismos datos de votación que la encuesta del Top 100 DJs, y cruza los datos de ventas de Beatport y agrega un filtro a determinados géneros. Este año, los géneros incluidos en el <a href="https://djmagla.com/charlotte-de-witte-en-el-puesto-n1-del-top-100-djs-alternativo">Top 100 DJs Alternativo</a> se ampliarán para incluir varios de los géneros más vendidos de Beatport, incluidos house, techno, drum & bass y otros derivados que no tuvieron tanto espacio en épocas anteriores.



Los DJs confirmados para el streaming de los sábados incluyen al <a href="https://djmagla.com/top-100-djs-2020-el-regreso-del-rey-david">actual N°1 </a>del Top 100 DJs David Guetta y a otros actos como Dimitri Vegas & Like Mike, Mariana Bo, Timmy Trumpet, Oliver Heldens, Steve Aoki, Afrojack, ATB, Bassjackers, Vini Vici, Fedde Le Grand y KSHMR, entre otros.



Los domingos contarán con la banda sonora de artistas como
Juliet Fox, Claptone, Dennis Ferrer, Jaguar, DJ Spen, Manda Moor, Lauren Flax,
Justin Cudmore, Paulette, Anfisa Letyago, Delano Smith, Mike Dunn y muchos más por
anunciar.



En el quinto año de una asociación a largo plazo con Unicef,
el Top 100 DJs ya ha recaudado más de 80 mil libras esterlinas. Con este
dinero, Unicef ​​ha podido proporcionar suficientes vacunas que salvan vidas,
para proteger a más de un millón de niños en todo el mundo. Este año, el
enfoque de recaudación de fondos se traslada al programa Vaccinaid de Unicef. 



DJ Mag está pidiendo a los DJs, artistas y fanáticos que
participen en el apoyo a la misión de Unicef ​​de entregar dos mil millones de
vacunas, así como millones de tratamientos en todo el mundo este año. Se
invitará a los espectadores del festival virtual del Top 100 DJs a donar todo
lo que puedan durante las transmisiones, o participar en el sorteo de premios
de caridad, en asociación con Crowdfunder.



Tras un exitoso debut en 2020, el Top 100 DJs ha renovado su
asociación con VirtualDJ, para crear contenido exclusivo con los principales
DJs de la encuesta. Con más de 100 millones de descargas, VirtualDJ es, con
mucho, el software de DJ más utilizado en el mercado y tiene un historial
reconocido de innovaciones técnicas que han dado forma al DJ digital durante
los últimos 20 años. 



Top 100 DJs es una encuesta totalmente abierta, sin nominaciones ni categorías. Los 100 DJs con más votos crean la clasificación final. Puedes dejar tus votos <a href="https://vote.djmag.com/es">aquí</a>. 



Conoce <a href="https://djmagla.com/la-historia-del-top-100-djs">la historia del Top 100 DJs</a>.

Top 100 DJs 2021: ya está abierta la votación

Steve Aoki diseñó un reloj de más de 4 mil dólares “hecho
para raves”. El DJ, productor, animador, empresario y jefe de sello ha diseñado
un reloj junto con el fabricante de lujo Bulgari.



La noticia de la colaboración salió a la luz en una
entrevista con Bloomberg, incluidos los detalles del dial Superluminova del
reloj que se ilumina, una característica que el DJ sugiere que es “perfecta
para agitar en tu próximo festival”.



“Bulgari es arte. Hay ciertas marcas que llegan al punto de
un legado en el que simplemente nunca se deprecian. Soy un coleccionista,
colecciono arte físico”, dijo Aoki. “Bulgari tiene ese valor premium. Su valor
aumenta y tiene una historia y una cultura muy rica. Y se necesita mucho
tiempo, y ser un maestro de tu trabajo, para llegar allí. Es un honor poder
trabajar con ellos a este nivel.”       



Cualquiera que desee comprar uno de los relojes puede recibir
actualizaciones directamente de Bulgari sobre el próximo lanzamiento. El año
pasado informamos sobre el nuevo musical de Aoki sobre la <a href="https://djmagla.com/steve-aoki-creara-un-musical-sobre-mozart">familia
Mozart</a> que se estrenará en el Carnegie Hall de Nueva York este año.



Entre otras cosas, en enero de 2020, fue nombrado <a href="https://djmagla.com/steve-aoki-se-convierte-en-director-creativo-de-tic-tac">director
creativo de Tic Tac</a>.

Steve Aoki diseñó un “reloj para raves” de más de 4 mil dólares

Steve Aoki, GATTÜSO, Aukoustics y la cantante MKLA se han unido por primera vez para reinventar el clásico de 1991 de R.E.M., “Losing My Religion”. Aunque la cautivadora interpretación vocal de MKLA se mantiene consistente con la voz de Michael Stipe en el original, la aventura del trío en la producción lleva a la canción en una nueva dirección.



“’Losing My Religion’ es mi favorita de todas
las canciones de R.E.M. Me encantó cuando era niño”, declaró Aoki sobre el
original. “Era hora de traerlo de vuelta y hacer una versión 2021 para la pista
de baile que la gente no esperaría. Lo cambiamos y lo hicimos especial.”



“Losing My Religion” ya está disponible a través de Ultra Records.



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Steve Aoki, GATTÜSO y Aukoustics recrean “Losing My Religion” de R.E.M.

La música electrónica sin duda es una de las más escuchadas a nivel mundial y ha tenido un <a href="https://www.lacapitalmdp.com/peterfeela-la-demanda-de-musica-electronica-es-permanente-y-un-fenomeno-mundial/" target="_blank" rel="noreferrer noopener" aria-label="gran crecimiento (se abre en una nueva pestaña)">gran crecimiento</a> desde el año 2000 en adelante, desde Tomorrowland hasta otros festivales de música electrónica por todo el mundo, el número de personas que asisten a estos grandes conciertos sigue aumentando año a año. 



Dentro de esa gran explosión de la música
electrónica, definitivamente has escuchado hablar de Marshmello, a quien seguro
reconozcas por llevar un casco en forma de malvavisco. Pero eso no es todo,
este talentoso DJ de tan solo 29 años, ha sabido posicionarse como uno de los
más grandes de la actualidad. 



Te traemos algunos datos o curiosidades que
muy probablemente no conocías de Marhsmello.



Marshmello vive en la ciudad del pecado Cuando uno piensa en Las Vegas, inmediatamente piensa en todo lo relacionado a casinos y a apuestas, desde el <a href="https://www.mrgreen.es/" target="_blank" rel="noreferrer noopener" aria-label=" (se abre en una nueva pestaña)">casino online</a> hasta las mesas de póker en el Caesars Palace o hasta en la película “Que paso ayer?”. Nosotros pensamos en la música electrónica y en algunos DJs como Tiesto o Steve Aoki que usualmente se presentan en estos lugares, pero Marshello también se hace presente. Hoy en día, Marshmello es el DJ residente del XS Nightclub y del Encore Beach Club.



<figure class="wp-block-image size-large"><img src="https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2021/06/El-clásico-13-1024x658.jpg" alt="" class="wp-image-1156901" srcset="https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2021/06/El-clásico-13-1024x658.jpg 1024w, https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2021/06/El-clásico-13-300x193.jpg 300w, https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2021/06/El-clásico-13-768x494.jpg 768w, https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2021/06/El-clásico-13-950x611.jpg 950w, https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2021/06/El-clásico-13.jpg 1400w" sizes="(max-width: 1024px) 100vw, 1024px" /></figure>



Su famosa mascara o casco fue inspirada gracias a… Marshmello se inspiró tanto en Daft Punk como en Deadmau5 para crear su famosa mascara en forma de malvavisco. Con este último ha tenido una especie de rivalidad. Sin duda alguna, la máscara de malvavisco fue una muy buena idea.



Esta en los primeros puestos en Spotify En cuanto a reproducciones en la plataforma de música líder en el mundo, Spotify, Marshmello se encuentra muy bien posicionado. Es que, con una gran base de personas que lo escuchan, el DJ tiene aproximadamente dos años estando ubicado en los primeros diez lugares del listado, junto a artistas como Justin Bieber y The Weeknd.



Su identidad aún no ha sido completamente confirmada Aunque se trate de una verdad a voces que detrás de la identidad de Marshmello está Chris Comstock, también conocido como “Dotcom” -gracias a que la revista Forbes lo anunció en el año 2017-, el artista aún no ha confirmado nada y, por lo tanto, no podemos afirmar nada aún.



Es uno de los DJ más ricos del mundo El DJ estadounidense cuenta con una fortuna estimada en aproximadamente 40 millones de dólares, lo cual lo convierte en uno de los DJ más ricos del mundo. En el año 2019, Marshmello consiguió <a href="https://www.rollingstone.com/pro/news/las-vegas-nightclub-kaos-closing-marshmello-908587/" target="_blank" rel="noreferrer noopener" aria-label="un contrato récord de 60 millones de dólares (se abre en una nueva pestaña)">un contrato récord de 60 millones de dólares</a> por la residencia por dos años en el KAOS Nightclub en Las Vegas, el cual terminó abruptamente sin razones totalmente claras.

5 curiosidades que tal vez no sabías de Marshmello

La escritora de tecnología musical <a href="https://djmagla.com/autor/12378">Cherie Hu</a> ha publicado un informe
con interesante información sobre el mercado musical y el ascendente formato <a href="https://djmagla.com/nfts-artistas-electronicos-criptoarte">NFT</a>. El
análisis se basó en datos derivados del seguimiento de 20 mercados de NFT entre
el 6 de junio de 2020 y el 25 de abril de 2021. Los mercados como Zora,
SuperRare, Curio y Rarible recaudaron millones en fondos de capital de riesgo
en marzo y abril de este año, a medida que los inversores se apresuraban para
capitalizar el auge de los coleccionables almacenados en el blockchain.



A pesar de que las ventas de música vía NFT recaudaron
unos 60.2 millones de dólares desde junio de 2020, y unos 55.7 millones en los
últimos dos meses, solo 150 músicos y marcas vendieron NFTs en el último año.
La mayoría de los músicos que se benefician del mercado ya son artistas exitosos
como Grimes, Steve Aoki y The Weeknd, mientras que el 80%, unos 48.6 millones
de dólares del total reportado fue ganado por artistas electrónicos.



Cherie Hu agrega que los compradores de obras de NFT
tienden a provenir de “comunidades de cripto de nicho, ultrarricos… personas
que ya están familiarizadas con los tecnicismos de cómo funcionan las
criptomonedas y que tienen suficientes criptomonedas para sentirse cómodas
invirtiendo más de 600 dólares en comprar una obra de arte digital”. También
señala que “las subastas de música en NFT más exitosas hasta la fecha se han
centrado en las imágenes y no en el audio” y que las especificaciones de los
derechos de autor para sellos y editores siguen sin definirse.



Las obras de arte en NFT también han sido criticadas por
su impacto ambiental. El consumo de energía anual de la criptomoneda Ethereum
se ubica al nivel de países como Singapur, Hong Kong, Portugal e Irak.



Lee el informe completo <a href="https://docs.google.com/presentation/d/1ICEKTmNaHFBLPCPatRJJR7HclTVGpUGPMbkpmgv1O5Y/edit#slide=id.gd2f207c450_0_188" target="_blank" rel="noreferrer noopener" aria-label=" (se abre en una nueva pestaña)">aquí</a>.

El presente de los NFT: 150 artistas acumularon unos 55 millones de dólares en los últimos dos meses

El servicio global de streaming de audio Deezer
celebra el legado de Beethoven con una colección
de remixes repleta de estrellas del EDM. Disponible a partir del
martes 27 de abril, “Beethoven Remixed” es una extensa entrega de 14
canciones reversionadas que ofrece a los fans de la música la posibilidad de
escuchar a sus artistas favoritos de música electrónica, fusionando la sala de
conciertos con la pista de baile.



Cada una de las canciones en este lanzamiento es una innovadora y moderna recreación de las grandes composiciones de la música clásica. Destacan los remixes de grandes nombres como Steve Aoki, quien aporta una versión para bailar de la icónica “Pathétique Sonata”, en la que logra captar toda la emoción sofisticada de la composición original.



“De todas las composiciones de Beethoven que escuché y que me dediqué a remezclar, escogí ‘Pathétique’ por ser la que más me movió”, expresó Steve Aoki. “En el estudio, me puse a escuchar todas las distintas muestras y a considerar las maneras de abordar el remix. Capté elementos que supe que me podrían ayudar. Y, a medida que fui avanzando en ese camino, todo se fue sintiendo muy natural.”



Además, aparece el dúo holandés Blasterjaxx con su interpretación de la siempre famosa ‘Claro de luna’ con un drop monumental. También, las australianas NERVO suman una reinterpretación mucho más cinemática de la misma composición, mientras que la reina parisina del rave, Anetha, forma su versión con estética techno.



También aparecen artistas como GATTÜSO, el
genio francés WorakIs y The Magician, entre otros. “Beethoven Remixed”
forma parte de las series Originals de Deezer. “La belleza y el dramatismo de la música clásica la
vuelve una fuente perfecta de inspiración para los productores de música
electrónica y ha sido sumamente emocionante llegar a conocer este rango de
representaciones. Cada canción combina un estilo característico y particular
con alguna de las conocidas composiciones del maestro clásico”, agregó Nigel Harding de Deezer.



“Beethoven
Remixed” de Deezer está disponible. Puedes escucharlo aquí debajo:



<iframe title="deezer-widget" src="https://widget.deezer.com/widget/light/playlist/8974177002" width="100%" height="300" frameborder="0" allowtransparency="true" allow="encrypted-media"></iframe>

Steve Aoki, NERVO, Mariana BO y más artistas del EDM remixan canciones de Beethoven

Como
esta columna ha estado afirmando, el 2020 fue un año decisivo para los
conciertos dentro de los videojuegos, desde Travis Scott, Steve Aoki y Dillon
Francis en Fortnite hasta Ava Max y Lil Nas X en Roblox. Sin embargo,
irónicamente, los promotores de conciertos tradicionales, incluso los líderes
del mercado como Live Nation y AEG, han sido eliminados casi por completo del
boom de los conciertos dentro del universo gamer.



En
cambio, los desarrolladores de juegos como Epic Games y Roblox han asumido el papel
de promotores y espacios, ellos mismos de una sola vez, aprovechando su
infraestructura virtual existente, su conjunto de habilidades y conexiones de
audiencia para impulsar la interacción, en lugar de depender de terceros para hacer
el trabajo. Incluso, los eventos centrados en los juegos que no tienen lugar
directamente dentro de los juegos han eliminado a los promotores de conciertos
tradicionales. Por ejemplo, el 15 de enero de este año, Twitch y Riot Games se
asociaron en la transmisión en vivo híbrida de EDM y videojuegos “wwFest:
Valorant”, que contó con artistas como Madeon, ARMNHMR y Whipped Cream en lo
que parecía una programación estándar de festivales, pero no hubo promotor del
festival a la vista en el comunicado de prensa o copia de marketing del evento.



Esto no es necesariamente por malicia intencional, y no es como si los promotores de conciertos no estuvieran colaborando con los mundos de los juegos y los deportes electrónicos antes de COVID. De hecho, alrededor de 2018, hubo un aumento en los eventos IRL que combinaron las habilidades de los promotores, desarrolladores de juegos y marcas de deportes electrónicos en nuevas experiencias de entretenimiento híbridas, desde el festival PLAY de Insomniac hasta el festival Hyperplay de Riot Games. Más bien, a medida que todo el ecosistema de música en vivo se ha movido al plano virtual en el último año, los límites entre las funciones laborales tradicionales se han difuminado, de una manera que podría hacer que algunos roles parezcan redundantes.



La mayoría de las veces, las empresas que “promueven” conciertos en in-game, ya sea un importante desarrollador de juegos o una plataforma de contenido como Twitch, también son las que contratan el talento, construyen el escenario y son dueñas de la audiencia. Esto representa una verticalización y centralización de operaciones y oportunidades, y difícilmente presenta un “futuro” viable para la música en vivo online, ya que no apoya un ecosistema más abierto y descentralizado de promotores que son libres de fomentar sus propios eventos y comunidades como ellos lo ven oportuno.



Entonces,
¿cómo resolvemos esto? Hay un área en la que los promotores de conciertos no
son redundantes, especialmente en un contexto virtual: crear experiencias que
se adapten a las geografías específicas y las comunidades musicales de nicho
que mejor conocen.



En general, para que los conciertos in-game se conviertan realmente en el futuro de la música en vivo, tienen que presentar mucho más que espectáculos verticalizados para el 1% de los mejores artistas.



Con
esto en mente, creo que los desarrolladores de juegos deberían brindar a los
promotores herramientas más accesibles y flexibles para crear sus propios
mundos virtuales y lugares en el metaverso, de una manera que se alinee con sus
respectivas estrategias de programación y participación comunitaria. Esta
mentalidad puede ser valiosa en todo el espectro de promotores. Sony acaba de
anunciar un nuevo “estudio de música inmersivo” interno que organizará
espectáculos virtuales para sus artistas. No hay ninguna razón por la que otros
gigantes de la industria no puedan desarrollar sus propios lugares virtuales
también.



En
el lado más indie y “hágalo usted mismo”, los promotores carecen de espacios
públicos virtuales donde puedan experimentar libremente con integraciones en
juegos. Esta es la razón por la que tantos artistas electrónicos y
organizadores de eventos han elegido Minecraft como su juego preferido, debido
a la personalización y flexibilidad de la interfaz del juego y la capacidad
para que cualquiera pueda construir cualquier tipo de escenario y entorno que
desee en su propio servidor. Por esta razón, Roblox, que también es una
plataforma de juegos abiertos con un componente más social, también emergerá
como un importante competidor para las asociaciones de promotores este año.



Hay algunas iniciativas interesantes en la comunidad de música electrónica clandestina, como la serie de tutoriales “Virtual Utopia” de George Clanton, que se centran en el intercambio abierto de habilidades para crear eventos de transmisión en vivo en 3D utilizando herramientas de desarrollo de juegos como Unity y Unreal Engine. Con todo, para que los conciertos in-game se conviertan realmente en el futuro de la música en vivo, tienen que presentar mucho más que espectáculos verticalizados para el 1% de los mejores artistas. También, tienen que convertirse en una plataforma viable para una industria multimillonaria que, incluso tras un año de pandemia, sigue luchando por su vida.



¿Quieres
conocer más? Listo la columna “State of Play” del mes pasado donde Cherie Hu
analiza FUSER, el nuevo juego para DJs de los creadores del Guitar Hero.



Traducido del artículo original “<a href="https://djmag.com/longreads/state-play-game-concert-boom" target="_blank" rel="noreferrer noopener" aria-label=" (se abre en una nueva pestaña)">State of Play: the in-game concert boom</a>” escrito por Cherie Hu en DJ Mag.

State of Play: el boom de los conciertos in-game

La mayor crisis de la modernidad, nos regala la
oportunidad de apreciar un momento histórico: La fuerza del radar de la
comunidad latinoamericana y sus artistas locales.



Por primera vez los estímulos de los grandes medios y
festivales desaparecen cuando le hacemos frente al concepto de “cultura
dolarizada”.



Analizamos la situación del mercado latino y ampliamos sobre la elección de la emigración como condición necesaria y suficiente para el desarrollo de un proyecto musical.



¿La latinoamericanidad está en auge comercial o el
cierre de fronteras nos asienta en los límites de nuestro país? 



Podríamos extendernos durante toda la publicación con ejemplos del exitoso presente territorial, desde lo más masivo como una mitad del Super Bowl o una portada en la Rolling Stone, a lo más específico como el último género de la plataforma Beatport, el <a href="https://djmagla.com/beatport-agrega-nuevo-genero-organic-house-downtempo" target="_blank" rel="noreferrer noopener" aria-label=" (se abre en una nueva pestaña)">new organic house downtempo</a>, en donde la presencia de elementos más tribales junto a instrumentos andinos marcan el protagonismo; un edit en la última portada de una exitosa revista especializada en música electrónica -Rosalía – A Palé (Overmono Edit)-; y el último proyecto de Steve Aoki -quien sin dudas, es un termómetro de lo que está funcionando masivamente- con Dim Mak En Fuego, un sello que lo introduce en nuestro mercado con el lanzamiento de Andrekza (Venezuela). 



Hoy en día, la región es representada por la camada más fresca de la “Sonoridad Latina”. Estos artistas crearon una nueva latinoamericanidad de pista, los colectivos Agva, Plano, Hiedrah, Trueno y Majia influyeron con composiciones fuertemente eléctricas, modelando con insistencia la propia etiqueta electrónica. Así, espacios que conocemos desde hace más de una década, como ZZK Records o N.A.A.F.I, en donde mezclaron la cumbia y el reggaetón con distintos sonidos orientados a la música de club, dieron lugar a productores más abiertos en la experimentación latina con Tobey, el PLVYBxY, Barda, Desdel Barro, Kaleema, Lila Tirando a Violeta ubicados entre sus protagonistas. Hablamos con algunas de ellas para conocer su visión al respecto.



TAYHANA Una de las exponentes de este movimiento. Luego de mudarse a México para llevar adelante su carrera, está nuevamente en el país.



¿Crees que el último éxito de la sonoridad latina acompañe a lxs artistas a alejarse del repetitivo house o techno? “Creo que hay público para todo y me gusta que sea así. Mientras más diversidad haya en una escena musical, mucho mejor, pero quisiera que se valore y reconozca el trabajo que hacemos DJs y productores latinoamericanos que vivimos en Latinoamérica, con todo el riesgo y esfuerzo que implica mantener nuestras carreras en esta parte del mundo. Aún, haciendo música con riesgos artísticos, queriendo apostar a un sonido más fiel a dónde somos. A veces, ese apoyo no se siente por parte de los clubes y de la prensa. De todas maneras, creo que trabajamos tanto auto gestionando nuestra escena que, aun así, le dimos vida y, hoy por hoy, muchxs de mis colegas salen en medios electrónicos reconocidos mundialmente. Lamentablemente, siempre pasa que la mirada desde afuera es más rápida que la de al lado. A pesar de eso, en Argentina nadie los bookea ni les dan el espacio que se merecen. Gente apostando al techno y house siempre va a existir. No pasa por los géneros musicales sino por cuan real y autóctona sea tu búsqueda dentro del estilo musical que elijas. Hay circuitos que se vinculan a ese tipo de música porque van a lo seguro, desde una búsqueda más económica, donde la música en sí pasa a segundo plano. Por eso tenemos miles de fiestas y clubs en Latinoamérica con tech house toda la noche, que es lo más plástico dentro de toda la cultura electrónica. Y, además, bookean solo gente de afuera. Con todo este boom latinoamericano, además de que crezca, quisiera más bien que se materialice y haya más colegas viviendo de esto.”



¿Qué políticas deberían ser implementadas para la creación de nuevas escenas emergentes en el territorio? “Creo que deberían implementarse más políticas para apoyar y fomentar la escena que ya emergió hace un rato por parte de todos los agentes que la conforman, tanto de la prensa, lxs promotores, DJs, productores y artistas, en general. Hace rato venimos haciendo un sonido bastante definido. Solo hace falta más apoyo, que los medios de música hagan más entrevistas a nuevos DJs y productores, que existan más espacios para tocar, que quienes tengan eventos y/o activaciones bookeen el talento local, o que diferentes artistas cinematográficos, performance, etcétera, inviten a colaborar a quienes estamos haciendo música más fresca desde la electrónica. Todo emerge del underground y es auto gestionado en un principio pero, cuando ya vas creciendo y la economía te aprieta, si no logras vivir de esto, abandonás tu proyecto y muchos buenos proyectos quedan en el camino. Eso es lo que nunca queremos que pase. Por eso, ojalá cada vez más gente reconozca lo que venimos haciendo hace rato.”



¿Qué diferencias encontraste en el consumo de música o público en México a comparación con Argentina? “Hay una diferencia importante, en verdad. Allá, de alguna manera, se logra vivir de esto trabajando duro. Acá, imposible. En Argentina, el sistema económico es mucho más inestable y las políticas municipales de habilitación de espacios es más estricta. Por lo tanto, limita mucho la posibilidad de hacer una fiesta. Allá, la gente está acostumbrada a que un ticket de una fiesta sea aproximadamente 10 dólares. Acá, no llega ni a 3 dólares. El margen que te da para pagarle a tus artistas es muy poco. Desde esa base, ya cambia todo. Allá, al haber más posibilidades de tocar, lxs DJs y productores, si pueden, te compran por Bandcamp los tracks para tocarlos bien en el club. Acá, solo queda piratearlos. Si los compra alguien de afuera, es una gloria y, a veces, ese dinero que entra vía Paypal es medio imposible de sacarlo. Desconozco ahora cómo sigue siendo eso pero, hasta hace un tiempo, era un bajón. El dinero virtual de la música que vendés online, en México, se debita directamente a tu cuenta bancaria. Siento que la escena acá es muy local, con poca perspectiva internacional. México siempre fue como la capital de Latinoamérica, tiene mucha más llegada a prensa y marcas internacionales que están más atentos a la propuesta musical. La verdad, hay mil cosas que hacen la diferencia y las siento más marcadas. Por eso, cada vez que vuelvo, siento que tengo que disfrutar un rato con mi familia y amigxs y partir de nuevo.”







LILA TIRANDO A VIOLETA Con una identidad similar a un bloque en sí mismo, Uruguay cuenta con una cultura de club súper enriquecida, cuna de algunos de los talentos más importantes del sur del continente. Hablamos con una de sus mayores revelaciones, Camila Dominguez, conocida como Lila Tirando a Violeta. Con un espectro musical enorme y difícil de etiquetar, nos comentó sobre su proceso de creación y su visión sobre el país vecino que, frecuentemente, observamos como un ideal. 



¿Qué elementos te inspiran a construir tu música? “Mis experiencias personales, música que encuentro en discos viejos o en los rincones más perdidos del internet, poesía y sonidos que absorbo de mi entorno.”



¿Crees que el último éxito de la sonoridad latina acompañe a los artistas a alejarse del repetitivo house o techno? “Creo que son dos movidas diferentes y, al mismo tiempo, complementarias. En especial, en Montevideo, donde generalmente lxs productores electrónicos frecuentamos los mismos espacios y escenarios. No siento que sea necesario alejarse o acercarse. Está bueno que se genere más diversidad musical en la escena electrónica latina y se complemente entre sí.” 



¿Qué oportunidades y desventajas encuentras en la escena de tu país? “La escena electrónica experimental de Uruguay es aún bastante reducida y under. Eso significa ventajas y desventajas. Por ejemplo, al realizar tanta autogestión, uno aprende muchas cosas en el camino que, posiblemente, viviendo en un país de primer mundo, no realizaría el mismo artista. Por ejemplo, hacer su propio sonido, vender las entradas, trasladar los propios equipos, organizar los eventos y gestionar directamente, muchas veces, sin ganancia. Eso es un pro y una contra ya que, al momento de hacer tu nombre circular directamente y dar a conocer tu música, está buenísimo. También, aprendiendo muchos aspectos técnicos en el camino. Pero, quizás, si ese tiempo se canaliza en producir y contáramos con una escena más amplia, con más gestores, locaciones y dinero, sería mucho más fácil dedicarse de lleno a crear.”



En la perspectiva local nos preguntamos: ¿Cómo es vivir la escena desde el interior? Una reciente encuesta de consumos culturales de Argentina demostró que, respecto a la distribución de lxs artistas en el país, en la región metropolitana se encuentra el 57,6%. ¿Esta nueva normalidad nos traerá una escena más federal? 







JIME FERREYRA Artista referente de la ciudad cordobesa de Río Cuarto. Anteriormente, sostenía una residencia en Hernando, una localidad del interior de Córdoba. 



¿Cómo convivís con los límites en el interior? “Los límites del interior cada vez son menos. Creo que, hace 10 años, era más difícil.”



¿Qué oportunidades encontraste en tu ciudad? “Mudarme a una ciudad como Río Cuarto ha sido lo mejor para mi carrera. Tuve muchas oportunidades, demasiado para ser foránea. Desde tocar en los mejores clubes y restaurantes hasta participar de un programa del área cultural de la municipalidad, con un DJ set grabado en un hermoso teatro de aquí.”



¿Qué políticas o agentes deberían existir para enriquecer la música de cada ciudad? “Creo que debería existir un agente regulador de nuestra actividad, una ‘base de datos’ de todos los artistas y un apoyo total desde el área de cultura, para poder poner en agenda y hacernos partícipes de cada evento en la ciudad, público y privado.”



A Través del <a rel="noreferrer noopener" aria-label=" (se abre en una nueva pestaña)" href="https://inamu.musica.ar/" target="_blank">INAMU</a> y convocatorias como la pasada <a href="http://ibermusicas.org/">Ibermusicas</a> podés conseguir descuentos o financiamiento en pasajes como musicx. 







JULIANNA Por otro lado, Colombia está plagada de festivales pero, a su vez, tiene fuertes propuestas de club. Se convirtió en una potencia mundial en la escena electrónica. Este país está a la vanguardia del sonido con DJs como Julianna, productora y creadora del ciclo Move. 



¿Cuáles crees que son los aportes que convierten a la escena colombiana en una referente del territorio? “Creería que es el tema de las colectividades. A diferencia de muchos otros lugares, el país no ha sido un referente en cuanto a clubes pero sí de colectivos. Esto, enmarcado en un público súper enérgico y abierto a la escucha y en quienes realmente han sido los que más han llamado la atención en otras latitudes. Ahora, también podemos hablar de productoras y productores a nivel nacional, con una impronta importante en su obra, algo que hace 10 años era un vacío y que ya viene detrás con un devenir muy promisorio. La escena en Colombia en su gran mayoría es manejada por la élite, sin embargo. Como este primer ejercicio, de 8 años para acá, creo que el manejo de esos recursos ha sido vital para dar a conocer lo qué pasa aquí.”



¿Y las políticas necesarias para enriquecer la cultura de club en Latinoamérica? “Hablar de descolonización es clave si queremos combatir la idea de cómo se debe consumir la música a nivel local y regional. Ampliará los horizontes de cómo construimos y tejemos estas relaciones en todo el continente. Sin embargo, creo que es un panorama demorado y complejo. También son importantes las políticas feministas dentro del dancefloor, no sólo en términos de representación si no en búsqueda de romper las brechas para el acceso y la seguridad de las mujeres y cuerpos disidentes a la pista de baile. Eso es una deuda que lleva mucho tiempo. Una deuda dolorosa, por cierto, pero qué es realmente importante ponerla sobre la mesa.”



¿Cuál es tu perspectiva sobre el protagonismo latino en relación al mercado de la música electrónica? “Aún bajo la mirada de lo exótico y muy permeada por las políticas neoliberales. Aún falta construir relaciones horizontales entre el Norte global y el Sur que, si bien ha habido un avance en los últimos cuatro años, no ha tenido continuidad.”



Una cosa es cierta: la internacionalización de un proyecto musical está
orientada al estilo y deseo de lxs artistas, y la oferta y la demanda responden
a todo tipo de estímulos comerciales. Las barreras territoriales nos
encontrarán en contacto con lo local y, aunque en Argentina el factor económico
y social siempre tienta a más de uno para emigrar, esta nueva normalidad nos
propone un mercado local más que interesante, en donde se deberán crear nuevas
estructuras laborales para cautivar al público. Es momento de consolidarnos
como un verdadero circuito de talento interno por primera vez. Por lo menos,
hasta que la economía y la reapertura acompañe. ¿Será que el 2020 detuvo la
eterna migración?

Eterna Migración

Pocos sellos
discográficos tienen la suerte de contar con dueños que aporten una exposición
mayor que la que pueden brindar hoy los hermanos Thivaios, a quienes
seguramente conozcas como Dimitri Vegas & Like Mike. Gracias a su lugar
privilegiado como residentes de Tomorrowland, han exprimido su posición de
privilegio y le han dado un empuje sin precedentes a esta plataforma. 



“Smash The House es
un sello independiente”, nos dice Dimitri, quien aprueba todos los lanzamientos
de la plataforma. “Nos vemos como una familia respaldada por la gente de
Tomorrowland. Todos en nuestro equipo están estrechamente involucrados en cada
lanzamiento. Uno de los aspectos más importantes que valoramos es el estrecho
contacto con cada artista y su gestión. Notamos que, una vez que un artista
lanza con nosotros, siempre es el comienzo de una asociación larga y saludable.
Nos esforzamos por publicar en función de la calidad y no de la cantidad.”



Con 287
lanzamientos publicados tan solo en el 2020, Smash The House se establece
nuevas metas con cada paso. “2020 fue, para la mayoría de los artistas, el año
más difícil de sus carreras. Sin embargo, sentimos que, para la mayoría de
nuestros artistas, sacó lo mejor de ellos”, se enorgullecen. “Nuestros artistas
tuvieron más tiempo de estudio que nunca y esto resultó en tracks increíbles
que están en nuestra lista para el 2021. En lugar de contenernos, hemos
expandido nuestro equipo y nuestro objetivo es convertirnos en uno de los
sellos independientes más grandes de la música electrónica.”



Le hicimos algunas preguntas más a Dimitri para entender cómo llegó Smash The House a ser lo que es hoy…



Lugar de origen: Bélgica Fecha de nacimiento: verano de 2010 Cantidad de lanzamientos: + de 1000 Lanzamiento más exitoso: «Instagram» Artista con más lanzamientos: Unos tipos llamados Dimitri Vegas & Like Mike



¿Cómo y cuándo surgió Smash The House?



“Mike y yo fundamos
el sello en 2010. Realmente, comenzó como un proyecto solo para nuestra propia
música y para darnos más libertad creativa. Luego, ese año lanzamos nuestra
colaboración ‘Tomorrow’ con Tara Mcdonald y Dada Life en Smash The House, que
se convirtió en el himno oficial de Tomorrowland. A partir de ese momento, se
encendió la mecha y Smash The House pasó a estar en el escenario mundial. Todo
cambió a partir de ahí. El single llegó al Top 5 en las listas de música de
baile en Bélgica.”



¿Cómo funcionaba el sello cuando empezó?



“En ese entonces, éramos
principalmente nosotros haciendo el A&R, el marketing, la promoción de los
DJs y también apoyando la música a través de nuestros DJ sets, lo que creaba
cierta expectativa en torno a los lanzamientos. También, una vez que tuvimos
ese primer éxito con Tomorrowland, empezamos a trabajar con CNR Records, lo que
nos ayudó mucho a tener un socio establecido.”



¿Qué recuerdas de los primeros pasos de la
plataforma?



“Tuve la
experiencia de tratar con sellos discográficos en mi carrera como DJ y también
en el tiempo que pasé con la familia CNR. Tanto para mí como para Mike, fue una
curva de aprendizaje empinada. Como cualquier proyecto nuevo, cometes errores y
aprendes de ellos. Las cosas estaban sucediendo tan rápido que aprendimos a
seguir adelante y apuntar a nuestras metas. Cuando aparecieron temas como
‘Madagascar’, ‘Alarma’ y ‘Rej’, ya teníamos más experiencia en el manejo del
sello.”



¿Cómo se desarrolló el equipo de Smash The House
a lo largo de los años? ¿Quién está involucrado en él hoy en día?



“Siempre se ha
tratado de trabajar con personas que sienten tanta pasión por la música como
nosotros y los fans. Comenzó conmigo y Mike, dos hermanos y un sueño, y siempre
hemos mantenido vivo ese espíritu con respecto a lo que es el equipo de la plataforma.
Hoy en día, el sello, que todavía nos incluye a Mike y a mí, así como a nuestro
manager Nick Royaards, también está formado por la coordinadora de artistas
Marte Croes, los agentes Goldi, Björn De Neef y Sara De Hertogh, el manager del
sello Perry van de Mosselaar y los managers de A&R Dwayne Megens el jefe de
asociaciones Tom De Saeger, y los directores de producto Matthias Versweyveld y
Nadime Juchtmans.”



¿Cómo suena Smash The House?



“En estos días, el
sonido de Smash The House es extremadamente ecléctico. Históricamente, somos
conocidos por nuestro sonido mainstage de house emblemático, que está orientado
a los grandes escenarios. Pero bajo la bandera de Smash The House y sus sub-sellos,
los fanáticos de la música esperan escuchar sonidos tan variados como deep
house, reggaeton, hop hop, psy-trance, hardstyle, EDM, techno, trance. Lo que
realmente nos gusta es mezclar géneros y crear música. Nos encanta.”



¿Quién lanza música en el sello?



“A lo largo de los
años, hemos tenido algunos artistas increíblemente talentosos en el sello. Sin
ningún orden en particular, hemos tenido a todos, desde Diplo, Steve Angello,
Martin Garrix, Hardwell, Steve Aoki, Chuckie, Bassjackers, Blasterjaxx, Afrojack,
Sidney Samson, Lost Frequencies, MATTN, Wolfpack, Yves V, Ummet Ozcan, KSHMR,
Futuristic Osos polares, MOGUAI, Nicky Romero, Vini Vici, W&W, Brennan
Heart, Angemi, Coone, Deorro, Timmy Trumpet, Quintino, Regard, Armin van
Buuren, VIZE, Fedde Le Grand, Era Istrefi, Lil Jon, Kid Ink, Sebastian Yatra ,
Afro Bros, Gucci Mane, Fatboy Slim, Snoop Dogg, Ne-Yo, Paris Hilton, Wiz
Khalifa, y la lista sigue y sigue… Es una locura pensar en cuántos artistas
hemos tenido en el sello hasta la fecha.”



¿Qué necesita un track para ser editado en
Smash The House?



“Debido a que
tenemos varias sub-plataformas de Smash The House, ahora podemos ampliar mucho más
la agenda de lo que estamos buscando en un track. El núcleo sigue siendo la
originalidad. ¿Tiene la pista esa sensación mágica, trae algo diferente o
inesperado? Queremos darles a los artistas libertad para crear, por lo que
realmente se trata de una sensación y de cómo la pista funciona para nosotros.”



¿Quién toca los lanzamientos de Smash The
House?



“La música de Smash
The House tiene una base de fanáticos a nivel global. Es algo de lo que estamos
muy orgullosos. Hemos trabajado duro para difundir nuestro sonido y hacer que
esa música llegue a personas de todo el mundo. Tener el apoyo de todos los
artistas con los que hemos trabajado en el sello, así como muchos más de muchas
áreas de la escena, es otra declaración de la calidad que proviene del sello.
Hablo en nombre de todo el equipo cuando doy las gracias a todos los que han
apoyado. ¡Los amamos!”



¿Cuál fue el momento más orgulloso de Smash The
House?



“Después de más de diez
años, tenemos tantos momentos increíbles… Desde tocar el himno oficial de
Tomorrowland en el escenario principal por primera vez, hasta presentar
nuestras arenas de Smash The house y, más tarde, Generation Smash, en el
festival. Luego, llevar la marca a otros festivales como TomorrowWorld en EE.
UU. y Creamfields en el Reino Unido. Ha sido un viaje muy loco y todavía seguimos
avanzando. Recientemente, alcanzamos más de 200 millones de reproducciones con
nuestro sencillo ‘Instagram’, que incluía a David Guetta, Afro Bros, Daddy
Yankee y Natti Natasha, y que ahora se convirtió en un sencillo de doble
platino. Por último, también lanzamos nuestra agencia The Smash Universe. Este
fue un sueño mío particular durante algún tiempo y, tras el lanzamiento de la
organización de deportes electrónicos Smash the House, sentí que era lo más
natural que podía hacer. The Smash Universe es una agencia de música, juegos y lifestyle que lanzamos con nuestro
director de esports SMASH, Nick Depauw, Miranda Huybers, una veterana de la
industria del juego que formó parte del equipo del Call of Duty de Activision,
y nuestro manager Nick Royaards.”



¿Qué sigue para el sello?



“Estamos muy lejos de terminar con la construcción de Smash The House. Queremos que no sea solo nuestra música, sino la música de los artistas que queremos firmar en el sello. Estamos lanzando varios sub-sellos nuevos en un futuro cercano, tenemos planes para expandir nuestros eventos una vez que se reanuden y, por supuesto, está nuestra agencia Smash Universe, que tiene algunos proyectos muy especiales para anunciar pronto. ¡Cosas más grandes y emocionantes vendrán de la familia Smash!” 



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Sello de Calidad: Smash The House

A principios de esta semana en Berlín, el premio
Axel-Springer Award para “personalidades destacadas que son particularmente innovadoras
y que generan y cambian mercados, influyen en la cultura y, al mismo tiempo,
hacen frente a su responsabilidad con la sociedad” fue otorgado al CEO de
SpaceX, Elon Musk.



Como parte de la ceremonia de premiación, Musk, quien a
menudo habla sobre su amor por la música electrónica, específicamente el
techno, recibió una caja de vinilos única y especial de parte del jefe de
Cocoon, Sven Väth.



Hablando sobre la ceremonia en una publicación de
Facebook, el DJ alemán dijo: “Lo considero uno de los grandes visionarios de
nuestro tiempo. Está haciendo una diferencia para todos nosotros en este
planeta. Pero no se detiene allí. Va más allá.”



«Me sorprende cómo puede abordar preguntas complejas
con tanta precisión. Cuando le preguntaron por qué le gusta tanto el techno,
instantáneamente dijo: ‘¡Máximo humano!’ Cuánta razón tiene. He hecho tantas
entrevistas a lo largo de mi carrera. Debería haber hecho muchas menos, como el
Sr. Musk.”



Como parte de la caja de vinilo, que Väth aseguró que es posible que sea lo que escuche en su primer vuelo espacial, el legendario DJ y productor se asoció con Gregor Tresher para proporcionar dos remixes exclusivos de la pista que Elon Musk hizo a principios del año titulada “<a href="https://djmagla.com/elon-musk-lanza-musica-electronica-bajo-el-alias-e-d-m" target="_blank" rel="noreferrer noopener" aria-label="Don't Doubt Your Vibe (se abre en una nueva pestaña)">Don’t Doubt Your Vibe</a>”. 



En octubre pasado, Steve Aoki dijo que también <a href="https://djmagla.com/elon-musk-lanza-musica-electronica-bajo-el-alias-e-d-m" target="_blank" rel="noreferrer noopener" aria-label="le gustaría hacer música con Elon Musk (se abre en una nueva pestaña)">le gustaría hacer música con Elon Musk</a>. ¿Quizás su oportunidad podría llegar antes de lo previsto?



Mira el video aquí debajo. Puedes ir directo al minuto 01:02:00 para ver el saludo de Väth y Musk en la ceremonia de Axel-Springer.



<div style="height:30px" aria-hidden="true" class="wp-block-spacer"></div>



<figure class="wp-block-embed-youtube wp-block-embed is-type-video is-provider-youtube wp-embed-aspect-16-9 wp-has-aspect-ratio"><div class="wp-block-embed__wrapper">
<iframe title="Elon Musk live beim Axel-Springer-Award 2020 in Berlin" width="1055" height="593" src="https://www.youtube.com/embed/787CmHGyOmE?feature=oembed" frameborder="0" allow="accelerometer; autoplay; clipboard-write; encrypted-media; gyroscope; picture-in-picture" allowfullscreen></iframe>
</div></figure>

Sven Vath remixó la canción de EDM que hizo Elon Musk a principios de año

Garrett Lockhart, conocido profesionalmente como i_o, ha muerto
con tan solo 30 años.



La noticia del trágico y prematuro fallecimiento del
joven DJ y productor llegó a través de sus propias redes sociales ayer, martes
24 de noviembre, anunciando que el artista había muerto el lunes.



Aún no se ha esclarecido la causa de la muerte del artista. El nativo de Washington D.C., que había lanzado anteriormente bajo el nombre de FAWKS, acababa de firmar un acuerdo con Armada, donde lanzó una versión del clásico “<a href="https://djmagla.com/i_o-se-vuelca-al-trance-y-reedita-el-clasico-castles-in-the-sky" target="_blank" rel="noreferrer noopener" aria-label="Castles in The Sky (se abre en una nueva pestaña)">Castles in The Sky</a>” hace algunos días, además de contar con un catálogo musical que incluía sellos como mau5trap de Deadmau5 y Dim Mak de Steve Aoki.



Desde DJ Mag Latinoamérica enviamos un sentido abrazo a todos sus familiares y seres queridos.



<div style="height:30px" aria-hidden="true" class="wp-block-spacer"></div>



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