Tras tres años de espera, <a href="https://www.instagram.com/davidhohme/" target="_blank" rel="noreferrer noopener" aria-label="David Hohme (se abre en una nueva pestaña)">David Hohme</a> vuelve a abrir su corazón musical con el lanzamiento de Where My Heart Is, Vol. 5, una nueva entrega de su aclamada serie de álbumes mixados que esta vez marca un giro importante en su enfoque: más que una vitrina para su sello, Where The Heart Is Records, esta quinta edición es un manifiesto artístico en primera persona.



Desde el primer track —una colaboración con el legendario Jody Wisternoff llamada “5 Years”— hasta los paisajes emocionales que compone junto a artistas como Domo (ES), Discognition, Audera, N2N, y Dustin Nantais, este álbum se siente como un cuaderno de viaje íntimo, atravesado por melodías cálidas, grooves envolventes y una búsqueda sonora que nunca pierde de vista la pista de baile.



Con base en Portland, David Hohme es uno de esos artistas que cultivan una conexión emocional genuina con su público. Desde sus comienzos como residente en las fiestas Do Not Sit On The Furniture de Miami hasta su ascenso a los escenarios de Burning Man, Lightning in a Bottle, y el circuito europeo de clubes boutique, Hohme ha construido una carrera marcada por la sensibilidad musical, el compromiso con el arte de mezclar y una visión profundamente humana de la electrónica.



En Where My Heart Is Vol. 5, esa visión se materializa en forma de vinilo y álbum digital, pero también como una carta de amor al proceso colaborativo. Cada track es un punto de encuentro entre su sonido —etéreo pero con fuerza, orgánico pero preciso— y las identidades sonoras de otros productores. El resultado es un recorrido fluido, que va desde la introspección melódica hasta los momentos de catarsis rítmica, siempre con una narrativa clara y emocional.



No se trata de una simple colección de tracks pegados. Aquí hay una historia, una pulsión que late entre los compases, una búsqueda por reconectar con el propósito original: hacer música que provenga del corazón y hable al corazón del oyente.



En tiempos de inmediatez, Hohme se toma el tiempo de construir un viaje. Y para quienes siguen su carrera desde los comienzos —o se suman ahora al recorrido—, Where My Heart Is Vol. 5 es una reafirmación de que la electrónica más valiosa no es siempre la más estridente, sino la que nos acompaña, nos transforma y nos recuerda quiénes somos cuando cerramos los ojos y simplemente escuchamos.



Escúchalo ahora:



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David Hohme lanzó Where My Heart Is Vol. 5: un viaje sonoro profundamente personal

Hay artistas que pulen los bordes de un género hasta hacerlo brillar. Y hay otros, como Cassian, que directamente lo elevan. Con el lanzamiento de su nuevo single “SOS”, el productor australiano vuelve a dejar en claro que no está aquí para cumplir con fórmulas, sino para empujar los límites de la electrónica contemporánea con visión y músculo técnico. El track marca su debut en Experts Only, el sello curado por John Summit, y funciona como una declaración de intenciones: vibrante, incisivo y calibrado para romper tanto en el club como en grandes escenarios.



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Lejos de ser solo un hit de temporada, “SOS” se siente como un manifiesto sónico. La construcción dramática del inicio, los samples vocales que parecen clamar desde otra dimensión, y un drop que entra como un látigo cuidadosamente sincronizado, hacen del track una herramienta de alto impacto, diseñada para generar ese momento de trance colectivo que todos buscamos en una pista. El clip grabado en KOKO London —con Cassian al mando de una sala sold out— lo muestra en su forma más poderosa: controlando la tensión con elegancia, soltando energía en oleadas precisas, como si cada compás estuviera esculpido.



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margin-bottom:0; margin-top:8px; overflow:hidden; padding:8px 0 7px; text-align:center; text-overflow:ellipsis; white-space:nowrap;"><a href="https://www.instagram.com/p/DIymt_au_2F/?utm_source=ig_embed&utm_campaign=loading" style=" color:#c9c8cd; font-family:Arial,sans-serif; font-size:14px; font-style:normal; font-weight:normal; line-height:17px; text-decoration:none;" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Una publicación compartida por Cassian (@cassian)</a></div></blockquote>
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En un contexto donde muchos tracks se diluyen en la saturación de lanzamientos, Cassian logra que cada producción cuente. Ya lo había demostrado con “Dun Dun” en Afterlife y “Where I’m From” junto a SCRIPT y Belladonna, pero con “SOS” se afianza como un narrador sonoro con la capacidad de conmover tanto al purista como al raver. Y si su historia sobre los Moái de Isla de Pascua es real o puro delirio místico, poco importa: el resultado está a la vista (y al oído).



Este lanzamiento llega en un momento clave para su carrera. En plena gira por Norteamérica —con un cierre épico en Nueva York junto a Teksupport— y tras su rol como Music Director del show inmersivo de Anyma en The Sphere Las Vegas, Cassian se prepara para su debut en el mainstage de Tomorrowland. No es poca cosa. Estamos hablando de un artista que, sin perder su esencia de ingeniero de sonido meticuloso, ha aprendido a traducir ese conocimiento técnico en experiencias que trascienden formatos.



En una industria donde la velocidad muchas veces mata la profundidad, Cassian representa ese extraño equilibrio entre lo técnico y lo emocional, lo funcional y lo trascendente. “SOS” no solo pide ayuda: la ofrece, para quienes buscan reencontrarse con una electrónica que conmueve, sacude y transforma.

Cassian lanza “SOS” y enciende las alarmas del futuro de la música electrónica

En el siempre fértil cruce entre lo melódico y lo emocional, dos titanes del sonido alemán vuelven a encontrarse. Esta vez, andhim toma las riendas de “Powerful Play”, uno de los lanzamientos más profundos y poéticos de Monolink, y lo reconvierte en una pieza cargada de groove sofisticado, texturas analógicas y un aura hipnótica que se despliega como una historia en movimiento. El remix ya está disponible a través del sello berlinés Embassy One.



Originalmente lanzado en marzo de 2025, “Powerful Play” se destacó por su fusión de instrumentación acústica, sensibilidad electrónica y una letra que reflexiona sobre la impermanencia, los vínculos y la memoria. El videoclip, dirigido por el colectivo danés FRANZI, acompañó la propuesta con una narrativa visual cargada de simbolismo fraternal y resonancias emocionales.



La nueva versión de andhim —formado por Simon Haehnel y Tobias Müller— no sólo honra ese trasfondo introspectivo, sino que lo expande hacia territorios de trance suave y groove elegante. En su interpretación, la voz etérea de Monolink flota entre capas rítmicas detalladas y líneas melódicas que crecen con paciencia, ideal para esos momentos de conexión colectiva en la pista o para los viajes solitarios con auriculares al amanecer.



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El dúo, que ha colaborado con figuras como Diplo, RÜFÜS DU SOL y Theophilus London, y que mantiene residencias regulares en ciudades clave como Berlín, Londres y Los Ángeles, vuelve a demostrar por qué su nombre es sinónimo de evolución y sofisticación dentro del house melódico global. Su sello Superfriends Records, hogar de artistas como Roman Flügel y Acid Pauli, continúa consolidando su visión estética de un sonido que desafía etiquetas y conecta con la emoción.



Este remix de “Powerful Play” no es solo una reinterpretación sonora: es un testimonio del poder transformador que tiene la música electrónica cuando se encuentra con la intención, la experiencia y una sensibilidad artística que no necesita gritar para ser profundamente sentida.



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andhim reimagina “Powerful Play” de Monolink: un remix que transforma la introspección en éxtasis electrónico

En los últimos años, Yubik ha consolidado su nombre como una de las figuras más destacadas de la escena europea de techno melódico. Originario de Alemania y actualmente radicado en Múnich, el productor ha desarrollado un sonido característico que equilibra intensidad rítmica, texturas atmosféricas y una profunda carga emocional, elementos que le han valido lanzamientos en sellos como Afterlife, Radikon, ATLANT, Siamese y TAU, además del respaldo constante de nombres como Tale Of Us, Adriatique, Innellea y Mind Against.



Más que cifras o tendencias, Yubik ha construido una carrera basada en identidad, consistencia y profundidad artística. Su música no se basa en fórmulas: está creada para generar impacto en la pista de baile, pero siempre con un fuerte enfoque en la narrativa, el detalle y la autenticidad.



Su último lanzamiento, “Paradox of Perception”, marca un paso simbólico hacia el mercado latinoamericano. El tema, publicado en el sello brasileño ERRORR —dirigido por los hermanos Ruback—, representa su primera colaboración oficial con un sello sudamericano, reforzando su intención de ampliar horizontes y conectarse con escenas que comparten una misma sensibilidad estética.



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Hablamos con Yubik sobre este importante nuevo capítulo en su carrera, el proceso creativo detrás del lanzamiento y sus novedades para 2025.



Hola Yubik, gracias por acompañarnos. Comencemos hablando de tu nuevo lanzamiento, “Paradox of Perception”. ¿Cómo fue el proceso creativo de este tema y cómo decidiste publicarlo a través de ERRORR? ¿Cómo surgió esa conexión inicialmente?



Gracias por recibirme. “Paradox of Perception” surgió de un lugar de reflexión. Estaba explorando cómo interpretamos el mundo que nos rodea, cómo la percepción no siempre es realidad. Musicalmente, quería crear algo que transmitiera profundidad, inmersión e hipnosis, pero que aún tuviera fuerza para la pista de baile. Hace tiempo que conozco al equipo de ERRORR y siempre he admirado su dirección curatorial aguda y su identidad visual sólida. Llevábamos un tiempo intercambiando ideas, y este tema parecía encajar perfectamente con su visión, así que todo fluyó de forma natural.



ERRORR tiene un fuerte enfoque curatorial en música narrativa y cargada de emociones, algo que también parece central en tu propia visión artística. ¿Qué elementos clave consideras al crear un tema que busca generar una experiencia emocional duradera?



Para mí, siempre empieza con el estado de ánimo. Intento visualizar una historia o un escenario y luego construyo alrededor de eso: ya sea tensión, melancolía, euforia o algo más ambiguo. Me atraen las texturas y armonías que evolucionan lentamente pero permanecen memorables. Capas sutiles, contraste entre suavidad y empuje, y una sensación de tensión no resuelta: esas son las herramientas que uso para mantener vivo el arco emocional.



Curiosamente, Paradox of Perception llegó casi un año después de tu anterior lanzamiento, en abril de 2024. ¿Fue ese período de silencio intencional, tal vez parte de un reinicio personal o creativo? ¿Qué representó ese tiempo para ti, tanto artística como personalmente?



Aunque no fue exactamente una pausa planificada, resultó ser algo necesario. Me tomé ese tiempo para desacelerar, experimentar en el estudio sin presión y reconectar con la razón por la que hago esto. También he estado presentándome mucho y probando nuevas ideas en la gira, lo que me dio una mejor perspectiva de lo que realmente quería expresar con mi próximo lanzamiento. Esa pausa me dio claridad y me devolvió con una energía creativa más fuerte.



Has estado asociado con sellos importantes como Afterlife, TAU y Radikon, pero siempre has mantenido un enfoque muy coherente y auténtico en tu carrera. ¿Qué impulsa tus decisiones al elegir dónde publicar tu música?



Autenticidad y confianza, ante todo. Busco sellos que compartan una visión similar, no solo musicalmente, sino también en términos de narrativa y apoyo a los artistas. Cada lanzamiento es parte de un viaje más grande, así que quiero asegurarme de que llegue al lugar adecuado, donde la estética, la historia y la comunidad estén alineadas con mi rumbo.



Más allá de la pista de baile, muchos artistas están explorando otros caminos creativos: bandas sonoras, proyectos visuales, colaboraciones interdisciplinarias. ¿Hay algún proyecto fuera del ámbito club que hayas estado desarrollando o planees explorar en los próximos meses?



Últimamente me interesa expandir mi universo más allá del audio, llevándolo a formatos visuales y digitales que puedan existir por sí mismos o en diálogo con la música. He colaborado con artistas visuales y diseñadores para construir identidades sólidas en mis próximos lanzamientos, y también exploro nuevas formas de presentar mi trabajo mediante espectáculos en vivo inmersivos y, potencialmente, conceptos basados en instalaciones. Sigue arraigado en la energía de la cultura club, pero con una mirada más amplia sobre cómo interactúan el sonido, la imagen y el espacio físico.



Mirando hacia 2025, ¿qué puedes compartir sobre tus próximos pasos? ¿Podemos esperar nuevos lanzamientos, fechas de gira en nuevos territorios u otros avances emocionantes? ¡Gracias!



El 2025 se perfila como un gran año. Tengo varios lanzamientos planeados en sellos con los que no había trabajado antes, lo cual me entusiasma mucho, además de colaboraciones que llevan tiempo gestándose. En cuanto a giras, tocaré en ciudades y países nuevos, algo siempre revitalizante. Y más allá de eso, espero concretar por fin algunos proyectos audiovisuales. ¡Gracias de nuevo! ¡Estoy ansioso por compartir más pronto!



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Hablamos con Yubik

José Javier Cateriano y los 10 años de ULTRA Perú

El icónico DJ y productor alemán Paul van Dyk regresa con fuerza a la escena global con el lanzamiento de This World Is Ours, su primer álbum de estudio en cinco años. Publicado a través de su sello VANDIT Records, este nuevo trabajo marca un hito en su carrera, consolidando una vez más su estatus como pionero indiscutido del progressive house y la música electrónica.



Anticipado durante meses y estrenado en vivo en su gira homónima, This World Is Ours es mucho más que una colección de tracks: es una profunda reflexión sobre el vínculo entre humanidad, inteligencia artificial y tecnología. A lo largo de quince composiciones originales, van Dyk crea un universo cargado de melodías cinematográficas, paisajes sonoros y un mensaje que invita a contemplar el rol del ser humano en una era cada vez más automatizada.



Tras posicionar recientemente dos singles en el #1 de Beatport (Back 2 The FVTR y Seven Seas), el productor alemán vuelve a poner el foco en lo emocional con “Beautiful”, el track central del álbum, una colaboración junto a Julia Westlin que combina sensibilidad vocal con la energía épica característica de Paul.



Además, This World Is Ours cuenta con colaboraciones junto a artistas de renombre como John 00 Flemming, Paul Thomas, EKKO y FUENKA, reforzando el espíritu colaborativo del álbum y su mensaje universal.



Con más de tres décadas a la vanguardia del género, Paul van Dyk sigue evolucionando sin perder la esencia que lo convirtió en un referente global. Este nuevo lanzamiento no solo reafirma su visión creativa, sino que también se proyecta como la banda sonora perfecta para este verano, ya celebrada por DJs y radios en todo el mundo.



This World Is Ours ya está disponible en todas las plataformas digitales.



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Paul van Dyk lanza su esperado nuevo álbum «This World Is Ours»

Beats oscuros, vocales cargadas de emoción y una producción que sube la temperatura desde el primer segundo. Así se presenta “Born To Love”, la nueva colaboración entre HI-LO y Sarah de Warren, ya disponible en HILOMATIK, el sello fundado por HI-LO en 2023.



Con un enfoque melódico pero feroz, HI-LO construye una base rítmica profunda sobre la que Sarah de Warren despliega una interpretación vocal que mezcla sensualidad, nostalgia y euforia. “‘Born To Love’ nació mientras volvía de un show manejando de noche”, cuenta Sarah. “Pensaba en cómo la música electrónica siempre fue algo natural para mí, parte de mi ADN. Escribí los versos manejando y los grabé apenas llegué a casa. Siempre quise trabajar con HI-LO, así que le mandé la vocal… y él hizo su magia”.



El resultado es un banger de techno melódico que navega entre la pista y el alma, ideal para grandes festivales, pero también capaz de conmover en la escucha personal.



El lanzamiento llega justo antes de una intensa temporada de shows para HI-LO. En abril visitará Sudamérica con paradas en Ultra Music Festival x Resistance Buenos Aires (18/4) y Lima (19/4). Luego emprenderá una gira europea con fechas clave como Airbeat One en Alemania, Audioriver en Polonia, A State of Trance en Londres  y Tomorrowland en Bélgica.



HI-LO, alias techno de Oliver Heldens, se ha convertido en uno de los nombres más fuertes del género. Sus lanzamientos en Drumcode, Filth on Acid y su propio sello HILOMATIK han recibido apoyo masivo de figuras como Adam Beyer, Reinier Zonneveld, Carl Cox, Anyma y Charlotte de Witte, entre otros.



Por su parte, Sarah de Warren sigue consolidando su lugar en la escena global. La cantante, compositora, productora y DJ británica ya ha trabajado con Kaskade, Gareth Emery, Nicky Romero y Martin Jensen, y ha pasado por festivales como EDC Vegas, Ultra y Creamfields.



“Born To Love” marca el encuentro entre dos mundos complementarios: la contundencia techno de HI-LO y la sensibilidad pop-electrónica de Sarah de Warren. Juntos, crean un track que late con fuerza, pasión y un mensaje claro: nacimos para amar esta música.



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HI-LO y Sarah de Warren se unen en “Born To Love”: techno adictivo y una conexión emocional profunda

El 4 de abril llegó uno de los lanzamientos más esperados por los fans del house melódico: “Seventeen”, la nueva colaboración entre Joris Voorn, Yotto y Harry McVeigh de la banda británica White Lies. Publicado por Armada Music, el track marca el debut conjunto de los reconocidos productores tras su icónico B2B en Tomorrowland 2024.



Con una potente carga emocional y un sonido diseñado para grandes escenarios, “Seventeen” captura la intensidad melódica que caracteriza a Voorn y Yotto, acompañada por la inconfundible voz del frontman de White Lies, que aporta un aire nostálgico y atemporal. El resultado es una pieza que evoca los altibajos de la adolescencia con una energía ideal para festivales.



El lanzamiento llega en un gran momento para ambos productores. Joris Voorn, considerado uno de los artistas más influyentes de la electrónica holandesa, viene de presentarse en Tomorrowland Winter y Miami Music Week, y se prepara para lanzar su quinto álbum de estudio este mes a través de Spectrum/Armada. Por su parte, Yotto, con un historial que incluye remixes para Gorillaz, Röyksopp y Coldplay, sigue consolidando su versatilidad entre los sonidos del mainstream y el underground.



“Seventeen” no solo representa una colaboración estelar, sino también un fuerte candidato a himno del verano 2025. Entre progresiones perfectas, texturas cinematográficas y una vocal que conecta de forma directa con la audiencia, esta producción promete sonar en pistas de baile de todo el mundo.



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Joris Voorn, Yotto y White Lies presentan «Seventeen»: una fusión épica entre house melódico y rock alternativo

La escena electrónica de Buenos Aires tendrá abril inolvidable con el anuncio de tres fechas únicas curadas por <a href="https://www.instagram.com/numbers____/?hl=es">Numbers</a>, el ciclo creado por <a href="https://www.instagram.com/fran.ziz.ca/?hl=es">Franzizca</a>, y <a href="https://www.instagram.com/rave.3000/?hl=es">Rave3000</a>, la productora reconocida por sus propuestas eclécticas y audaces. Los eventos tendrán lugar el 17, 18 y 30 de abril en los escenarios de Groove, Club de Pescadores y Deseo, respectivamente, y contarán con un line up internacional de lujo que fusiona lo mejor del techno, el house y los sonidos más vanguardistas.



La primera parada será el 17 de abril en Groove (Palermo) y tendrá como protagonista a <a href="https://www.instagram.com/spfd.j/?hl=es">SPFDJ</a>, la DJ y productora sueca que forma parte del colectivo Herrensauna y dirige su propio sello, <a href="https://www.instagram.com/intrepidskin/?hl=es">Intrepidskin</a>. Su estilo crudo y energético la convirtió en una de las figuras más convocantes del techno actual. Esa noche abrirá la pista <a href="https://www.instagram.com/tinkerhell.cv/?hl=es">TINKERHELL</a>, figura clave de la escena nacional argentina y parte del sello de SPFDJ, donde editó su último álbum homónimo, Gatekeeper.



El 18 de abril, la cita se traslada a la Costanera Norte en el Club de Pescadores, donde <a href="https://www.instagram.com/avalon9000/?hl=es">Avalon Emerson</a> tomará el control. La artista estadounidense radicada en Berlín ha brillado en escenarios como Berghain, Primavera Sound, Sonar y Pitchfork. Su propuesta combina sensibilidad pop, experimentación y una potente presencia en cabina. Esa noche también tocarán <a href="https://www.instagram.com/vinocioclub?igsh=MW5xNGZ6cjkzZDFzcQ==">Vinocio </a>y <a href="https://www.instagram.com/pabelspabels?igsh=MTBncHhtN3R5eXgzZg==">Pabels </a>en formato DJ set.



Finalmente, el 30 de abril, Deseo Club será el escenario del cierre con un line up encabezado por dos potencias europeas: <a href="https://www.instagram.com/ki.slash.ki/?hl=es">KI/KI</a>, una de las revelaciones de Ámsterdam con sets vertiginosos que combinan trance, techno y sonidos rave; y <a href="https://www.instagram.com/dj_gigola/">DJ Gigola</a>, integrante del colectivo berlinés Live From Earth, conocida por su estética única y colaboraciones junto a Kev Koko. A ellas se suma la presencia de la DJ argentina <a href="https://www.instagram.com/rosa__rous__/">Rosa Rous</a>, quien viene conquistando las cabinas del underground con una propuesta fresca y desafiante.



Las entradas para las tres fechas ya están disponibles y pueden adquirirse [<a href="https://bit.ly/m/rave3000-numbers">haciendo click acá</a>].



Rave3000 es una productora argentina que desde sus inicios apostó por una curaduría diversa y arriesgada, con el foco puesto en destacar las escenas alternativas y fusionar géneros. En abril de 2024, organizaron un festival en las afueras de la ciudad con nombres como Usted Señalemelo, Peces Raros, Paula Tape y Vinocio, entre otros. También presentaron a Hercules & Love Affair, DJs Pareja y Astro en mayo, y más adelante, llevaron a artistas como Rojuu, Die Antwoord y Yung Beef al escenario del C Complejo Art Media.



Por su parte, Numbers, el ciclo creado por Franzizca, nació en 2023 con el objetivo de generar experiencias sensoriales profundas, con una apuesta clara por la música electrónica de calidad, el arte visual y las intervenciones creativas. En poco tiempo se consolidó como una de las fiestas más relevantes del país, pasando por clubs como Niceto, Groove, Club Paraguay (Córdoba), Sala Formosa, Deseo, Stadium (Mar del Plata) y hasta el Cerro Catedral, en Bariloche. En el verano europeo, incluso desembarcó en el mítico Hoppetosse de Berlín.



Franzizca es una artista multifacética que canaliza su pasión por la música desde múltiples frentes: como DJ, productora, gestora cultural y fundadora de ciclos como Techno Moon y Numbers. Con una formación que cruza la música clásica y la electrónica, explora sonidos con libertad creativa y una búsqueda constante de nuevos horizontes. Forma parte del roster de Repitch Republic y ha participado en eventos como Lollapalooza, Primavera Sound, Mutek, Hör, Renate y Festival Buena Vibra. Su mirada curatorial, su presencia en cabina y su compromiso con el desarrollo de la escena la convierten en una figura clave del panorama actual.

Numbers y Rave3000 presentan tres fechas imperdibles con figuras internacionales de la electrónica

A principios de marzo, cubrimos el lanzamiento de <a rel="noreferrer noopener" href="https://slapped.lnk.to/OHSH1T" target="_blank">“OH SH1T”</a> del DJ y productor argentino Marcos Gari, alias Cocho, marcando su debut en SLAPPED Records de Mitch Oliver. Con este hito en mano, no pudimos perder la oportunidad de conversar con él sobre la evolución de su carrera en los últimos años, ya que ha estado atravesando un período transformador de autodescubrimiento en busca de su identidad sonora distintiva. 



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Anteriormente enfocado en estilos de Organic y Progressive House, Cocho ahora se inclina más hacia el Deep y el House tradicional. Lo que lo distingue en la escena de Buenos Aires es su audacia y valentía para producir sonidos no convencionales, una cualidad que le ha ayudado a ganar reconocimiento más allá de Argentina. Este junio, emprenderá su primera gira por Norteamérica, un tema que explora en profundidad durante nuestra conversación.



El futuro parece brillante para Cocho, y descubrirás por qué en esta entrevista exclusiva.



 Hola, Marcos. Gracias por acompañarnos. Empecemos con tu último lanzamiento, OH SH1T, que inauguró 2025 y marcó tu debut en SLAPPED Records. ¿Cómo ha sido la respuesta hasta ahora?



Hola amigos. Antes que nada, muchas gracias por esta entrevista. Me alegra que estén interesados en saber más de mí y mi nuevo EP.



La repercusión de los tracks parece que fue positiva. ¡Lo que más destaco fue la reacción de mis seguidores! Tuve muchos mensajes de gente diciendo que les gustó el lanzamiento. También varios haciendo hincapié en cómo cambié mi sonido, lo cual me contenta mucho, ya que ansiaba mostrar lo más nuevo y fresco. En cuanto a números, parece que Library le fue mejor en Beatport. Eso nos sorprendió, pero creemos que es porque no sabemos cómo catalogar a OH SH1T. Lo pusimos como Deep House, pero es imposible encasillar la música en un género. 



También fuiste el primer artista en lanzar un EP en solitario en el sello sin la participación de Mitch Oliver. Eso debe sentirse especial. ¿Podrías compartir cómo comenzó tu conexión con él?



Conocí a Mitch mediante la música y las redes. Nuestro estilo siempre estuvo cerca. Con el tiempo, nos fuimos acercando hasta que él vino a tocar a Buenos Aires y ahí nos conocimos personalmente. Es un gran artista y mejor persona. Admiro mucho su trabajo, especialmente lo que está haciendo él y su equipo con Slapped. Sin duda, este sello va a ser algo grande: se ve el esfuerzo y dedicación. Estoy agradecido de poder ser parte, especialmente siendo uno de los primeros. Es el comienzo de una larga y linda relación.



Tanto tú como SLAPPED Records comparten un enfoque en pistas para la pista de baile. ¿Sigues en esa misma sintonía? ¿Algo nuevo viene pronto?



Como mencioné antes, mi sonido ha estado cambiando. Antes solía hacer música más orgánica y tranquila. Antes de la pandemia, no fui a muchos eventos, así que no conocía bien la escena en profundidad. Cuando reiniciaron las fiestas, empecé a salir y a tener mis primeros gigs. Automáticamente, mis producciones comenzaron a cambiar. Hoy estoy más enfocado en música para la pista: música divertida, que te haga bailar, levantar los brazos o al menos sonreír. Aunque no puedo encasillarme: a veces hago música más seria o profunda.



El 20 de marzo sale mi próximo lanzamiento, “Calling 4 U”. Es un track que demuestra todo lo que describí arriba. Sale por el sello La Juanita, y tengo muchas ganas de que la gente lo escuche. También empecé a lanzar remixes no oficiales por mi canal de Bandcamp. Ahí iré subiendo música que no puedo publicar en sellos.



Hace unos años te inclinabas por el Organic House, pero ahora tu sonido se siente más energético. ¿Fue este cambio natural? ¿Qué influenció la transición?



La pandemia fue un gran protagonista en este cambio. Mejor dicho, el fin de la pandemia lo fue. Había ido a fiestas, pero pocas. Tras la cuarentena, empecé a salir más y a tener mis primeros gigs. Ahí me di cuenta de lo que realmente me divierte, me hace bailar o me hace sonreír. No me encasillo: a veces hago tracks más oscuros o profundos. Pero hoy, la pista es mi gran inspiración.



<figure class="wp-block-image size-large"><img src="https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2025/04/DSC08260-2-683x1024.jpg" alt="" class="wp-image-1169765" srcset="https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2025/04/DSC08260-2-683x1024.jpg 683w, https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2025/04/DSC08260-2-200x300.jpg 200w, https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2025/04/DSC08260-2-768x1152.jpg 768w, https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2025/04/DSC08260-2-1024x1536.jpg 1024w, https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2025/04/DSC08260-2-950x1425.jpg 950w, https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2025/04/DSC08260-2.jpg 1365w" sizes="(max-width: 683px) 100vw, 683px" /></figure>



Los artistas emergentes suelen comenzar como apertura: tú has calentado pista para leyendas como John Digweed y Eelke Kleijn. ¿Cómo fueron esas experiencias?



¡Fueron increíbles! Admiro mucho a ambos artistas, y poder ser parte de esos lineups es un sueño. Lo más loco fue tocar en el Metropolitano de Rosario. Fue una de las fechas más lindas que tuve, y encima entregarle la cabina a alguien como Eelke, a quien tanto admiro, es un privilegio. Todos los gigs fueron buenos, pero estos tienen un impacto repentino en la carrera. Valoro mucho estas oportunidades. Además, sentir la energía de tanta gente bailando tu música es algo indescriptible.



También tocaste un all-night-long en La Biblioteca. ¿Qué tan desafiante fue?



Mi primer all-night-long fue en 2023 en La Biblioteca, Buenos Aires. Tuve la suerte de repetirlo en octubre del año pasado. Los sets largos siempre son mis favoritos, pero los all-night-long son perfectos. Son más desafiantes, claro, pero es un plero dirigir toda una noche. Sos el escultor de una experiencia para esa gente. Encima, aquí suelen venir temprano a estos eventos, así que disfruto cada momento. Incluso se forma un cariño, un acuerdo silencioso con quienes están desde el principio hasta el final. Esa conexión personal, esa mirada, esa sonrisa que te devuelven… es invaluable. No sé, me hace muy feliz.



Hablando de gigs, tu primera gira por Norteamérica está programada para junio. ¿Cómo te preparas para tocar ante nuevos públicos y culturas? ¿Ya hay fechas confirmadas?



Todavía no hay nada confirmado. Tengo algunos gigs en vista y gente interesada en contratarme, pero acabo de volver de vacaciones y pronto podré enfocarme en eso. No he viajado mucho fuera del país para tocar: tuve gigs en Curitiba (Brasil) y Toronto (Canadá). Experiencias increíbles donde aprendí mucho. Siempre dicen que la escena es diferente en cada país, pero no te das cuenta hasta que lo vivís. Espero que este tour salga bien, y pueda compartir mi música en muchos lugares.



Hablemos de la escena argentina. Está en auge, especialmente en Córdoba y Buenos Aires. ¿Qué está llamando tu atención últimamente? ¿Algún artista o sello nuevo que recomendarías?



Siempre se ha hablado bien de la escena argentina. Por suerte, es así: hay muchos clubes, fiestas y un público cada vez más grande y consciente. La gente se anima a escuchar cosas nuevas, a salir de sus “artistas de confort”.



Hay oportunidades para artistas en desarrollo, aunque también más competencia. Pero soy partidario de la competencia sana: es motor de crecimiento, siempre con humildad y camaradería. Por suerte, aquí se celebra el triunfo del otro. Se están formando grupos de artistas, como Who Knows, del que soy parte junto a mis amigos Agustin Ficarra, Maezbi, Polo, Facundo Losardo y Kabi.



Recomiendo seguir a mis amigos que mencioné. Los admiro mucho, y su música es diferente a todo lo que se escucha aquí. En sellos, recomiendo La Juanita de Chapa & Castelo y Flown de Scippo y los Figueras.



Finalmente, ¿sería incorrecto decir que estás en la mejor fase de tu carrera? ¿Dónde te ves en unos años? ¡Gracias y hasta la próxima!



Creo que un artista nunca se considera en su mejor momento. Estamos locos por seguir creciendo: es la pasión lo que nos mueve. No hay “más y mejor”, simplemente no podemos parar. Estoy súper agradecido y feliz por cómo viene mi carrera, y sí, es mi mejor momento hasta ahora.



Trato de no pensar en el futuro lejano, aunque es inevitable. Me veo con suficientes gigs para seguir disfrutando y viviendo de esto, conociendo lugares, personas y públicos nuevos, y haciendo sonreír a más gente.

Entrevista con Cocho

Desde Guatemala, Nico Falla está revolucionando la música electrónica con una propuesta fresca y vibrante que fusiona sonidos latinos con la energía del Tech House y el Bass House. A sus 22 años, ha conquistado los escenarios más importantes de su país y se expande rápidamente en la escena internacional con producciones originales que reflejan una identidad musical única.



Su estilo se distingue por una fusión ecléctica de Tech House y Bass House, con influencias del UK Garage, UK Bass y ritmos latinos. A veces contrastante, otras perfectamente armonizado, su sonido ha sido moldeado por referentes como John Summit, Max Styler y Westend.



El talento de Nico Falla ha dejado huella en la industria. Su sencillo «No Rhythm» alcanzó el #4 en el ranking de Bass House de Beatport y fue incluido en su playlist oficial. Su remix del icónico «Eres Para Mí» ya supera las 500,000 reproducciones en plataformas digitales. Otro de sus grandes éxitos, «Pleasure», logró posicionarse en el Hype Top 30 Techno y en el Top 100 Overall Techno de Beatport.



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Grandes nombres de la escena como Kaskade, Benny Benassi, Tiësto, Tchami y Don Diablo han respaldado su música. Además, ha colaborado con artistas internacionales como Zen World y próximamente con Alan Salomon y Niza.



En 2024, su ascenso fue exponencial: aumentó su audiencia en +497%, superando los 280,000 oyentes únicos anuales en <a rel="noreferrer noopener" href="https://open.spotify.com/playlist/6nTTqe6x2oz7lzodUM9Bch?si=8b3d6318e4c44127" target="_blank">Spotify.</a> Su música ha sido destacada en playlists oficiales de <a rel="noreferrer noopener" href="https://www.beatport.com/artist/nico-falla/913167" target="_blank">Beatport</a>, como Best New Bass House, Chart Toppers 2024: Bass House y Best of 2024: Bass House.



Su madurez como productor lo ha llevado a firmar con sellos de renombre como Hexagon, Trace Amounts, Black Lizard Records, Low Ceiling y Groove Bassment. Además, es cofundador y Label Boss de <a rel="noreferrer noopener" href="https://www.instagram.com/thesungrooves/" target="_blank">The Sun Grooves</a>, sello con el que impulsa nuevos talentos en la escena electrónica.



Su trayectoria en vivo lo ha llevado a presentarse en eventos de alto perfil como Ultra Resistance y Road to Ultra. El pasado sábado 29 de marzo, se presentó en ZAPRAVKA, y próximamente, el 2 y 3 de mayo, llevará su energía al <a rel="noreferrer noopener" href="https://www.instagram.com/p/DGTIFStuLls/" target="_blank">Empire Music Festival</a> (EMF) en Ciudad de Guatemala. También ha brillado en diversos escenarios de México, donde reside actualmente.



Ha compartido escenario con gigantes de la música como Nicky Romero, Afrojack, Marshmello, Oliver Heldens, Gordo, Sunnery James & Ryan Marciano, Slander, Vini Vici y hasta The Weeknd.



Durante sus próximas presentaciones, el público podrá disfrutar en vivo de su más reciente lanzamiento, <a rel="noreferrer noopener" href="https://www.beatport.com/release/you-can-try/4987382" target="_blank">«You Can Try»,</a> en colaboración con Zen World, bajo el sello Groove Bassment. Además, tiene dos estrenos en camino: un tema junto a Alan Salomon el 4 de abril y otro con No Trial el 18 de abril. 



Con un estilo auténtico, una comunidad de seguidores en constante crecimiento y el respaldo de la industria, Nico Falla se perfila como una de las grandes promesas de la música electrónica. De la mano de su manager, <a rel="noreferrer noopener" href="https://www.instagram.com/obiwantomi/" target="_blank">Thomas Quesada</a>, su talento, perseverancia y visión innovadora lo están llevando a los escenarios más importantes del mundo.



Conecta con <a href="https://www.instagram.com/nicofallagt/" target="_blank" rel="noreferrer noopener">Nico Falla </a>



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Nico Falla lanza «You Can Try» en el sello Groove  Bassment

Los artistas tienen un poder de influencia natural. Sus acciones y actitudes repercuten en todo el mundo, inspirando a las personas y moldeando perspectivas. Por eso, cuando nos encontramos con alguien que impulsa iniciativas positivas vinculadas a la naturaleza, siempre es un placer. Este es el caso de <a href="https://www.instagram.com/koramusique/" target="_blank" rel="noreferrer noopener" aria-label="Kora (se abre en una nueva pestaña)">Kora</a>, un artista de Montreal, Canadá, que lleva consigo la esencia de la world music combinada con la profundidad del Deep, Organic y Progressive House, creando una firma sonora que desafía las definiciones y límites de los géneros. Pianista clásico, baterista y productor experimentado, el camino de Kora ha estado marcado por una búsqueda interminable de autenticidad y conexión.



A lo largo de los años, Kora ha viajado por el mundo llevando su arte a más de 30 países, ganando numerosos seguidores en el camino gracias a eventos icónicos como Burning Man, ADE y Tomorrowland. Pero su talento no se limita a la pista de baile: también es un narrador, ya sea a través de producciones aclamadas por sellos como Anjunadeep, Sol Selectas y Akbal Music, o mediante iniciativas que conectan música y naturaleza, como el proyecto multimedia Azimuth y el colectivo Terre à Terre, que exploraremos más a fondo en nuestra charla.



Kora ve la música no solo como una expresión de la naturaleza, sino como un medio para reconectar a las personas con el mundo en el que vivimos, una filosofía que se refleja fuertemente en el sello que dirige desde 2018, Saisons. Un lanzamiento reciente que también merece atención es Porangui Antigua: Kora Remixes, un álbum de remezclas publicado por Sol Creation Records a finales de 2024 que refuerza la creatividad y el pensamiento innovador de Kora. Transporta a los oyentes a un viaje por atmósferas tribales y cósmicas, fusionando elementos orgánicos y electrónicos mientras equilibra momentos meditativos y de alta energía, sin perder su identidad para la pista de baile.



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En una era donde el individualismo parece ganar terreno, él busca fomentar la unidad a través de experiencias inmersivas, donde el ritmo y el alma se mueven al unísono. En esta entrevista, Kora comparte más sobre su trayectoria, sus proyectos actuales y el poder de la música en tiempos de cambio. Prepárate para sumergirte en la mente de un artista que transforma el sonido en sanación y el arte en acción.



Hola, Kora. Gracias por tu tiempo. Nos encantó una frase que leímos donde dijiste que quieres «usar el poder de la música con intención para crear unidad y esperanza en estos tiempos de cambio». ¿Crees que el mundo se está volviendo demasiado individualista? ¿La escena electrónica ha perdido su esencia?



Creo que la intención es crucial en cada encuentro, actuación y mensaje. Con todo en constante cambio, la realidad es mucho más compleja que el mundo binario en el que algunas fuerzas intentan dividirnos. Todos estamos interconectados, y la música es esa esencia invisible que puede unirnos y crear armonía. Personalmente, aún veo a muchos organizadores entregando su corazón y alma para crear eventos significativos, y espero que la escena pueda preservar su esencia, pero debemos buscar y apoyar esos eventos.



En tiempos donde el miedo parece crecer, debemos nutrir el amor, la esperanza y la comunidad. La pista de baile es un lugar especial donde esto puede suceder: un espacio para armonizar, conectar, soñar, sanar y sentir. Hay muchas tensiones, y las personas enfrentan desafíos, con un clima cada vez más salvaje e impredecible. Sin embargo, a través de la música y la conexión, podemos encontrar juntos el camino.



Sin duda… la música tiene ese poder. Además, sabemos que eres un artista profundamente conectado con la naturaleza y que trabajas en un proyecto/álbum llamado Azimuth, vinculado a esta conexión. ¿Podrías compartir más detalles?



¡Claro! Azimuth es un álbum y proyecto multimedia donde exploro la relación entre los humanos y la naturaleza, profundamente inspirado por los bosques donde crecí. El proyecto comenzó en 2020 y se lanza en diferentes capítulos, siguiendo las direcciones cardinales. La música refleja las estaciones y su energía simbólica, mientras que la historia visual se basa en una presentación en vivo que hice en el corazón de un área deforestada en Québec, mostrando el estado actual del bosque y el impacto de la tala en el ecosistema.



En este viaje, me di cuenta de que muchas respuestas que buscamos están en la sabiduría indígena, que ha inspirado profundamente este proyecto. La conexión y el respeto por el mundo natural ofrecen una guía crucial para nuestra relación moderna con el medioambiente. Filmado por mi amigo Julian Thomas, este capítulo se lanzará en septiembre. Espero que inspire reflexión y cree una oportunidad para reconsiderar nuestra relación con el mundo natural.



Tenemos muchas ganas de verlo… Lo que está claro es que eres un artista muy inventivo, siempre buscando cosas nuevas, como Terre à Terre, otro proyecto personal tuyo vinculado a la naturaleza. ¿Cómo funciona?



Terre à Terre es un proyecto sin fines de lucro que lancé con mis amigos Élise y Lambert. Su objetivo es crear experiencias e iniciativas que ayuden al mundo natural mientras reconectan a las personas con la tierra. Soy consciente de mi huella ambiental como artista de gira, y siento que es importante devolverle a nuestra preciosa Tierra realizando actividades que nutran a la Pachamama.



Nuestro primer evento fue un día de plantación de árboles, donde tocamos música mientras invitábamos a 50 voluntarios a plantar árboles en un parque de Montreal, en colaboración con un grupo de reforestación. En unas horas, plantamos 500 árboles nativos que se convertirán en un pequeño bosque urbano. Nuestra visión a largo plazo es llevar este concepto de plantación a festivales de música, para disfrutar del aspecto social de la música mientras actuamos directamente por el planeta. ¡Este verano también organizaremos una limpieza de playa en la costa sur de Montreal!



¡Increíble! Hablando de Montreal, has construido una relación especial con el club más famoso de la ciudad, Stereo Montréal. A finales de 2022, hiciste un set All Night Long allí, y ahora has conseguido una residencia. ¿Era esto uno de tus objetivos? ¿En qué consistirá exactamente esta residencia?



Tocar en Stereo era mi mayor sueño desde que descubrí su pista de baile en 2016. En Montreal, es más que un after-hours: es nuestro templo, un portal sónico donde experimentamos largos y hermosos viajes con uno de los mejores sistemas de sonido imaginables. Todo el espacio está diseñado para honrar la música, y he forjado grandes amistades bajo esa bola de discoteca. Siempre soñé con tocar allí, pero nunca me apresuré, confiando en que sucedería en el momento adecuado. Es una gran nave espacial para pilotar, y pasé muchas noches en la pista como oyente, absorbiendo sets de maestros como Hernan Cattaneo, Patrice Bäumel, Sasha, Pan-Pot, Tone Depth, Mighty Kat, Stephan Bodzin, Ostrich, Jessie Zotti y muchos otros.



Mi primer set All Night Long en 2022 fue mágico y se convirtió en uno de los momentos más especiales de mi vida. Estoy increíblemente agradecido con todos y todo lo que contribuyó a darme la oportunidad de DJear en esa cabina durante 11 horas y media. El tiempo realmente se distorsiona allí, y la energía colectiva nos permite co-crear algo extraordinario con todos pulsando al unísono.



Ahora, mi residencia consiste en tocar en Stereo cada temporada: a veces compartiendo la cabina con otros artistas, otras veces durante toda la noche, junto con nuestros eventos Saisons Musique, donde incorporamos elementos decorativos especiales para transformar la noche. También toco ocasionalmente en Stereobar, una sala más pequeña con un sistema de sonido igualmente hipnótico. El bar es perfecto para sets más rápidos y rítmicos orientados al house, ya que los altavoces están más cerca, creando una sensación de estudio. Arriba, el templo con sus altos techos invita a sets más largos, progresivos, dinámicos y cósmicos.



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Hablando de tus sets, lanzaste un nuevo live mix desde Burning Man 2024 en el Pink Mammoth Night on Luna The Art Crane. ¿Podrías compartir un poco sobre la historia de este show? Sabemos que Burning Man tiene un significado especial para ti…



Esta grabación captura mi set más progresivo de Burning Man 2024 en el desierto de Nevada, un lugar realmente especial para compartir todas las formas de expresión y arte. El playa nos permite presenciar la creatividad humana en su máximo potencial, creando magia genuina. He experimentado más momentos telepáticos allí que en cualquier otro lugar del mundo.



Si bien reconozco que Burning Man equilibra ideales utópicos con realidades distópicas, esta ciudad temporal encarna hermosamente el yin y yang de la existencia. Hay una tensión fascinante entre la energía intensa que genera y, sin embargo, este mismo ambiente inspira una profunda unión. Demuestra nuestra notable capacidad para unir a personas de todos los ámbitos en un gran círculo alrededor del fuego y la creación.



Esa noche de la quema de 2024 fue particularmente inspiradora: mi primer regreso desde 2019. Me honró ser invitado por la familia Pink Mammoth para tocar en la nueva Luna Art Crane. Mientras el polvo giraba a nuestro alrededor, el Art Car miraba hacia el Man mientras la luna creciente se elevaba en el mismo ángulo que la futurista luna móvil en la que bailábamos: una sincronicidad mágica. Compartir la experiencia con Sinca y los residentes de PM, Jonathan Will y Markie B, lo hizo aún más especial. Estoy increíblemente agradecido por esta experiencia y espero que todos la disfruten tanto como yo. ¡Ahora nos preparamos para un reencuentro en San Francisco en Public Works este 5 de abril de 2025!



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Además de tu carrera profesional y tu preocupación por el medioambiente, también priorizas el cuidado de tu mente y cuerpo. ¿Podrías contarnos sobre tu experiencia con la meditación Vipassana y tu conexión con el running? Creemos que es importante difundir este mensaje…



Creo que equilibrar mente y cuerpo conduce a una vida más feliz y estimula la creatividad. La meditación y la actividad física han mejorado significativamente mi bienestar en los últimos años. En cuanto al running, comencé el verano pasado cuando mis amigos Max, Sarah y Mathilde me invitaron. Lo que empezó como una tarea se convirtió en una práctica energizante: una oportunidad para explorar al aire libre mientras descubría nueva música y activaba el corazón. Mejoró drásticamente mi calidad de vida a través de un mejor sueño, nutrición y hábitos en general. Después de fines de semana ocupados de gira, cuando mi mente está nublada, 30 minutos en el parque pueden revivir mi espíritu. ¡Además, es algo que puedes hacer en cualquier lugar y momento, perfecto mientras estoy de gira!



En cuanto a Vipassana, es un curso de meditación gratuito de 10 días, ofrecido globalmente y abierto a todos. Esta hermosa práctica se realiza en silencio, conectando con la respiración y observando sensaciones físicas. Es una experiencia desafiante pero liberante. Agradezco a los amigos que me la recomendaron: este viaje me ayudó a entenderme mejor, cultivar presencia y, en última instancia, vivir una vida más alineada.



Finalmente, ¿qué te emociona más para 2025? ¡Gracias por la conversación!



¡Estoy muy emocionado con mi gira actual por Australia, Nueva Zelanda, Estados Unidos y Canadá! También ansío lanzar nueva música y presentar a artistas increíbles de nuestro sello en Montreal, Saisons Musique. De hecho, estoy terminando un remix para los productores argentinos Izhy & Bodaishin. Los conocí en Ibiza y se han convertido en familia. La canción se llama Daimoku, y estamos emocionados de lanzar este EP en Saisons esta temporada, incluyendo la versión original, una versión ambient y mi remix uptempo.



El tercer capítulo de mi álbum Azimuth, Sud, se lanzará este verano. Está inspirado en la humanidad, con la mayoría de las pistas siendo colaboraciones con amigos y músicos de diferentes partes del mundo. También tengo algunos temas originales y remixes próximos, así como la grabación de mi set en Burning Man en el Luna Artcar, que trae más energía cósmica y progresiva.



Además, me emociona dedicar más tiempo a enseñar producción musical este año, algo que he hecho antes y felizmente retomo. Anunciaremos pronto un retiro de producción, así como una participación en el curso en línea de música de Tâches. Finalmente, espero compartir más ofertas musicales, desde sesiones electrónicas hasta vibes ambient.



5 de abril – San Francisco, EE. UU. – Pink Mammoth Anniversary @ Public Works



6 de abril – Washington DC, EE. UU. – Sunday Love @ Flash, DC



26 de abril – Stereo Montréal, Canadá



8-12 de mayo – Maison Maison, Nueva Orleans



17 de mayo – Do Not Sit on the Furniture, Miami



6 de junio – Nueva York, EE. UU. – Samsara @ Bogart House



¡Muchas gracias por esta maravillosa conversación, DJ Mag Latinoamerica!



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