Spotify acaba de cumplir una de las promesas más esperadas por sus usuarios: el audio lossless ya está disponible en Spotify Premium, ofreciendo una experiencia de escucha más rica y detallada. La función comenzó a desplegarse el 10 de septiembre en mercados seleccionados, y llegará progresivamente a más de 50 países durante octubre.



El formato lossless permite reproducir música en hasta 24-bit/44.1 kHz FLAC, con un nivel de detalle que se acerca al sonido original del estudio. Esto significa que los oyentes podrán redescubrir sus discos favoritos y nuevos lanzamientos con una claridad superior, siempre que su equipo lo soporte.



“La espera terminó; estamos muy emocionados de que el sonido lossless esté llegando a nuestros suscriptores Premium”, explicó Gustav Gyllenhammar, VP de Suscripciones de Spotify. “Nos tomamos el tiempo necesario para diseñar esta función priorizando calidad, facilidad de uso y transparencia, para que los usuarios siempre sepan lo que sucede detrás de escena.”



Lossless está disponible en dispositivos móviles, desktop y tablet, además de equipos con Spotify Connect de marcas como Sony, Bose, Samsung y Sennheiser. El soporte para Sonos y Amazon se sumará el próximo mes.



Los usuarios podrán elegir la calidad de audio según el tipo de conexión: Wi-Fi, datos móviles o descargas, con opciones que van desde Low hasta Lossless. Para activarlo hay que seguir esta ruta en la app:



Perfil (arriba a la izquierda) → Settings & Privacy → Media Quality → seleccionar la opción deseada.



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Es importante remarcar que Bluetooth no transmite audio lossless debido a limitaciones de ancho de banda, por lo que la mejor experiencia será a través de auriculares o parlantes con cable o usando Spotify Connect.



Actualmente, la función ya está activa en países como Estados Unidos, Reino Unido, Alemania, Japón, Australia, Países Bajos, Portugal y Suecia, entre otros. En las próximas semanas llegará a más territorios hasta completar más de 50 mercados habilitados.



Con esta actualización, Spotify busca reforzar el valor de su suscripción Premium, sumando lossless a un catálogo de funciones que ya incluye DJ, Jam, listas personalizadas con IA y selecciones editoriales de su equipo global.



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Spotify lanza audio lossless en su versión Premium

AlphaTheta, la compañía detrás de Pioneer DJ, presentó oficialmente el CDJ-3000X, su nuevo reproductor multimedia profesional. Este lanzamiento hereda el legado del reconocido CDJ-3000 (2020) y lo lleva un paso más allá con mejoras en conectividad, fiabilidad, calidad de sonido y nuevas funciones que buscan redefinir la experiencia de los DJs en cabina.



Con un precio de lanzamiento de 2.999 dólares, el CDJ-3000X ya está disponible a nivel global y promete convertirse en un nuevo estándar dentro de la industria.



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Una de las grandes novedades es la incorporación de Wi-Fi integrado y un punto de contacto NFC en el panel frontal. Esto permite acceder de forma inmediata a bibliotecas musicales en línea con solo acercar un smartphone, sin necesidad de cables LAN.



El reproductor también ofrece compatibilidad con servicios de almacenamiento en la nube y plataformas de streaming como Beatport Streaming o TIDAL (requieren licencia). Para aprovechar al máximo estas funciones se necesita una suscripción a rekordbox Creative o Professional.



El CDJ-3000X incorpora la pantalla táctil más grande de la historia de la marca, con 10,1 pulgadas y la posibilidad de visualizar hasta 16 pistas al mismo tiempo. Además, ahora es posible editar playlists directamente en la unidad y reorganizar tracks en tiempo real, con sincronización automática en la nube gracias a Cloud Library Sync.



Entre las novedades también destaca la función de copiar y pegar en el buscador, que agiliza la búsqueda de música, y la posibilidad de gestionar en una sola lista de etiquetas pistas provenientes de distintas fuentes: USB, streaming y almacenamiento en la nube.



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El nuevo jog wheel ofrece un rango de tensión más amplio y mayor precisión, mientras que los botones de play y cue fueron rediseñados para soportar más de 500.000 pulsaciones adicionales respecto al modelo anterior. Además, el reproductor almacena en caché los tracks cargados, garantizando que la reproducción continúe incluso si se interrumpe la conexión a internet o se desconecta la unidad USB.



En cuanto al sonido, el CDJ-3000X incorpora un DAC de alto rendimiento de ESS Technology y una fuente de alimentación rediseñada, lo que se traduce en mejor relación señal-ruido, graves más potentes y una tonalidad cálida que resalta en clubes y festivales.



El reproductor es compatible con rekordbox para Mac/Windows y iOS/Android, así como con Serato DJ Pro (requiere licencia). También suma un puerto USB-C, que mejora la integración con dispositivos modernos y expande las posibilidades de uso.



De esta forma, el CDJ-3000X se integra dentro del creciente ecosistema AlphaTheta, reflejando la visión de la compañía: conectar a los DJs y amantes de la música con herramientas intuitivas y de alto nivel que potencien la creatividad en cabina.



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AlphaTheta lanza el CDJ-3000X, su nuevo reproductor profesional de última generación

En el corazón de América Central, donde la naturaleza vibra con intensidad y la cultura florece en cada rincón, se gesta una nueva propuesta que promete elevar el nivel de la vida nocturna en la región. Costa Rica —uno de los destinos turísticos más visitados de Latinoamérica— está a punto de sumar a su oferta en la escena electrónica: 



Û Kóko, un elegante club que abrirá sus puertas a finales del mes septiembre del presente año y que desde ya perfila una narrativa ambiciosa, sofisticada y profundamente conectada con la escena electrónica global.



Û Kóko no se proyecta como un espacio más: su diseño y propuesta sofisticada están pensados para posicionarse rápidamente entre los clubes más influyentes de Latinoamérica y, en menos de 12 meses, entrar al radar de los mejores del mundo. La sala —con una capacidad íntima de 350 personas— se equipará con un sistema de sonido Funktion-One hecho a medida, pensado para exaltar cada frecuencia con claridad quirúrgica y bajos con presencia absoluta. La iluminación y visuales estarán a cargo de los mismos equipos que han trabajado para Tomorrowland, Zamna y Cercle, con un diseño encabezado por Explosure y Black Box, referencia obligada en la producción audiovisual del continente.



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Ubicado en San José, Û Kóko combina tecnología, diseño y programación curatorial con una mirada de largo aliento. Su calendario, que se revelará próximamente, incluirá una cartelera rotativa con lo mejor del circuito internacional. Entre los primeros nombres confirmados: Anton Khabbaz, Chambord, Cioz, Lehar, Dor Danino, Emanuel Satie, Frankey & Sandrino, Guy Mantzur, Ivory, Kadosh, Lazare, Miramira, Musumeci, Nico Morano, Paso Doble, Re.you, Rigopolar, Superflu, además de una apuesta constante por talentos emergentes y selectores locales.



El concepto se afianza en una curaduría segmentada e inteligente: viernes pensados para ampliar el espectro del público, y sábados para vibrar en frecuencias más intensas. El objetivo es claro: educar al oído, seducir al cuerpo y alimentar el alma. Poco a poco, el club irá extendiendo su programación para convertirse en un espacio activo todos los días, sin perder su esencia: excelencia sonora, inmersión estética y comunidad.



y eso es precisamente lo que promete: un nuevo hogar para los sonidos que queman y renuevan, para la comunidad que busca más que fiesta: una experiencia profunda, vibrante, inolvidable.



La energía será creciente: a tres meses de su apertura se anunciará el primer festival, y más adelante llegará el siguiente paso: un club de playa en Guanacaste, con el espíritu de Ibiza y la calidez del trópico latino.



Sin mostrar una sola imagen, el misterio ya genera eco. Û Kóko no enseña: provoca. Y eso es apenas el comienzo.



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Û Kóko: la nueva joya electrónica de Costa Rica abre sus puertas

Con más de una década de trayectoria y un centenar de lanzamientos en sellos de referencia, Iglesias se ha convertido en uno de los nombres más respetados y consistentes dentro del tech-house global. Su estilo, marcado por una audaz sensibilidad rítmica y un pulso percusivo inconfundible, lo ha llevado a sonar en clubes y festivales de todo el mundo, cosechando millones de streams y un público fiel.



Productor de estudio incansable y referente de un formato híbrido que mezcla el live con el DJ set, Iglesias ha sabido mantener su esencia mientras evoluciona hacia nuevas dimensiones creativas. Con lanzamientos recientes en Mindshake, Solid Grooves y Sound D’Elite, y un concepto de show innovador para 2026, el artista se prepara para un año que promete consolidar aún más su influencia en la escena.



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1. Con más de una década en la escena y más de 100 lanzamientos, ¿cómo sentís que tu sonido ha evolucionado desde tus primeros tracks hasta esta nueva etapa con lanzamientos en sellos como Mindshake, Solid Grooves y Sound D’Elite? Hey, en primer lugar es un placer charlar con ustedes, ¡gracias por la invitación!



100 discos, wow, ¡es una locura! Mirar hacia atrás en mi catálogo es interesante, pero los cambios más grandes están en cómo suenan. Con los años he aprendido nuevas técnicas, construido un nuevo estudio y adquirido mejores herramientas para escribir música. Así que sí, en lo sonoro han cambiado mucho, pero en cuanto a mi estilo, creo que se mantuvo consistente desde el primer lanzamiento hasta el último. 



Siempre estuve obsesionado con los drums y los grooves, y creo que el mayor cambio es que aprendí a incorporar mejor mi amor por los grooves punk en la música electrónica. Eso vino de escribir probablemente más de 500 tracks y practicar constantemente en el estudio.



Curiosamente, lancé un track en Solid Grooves muy temprano en mi carrera y todavía estaría orgulloso de lanzarlo hoy: encaja con lo que produzco ahora. Tengo otro lanzamiento en Solid Grooves en unos meses, así que estoy muy emocionado de volver al sello. No diría que mi música cambió dramáticamente en la última década; más bien, mejoré en sacar las ideas de mi cabeza y llevarlas a la computadora.



Lo que sí evolucionó más es cómo me presento en mis shows híbridos en vivo. Siempre fui productor primero y DJ después, y creo que es porque sinceramente encontraba aburrido mezclar un track con otro. Me gusta desafiarme y meterme en lo desconocido en la mayoría de las áreas de mi vida, así que sin duda mis performances como DJ han evolucionado con la tecnología.



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2. ¿Podés contarnos más sobre tu nuevo concepto de show para 2026? ¿Cómo surgió esta idea y qué buscás crear para el público con una propuesta tan poco convencional? Uuuh, no estoy seguro de cuánto puedo revelar todavía, pero definitivamente puedo decir que va a ser una experiencia única tanto para los artistas como para el público. No soy fan de los escenarios enormes y de esas distancias gigantes entre mí y la gente, así que la idea principal es acercar mucho más a artistas y público.



Quise hacer algo así durante unos tres años, pero no sabía bien cómo funcionaría jaja. Va a desafiar a los artistas, y eso es lo que me entusiasma. Podría enseñarle a alguien a mezclar dos canciones en nada de tiempo, pero leer a la pista y entender cómo moverse en un b2b es algo que lleva años de práctica. Así que ahí va una pequeña pista… daré más info este verano junto con el anuncio del primer show.



3. Sos conocido por tu mezcla única de precisión técnica y espontaneidad en tus sets. ¿Cuál es tu enfoque al preparar una presentación en vivo, especialmente ahora que incorporás más elementos live al formato? Mis sets híbridos en vivo son una mezcla de digital (Traktor/Ableton) y analógico (la drum machine TR-8S). Como ya hay una fusión de ambos mundos, cualquier cosa puede pasar durante el show, y eso es lo que me emociona. De hecho, me encanta que las cosas puedan salir mal en cualquier momento y nunca estar completamente “seguro” jaja. Suena ridículo, pero era exactamente lo que buscaba después de tantos años de DJ tradicional.



Todavía preparo mis sets como cualquier otro DJ, buscando buena música. Pero también busco grooves que pueda combinar con otros grooves, percusiones en vivo, acapellas y más. Así que es similar a un set normal, pero tengo otra capa para preparar. Me gusta crear edits y música en vivo, así que necesito tener mis sonidos cargados en la drum machine, acapellas warpeadas y listas, y los FX de Ableton configurados para ruteo externo.



Sigo amando la esencia del DJing, eso siempre va a estar, pero disfruto mucho crear edits y momentos que nunca más se van a repetir, ni por mí ni por nadie. Así que sí, hay un límite a cuánto puedo preparar, porque quiero sorprenderme tanto como al público.



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4. Ya viniste varias veces a Latinoamérica, una región llena de energía y diversidad. ¿Cómo han sido esas experiencias? ¿Hubo algo que te sorprendiera del público latino? Siento una conexión muy fuerte con Latinoamérica, y creo que mi música pega muy bien con la gente de acá. Les encanta bailar, ¡y de eso se trata mi música! No me interesan los breakdowns vacíos larguísimos ni cambiar de flow a cada rato. Me gustan los grooves de alta energía que mantienen a la gente en movimiento toda la noche, y siento que el público latino lo entiende perfecto.



Cada vez que vuelvo me sorprende lo acogedores que son, realmente quieren conectar con vos más allá de la música. La última vez que estuve en Chile invité a 15 personas que no se conocían entre sí a esquiar un día completo. Me encanta lo abiertos que son y lo fácil que se relacionan entre ellos. Yo soy igual, así que conectamos al instante.



Y además, las fiestas acá son una locura: el nivel de producción, la energía, lo impredecible. ¡Los shows en LATAM están en otro nivel! Nunca sabés qué esperar, y como ya habrán notado, ¡amo lo inesperado!



5. Más allá de los shows en vivo, tenés varios lanzamientos programados para 2025. ¿Podés adelantarnos un poco qué se viene en cuanto a sonido, colaboraciones o dirección creativa?



¡Claro! Acabo de sacar un EP de dos tracks en Mindshake con mi amigo Joshwa, y Paco Osuna hizo un remix del lado A. Ese lanzamiento fue muy especial: aunque ya edité varias veces en Mindshake, es la primera colaboración en el sello (aparte de una con Paco mismo), y la primera vez que Paco me remezcla.



También lancé un track enorme en Solid Grooves, y tengo material próximo en Sound D’Elite, Hellbent, Moan y algunos más 😜. Estoy muy entusiasmado porque produzco muchísima música, así que lo que sale editado es lo que ya fue probado y refinado, lo que realmente siento que conecta con la gente.



También vienen colaboraciones fuertes — más cosas con Paco y otros artistas. Atentos a mis redes para las novedades.



6. Para cerrar, ¿cómo imaginás el futuro del tech-house? ¿Creés que el género está en una fase madura o todavía tiene terreno nuevo por explorar? Creo que siempre hay espacio para crecer y dividirse en pequeños subgéneros. Cambia rapidísimo, a veces cuesta seguirle el ritmo, especialmente con la influencia que tienen ahora las redes sociales. Un solo video viral puede cambiar el rumbo de un sonido de la noche a la mañana. Lo único que sé es que amo el rolling tech-house y eso es lo que voy a seguir produciendo. Siempre van a aparecer subgéneros nuevos, pero al final del día hago música para la pista y para que la gente siga bailando.



No diría que no me gusta usar redes sociales, las uso como cualquiera, pero ya no me dejo llevar por lo que está en tendencia. Prefiero mantenerme en mi camino, seguir avanzando y tomar mis propias decisiones sobre hacia dónde va mi sonido.



Siempre digo que las modas van y vienen, pero un buen groove siempre pega sin importar la época. Trato de quedarme en el estudio, empujarme a mí mismo y no pensar demasiado. A veces las mejores ideas aparecen cuando no intento hacer algo “de moda”, sino algo que simplemente se sienta bien en el momento. Así que sí, mientras la gente siga bailando, siempre habrá nuevo terreno por explorar. Y no, no creo que el tech-house esté en una fase madura todavía: la música nunca deja de evolucionar.



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Con un 2025 cargado de lanzamientos, colaboraciones de peso y un show híbrido que promete desafiar los formatos tradicionales, Iglesias se prepara para un nuevo capítulo en su carrera. Ya consolidado entre los 50 artistas de tech-house más vendidos de la historia en Beatport y con pasos firmes por los clubes más importantes del planeta, su visión es clara: seguir innovando, pero siempre fiel al groove que lo define.



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Iglesias en exclusiva: groove, evolución y futuro del tech-house

El DJ y productor brasileño TOMA acaba de lanzar su propio sello discográfico, Nothing To Prove, presentando el EP debut <a href="https://www.beatport.com/pt/release/keep-legit/5199109" target="_blank" rel="noreferrer noopener">«Keep Legit»</a>, que marca el inicio de un proyecto centrado en la libertad creativa y la autenticidad artística. El disco incluye dos temas de Indie Dance disponibles también en versiones instrumentales (sin las voces).



Nothing To Prove surge como respuesta a las limitaciones impuestas por los grandes sellos. «Quería un espacio donde poder lanzar mi música — que a menudo no encaja en los grandes sellos — sin el peso de tener que demostrarles algo, solo mi visión creativa», explica TOMA sobre la motivación detrás del proyecto.



El artista complementa diciendo que el nombre Nothing To Prove nació de un sentimiento de madurez artística y personal. “Representa el momento en que dejas de buscar validación externa y empiezas a crear con un propósito verdadero, por amor a la música, al arte, a lo que crees», detalla. Para él, es un recordatorio de que no necesita seguir fórmulas, el hype del momento o las expectativas de los demás.



El EP debut refleja precisamente eso. Explorando esencialmente las líneas del Indie Dance — estilo que naturalmente ya tiene ese carácter más disruptivo — TOMA se dirige a todos aquellos que viven la música sin pedir permiso, a quienes ponen la libertad por encima del status y la expresión por encima de la aprobación. Y parece que eso ha surtido efecto. Incluso antes del lanzamiento oficial, «Keep Legit» ya consiguió el apoyo de gigantes como Solomun, Innellea, Colyn, Kevin De Vries, Massano, Yubik, Magdalena, Hidden Empire, Luke Garcia y Christian Nielsen.



Su visión y ambición con el sello son grandes. En el futuro, TOMA quiere seguir los pasos de sellos como Diynamic, que construyó un catálogo respetado a través de lanzamientos llenos de actitud y autenticidad; la idea, sin embargo, no es copiar, sino tener el mismo coraje de lanzar sonidos que no encajan en los estándares.



A largo plazo, pretende llegar aún más lejos. «En 10 años, veo a Nothing To Prove como más que una discográfica: un sello de cultura. Un núcleo que une arte, música y comunidad, creando experiencias fuera de lo común, ya sea en un almacén en São Paulo o en un after secreto en Berlín”, dice emocionado.



La filosofía del sello se resume en el eslogan «No status. No shortcuts. No mercy» (Sin estatus. Sin atajos. Sin piedad), reflejando una curaduría que prioriza la expresión auténtica por encima de algoritmos y tendencias.



Escucha el EP debut a continuación y sigue a TOMA en <a href="https://www.instagram.com/souotoma/" target="_blank" rel="noreferrer noopener">Instagram</a>.



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TOMA lanza su propio sello discográfico Nothing To Prove con el EP debut «Keep Legit»

El próximo 27 de diciembre, Punta del Este será escenario de un hito musical: Colyn e Innellea compartirán cabina en Open Park, presentando un B2B pocas veces visto en esta parte del mundo. No se trata de un set más: cada vez que estos artistas coinciden, el resultado es un espectáculo que fusiona lo mejor de la vanguardia europea con la intensidad del público latinoamericano.



Su última unión en Sudamérica fue en ULTRA Buenos Aires, donde sorprendieron con un show épico que todavía resuena en la memoria de los asistentes. Desde entonces, cada uno ha continuado consolidando su camino: Colyn protagonizó un sold out en Mandarine Tent en Buenos Aires, mientras que Innellea ya agotó localidades para su próxima presentación en la ciudad. Globalmente, este back to back solo se ha visto en escenarios de culto como UNVRS y Burning Man, lo que convierte a la fecha en Punta del Este en un verdadero privilegio.



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Con una trayectoria que comenzó hace casi una década, Colyn se ha convertido en uno de los grandes contadores de historias del techno melódico. Su incorporación a Afterlife, tras ser descubierto por Tale Of Us, lo llevó a firmar himnos como Amor y Resolve. Su música, cargada de nostalgia y emoción, ha sonado en festivales como Tomorrowland y Awakenings, y ha recibido el apoyo de referentes como Mind Against, Adriatique o Stephan Bodzin. Cada set suyo es un viaje que transforma la pista en un espacio de trance colectivo.



Innellea, por su parte, es un artista que expande los límites del club hacia experiencias inmersivas. Desde 2019, su sonido enérgico y cinematográfico lo posicionó en sellos como Innervisions, Afterlife y Diynamic. Sus giras conceptuales (Distorted Youth, Five Phases, The Belonging) combinan música y visuales en una narrativa única. Este año, además, lanzó su propio sello BELONGING, reafirmando su visión de la pista de baile como un espacio sagrado de comunidad y pertenencia.



Reconocido por recibir a los nombres más importantes de la música electrónica mundial, Open Park será el marco ideal para esta noche irrepetible. Con sonido de última generación y producción internacional, el venue uruguayo se prepara para recibir a dos titanes del género en una fecha que promete quedar grabada en la memoria de la región.



Este Colyn b2b Innellea será mucho más que un set: será la oportunidad de presenciar la unión de dos universos creativos que, juntos, redefinen la experiencia del techno melódico.



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Colyn e Innellea: un encuentro histórico en Punta del Este

Massano eligió Buenos Aires para presentar por primera vez SIMULATE, el universo creativo que lo llevó a fundar su propio sello, editar su álbum debut Natural —que alcanzó el #1 del chart general de Beatport— y posicionarse como una de las figuras más influyentes del techno melódico actual.



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La noche contará con un lineup de lujo: Fideles, referentes de Afterlife e Innervisions, sumarán su sonido emocional y profundo, mientras que el esperado B2B entre PACS y Soel promete la dosis de energía explosiva para elevar la pista a su punto máximo.



Con pasos firmes en escenarios como Coachella, Tomorrowland, Ultra Music Festival, Creamfields, Time Warp y la icónica Sphere de Las Vegas, Massano se consolidó como un artista capaz de redefinir la pista de baile. Su historial de colaboraciones incluye a Anyma, CamelPhat, Stephan Bodzin y Jem Cooke, además de remixes oficiales para Depeche Mode, Röyksopp, Vintage Culture y, más recientemente, The Chemical Brothers.



Antes de su debut de SIMULATE en Buenos Aires, Massano sorprendió con una relectura arrolladora de Do It Again, el himno de The Chemical Brothers. En su versión, el productor británico transforma el clásico del big beat en una bomba techno de alto voltaje, con bajos dinámicos, sintetizadores ácidos y un pulso que conserva los vocales originales pero los lleva directo al club.



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El resultado es un track que respeta la esencia de los pioneros británicos, al mismo tiempo que los eleva al terreno oscuro y futurista que caracteriza a Massano. Una declaración de intenciones sobre hacia dónde quiere empujar la electrónica en esta nueva etapa de su carrera.



La relación de Massano con el público argentino ya está marcada por sold outs en Buenos Aires, Córdoba y Mar del Plata. La presentación de SIMULATE en Punta Carrasco refuerza ese lazo: una cita que no solo inaugura un concepto global, sino que también celebra la conexión única entre el artista y una de las escenas más apasionadas del planeta.



El 15 de noviembre, la capital argentina será testigo de una experiencia donde lo físico y lo digital se funden en un viaje inmersivo. 



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Massano trae Simulate a Buenos Aires y reimagina a The Chemical Brothers

Después de un 2025 que lo consolidó como uno de los artistas más buscados del planeta, Mau P sigue acelerando sin frenos. Su nuevo single, “Tesla”, no es solo otro lanzamiento: es la confirmación de que cada track suyo tiene la capacidad de convertirse en un arma de festival.



Con un bajo áspero que avanza como motor eléctrico y un estribillo infeccioso que reza “encendí un Tesla, sin necesidad de enchufarlo”, el productor neerlandés vuelve a entregar un tema diseñado para las multitudes, pensado tanto para las madrugadas de club como para los mainstages más gigantes del verano europeo.



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El timing no podía ser más perfecto: Mau viene de firmar presentaciones históricas en Coachella, EDC Las Vegas, Tomorrowland y Lollapalooza, además de sumar hits que ya son clásicos instantáneos como “Like I Like It” —que alcanzó el #1 en Beatport— y su relectura de “The Less I Know The Better” que coronó la lista Billboard Dance. “Tesla” se inscribe en esa misma racha imparable, reafirmando que Mau es hoy uno de los grandes arquitectos del sonido house global.



La salida del track también acompaña un calendario que no da respiro: shows en escenarios icónicos como Red Rocks, LA Historic Park y una residencia de diez semanas en Pacha Ibiza con su concepto “Baddest Behaviour”, un espectáculo multidisciplinario que está redefiniendo cómo se vive la música electrónica en vivo.



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En apenas tres años, Mau P pasó de ser una promesa underground a convertirse en una figura central de la electrónica contemporánea. “Tesla” es la nueva chispa que mantiene ese motor encendido.



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Mau P presenta “Tesla”: velocidad máxima para las pistas

En la escena electrónica argentina, Córdoba siempre se caracterizó por aportar un sonido duro, crudo y auténtico al mapa global del techno. Entre esos nombres que emergen con fuerza aparece West Code, productor y DJ que viene forjando una carrera marcada por la experimentación, la raíz tribal y una impronta que mezcla el legado del hardgroove con influencias sudamericanas.



Su más reciente hito lo llevó directo a los oídos del mundo: resultó ganador del concurso de remixes de “Redemption”organizado por FJAAK, una de las duplas más influyentes de la escena europea. La noticia lo colocó en el mismo lanzamiento que artistas históricos como Robert Hood y Shed, consolidando así un sueño que parecía lejano pero que hoy se convierte en realidad. Y lo mejor: el paquete verá la luz en tan solo una semana, marcando un punto de inflexión en su trayectoria.



1. ¿Cómo fue enterarse de que tu remix de “Redemption” resultó ganador entre tantos productores de todo el mundo? La verdad fue una sorpresa enorme, no lo podía creer. Los chicos de FJAAK son una de mis grandes inspiraciones desde hace años, y poder trabajar junto a ellos es un honor. Fue una mezcla de emoción, lágrimas y mucho agradecimiento.



2. Tu remix tiene un groove tribal con sutiles influencias sudamericanas. ¿Fue algo intencional o surgió naturalmente durante el proceso creativo? Casi todas mis producciones más percusivas tienen ese toque tribal. Soy muy fan del techno de los 90 y 2000, y reinterpretarlo con mis raíces sudamericanas hace que aparezca ese swing tan característico. Uso cajones peruanos, toms, congas bajas y shakers caseros para mantener esa esencia.



3. ¿Qué significa para vos compartir un lanzamiento con figuras como Robert Hood y Shed? Compartir este lanzamiento con FJAAK, Robert Hood y Shed es un sueño que jamás pensé que iba a concretar. Fue totalmente inesperado: son leyendas vivas del techno y marcaron la historia de nuestra música. Para un artista emergente como yo es algo gratificante; no me alcanzan las palabras para expresar lo que siento cada vez que recuerdo este lanzamiento.



4. ¿Qué fue lo que más te atrajo de “Redemption” a la hora de trabajar en tu interpretación para el concurso de FJAAK? Siempre me gustaron las producciones de FJAAK en general: sus claps bien marcados, los acid synths y los rumbles. En “Redemption” todo eso está muy presente, y creo que encajaba muy bien con mi estilo. Además, el sample pack del concurso tenía todo lo necesario para crear algo sólido con esos sonidos.



5. Córdoba siempre tuvo una escena electrónica muy fuerte. ¿Cómo influyó en tu carrera crecer y formarte dentro de ese ecosistema local? Córdoba tiene un gran nivel y un nicho de techno muy fuerte. A lo largo del tiempo, artistas internacionales lo han reconocido (Richie Hawtin, por ejemplo), y eso me llevó a adentrarme aún más en el underground. Creo que la escena de mi ciudad tiene mucho para ofrecer en cuanto a un sonido más crudo y duro. Es solo cuestión de tiempo para que el ecosistema local crezca en inversión, propuestas y flexibilidad hacia nuestro género musical.



6. Has tocado en Europa, en ciudades como Berlín, Madrid e incluso en HÖR. ¿Cómo percibís la recepción de tu sonido argentino frente a públicos internacionales? La recepción fue muy positiva. Al público europeo le atrae mucho nuestro sonido, y eso vale para los artistas latinos en general. Les interesa nuestra manera de percibir y diseñar el techno. Tuve muy buen feedback en todos los lugares donde toqué, lo que habla bien no solo de mi música sino también de mis colegas y compatriotas. Argentina en general tiene un gran nivel de productores.



7. Después de este hito con FJAAK, ¿qué se viene para West Code en los próximos meses? En pocas semanas arranco un tour por Europa de casi dos meses, desde el 20 de septiembre hasta mediados de noviembre. Voy a estar tocando en países que quiero mucho y que siempre me apoyaron en mi carrera, como Alemania, España, Francia y algunos más por confirmar. En cuanto a la producción, estoy preparando varios EPs, colaboraciones con colegas a los que admiro muchísimo y trabajando en mis dos sellos discográficos, Wangan Club y Nightkidz. La idea es seguir lanzando música de nuevos talentos emergentes y de referentes del género, siempre buscando empujar la nueva era del techno desde el Cono Sur.



Este logro no solo representa un salto en la carrera de West Code, sino también un reflejo del potencial que tiene la escena argentina para dialogar de igual a igual con los grandes nombres de la electrónica mundial. En su remix de “Redemption”, la impronta tribal y sudamericana convive con la crudeza techno en una propuesta fresca que conquistó a FJAAK y los llevó a elegirlo como ganador.



El lanzamiento se completa con aportes de verdaderas leyendas: Robert Hood, pionero del techno de Detroit, reimaginó “Breathe Under Water” con su inconfundible estilo raw y espiritual —su remix ya está disponible desde el 21 de agosto—, mientras que Shed aportó su visión hipnótica y energética sobre “Micro Expressions”. Junto a ellos, West Code se posiciona como la voz emergente que lleva el techno argentino hacia las grandes ligas internacionales.



El paquete completo, FJAAK – REMIX02, verá la luz el 4 de septiembre, fecha en la que estará disponible el remix ganador de West Code junto a las demás reinterpretaciones.



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De cerca con West Code: del under cordobés a compartir release con leyendas del techno

Burning Man 2025 comenzó con un golpe inesperado de la naturaleza. Durante la tarde del sábado, vientos furiosos y una tormenta de polvo azotaron el desierto de Black Rock, dejando tras de sí imágenes impactantes: carpas destruidas, instalaciones artísticas volteadas y miles de asistentes refugiados en vehículos y contenedores. 



La visibilidad nula obligó al cierre temporal de las puertas de acceso y del aeropuerto 88NV, lo que derivó en largas demoras y cancelaciones de vuelos privados y chárteres. Cuando finalmente se reabrieron los accesos el domingo, se produjeron colapsos en la ruta County 34, con filas de automóviles que se extendieron por horas.



A pesar de la reapertura, la amenaza climática no cesa: el Servicio Meteorológico Nacional emitió alertas por nuevas tormentas monzónicas, lluvias intensas, granizo y posibles inundaciones repentinas hasta mediados de semana. Los organizadores recomendaron reforzar estructuras, proteger conexiones eléctricas y mantenerse informados a través de los canales oficiales del festival, como BMIR (94.5 FM).



Sin embargo, más allá del caos inicial, lo que se destacó fue la respuesta de la comunidad. Campamentos enteros se reorganizaron con ayuda mutua, voluntarios colaboraron en el rescate de instalaciones artísticas dañadas y el espíritu de cooperación volvió a ser protagonista. El propio equipo del festival subrayó que estos momentos reflejan los principios fundacionales de Burning Man: resiliencia, esfuerzo colectivo y creatividad frente a la adversidad.



En medio de un presente climático desafiante, Burning Man 2025 confirma que su verdadera esencia no está solo en las monumentales esculturas o los sets que atraviesan la noche, sino en la capacidad de su gente de transformar el desierto más hostil en una ciudad efímera de arte, libertad y comunidad.



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Burning Man 2025: caos climático y resiliencia en el desierto de Nevada

El 2025 de Temple Gate sigue sumando hitos. El sábado 6 de septiembre, Kevin Capasso y Federico Novoa tomarán el control absoluto de la cabina de The Bow con un set extendido de 7 horas, en formato open to close. Una experiencia maratónica que promete ser uno de los momentos más destacados del calendario electrónico porteño.



Temple Gate atraviesa un año inolvidable. Tras debutar en el line up de ULTRA Buenos Aires 2025, uno de los festivales de música electrónica más importantes del mundo, el dúo también se prepara para presentarse en el Metropolitano de Rosario, donde compartirán escenario con los italianos Agents of Time.



Los sets y producciones de Temple Gate se distinguen por su dinamismo y fluidez, con un groove hipnótico y melódico como sello personal. Su música ha recibido el apoyo de referentes internacionales como Hernán Cattaneo, Guy J, Guy Mantzur y Nick Warren, consolidando su proyección global.



El dúo ya ha recorrido escenarios de prestigio como Ultra Music Festival, Resistance, Mandarine Park y Metropolitano Rosario, compartiendo cabina con artistas de la talla de Mind Against, Miss Monique, Adam Beyer, MRAK, Damian Lazarus, Mathame, Sebastien Leger, Franky Wah, entre otros.



La fecha se llevará a cabo en el mítico The Bow (Av. Rafael Obligado, Costanera) desde las 23:59 hasta las 07:00 hs, con el soporte de Estamos Felices en la producción.



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Temple Gate anuncia un set de 7 horas en The Bow

En 2019, Marc Romboy, John Digweed y Nick Muir sorprendieron con Space Walk, un lanzamiento que rápidamente se convirtió en un clásico contemporáneo dentro de la música electrónica. Ahora, seis años después, el trío regresa con una nueva colaboración que reafirma su química en el estudio: Sigani Meomchun.



Este nuevo track, que ya viene siendo parte de los sets de Digweed alrededor del mundo, cuenta con un giro inesperado: la participación de un rapero underground coreano que aporta un toque poético y onírico. La pieza se erige como un viaje hipnótico que, en palabras de sus creadores, encapsula esa sensación única en la pista de baile cuando el tiempo parece detenerse.



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1. Tu nuevo lanzamiento con John Digweed y Nick Muir, Sigani Meomchun, tiene un significado poético y onírico. ¿Cómo surgió la idea de colaborar con un rapero underground coreano y qué te atrajo de este proyecto? Cuando terminamos el track, John, Nick y yo sentimos inmediatamente que habíamos creado algo especial. John incluso empezó a tocarlo a fines del otoño pasado, incluso durante sus shows en Argentina, y las reacciones fueron increíbles. Por ese mismo tiempo, me sumergí en la cultura musical coreana y me crucé con un reconocido rapero. Le compartí el instrumental y lo que me devolvió fue simplemente impresionante. 



Sus letras hablan de la sensación de que el tiempo se detiene, algo muy personal para mí, porque como DJ a veces experimento exactamente eso. Cuando la energía es la adecuada, cuando la música y el público están en perfecta sintonía, es como si el tiempo y el espacio dejaran de existir. Estás tan perdido en el momento que todo lo demás desaparece. Esa es la esencia que él capturó con sus palabras y cuando Nick y John escucharon la voz, les encantó tanto como a mí. Desde ahí, fue claro para todos que debía ser parte de la versión final.



2. En 2019 lanzaron Space Walk juntos, y ahora volvieron a reunirse en el estudio. ¿Qué cambió en la dinámica creativa entre ustedes desde entonces? Trabajar con John y Nick se siente completamente natural, como si nunca hubiéramos hecho otra cosa. Hay una profunda confianza, apertura y familiaridad entre nosotros. Nunca discutimos, al contrario, encontramos puntos en común casi sin esfuerzo.



También me siento muy conectado con el gusto musical de John, especialmente su amor por las melodías profundas y psicodélicas, los arpegios y ese espíritu de los 70. Fue la época en que proyectos como Neu!, Kraftwerk, Pink Floyd, Klaus Schulze y muchas bandas de rock psicodélico empezaron a experimentar con secuencias hipnóticas. Esta estética resuena en los tres, y juntos amamos reimaginar esa vibra en el presente.



Creo que es esta pasión compartida lo que nos une y le da a nuestras colaboraciones su identidad única.



3. Tu música siempre ha tenido una identidad muy distintiva, más allá de modas o etiquetas. ¿Cómo describirías tu sonido hoy y qué lo hace único para vos? Cuando escuchás mis tracks, siempre hay cierta vibra, algo que no se puede explicar pero sí sentir. Honestamente me cuesta describirlo en palabras. Lo que sí sé es que cada vez que hago música pongo todo mi amor, pasión y alma en ella.



Para mí, un track tiene que conmoverte profundamente. Tiene que tener sonidos que destaquen, que se sientan futuristas y atemporales al mismo tiempo. Esa es la esencia que siempre persigo.



Pero al final, depende del oyente; así que mejor sumergite y juzgá por vos mismo (risas).



4. La música electrónica evoluciona más rápido que nunca, con nuevas tecnologías y tendencias que constantemente transforman la escena. ¿Cómo ves el estado de la industria hoy y dónde sentís que encaja tu música en ella? No creo que mi música tenga que “encajar” en nada. El mundo se mueve más rápido que nunca, con noticias, viajes y economía en constante aceleración. Para mí, la música es lo contrario: es un escape, un lugar donde el tiempo se desacelera.



Eso es lo que amo de Sigani Meomchun: durante siete minutos, podés salirte de la realidad. Cerrá los ojos, subí el volumen y dejate llevar en un viaje donde el tiempo y el espacio parecen disolverse. Claro, existe un edit de tres minutos para streaming, pero en los clubes la música necesita espacio para respirar. Las versiones largas te permiten soltar, relajarte y perderte en la pista.



5. Mirando hacia atrás, desde ese chico que entraba a una disquería en Mönchengladbach hasta hoy, ¿cuál sentís que fue el momento decisivo en tu camino? El momento crucial para mí fue el día en que me desinscribí de la facultad de medicina. Te podés imaginar la ansiedad, sin saber si estaba tomando la decisión correcta. Hoy, mirando atrás, puedo decir con absoluta certeza que fue la mejor elección de mi vida. Estoy agradecido cada día de poder crear y tocar música alrededor del mundo.



6. Después de este lanzamiento, ¿qué podemos esperar de vos en los próximos meses? Se viene mucha música nueva de mi parte. Y toda hecha directamente desde el corazón. Estoy trabajando en colaboraciones emocionantes, incluso con algunas artistas femeninas maravillosas. Y a fines de noviembre habrá algo muy especial: mi querido amigo Robert Babicz y yo hicimos un remix del himno electro de Carl Cox, “Ice”.



7. ¿Qué consejo o recomendación le darías a la nueva generación de artistas que recién empiezan su camino en la música electrónica? ¡Seguí tu corazón y no creas en los hypes!



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Con Sigani Meomchun, Marc Romboy reafirma su compromiso con la autenticidad y la exploración sonora, manteniendo la esencia que lo distingue desde hace décadas. A través de su conexión con John Digweed y Nick Muir, y la incorporación de nuevas voces culturales, el productor alemán demuestra que la música electrónica sigue siendo un espacio de experimentación, unión y atemporalidad.



Este lanzamiento no solo marca un nuevo capítulo en su carrera, sino que también consolida una sociedad creativa que trasciende modas y geografías, invitando a los oyentes a un viaje en el que, al menos por unos minutos, el tiempo verdaderamente se detiene.



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