Las producciones de Maceo Plex bajo sus diferentes alias siempre han tenido mucho que ver con la ciencia ficción por lo que no sorprende que el artista que hace años reside en Barcelona se haya encargado de remixar “Bladerunner”, una de las canciones más emblemáticas del género del cine.
 
Se trata de la tercera edición de la serie The ReMix Collection, que tuvo en sus anteriores ediciones a Solomun remixando “<a href="http://djmagla.com/solomun-protagoniza-regreso-rennaisance/" target="_blank" rel="noopener">The Age of Love</a>” y a Tale of Us a cargo de la remezcla de “<a href="http://djmagla.com/tale-of-us-remixo-clasico-cafe-del-mar-renaissance/" target="_blank" rel="noopener">Café del Mar</a>”, dos canciones icónicas de la música electrónica.
 
El track fue debutado por Pete Tong en su programa de Radio y es un remix escalofriante que mantiene las estructuras del track original intactas, sumando tensión como Maceo bien sabe hacerlo. La canción original, producida por la leyenda griega Vangelis, es reconocida como una de las canciones de películas más importante de los ochenta, y una de las producciones electrónicas más emblemáticas del cine en general.
 
Un adelanto se puede escuchar aquí debajo:
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Maceo Plex remixó “Blade Runner” para Rennaisance

por Ágatha Prado



Reconocido como una de las figuras líderes del Afro House y pionero del Ancestral Soul, <a href="https://www.instagram.com/boddhisatva/?hl=en" target="_blank" rel="noreferrer noopener" aria-label="Boddhi Satva (se abre en una nueva pestaña)">Boddhi Satva</a> ha construido una carrera que trasciende no solo fronteras musicales, sino también culturales. Su capacidad para fusionar ritmos tradicionales africanos con la sofisticación de la música electrónica moderna lo ha convertido en una figura central e inspiradora del género. A lo largo de su trayectoria, Satva ha creado una plataforma para que la herencia africana resuene más allá de su continente, conectando tradiciones antiguas con audiencias de todo el mundo.



Con más de una década de experiencia y tres álbumes en su trayectoria —incluido el aclamado Manifestation, que reunió una amplia red de artistas—, ahora inicia un nuevo capítulo con su cuarto álbum de estudio: In Spite of Everything, lanzado a través de su propio sello Offering Records. Esta narrativa musical abarca 21 pistas que combinan introspección, resiliencia e innovación, explorando temas relacionados con los desafíos personales del artista mientras celebra la diversidad cultural mediante la inclusión de diversos idiomas y dialectos.



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En esta entrevista, Boddhi Satva comparte los desafíos e inspiraciones detrás de su nuevo álbum, su inmersión cultural, el impacto del Ancestral Soul y más detalles sobre su último lanzamiento y futuros planes.



Tu trayectoria musical está marcada por innovaciones que ayudaron a definir el Afro House y consolidarte como una referencia global en la escena. ¿Cuáles momentos o proyectos consideras fundamentales en la construcción de tu identidad artística y tu posición como referente en el Afro House?



Mi camino cambió significativamente después de lanzar dos EP junto a Alton Miller en ATAL Music. Alton, uno de mis primeros mentores, me brindó un apoyo clave que ayudó a ganar reconocimiento. Sin embargo, fue la energía y la vibra únicas de mis producciones lo que comenzó a distinguirme.



Durante este período, también estuve involucrado en Urban Grooves, un programa de radio presentado por Daniel Vega en Radio Vibration de Bruselas. Este papel me permitió conectar con varios artistas, incluido Osunlade, quien acababa de lanzar Aquarian Moon en BBE. A través de su agente Peter Boonen, organicé una entrevista con él en Stéréo Sushi en Amberes, un lugar clave para la escena underground belga.



Esa noche sigue grabada en mi memoria. Después de la entrevista, Osunlade y yo conectamos profundamente en un nivel espiritual. Dedicó su actuación a mí, y por primera vez lloré mientras bailaba. Fue como una poderosa limpieza emocional. Inspirado por esa experiencia, produje The Offering EP, que Osunlade firmó con Yoruba Records. Ese proyecto marcó oficialmente el nacimiento del sonido Ancestral Soul, solidificando mi identidad artística y contribuyendo al Afro House como género.



Otro capítulo crucial ocurrió cuando fui presentado a Louie Vega. Lo entrevisté años antes para Urban Grooves, pero esta vez la conexión sucedió en 2008 a través de Lou Gorbea y Mr. V mediante AOL Messenger. En ese momento, estaba visitando a mis padres en Bamako, Malí, y sentando las bases para lo que sería mi primer álbum.



Durante ese período, grabé canciones como Ngnari Konon con Oumou Sangaré, Punch Koko con Yacoub y Nankoumandjan con el fallecido Mangala Camara, muchas de las cuales se convirtieron en clásicos de mi álbum debut Invocation.



Después de años refinando su identidad sonora, Invocation fue lanzado por Vega Records en 2012. Ese álbum marcó un cambio sonoro innegable en la industria y solidificó mi posición como pionero y referente global del Afro House.



El Ancestral Soul es más que un género musical; lleva la misión de difundir la cultura ancestral africana en un contexto global. ¿Cómo ves el impacto de este movimiento en la valorización de las tradiciones africanas y su conexión con audiencias de diferentes partes del mundo?



El Ancestral Soul ha tenido un impacto profundo no solo en el Afro House, sino también en géneros como el Afro Beats y el Amapiano, con productores prominentes de estas escenas siendo de los primeros en creer en su innovación y adaptabilidad. Lo que distingue al Ancestral Soul es su capacidad para evolucionar y cruzar fronteras manteniéndose arraigado en su autenticidad: es música que lleva espíritu, cultura y narración.



Para las audiencias africanas, es una reafirmación de orgullo y herencia. Para las audiencias globales, es una puerta de entrada a la profundidad de las tradiciones africanas y la espiritualidad. He visto a personas de todos los ámbitos conectarse profundamente con la música, ya sea a través del baile o la emoción, porque trasciende el idioma y la cultura.



A través de colaboraciones con artistas como Oumou Sangaré, Kaysha, Badi, Nelson Freitas, Fredy Massamba, Geoffrey Oryema, Daara J Family y más, siempre he buscado amplificar voces que lleven la riqueza cultural de África. El movimiento sigue demostrando que la música africana no es solo una tendencia, sino una fuerza atemporal que da forma a géneros, inspira a productores, bailarines, DJs y conecta a las personas en todo el mundo.



 Con 21 temas, tu último álbum In Spite of Everything es una obra ambiciosa que no solo requiere creatividad, sino también una cuidadosa curaduría para mantener la cohesión entre diferentes estados de ánimo y narrativas. ¿Cuáles fueron los mayores desafíos al estructurar un proyecto tan extenso, y cómo lograste conectar las atmósferas de cada pista para crear una experiencia fluida e inmersiva para el oyente?



Cualquiera que me conozca sabe que soy un disruptor: nunca he sido de seguir una fórmula única. Como productor, tengo la capacidad de crear en múltiples géneros. Como DJ, soy reconocido como uno de los grandes padres del Afro House. Y como amante de la Música con M mayúscula, llevo un profundo amor por el arte en todas sus formas.



El mayor desafío con In Spite of Everything fue reunir todos estos aspectos de quién soy en un cuerpo de trabajo cohesivo, logrando que fuera honesto, cualitativo y nunca aburrido. Con 21 pistas, es ambicioso por diseño, pero también es un reflejo natural de cómo abordo los álbumes. Siempre me he sentido atraído por la profundidad, la diversidad y el desafío de empujar los límites.



Esta vez, hay una clara energía electrónica que atraviesa el álbum, pero está equilibrada con melodías complejas y empujes llenos de alma que le otorgan peso emocional. Se trataba de encontrar ese hilo conductor: curar las atmósferas, las transiciones y las dinámicas sonoras para que el oyente pudiera moverse fluidamente de una pista a otra, mientras se sumergía en la narrativa general.



Para mí, la cohesión no significa repetición. Se trata de contar una historia que refleje mi versatilidad mientras permanezco fiel a mi identidad, sin disculpas. In Spite of Everything logra exactamente eso.



La inclusión de diferentes idiomas y dialectos en el álbum aporta una riqueza cultural significativa a la narrativa de In Spite of Everything. ¿Hubo alguna inmersión cultural específica o experiencias significativas que inspiraron esta elección? ¿Cómo influyeron estos encuentros en la forma en que tradujiste estas culturas a tu lenguaje musical?



Mi amor por los idiomas siempre ha sido una piedra angular de mi trabajo. Lenguas como el bambara de Mali y el lingala de la República Democrática del Congo son mucho más que medios de comunicación: son recipientes de emoción, historia y espiritualidad. Poseen una energía mística que resuena profundamente, algo que se encuentra en muchas lenguas africanas.



Como enfatizó Cheikh Anta Diop en sus estudios sobre las civilizaciones africanas, los idiomas son vehículos de sabiduría ancestral y tradiciones orales, intrínsecamente tejidos en la identidad africana. Cargan un peso espiritual que trasciende las palabras, encarnando tanto poesía como ritmo en su núcleo. Esta musicalidad natural los hace ideales para expresar el alma y el espíritu de un pueblo. Para mí, incorporar el bambara y el lingala en mi música es tanto una elección deliberada como instintiva: una forma de honrar estas culturas, amplificar su belleza y dejar que su poder atemporal resuene en un escenario global.



Gran parte de esto proviene de mis experiencias grabando en Bamako y trabajando con artistas congoleños. Estos momentos me permitieron sumergirme en el espíritu de estos idiomas y sus comunidades. La energía, los ritmos y las tonalidades que absorbí se tradujeron naturalmente en mis producciones, otorgando a mi música una profundidad emocional cruda que conecta con los oyentes a un nivel espiritual.



La música es universal, pero los idiomas africanos aportan una riqueza añadida que es imposible ignorar. Al incluirlos en In Spite of Everything, quise continuar celebrando su belleza, preservar su esencia y compartir su poder con el mundo.



El concepto de tu nuevo álbum In Spite of Everything parece estar profundamente conectado con la resiliencia y la introspección. ¿Cómo influyeron estos temas no solo en la narrativa del álbum, sino también en tu enfoque hacia la composición, producción y selección de elementos sonoros?



In Spite of Everything es un reflejo de los desafíos que he enfrentado en los últimos años, tanto a nivel personal como profesional y espiritual. La resiliencia no es solo un tema para mí; es una experiencia vivida. Este álbum trata de navegar esas dificultades, mantenerse firme y encontrar fortaleza en los momentos de adversidad. Esa introspección dio forma a cada parte del proceso, desde la narrativa hasta las elecciones sonoras.



En términos de composición y producción, busqué equilibrar la vulnerabilidad con la fuerza. Algunas pistas son minimalistas, crudas y meditativas, reflejando momentos de profunda reflexión. Otras llevan una urgencia y complejidad en capas, evocando la resiliencia y el impulso para seguir adelante.



Sonoramente, me incliné hacia texturas que mezclan lo espiritual con lo moderno: ritmos ricos, melodías intrincadas y atmósferas que evocan tanto tensión como liberación. Idiomas como el bambara, lingala y yoruba fueron herramientas esenciales para traducir el peso emocional de la música. Cada uno de estos idiomas tiene una energía mística y una resonancia espiritual profunda que amplifica los temas de fortaleza, perseverancia y orgullo cultural.



En última instancia, el álbum es un espejo de la vida misma: momentos de silencio y contemplación, momentos de lucha y momentos de triunfo. Cada ritmo, melodía y transición fue cuidadosamente elegido para sumergir al oyente en un viaje que se siente honesto, fluido y profundamente personal.



Has mencionado antes que la música sirve como refugio en tiempos difíciles. Sin embargo, en este álbum, también parece funcionar como un espacio de transformación. ¿Dirías que el proceso creativo fue terapéutico para ti? ¿Cómo refleja el álbum tu crecimiento tanto como artista como persona?



Absolutamente. La música siempre ha sido mi refugio, pero con In Spite of Everything se convirtió en algo más: fue un salvavidas. Este álbum nació de algunos de los momentos más difíciles de mi vida. He enfrentado pérdidas, traiciones, problemas financieros y desafíos que me hicieron cuestionar mi lugar y mi propósito. Hubo momentos en los que me sentí como un león enjaulado, lleno de potencial pero incapaz de avanzar.



El proceso creativo fue profundamente terapéutico, a veces doloroso y a veces sanador. Me obligó a confrontar esos sentimientos de desesperación y transformarlos en algo bello, algo significativo. Con cada ritmo y cada melodía, dejaba ir la ira, la decepción y el miedo, mientras me reconectaba con la resiliencia que me ha sostenido en tantos momentos.



Como artista, este álbum refleja mi negativa a ser encasillado. Muestra mi versatilidad, mi amor por la música en todas sus formas y mi disposición a evolucionar mientras sigo siendo fiel a mis raíces. La inclusión de idiomas como el bambara, lingala y yoruba no es casualidad; poseen el tipo de poder espiritual que necesitaba canalizar durante este proceso.



Como persona, In Spite of Everything representa supervivencia. Es un testimonio de mi capacidad para seguir adelante sin importar lo difíciles que se pongan las cosas. Se trata de reclamar mi historia y mi poder, no ignorando las luchas, sino abrazándolas.



Así que sí, este álbum es una transformación: del dolor al propósito, del silencio al sonido, de los desafíos a algo que puede resonar con otros. Espero que la gente pueda escuchar eso en la música y encontrar su propia fortaleza y sanación a través de ella, tal como yo lo hice.



Con el lanzamiento de In Spite of Everything, ¿cuáles son tus próximos pasos? ¿Ya tienes planes para proyectos futuros, como nuevas colaboraciones o remixes de las pistas del nuevo álbum?



En este momento, estoy enfocado en dejar que In Spite of Everything viva y respire, permitiendo que las personas se conecten con él a su propio ritmo. Dicho esto, siempre estoy creando. Ya sea remixes, nuevas colaboraciones o incluso algo inesperado, hay ideas en marcha, pero prefiero dejar que las cosas se desarrollen de forma natural.



Mis tres primeros álbumes—Invocation, Transition y Manifestation—fueron hitos en sí mismos, aunque siguen siendo subestimados. Espero que este cuarto álbum abra nuevas oportunidades y arroje más luz sobre mi extenso catálogo.



Incluso podría darme un nuevo desafío: lanzar un álbum cada año a partir de 2025. Pero esperemos y veamos—¡sin promesas todavía! (risas).

Boddhi Satva presenta «In Spite of Everything»: Entrevista

El prestigioso sello Warung Recordings, vinculado al club brasileño Warung Beach Club, celebró recientemente 12 años de trayectoria en 2024. Para culminar el año por todo lo alto, sumó a una figura debutante en su catálogo: el DJ y productor francés <a href="https://www.instagram.com/ilovenewman/" target="_blank" rel="noreferrer noopener" aria-label="Newman (I Love) (se abre en una nueva pestaña)">Newman (I Love)</a>. En las dos pistas del EP «What You Do To Me», logró traducir perfectamente la esencia del House melódico, orgánico y progresivo que define al club.



Newman ha sido cada vez más reconocido por su capacidad para transformar sus emociones personales en texturas introspectivas y melódicas dentro de sus composiciones, lo que le ha abierto las puertas de sellos como All Day I Dream, Anjunabeats y Lost Miracle. Sin embargo, esta es la primera vez que aparece en un sello de América Latina, llevando su sonido a nuevos públicos.



El EP comienza con «What You Do To Me», una pista que combina una base rítmica clásica con toques de teclado en una estética nostálgica y old school, evocando el House Progresivo de los años 90. Por otro lado, «The White Island» transporta al oyente hacia una narrativa más orgánica, con pads melódicos cuidadosamente diseñados que pintan paisajes sonoros oníricos sin perder su energía bailable.



El EP se cierra con un remix especial de Albuquerque, residente del club y A&R de Warung Recordings, en colaboración con Anonimat. La versión de los brasileños acerca la pista a un enfoque de Deep House más clásico, muy alineado con la identidad musical del club. Para quienes han vivido la experiencia del Warung, es fácil imaginar este remix resonando en el amanecer del Garden.



Si aún no has tenido la oportunidad de vivir una noche en el legendario Warung Beach Club, este y todos los lanzamientos del catálogo de Warung Recordings son una excelente ventana a las sensaciones y emociones que se experimentan en el templo, ya que la curaduría se realiza con gran cuidado para representar la esencia del club.



Escucha ahora ‘What You Do To Me’:



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Progresivo y melódico: escucha “What You Do To Me”, el nuevo EP de Newman (I Love) en Warung Recordings

El sitio que albergó al legendario Pyramid Club en Nueva York se transformará en un nuevo espacio llamado Night Club 101, de la mano del equipo responsable de Baby’s All Right en Brooklyn. En colaboración con Knitting Factory Entertainment, el proyecto busca revivir la histórica locación en el East Village, combinando su legado con una propuesta renovada de música en vivo y noches de DJ.



El Pyramid Club fue un símbolo clave en la vida nocturna neoyorquina, escenario de momentos históricos, especialmente para la comunidad drag. Artistas como RuPaul y Madonna dieron allí sus primeros pasos, mientras que bandas como Nirvana y Red Hot Chili Peppers ofrecieron sus primeros shows en la ciudad. También fue un punto de encuentro para figuras icónicas como Sonic Youth, Beastie Boys, Andy Warhol y Jean-Michel Basquiat.



Sobre este legado cultural, Billy Jones, uno de los líderes del proyecto, comentó: “Este espacio tiene mucha historia y estamos emocionados de rendir homenaje a su increíble legado. Al mismo tiempo, queremos avanzar y crear un lugar que se sienta vivo, sorprendente y abierto a la experimentación que hace que Nueva York sea lo que es, y la razón por la que me mudé aquí hace 23 años”.



Por su parte, Tom Moore, también al mando del proyecto, añadió: “En el sótano hay un manantial de agua fría, que con el tiempo se convirtió en una tubería que desemboca en el East River. Habiendo crecido pescando truchas en Estados Unidos, esto me parece una buena señal. Solo tengo un tatuaje y es de una trucha”.



Night Club 101 abrirá oficialmente en 2025, aunque tendrá un evento de adelanto el próximo 19 de diciembre en colaboración con Pitchfork, donde participarán artistas como RP Boo, Dazegxd b2b Intimacy Simulator, Anysia Kym, DJ Ess, entre otros.



Este anuncio llega en un momento clave para la industria nocturna neoyorquina, luego de que la ciudad aprobara reformas para flexibilizar leyes de zonificación y licencias de baile. Además, la oficina de vida nocturna, dirigida por Jeffrey Garcia, continúa con los esfuerzos del alcalde Eric Adams para apoyar y revitalizar el sector.

El icónico Pyramid Club de Nueva York renace como Night Club 101

El DJ y productor Argentino Vitti Alonso se une en esta nueva aventura musical al talentoso (Fernando Gonçalves Lema), conocido en la escena electrónica como FGL; nos llevan en un viaje sonoro hacia lo desconocido con «Wish Me», un EP de profunda energía y misterio que ha capturado la atención de los amantes del Melodic Techno y el Techno. Este lanzamiento no solo conecta con las emociones, sino que también invita a una experiencia transformadora a través de la música.



Con esta propuesta no solo logran conectar con las emociones, sino que invitan a un viaje profundo en el que la música se convierte en una herramienta poderosa de transformación.



<figure class="wp-block-image size-large"><img src="https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2024/12/FGL-1-1024x683.jpg" alt="" class="wp-image-1169127" srcset="https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2024/12/FGL-1-1024x683.jpg 1024w, https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2024/12/FGL-1-300x200.jpg 300w, https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2024/12/FGL-1-768x512.jpg 768w, https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2024/12/FGL-1-212x140.jpg 212w, https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2024/12/FGL-1-950x633.jpg 950w, https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2024/12/FGL-1.jpg 1200w" sizes="(max-width: 1024px) 100vw, 1024px" /></figure>



A solo días de su estreno, «Wish Me» se ha posicionado en lo más alto del <a rel="noreferrer noopener" href="https://www.instagram.com/reel/DDccvYbv2te/?igsh=MnJqdm83OHdkaWpy" target="_blank">Top mundial de Beatport,</a> consolidándose como uno de los mejores sets del año. Con el apoyo de grandes artistas de la escena como Magdalena, Kasia, The Element, Spartaque, y muchos más, este EP promete marcar un hito en la música electrónica actual.



El EP está compuesto por dos tracks: «Burn the Dancefloor» y el homónimo «Wish Me», ambos con una profundidad y complejidad únicas y bajo la firma del sello discográfico  <a rel="noreferrer noopener" href="https://www.instagram.com/surrealismo.rec/" target="_blank">Surrealismo Records.</a> La colaboración entre Vitti Alonso y FGL crea una atmósfera que trasciende la simple producción de club, explorando diferentes facetas de la música electrónica mientras mantiene una intensidad emocional palpable.



«Burn the Dancefloor» es una invitación directa a la pista de baile, con una introducción sólida de percusión orgánica y un bajo potente que define su estructura. Por otro lado, «Wish Me» ofrece un viaje más introspectivo, sumergiendo al oyente en una atmósfera misteriosa y cautivadora. Sin duda, este EP se perfila como uno de los lanzamientos más destacados del año en la escena electrónica argentina e internacional.  



Ambos artistas, Vitti Alonso y FGL, han demostrado su habilidad sobresaliente para narrar historias a través de sus producciones. Este EP no solo invita a sentir, sino también a imaginar, manteniendo al oyente intrigado con su estructura dinámica y constante anticipación.



Vitti Alonso, joven DJ y productor argentino, ha conquistado la escena con su estilo visceral y energético, abarcando géneros como Progressive House, Melodic Techno y Techno. Con producciones lanzadas bajo sellos de renombre como Outer Space Oasis, Lelantus, YHV Records, Innerselves, entre otros; varios de sus temas alcanzando los top 100 de Beatport, Vitti ha consolidado su lugar en la industria musical. Por su parte, FGL , con su estilo energético y su rica paleta sonora, se ha convertido en un referente del Techno y el Melodic Techno, colaborando con artistas tanto nacionales como internacionales.  



Con este EP, Vitti Alonso y FGL no solo afianzan su talento individual, sino que también demuestran la química única que tienen al trabajar juntos, ofreciendo una propuesta que dejará huella en la música electrónica de Argentina y el mundo.



Conoce más sobre  <a rel="noreferrer noopener" href="https://www.instagram.com/vitti_alonso/" target="_blank">Vitti Alonso</a>  y <a rel="noreferrer noopener" href="https://www.instagram.com/fgl_ofc?igsh=eXhhdmZ6amJhbnc%3D" target="_blank">FGL</a> 



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Vitti Alonso y FGL presentan su nuevo álbum «Wish Me»

A principios de este año, los brasileños Eduardo Nascimento y Leandro Souza oficializaron <a rel="noreferrer noopener" aria-label="OBSESH (se abre en una nueva pestaña)" href="https://www.instagram.com/obseshmusic/" target="_blank">OBSESH</a>, un proyecto que combina más de una década de amistad y colaboraciones con un objetivo claro: dejar su huella en la escena global del techno. Desde enero, cuando lanzaron su primera pista, han estado construyendo un camino sólido y creativo que ahora alcanza un nuevo hito con el lanzamiento de «TTXTC» a través de Simulate Recordings, el sello de Massano.



El tema, producido en colaboración con la reconocida artista ucraniana 8Kays, destaca el ADN sonoro de OBSESH: un techno meticuloso con un enfoque en paisajes sonoros intrincados y atmósferas inmersivas. La colaboración surgió de manera espontánea, como explican ellos mismos: “En ese momento teníamos unas ocho ideas listas. Pero antes de enviarlas a sellos, decidimos mandarlas directamente al correo de 8Kays. Unos días después, ella respondió preguntando qué nos parecía trabajar juntos en algunas de las pistas”.



El proceso de creación fue intenso y colaborativo, y tomó tiempo hasta quedar al 100%. “Ella cambió la estructura de una manera que funcionara mejor en la pista, utilizando su experiencia y lectura. Fueron muchas versiones y regrabaciones del sample vocal. Todo comenzó exactamente en noviembre del año pasado”, explican. Pero todo este intercambio culminó en un track que equilibra perfectamente el estilo melódico de OBSESH con el toque enérgico y funcional de 8Kays.



El trabajo llamó la atención de Massano, quien incluyó «TTXTC» en el Archive 1.0, el nuevo VA de Simulate Recordings, que ya ha recibido el soporte del headlabel e incluso fue tocado por 8Kays en Ibiza. “Ver a grandes nombres que nos inspiran tocando la canción en clubs y festivales alrededor del mundo mostró que el sonido que estamos haciendo tiene sentido en general, pero aún estamos lejos de alcanzar el punto máximo de lo que trabajamos y aspiramos para el proyecto”.



Escucha el resultado final a continuación y el VA completo, que también incluye pistas de Massano, Woo York, Glowal y Bigfett, <a href="https://open.spotify.com/intl-es/album/5iCUst5t5PaMW4A31Md0Ju?si=JaNdh3l0TGqht-MZ3oLZ9g" target="_blank" rel="noreferrer noopener" aria-label="aquí (se abre en una nueva pestaña)">aquí</a>.



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OBSESH comparte detalles de su track «TTXTC», en colaboración con 8Kays

Desde las sombras de la escena underground en Suecia hasta los escenarios más emblemáticos del techno mundial, <a href="https://www.instagram.com/donwoezik_/" target="_blank" rel="noreferrer noopener" aria-label="Don Woezik (se abre en una nueva pestaña)">Don Woezik</a> ha convertido su pasión por la narrativa y la percusión en una experiencia inmersiva. Inspirado por lugares como una antigua planta de energía abandonada, Don crea paisajes sonoros llenos de texturas metálicas, ritmos hipnóticos y sintetizadores melancólicos. «La energía cruda y la atmósfera oscura son esenciales para mi sonido«, explica, destacando su enfoque en mantener sus raíces mientras adapta su música a nuevas técnicas sin comprometer su esencia.



La conexión con el público es clave en sus presentaciones. «Mis sets cuentan historias que impactan tanto física como emocionalmente«, dice Don, quien también valora las relaciones con otros artistas y promotores. A lo largo de sus 15 años organizando eventos y colaborando, ha construido una red de confianza y comunidad que alimenta su proceso creativo. <a href="https://soundcloud.com/sntsrecords/don-woezik-dispair-ep-scx027-preview" target="_blank" rel="noreferrer noopener" aria-label="Un claro ejemplo es su reciente EP en el sello Sacred Court de SNTS (se abre en una nueva pestaña)">Un claro ejemplo es su reciente EP en el sello Sacred Court de SNTS</a>, inspirado por una actuación que lo motivó a producir una obra íntegra para vinilo, reflejando cómo la energía compartida puede transformarse en arte.



Además de la música, Don encuentra inspiración en el diseño y la moda industrial, una pasión que planea canalizar en su propia marca de ropa en 2025. «El diseño y la música comparten el mismo rigor: calidad, autenticidad y atención al detalle«, señala. Ya sea creando un drop explosivo en la pista o diseñando una prenda atemporal, Don Woezik persigue la perfección con la misma intensidad que lo caracteriza como artista.



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La entrevista completa, a continuación:



Tu música tiene una conexión clara con la percusión y la narrativa. Si pudieras componer una pista inspirada en un lugar o experiencia fuera de la música, ¿cuál sería y cómo lo reflejarías en tu sonido? Mi viaje comenzó como organizador de raves underground en Suecia. En un país donde es muy ilegal organizar fiestas de techno, buscar lugares escondidos y alejados de la vista pública es esencial. Crearía una pista inspirada en una estación de energía abandonada que descubrí mientras buscaba un lugar así. Para representar lo que era esa estación antes de ser abandonada, usaría un kick distorsionado y texturas metálicas que se asemejen a generadores antiguos, combinadas con percusión industrial que imite los chirridos y golpes del acero oxidado. Una línea de bajo galopante añadiría un ritmo hipnótico. En las primeras horas de la mañana, el sol entraba por una de las ventanas rotas del edificio hasta llegar al suelo, momento en el que un sintetizador emocional aparecería en la pista, dándole un toque más vivo y melancólico.



 La escena del techno ha evolucionado significativamente en los últimos años. ¿Cómo defines el equilibrio entre mantenerte fiel a tus raíces y adaptarte a las tendencias actuales del género? Para mí, mantenerme fiel a mis raíces significa conservar la energía cruda y la atmósfera oscura en el corazón de mi sonido. Durante los 13 años que llevo produciendo y tocando música, he visto muchos cambios ir y venir, mientras también experimentaba bastante con mis propias producciones y sonidos. Adaptarse no significa necesariamente seguir las tendencias, sino tomar influencias que realmente resuenen conmigo. Me gusta experimentar con nuevas técnicas de producción o DJ y aportar ideas frescas, pero de una manera que potencie el ambiente oscuro e industrial de mi sonido en lugar de diluirlo. Evidentemente, no todo gira en torno al industrial puro. Un aspecto clave de ser DJ, por ejemplo, es leer al público y ajustar el ambiente, guiando la energía del club de una manera que no sobrecargue a las personas si el momento aún no está listo.



Como alguien que ha sido parte de eventos importantes, ¿cómo impactan estos shows en tu proceso creativo? ¿Hay alguna anécdota particular que te haya inspirado a crear algo nuevo? Me inspiro no solo en la energía del público durante mis sets, sino también en las actuaciones de otros artistas. Por ejemplo, mi reciente lanzamiento en vinilo con el sello Sacred Court de SNTS fue creado después de ver a SNTS actuar antes de mi set. Su actuación fue poderosa, como siempre, y eso despertó algo en mí. Terminé produciendo el EP poco después. Una vez que el EP estuvo listo, contacté a SNTS, quien ha sido una gran inspiración para mí durante mucho tiempo. Eligió lanzar todas las pistas en su sello en vinilo, lo cual sentí como la manera perfecta de cerrar toda la experiencia. Momentos como ese me recuerdan cuán profundamente están conectadas la inspiración y la comunidad en esta escena.



 ¿Cómo trabajas para conectarte no solo con tu audiencia, sino también con otros artistas y promotores dentro de la escena? La conexión con la audiencia comienza en la pista de baile; me aseguro de que mis sets cuenten una historia que impacte tanto emocional como físicamente. En cuanto a artistas y promotores, me enfoco en construir relaciones genuinas basadas en la colaboración y la pasión compartida. Ya sea organizando eventos en mi ciudad (lo cual he hecho durante 15 años), realizando shows de Don Woezik invite, compartiendo momentos con otros artistas, charlando con fans o intercambiando consejos de producción en línea, siempre trato de contribuir a la escena. Me esfuerzo por responder casi a todos los que me escriben, ya que realmente disfruto conectar con mis seguidores y estoy muy agradecido por su apoyo. Para mí, construir confianza es clave. Intento ser la mejor versión de mí mismo, esforzándome por crear conexiones reales y asegurándome de que el entorno a mi alrededor sea positivo.



 ¿Cuál crees que es tu sello personal como artista y qué esperas que la gente experimente cuando escucha tu música? Mi sello personal tiene que ver con la energía, tanto la mía como la del público. Siempre estoy en movimiento, bailando con los asistentes y alimentándome de su energía para mantener el ambiente enérgico. Uno de mis sellos personales, diría, es acortar progresivamente un loop antes del drop, creando un efecto de tartamudeo que aumenta la tensión y eleva la energía. Cuando toco, especialmente en lugares como Sudamérica, donde la energía es de las más altas que he experimentado, quiero que las personas sientan una sensación de unidad e intensidad, como si estuviéramos todos en este viaje salvaje juntos. Se trata de crear un momento donde todos estén sincronizados en el mismo pulso. 



¿Qué otras pasiones o intereses tienes que podrían influir en tu carrera como productor y DJ? Me apasiona profundamente el diseño y la moda, lo cual influye en cómo abordo mi branding visual como DJ y productor. La estética de la moda industrial—estructurada, cruda y funcional—se alinea perfectamente con los temas de mi música. Estoy comenzando mi propia marca de ropa por esta razón, que se lanzará en 2025. Se centrará en piezas artesanales de alta calidad que combinen estilo y durabilidad, de manera similar a cómo abordo mi música. Soy muy meticuloso y perfeccionista, por lo que estoy enfocado en crear algo atemporal y auténtico. A nivel personal, soy bastante curioso, lo cual impulsa mi necesidad de entender cómo funcionan las cosas en un nivel más profundo. Por ejemplo, una vez desmonté completamente mis CDJs y mi mixer solo para ver cómo funcionaban por dentro. Esta atención al detalle y curiosidad alimentan tanto mi música como mi trabajo de diseño.

Don Woezik: entre la energía del techno y la narrativa visual

Detrás de cada dúo de DJs hay una historia que da vida a su sonido, y la de Fresh Powder es tan dinámica como su música.



Compuesto por Stellar, un experimentado DJ y productor de Las Vegas conocido por sus raíces en el Progressive House, y Silent Reign, un talento de Tech House que aporta un toque hawaiano a la escena de Utah, Fresh Powder ha crecido rápidamente como una colaboración impulsada por una pasión y un propósito compartidos. Desde su encuentro fortuito en las nevadas pistas de Park City hasta sus electrizantes presentaciones en vivo, el dúo combina destreza técnica con un profundo deseo de conectar con su audiencia.





Nos sentamos con Fresh Powder para adentrarnos en los detalles de su trayectoria hasta ahora, desde su proceso creativo hasta su misión de generar conciencia sobre la salud mental. Esto fue lo que compartieron:



Hola Fresh Powder, ¿cómo están ambos? Stellar: ¡Estamos muy bien! Muy emocionados con este proyecto, especialmente después de nuestra gira debut en septiembre.



¿Cómo surgió Fresh Powder como dúo y qué los inspiró a colaborar en este proyecto? Stellar: Todo comenzó en las pistas de Park City. Estaba en la cabaña pidiendo un shot con unos amigos, y él se acercó con un gorro que decía TECHNO. Le dije: “¡Oye, tú también te vas a tomar uno, jaja!”. Silent Reign: ¡Sí, fue muy gracioso! Me uní a ellos, y luego comenzamos a charlar sobre música. Y, claro, después vinieron más shots. Stellar: Jaja, ¡sí, fue un día memorable! Quiero decir, ¿cuántas veces encuentras a alguien que no solo comparte tu gusto y visión musical, sino que además puede seguirte el ritmo en la montaña? Silent Reign: ¿Verdad? Nos dimos cuenta rápidamente de que teníamos una gran sinergia. Ese momento fue el punto de partida de lo que hoy es Fresh Powder: una colaboración basada en la amistad y el respeto mutuo por el talento del otro. Se trata de crear música que realmente conecte.



¿Qué pueden esperar los fans de un show en vivo de Fresh Powder? Silent Reign: Para nosotros, no se trata solo de mezclar música; se trata de crear una experiencia. Cuando vienes a un show de Fresh Powder, entras en algo más grande. Stellar: ¡100%! Queremos que los fans sientan la energía desde el principio. Hablamos de visuales inmersivos, música poderosa y una conexión que haga que todos se sientan parte de algo especial. Silent Reign: Y esa conexión es importante. Queremos compartir nuestra historia: cómo la música puede unir a las personas y fomentar una comunidad. Se trata de ser auténticos, especialmente cuando hablamos de salud mental y de cómo enfrentamos la vida en la carretera. Stellar: ¡Exacto! Cada gira es una oportunidad para resaltar ese equilibrio: divertirse, pero también abordar temas importantes. Creemos que la música puede ser un salvavidas, así que queremos crear un ambiente donde todos se sientan incluidos y empoderados. Silent Reign: Básicamente, es una mezcla de pasión, energía y compromiso con generar un impacto positivo. Stellar: Y no podemos esperar para compartir ese viaje con todos los que se unan. Va a ser una experiencia que valdrá la pena.



¿Cómo se preparan para sus sets en vivo y cuál es su rutina previa al show? Silent Reign: Nuestra preparación se basa en el trabajo continuo: siempre estamos en modo creación, buscando tracks, haciendo edits y refinando nuestro sonido. Stellar: Exacto. Una de las cosas más geniales que hemos descubierto al tocar juntos es lo orgánica que es nuestra sinergia. No le damos demasiadas vueltas; solo creamos una intro sólida para cada show. Después de eso, se trata de leer la sala y sentir la vibra. Silent Reign: ¡Exacto! Nos alimentamos de la espontaneidad. Todo se trata de conectar con la audiencia en el momento y lanzarnos con todo.



¿Cuál es su parte favorita de actuar en vivo y cómo mantienen la energía alta durante el set? Stellar: Para nosotros, la magia ocurre cuando nos retroalimentamos entre nosotros y con el público, llevándolos en un viaje. Silent Reign: ¡Así es! Cualquiera puede poner bangers, pero nosotros amamos crear una narrativa con nuestros sets: guiar a la audiencia a través de altos y bajos, construyendo un arco emocional real. Stellar: Todo se trata de esa conexión. Cuando nos sincronizamos con ese ritmo juntos y el público responde, la energía se dispara. Esa sinergia es lo que mantiene a todos moviéndose y vibrando.



¿Recuerdan su primer show en vivo como Fresh Powder? ¿Cómo les fue y qué aprendieron de esa experiencia? Silent Reign: Nuestro primer show real fue en SUBSTANCE, en Las Vegas. Realmente no sabíamos qué esperar, más allá de que el club era nuevo y espectacular. Stellar: Estaba a reventar, ¡la energía del club era surrealista! Lleno de pared a pared, y honestamente, fue épico. ¡Un saludo a SUBSTANCE Vegas! Silent Reign: Esa noche nos marcó profundamente a ambos. Cuando bajamos del escenario, no había duda: este proyecto estaba destinado a ser. Nos confirmó que estábamos en el camino correcto juntos.



Cuando crean un set de DJ, ¿cómo deciden la selección de tracks para adaptarse al lugar y al público? Stellar: Nuestro enfoque es bastante simple: leemos la sala. Silent Reign: Sí, venimos de backgrounds diversos en Minimal, Tech House, House y Techno. Todo eso se mezcla en lo que ofrecemos en el escenario. Stellar: Al final, queremos que todos se la pasen increíble y sigan moviéndose. Se trata de crear una atmósfera donde todos sientan la energía y las vibras.



¿Cuál ha sido la parte más desafiante de trabajar como dúo y cómo han superado esos retos? Silent Reign: Bueno, la broma interna es que me cuesta seguirle el ritmo con los shots… ¡es broma! Bueno, casi. Stellar: Pero, hablando en serio, vivir en diferentes estados puede ser un desafío, pero lo hacemos funcionar. Silent Reign: Totalmente. Con herramientas como Splice y Zoom, podemos mantenernos conectados en nuestro proceso de producción mientras fortalecemos la comunicación.



¿Alguna vez han enfrentado problemas técnicos durante un set en vivo? ¿Cómo manejan esas situaciones? Stellar: ¡Totalmente! Hemos tenido apagones a mitad de un set… hablamos de entrar en modo pánico, jajaja. Silent Reign: Cuando eso pasa, solo queda improvisar. Se me conoce por gritar algo como: “¡¿QUÉ PASÓ?!” Stellar: Reírnos realmente ayuda a desarmar la situación, así que intentamos mantener la vibra ligera, incluso cuando la tecnología falla.



¿Cómo incorporan los comentarios del público en sus presentaciones? ¿Influye en la selección de tracks en tiempo real? Silent Reign: Sin duda. Si sentimos que la multitud no está vibrando, es crucial cambiar. Stellar: ¡Exacto! A veces, se trata de ajustar el BPM o la tonalidad para que todos vuelvan al ritmo. Ser receptivos es clave. Silent Reign: Todo se trata de estar atentos y adaptarse como artistas. Esa conexión es lo que hace que la experiencia en vivo sea auténtica y dinámica.



Finalmente, ¿dónde ven a Fresh Powder el próximo año? ¿Tienen grandes metas o hitos que quieran alcanzar? Stellar: ¡Lo queremos todo! Ambos somos apasionados por viajar y tocar en shows. Silent Reign: Nuestra gran meta es irrumpir en la escena de festivales de manera importante. La idea de compartir nuestra música y visión con audiencias más grandes es en lo que estamos enfocados. Stellar: Prepárense, mundo: ¡la experiencia Fresh Powder viene como una avalancha! Tenemos mucho que ofrecer y apenas estamos comenzando.



Fresh Powder es más que dos DJs detrás de las bandejas; es un movimiento, una asociación y una visión compartida de lo que la música dance puede representar. Con un compromiso por crear experiencias en vivo inmersivas y usar su plataforma para fomentar comunidad, Stellar y Silent Reign están trazando su propio camino en el mundo de la música electrónica.



Mirando hacia adelante, especialmente con sus próximos planes para el Miami Music Week 2025, y una audiencia global en crecimiento, el futuro de Fresh Powder parece tan brillante como su sólido vínculo. Si su viaje hasta ahora es un indicativo, esto es solo el comienzo de una historia que promete mucho.



<a href="https://www.instagram.com/freshpowdermusic/" target="_blank" rel="noreferrer noopener" aria-label="¡No dejes de seguirlos en Instagram (se abre en una nueva pestaña)">¡No dejes de seguirlos en Instagram</a>!

Hablamos con el dúo Fresh Powder

Tras anunciar su primera residencia internacional, ‘Trip 2 Fantasy’, MR.BLACK sorprende al mundo con un single homónimo que encapsula a la perfección la esencia de esta innovadora experiencia. ‘Trip 2 Fantasy’ es una producción que irradia energía de principio a fin, evocando una sensación de euforia pura. Con este lanzamiento, el DJ y productor israelí vuelve a demostrar su inmenso talento musical y su capacidad para redefinir los límites del psy-trance. Escuchalo ahora:



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Reconocido como un pionero dentro de la escena psy-trance, MR.BLACK ha marcado un precedente con cada uno de sus lanzamientos, acumulando millones de reproducciones y el apoyo de los nombres más importantes de la música electrónica. Este nuevo single no es la excepción, consolidándose como un himno perfecto para su residencia en el Club Sel Octagon de Tokio. 



‘Trip 2 Fantasy’ no solo está destinado a liderar las listas del género, sino también a convertirse en el estandarte de las noches de su residencia en Tokio. 



Para más información sobre Mr. Black síguelo en su <a href="https://www.instagram.com/mr_black_music/" target="_blank" rel="noreferrer noopener" aria-label="Instagram (se abre en una nueva pestaña)">Instagram</a>.

MR.BLACK lanza nuevo single

Una reciente investigación del Disabled Musicians Insight Report, realizada por la Musicians’ Union (MU) y Help Musicians, ha sacado a la luz las barreras y discriminación que enfrentan las personas con discapacidades que trabajan en la industria musical.



El informe, basado en las experiencias de 2,593 participantes, revela que el 88% de los músicos con discapacidades que han experimentado discriminación había compartido su condición con algunos o todos sus colegas. Además, el 94% de ellos afirmó que esta discriminación afectó su capacidad para trabajar o su trayectoria profesional.



Entre los hallazgos más alarmantes:



<ul><li>Deudas: El 22% de los músicos con discapacidades está endeudado, cifra que aumenta al 27% entre aquellos neurodivergentes o con condiciones de salud mental.</li><li>Acoso sexual: El 23% de los músicos con discapacidades reportó haber sido acosado sexualmente, comparado con el 13% de sus pares sin discapacidades.</li><li>Racismo: El 27% de los músicos con discapacidades ha enfrentado racismo, frente al 7% de los no discapacitados.</li><li>Discriminación de género: El 51% de los músicos trans con discapacidades reportó discriminación de género.</li><li>Discriminación por sexualidad: Un 26% de los músicos LGBTQ+ con discapacidades sufrió discriminación por su orientación sexual, y un tercio enfrentó acoso sexual.</li><li>Fondo socioeconómico: El 16% de los músicos con discapacidades ha sufrido discriminación debido a su origen socioeconómico.</li></ul>



Naomi Pohl, Secretaria General de la Musicians’ Union, comentó:



«Los datos revelan problemas sistémicos en la industria musical, incluyendo barreras actitudinales, estructurales y económicas tanto en la educación como en el empleo. Los músicos con discapacidades aportan una riqueza incalculable a la industria, trabajando en todos los géneros y sectores. Sin embargo, enfrentan obstáculos sustanciales para construir una carrera sostenible. Aunque se están dando pasos hacia una mayor accesibilidad e inclusión, es urgente un mayor progreso para abordar el capacitismo y fomentar una cultura de apoyo y divulgación.»



Además, el informe destaca otros problemas persistentes en la industria musical. Por ejemplo, el Musicians’ Census de 2023 reportó que casi la mitad de los músicos en el Reino Unido ganan menos de £14,000 al año. También se observó que el 51% de las mujeres enfrentaron discriminación de género.



Para más información sobre el informe y los esfuerzos para apoyar a los músicos con discapacidades, visita <a href="https://musiciansunion.org.uk/">Musicians’ Union</a>.

Nuevos datos revelan discriminación en la industria musical hacia músicos con discapacidades

BRVNOV es el nuevo proyecto artístico de Bruno Vieira, un artista brasileño con un espíritu inquieto y una conexión profunda con la música. Originario del noreste de Brasil, multiinstrumentista y apasionado por explorar sonidos desde la infancia, Bruno comenzó su trayectoria en los años 90, cuando la escena electrónica en Brasil apenas daba sus primeros pasos. 



En los inicios de su carrera, participó en momentos clave de la escena y tocó en festivales como Skol Beats y Creamfields, además de haberse presentado en la primera edición de Tomorrowland Brasil, en 2015. Sin embargo, Bruno decidió alejarse de la música durante algunos años para dedicarse a su carrera ejecutiva, aunque nunca dejó de lado su pasión por el arte sonoro. Ahora, ha decidido apostar nuevamente todas sus fichas en este nuevo proyecto. 



BRVNOV surge como una síntesis de todo lo que Bruno ha vivido, sentido y creado a lo largo de estas décadas. Su debut oficial llega con «Bloom», lanzada a través de la icónica DOC Records de Gui Boratto, marcando el inicio de esta nueva etapa con una pista de Melodic House llena de emoción y madurez. En esta entrevista exclusiva, Bruno nos habla sobre su pasado, la creación de BRVNOV, el proceso detrás de «Bloom» y lo que depara el futuro.



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Hola, Bruno. Gracias por atendernos. No podemos empezar esta entrevista sin preguntar sobre tu nuevo proyecto, BRVNOV. ¿Qué motivó esta reinvención y cómo ves este proyecto en relación con tus trabajos anteriores? Volver a vivir en Brasil después de una década y reconectar con la escena, ya sea a través de amigos y socios de muchos años, eventos o simplemente por el amor a la música, sin duda fueron el motor de todo. Ver y sentir de cerca la madurez de la escena también fue clave. Estoy en un momento de mi vida en el que, gracias a Dios, tengo la posibilidad de dedicarme y hacer bien las cosas. Mirar hacia atrás con respeto y abrir un nuevo camino con más experiencia… La madurez me da esa perspectiva.



Imaginamos que «Bloom» es una pista cargada de significado y emoción. ¿Puedes contarnos más sobre el concepto detrás de ella y cómo fue el proceso creativo? ¿Cómo llegaste a este resultado sutil y melódico? Bloom representa un nuevo florecimiento, el punto de partida de un nuevo camino. Todo comenzó con unos acordes en el piano; construí la pista desde ahí. ¿Afro? ¿Melodic House? ¿Progressive? No me siento cómodo con las etiquetas; es un poco de todo y, al mismo tiempo, tiene una identidad propia. Pasé 2024 produciendo… Cuando Bloom nació, entendí que había encontrado mi sonido. ¡Espero que les guste!



El lanzamiento fue con DOC Records, de Gui Boratto, quien además entregó un gran remix. Ustedes ya son amigos desde hace tiempo, ¿cierto? ¿Puedes contarnos más detalles sobre cómo comenzó esta colaboración y qué opinas del resultado final del remix? Gui Boratto, un músico excepcional, es para mí un ídolo y, hoy en día, un querido amigo. Nuestra amistad más cercana no es tan antigua; de hecho, se fortaleció cuando me mudé a São Paulo durante la pandemia, después de una década fuera del país. En el pasado coincidíamos en algunos line-ups y tenemos muchos amigos en común. Somos de la misma generación y compartimos muchas influencias musicales similares, lo que nos acercó bastante. Cuando comencé a crear algunas pistas, se las mostré y él me ayudó mucho a encontrar mi sonido. Me siento honrado de que mi primera pista haya sido remezclada por él y lanzada con DOC Records.



En el pasado, con tus antiguos proyectos, actuaste en grandes festivales como Skol Beats, Creamfields y Tomorrowland Brasil. ¿Planeas volver a esos grandes escenarios o tu enfoque estará más en la producción musical? Necesito ser honesto con mi propósito. Antes de ser DJ, ya era músico, y hoy en día producir es mi mayor pasión. Pero nada reemplaza la energía de un escenario y un público conectado. Estoy abierto a los caminos que mi música me lleve. Al fin y al cabo, “Mientras el hombre planea, Dios se ríe…” (Erik Larson).



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Además de «Bloom», sabemos que ya tienes varias pistas en producción y otras finalizadas. ¿Qué podemos esperar en términos de futuros lanzamientos? ¿Hay planes para un álbum o aún no es el momento? Sí, tengo mi álbum NOMAD ya listo y masterizado. Estoy muy, muy feliz con él. Mi plan es lanzar mi próximo sencillo, Solar Storm, en enero, en el que creo mucho. En marzo saldrá un EP de cuatro pistas, y luego el álbum completo. Estamos completamente enfocados en ese plan.



Por último, ¿qué mensaje te gustaría dejar para los fans que están conociendo a BRVNOV ahora y para aquellos que han seguido tu trayectoria hasta aquí? ¡Gracias! Fui un chico apasionado por la música y, después de tantos años, sigo estando igual de enamorado. Me siento muy bien al poder transmitir nuevamente este sentimiento a través de mi música. La música es lo más cercano a la magia que ha inventado la raza humana. Déjense llevar por lo que escuchan, sin prejuicios.



Sigue a BRVNOV haciendo <a href="https://www.instagram.com/brvnov/" target="_blank" rel="noreferrer noopener" aria-label="clic aquí (se abre en una nueva pestaña)">clic aquí</a>.

Hablamos con BRVNOV sobre su nuevo proyecto y lanzamiento con DOC Records

Algunas historias en la música electrónica trascienden las CDJs y los sintetizadores: llevan consigo capas de significado que conectan el arte con la vida. Este es el caso de Eduardo Oliveira, más conocido como Mehen. Aunque su trayectoria en el universo electrónico es relativamente reciente, está marcada por un gran propósito: honrar la promesa hecha a un amigo, que falleció en un accidente de coche, de nunca desistir de sus propios sueños. Así, en 2019, nació el proyecto Mehen, que desde entonces no ha dejado de evolucionar y acumular nuevas conquistas.



Desde el principio, Eduardo construyó su carrera siempre conectado con el House, pero transitando por otras vertientes como Nu Disco, Tech House, Progressive House, Afro House e Indie Dance. Esa versatilidad fue clave para solidificar su identidad. Después de la pandemia, decidió invertir aún más en la producción musical y en 2021 cosechó importantes frutos: un lanzamiento con el sello Só Track Boa, del reconocido Vintage Culture. Fue en ese momento cuando una gran oportunidad apareció frente a él, y la tomó con fuerza, marcando el inicio de un camino que lo llevaría a destacarse en la escena brasileña.



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Con el apoyo constante de grandes nombres como el propio Vintage Culture, Mehen vio cómo su nombre ganaba fuerza. En 2022, vivió otro capítulo significativo: su colaboración con Curol en el remix de “Olhos Coloridos”, el clásico de la cantante brasileña Sandra de Sá, lanzado por Nature Recordings. La canción fue un éxito, alcanzando el Top 100 de Afro House y llegando incluso a contar con un videoclip.



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Desde entonces, Mehen no ha parado. En julio de 2023, alcanzó la impresionante cifra de 1 millón de reproducciones en plataformas y vio cómo sus nuevas canciones llegaron a manos de artistas como Mochakk, Gordo, Ownboss, DJ Glen, ZAC y Maz. Sin embargo, el año más impactante de su vida estaba por llegar. En 2024, ganó el concurso promovido por Só Track Boa y tocó en la mayor edición del festival, realizada en São Paulo, cuyo set completo fue registrado y compartido hace algunos meses.



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El punto culminante del año, sin embargo, fue conseguir un espacio en el sello Siamese, de Adriatique, con la canción “Ngoma”, en colaboración con Soldera. El lanzamiento formó parte de la primera edición de la nueva serie Siamese Soundsystem y colocó a Mehen y Soldera como los primeros brasileños en aparecer en el catálogo del prestigioso sello. Sobre este logro, Mehen comentó: “Soldera y yo ya veníamos de una colaboración muy productiva, una conexión que funcionó muy bien. ‘Ngoma’ fue otra prueba de que logramos unir estilos diferentes en una producción increíble. Creo que este logro abrirá muchas puertas, ya que Siamese es uno de los sellos más codiciados del mundo. Lanzar allí realmente es la realización de un sueño. Estamos muy felices con el resultado”.



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De promesas cumplidas a sueños realizados, Mehen parece tener aún un largo camino por delante, listo para ser pavimentado con muchos trabajos significativos.



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Promesas cumplidas, sueños realizados: el ascenso del brasileño Mehen

Por Rocio Flores



Como parte del lanzamiento del sello “Heels Of Love”, el nuevo emprendimiento musical de Eli Iwasa y Priscilla Prestes. Eli Iwasa ha unido su talento junto al de la artista polaca GIGEE para presentarnos el sencillo “Juicy Bar”, el cual sale este viernes 29 de noviembre en todas las plataformas musicales El sonido de esta divertida pieza se inspiró en la hedonista atmósfera del club berlinés Juicy Bar, siendo una mezcla única de house y música disco, la cual brinda una ola de frescura y nostalgia en cada una de sus notas. 



El proceso de producción de este sencillo fue un intercambio creativo entre Eli y GIGEE, en donde no solamente exploraron las raíces de la música house y disco, sino que también se adentraron en algo más experimental lo que permite que este tema se adapte a diversos entornos, desde grandes festivales hasta los clubes más selectos y exigentes. Por este motivo, charlamos con estas dos talentosas chicas.



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¡Hola, chicas! Estamos encantadísimos de tenerlas juntas por primera vez en DJMAG LA. Tenemos muchas ganas de saber más de esta colaboración que es “Juicy Bar”, ¿Cómo fue que decidieron trabajar juntas? ¿Se conocían de antes?



Eli- Nos conocimos por amigos en común, y es la primera vez que trabajamos juntas. GIGEE posee un gran conocimiento en cuanto a música, por lo que intercambiamos ideas e hicimos click y rápidamente creamos un sonido que interpreta lo mejor de ambas.



GIGEE: ¡Muchas gracias por recibirnos DJ MAG LA, es un honor! “Juicy Bar” es la culminación de algo muy especial. Esta colaboración se la debemos a Rocío Flores a quien llamo la madrina del proyecto, ella no solamente es una figura importante, también es nuestra amiga. Ella nos presentó y desde el primer instante todo hizo click. Recuerdo que Eli y yo tuvimos una llamada y las ideas comenzaron a florecer. Fue una de esas conexiones raras donde sabes que encontraste a alguien que comparte tu misma pasión y visión. Solamente fue cuestión de tiempo antes de que nos sumergiéramos en el proceso creativo para dar forma a “Juicy Bar”.



¿Cuál es el sonido central del “Juicy Bar”? Sienten que tuvieron que adaptar su sonido la una con la otra o cada una mantuvo su esencia.



Eli- Acabo de regresar de Garbicz Festival en Polonia, ahí pinché el track, me sentía muy inspirada por la experiencia, por la música que escuché, la vibra y la atmósfera fue algo súper especial. Fue algo fresco, alegre, y energético como mis DJ sets, tal y como suena “Juicy Bar”. Las colaboraciones son algo emocionante sobre todo cuando obtienes diversas influencias para crear algo único que represente ambos mundos, eso es algo desafiante, pero con GIGEE todo fluyó.



GIGEE- El sonido central de “Juicy Bar” es una celebración de contrastes, es donde nuestros estilos individuales se encuentran para crear algo nuevo. Mi groove melódico y emocional se mezcló bellísimamente con la profundidad hipnótica de los beats de Eli, formando un viaje dinámico e impredecible. Realmente, no necesitamos adaptar nuestros sonidos, creo que eso hizo especial nuestra colaboración. Se trató de complementar nuestras energías en lugar de cambiar lo que somos musicalmente. Dicho eso, siempre hay algún nivel de evolución cuando dos artistas trabajan juntos, nos lleva a explorar nuevos territorios mientras nos mantenemos fieles a nuestras raíces.



GIGEE, sabemos que pronto estarás de visita en Brasil. Y para conocerte un poquito mejor ¿Qué es lo qué más te motiva de venir por primera vez de este lado del mundo?



No puedoexpresar lo emocionada que estoy por visitar Brasil, ha estado en mi lista por tanto tiempo. La energía de la región, su pasión por la música y la calidez de su gente son cosas que siempre he admirado. El set que tocaré ese día es una montaña rusa de emociones, cargada con techno melódico, momentos de adrenalina y twists inesperados, quiero crear una conexión con la gente y compartir mi historia través de la música. Lo que más me motiva es la oportunidad de experimentar su cultura vibrante y conocer a la gente que vive y respira música. Estoy muy agradecida por llevar mi sonido a tan legendaria escena.



 Eli- ¡Felicitaciones por “Heels of Love”! Cuéntanos como decidiste hacer un sello. ¿Qué línea musical tendrá? ¿Esta destinado para talento emergente o artistas más posicionados?



Eli– Siempre tuve el sueño de tener mi propio sello, pero sentí que necesitaba tener al equipo adecuado para hacerlo debidamente. He estado trabajando en varios proyectos en los últimos años, mis clubs, mi fiesta y una carrera como DJ, por lo que no lo quise apresurar. Cada paso en mi vida profesional y personal ha tomado su tiempo para madurar, y esto no difiere de “Heels Of Love”. No pude haber hecho esto sin el gran equipo que tengo, sin mi manager Priscilla, quien también es co-founder, sin Mau Maioli, el label manager, y sin Leo Janeiro que nos enseñó todo lo necesario para hacer el sello desde cero. 



Lanzaremos lo que creamos que es interesante, como DJ nunca podría tocar un solo estilo musical. “Heels Of Love” es una expresión de lo que hago, curar música para mis sets y ahora ofrecer una plataforma para muchos grandes productores en Brasil, y también conectar con artistas y creativos de todo el mundo.



Al trabajar en este proyecto juntas, nos podrían decir que una admira de la otra.



Eli- GIGEE posee un profundo conocimiento musical, tiene grandes habilidades, siempre es un gran placer conectar con ello. Ella ha sido súper generosa durante el proceso. Estoy muy feliz de que finalmente estará en Brasil para nuestra fiesta.



GIGEE- Trabajar con Eli ha sido una súper experiencia enriquecedora. A nivel profesional admiro su habilidad de balance, ella no solamente es una empresaria, DJ y productora, también es una visionaria en la industria. Tiene un gran talento para generar ideas, también me inspira ver como ella ha navegado con gracia y determinación en un mundo dominado por hombres. A nivel personal, su seguridad y su feminidad empoderan mucho, ella abraza la fuerza y la elegancia en una manera que motiva a cualquiera que esté cerca de ella. Estoy muy agradecida de tenerla como compañera en este viaje.



¿Por que consideran que hoy en día es crucial el apoyo entre las mujeres de la industria y qué es algo que aún se debe de trabajar?



Eli- Pienso que las mujeres se han dado cuenta que juntas somos más fuertes, ya sea en el stage, en el estudio o backstage. Hay tantas mujeres increíbles que trabajan juntas, algunas con grandes iniciativas que promueven la diversidad y la equidad en la escena, pero aún hay mucho que mejorar. Para mi, es claro que aún se sigue viendo misógina y odio hacia el talento femenino, y lo mucho que tenemos que seguir demostrando ¡Es desgastante! Pero me mantiene motivada continuar con mi trabajo y apoyar a otras chicas ya sea en mi sello o clubs.



GIGEE-El apoyo entre mujeres es crucial, porque somos más fuertes cuando nos apoyamos la una a la otra. Por tanto, tiempo ha existido esta narrativa de competencia. Pero, lo que vemos a través de colaboraciones como la nuestra con “Juicy Bar” es algo que impulsa a crear espacio para todas, se trata de construir una comunidad donde podamos compartir recursos y amplificar nuestras voces e inspirar a la siguiente generación de artistas femeninas. Aún hay mucho trabajo por hacer, lo que necesitamos es más plataformas, mayor visibilidad y oportunidades para mujeres en todos los niveles de esta industria.



Para cerrar, ¿qué más hay en el camino de Eli y de GIGEE?



Eli- Yo acabó de pinchar en Time Warp, y fue increíble. Uno de mis clubs, “Club 88” volverá a abrir sus puertas a fin de mes. El siguiente año hay Carnaval en Brasil y también estoy trabajando en mi primer tour en Asia, y USA.



GIGEE- Se vienen muchas cosas interesantes. Yo quiero seguir creciendo como artista y como colaboradora, “Juicy Bar” es solo el comienzo. También estoy preparando algunos tracks nuevos, que ya compartiré con ustedes. Asimismo, busco expandir mis eventos “GIGEE invites”. Me emociona seguir conectando con nuevas audiencias y crear experiencias inolvidables. 



¡Muchas gracias chicas!