El DJ y productor uruguayo <a href="https://www.instagram.com/santidominguezdj/" target="_blank" rel="noopener">Santi Domínguez</a> presenta Trust Yourself, su primer álbum de temas originales, un proyecto en el que convierte diez años de trayectoria en una producción que va más allá de un nuevo lanzamiento discográfico. Publicado a través de su propio sello <a href="https://www.beatport.com/es/label/rebls/178512" target="_blank" rel="noopener">REBLS</a>, el álbum reúne composiciones creadas en diferentes momentos de su carrera y funciona como una mirada retrospectiva a las experiencias, decisiones y aprendizajes que han acompañado su evolución dentro de la música electrónica.



Para darle forma al proyecto, Domínguez volvió a abrir su archivo de producción y encontró proyectos, demos y tracks que habían permanecido guardados durante años. Algunos fueron rechazados por sellos discográficos, otros quedaron atrás debido a cambios en su dirección artística y varios simplemente estaban esperando el momento adecuado para encontrar su lugar. Sin embargo, al revisarlos desde la perspectiva del productor que es hoy, la pregunta cambió: ya no se trataba de determinar dónde podían encajar dentro de la industria, sino de escuchar nuevamente esa música y plantearse algo mucho más personal: “¿Sigo creyendo en esta música?”



El resultado de este proceso no es un archivo de producciones descartadas, sino una nueva lectura de su propia historia musical. Algunas piezas fueron reconstruidas desde cero, otras adquirieron una nueva dimensión a través de arreglos y modificaciones, mientras que algunas conservaron gran parte de su esencia original. Así, Trust Yourself establece un diálogo entre diferentes momentos de la carrera de Domínguez, conectados por una evolución sonora que transita por el House, Tech House y Minimal/Deep Tech.



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Diez años de experiencia también han transformado su manera de entender y seleccionar su propia música. Durante este recorrido, sus producciones han alcanzado posiciones destacadas en Beatport y han recibido el respaldo de artistas como Jamie Jones, wAFF, James Hype y Miguel Bastida. Paralelamente, su carrera como DJ ha ampliado su presencia internacional, llevando su propuesta desde Montevideo hacia diferentes escenarios de Argentina, Brasil y Europa, con actuaciones en destinos como Ibiza, Palma de Mallorca, Madrid y Barcelona.



En 2026, la creación de REBLS representa otro capítulo importante en la evolución de Santi Domínguez. Lo que comenzó como una plataforma discográfica independiente se convirtió en un espacio desde el cual el artista puede asumir un mayor control sobre sus decisiones y desarrollar su propia dirección artística. Su catálogo inicial, integrado por producciones como Jardín del Obispo, Deep N Down, You Know Me, No Lights y <a href="https://open.spotify.com/intl-es/album/0XGtHIQy7qisSFuRTsnOiT?si=pt8HeZddSUOQ2UAmCu1Rgw" target="_blank" rel="noopener">The Bassline</a>, establece las bases de esta nueva etapa.



Dentro de Trust Yourself también aparece “Secret”, una producción cuya historia conecta especialmente con el concepto del álbum. El track representa el recorrido de una pieza que necesitó atravesar distintas etapas antes de encontrar el contexto y el momento adecuados para finalmente ver la luz.



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Lanzado el 21 de septiembre de 2026, Trust Yourself no busca simplemente resumir una década de carrera ni convertir el pasado en nostalgia. El álbum reúne diferentes momentos y versiones de un artista que ha evolucionado con el tiempo: el productor, el DJ, los aciertos, los rechazos, los viajes, los escenarios y las canciones que esperaron su momento. Todo converge ahora en una misma idea: confiar en el propio criterio.



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Santi Domínguez presenta Trust Yourself, su primer álbum de temas originales tras una década de trayectoria

Hay noches que merecen volver a escucharse. Eso fue exactamente lo que hizo Nacho Bolognani al publicar el set completo de su opening para Chris Stussy en Mandarine Tent, registrado durante la fecha del pasado 18 de julio en Buenos Aires.



La sesión revive una de las jornadas más destacadas del invierno argentino, donde miles de personas colmaron Mandarine Tent para recibir a uno de los máximos referentes del house contemporáneo. Antes de la aparición de Stussy, Bolognani fue el encargado de abrir la pista con un recorrido que preparó el clima de la noche con personalidad, criterio y una lectura precisa del público.



Con más de una hora de música, el set refleja el sonido que hoy identifica al DJ argentino: house elegante, grooves precisos y una construcción progresiva que prioriza el viaje por encima del impacto inmediato. A lo largo de la sesión aparecen producciones de Dam Swindle, TwoSlice, Luke Alessi, GW Harrison, Bastian Bux, Ammo Avenue, Candidate, Beni Hana, Michel de Hey y Demi Riquísimo, en una selección que resume buena parte del house contemporáneo y confirma la solidez de su curaduría musical.



Con más de 16 años de trayectoria, Nacho Bolognani construyó una carrera que lo llevó a presentarse en algunos de los clubes y festivales más reconocidos del mundo, incluyendo fabric en Londres, Hï Ibiza, Cova Santa, Sunwaves Festivalen Rumania, CDV en Berlín, Pacha Barcelona y Lollapalooza, además de editar música en sellos como UVAR, Tamango, Denser y Music For Freaks, tanto en formato digital como en vinilo.



Ese presente continuará el próximo 28 de agosto, cuando vuelva a presentarse como headliner en Río Buenos Aires, una nueva fecha que llega en uno de los mejores momentos de su carrera y que confirma el crecimiento sostenido que viene mostrando tanto en Argentina como en el exterior.



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Más allá del recuerdo de aquella noche en Mandarine Tent, este lanzamiento funciona como una nueva carta de presentación de Bolognani. Un registro que permite entender con claridad su identidad detrás de la cabina y el lugar que ocupa hoy dentro de una nueva generación de artistas argentinos con proyección internacional.



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Nacho Bolognani revive su opening set para Chris Stussy en Mandarine Tent 

Durante más de quince años, Hernán Cattáneo apoyó la música de Khen desde sus sets, mucho antes de que el productor israelí alcanzara reconocimiento internacional. Lo que comenzó como una admiración artística fue evolucionando con el tiempo hasta convertirse en una amistad construida alrededor de una misma manera de entender la música electrónica: sin apuros, priorizando la emoción por encima de las tendencias.



Esa historia encuentra ahora un nuevo capítulo con “Rogelito”, el primer trabajo conjunto entre ambos artistas y, además, el debut de Cattáneo en Closure, el sello fundado por Khen. Con motivo del lanzamiento, conversamos con los dos protagonistas sobre cómo nació esta colaboración, la evolución del progressive house, la escena argentina y la importancia de mantener una identidad artística a lo largo del tiempo.



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Después de apoyar la música de Khen durante más de 15 años, ¿qué hizo que este fuera finalmente el momento indicado para colaborar juntos en el estudio por primera vez?



Hernán Cattáneo: Vengo tocando la música de Khen desde hace muchos años porque conecté con su sonido desde el primer momento. Con el tiempo compartimos cabina, pasamos mucho tiempo juntos y desarrollamos una gran amistad, además de una comprensión mutua de nuestras ideas musicales.



Nunca hubo presión por hacer una colaboración. Simplemente sucedió cuando el momento se sintió natural. No estábamos intentando hacer “una colaboración”; simplemente estábamos creando música que a los dos nos gustaba tocar.



Has ayudado a moldear el progressive house a lo largo de varias generaciones. ¿Qué creés que la escena actual está haciendo bien y qué sentís que se perdió respecto a cuando empezaste?



Hernán Cattáneo: Cada generación aporta algo valioso. Los productores de hoy cuentan con herramientas y acceso al conocimiento que simplemente no existían cuando yo empecé, por lo que el nivel general de producción alcanzó un estándar muy alto.



Al mismo tiempo, creo que hemos perdido algo de paciencia. Antes los artistas tenían más tiempo para desarrollar una identidad propia, mientras que hoy la presión por lanzar música constantemente y seguir el ritmo de los algoritmos hace que muchas cosas se sientan más inmediatas y descartables. Lo que nunca cambió es que la música realmente emotiva siempre encuentra su público, sin importar las tendencias.



Argentina sigue produciendo artistas de nivel mundial. ¿Qué hace que la escena electrónica argentina sea tan especial en comparación con el resto del mundo?



Hernán Cattáneo: Argentina siempre tuvo una relación muy apasionada con la música. Incluso en los momentos más difíciles, la gente siguió saliendo, bailando y apoyando a los artistas. Creo que esa pasión genera un público que realmente escucha y conecta emocionalmente, y eso inspira a los productores a desarrollar un lenguaje musical más profundo en lugar de limitarse a seguir tendencias.



También existe un fuerte sentido de comunidad entre los artistas. Siempre compartimos ideas, nos apoyamos mutuamente y celebramos la individualidad. Creo que esa es una de las razones por las que tantos artistas argentinos lograron reconocimiento internacional.



Después de tantos años de carrera, ¿qué sigue despertando esa sensación de decir “este tema tengo que tocarlo” cuando preparás un set?



Hernán Cattáneo: Tiene que ver con sentirlo. Siempre se trata de la emoción y el groove. No importa si el track es de un productor muy conocido o de alguien de quien nunca escuché hablar. Si escucho algo que me transmite la sensación correcta, inmediatamente quiero compartirlo con la gente.



Eso sigue siendo lo más emocionante de ser DJ para mí: descubrir música que genera una conexión emocional genuina. Después de tantos años, esa sensación no cambió en absoluto.



Definiste a “Rogelito” como uno de los lanzamientos más importantes de tu carrera. ¿Sentiste presión al entrar al estudio sabiendo que finalmente ibas a colaborar con Hernán?



Khen: La verdad es que no sentí presión. Si acaso, sentía mucha ilusión. Hernán forma parte de mi camino como DJ y productor desde hace quince años. Desde la primera vez que empezó a tocar mi música hasta la amistad genuina que construimos con el tiempo, colaborar juntos simplemente se sintió natural.



Nos conocemos muy bien, así que intercambiar ideas fue algo muy sencillo, inspirador y realmente divertido.



Hernán creyó en tu música mucho antes de tu reconocimiento internacional. Mirando hacia atrás, ¿cuál fue la mayor enseñanza que te dejó ver evolucionar su carrera?



Khen: Que cada artista es único y que mantenerse fiel a uno mismo, a su sonido y a sus convicciones es lo mejor que podés hacer si querés construir una carrera que dure décadas y no solamente unos pocos años.



Para mí, Hernán está en la misma categoría que artistas como John Digweed, Carl Cox o Richie Hawtin: verdaderos maestros, con identidades y sonidos muy sólidos.



Argentina se convirtió en uno de tus mercados más fuertes. ¿Qué tienen los públicos argentinos que hacen que siempre quieras volver?



Khen: Hay una honestidad muy especial en la forma en que el público argentino vive esta música. No están esperando un drop o un momento específico para reaccionar; simplemente están presentes durante horas.



Ese nivel de atención cambia completamente la forma en que uno toca. Te impulsa a construir el viaje musical en lugar de apresurarlo, y ese es exactamente el tipo de sets que me gusta hacer.



El progressive house atravesó distintos ciclos durante la última década. ¿Hacia dónde creés que se dirige el género y en qué debería enfocarse la próxima generación de artistas?



Khen: Siento que el progressive house está viviendo un renacimiento. En Argentina siempre fue enorme, pero ahora también está empezando a conectar mucho más con públicos jóvenes en otros países. Basta con mirar festivales como Balance en Croacia, que apenas en su segunda edición volvió a agotar entradas con un lineup claramente orientado al progressive.



A los nuevos artistas les diría que resistan la tentación de perseguir lo que está de moda en cada momento. Los tracks que realmente perduran son aquellos que suenan como la persona que los creó, y no como todos los demás que están lanzando música ese mismo mes.



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Más que una colaboración puntual, “Rogelito” representa el encuentro entre dos artistas que construyeron su relación de manera orgánica, dejando que el tiempo hiciera su trabajo. Sin expectativas ni estrategias, el proyecto terminó reflejando exactamente aquello que ambos defienden desde hace años: una música que prioriza la emoción, el desarrollo y la identidad por encima de la inmediatez.



En un momento donde el progressive house vuelve a ganar protagonismo a nivel internacional, el lanzamiento también funciona como un recordatorio de que las carreras más duraderas suelen construirse desde la autenticidad. Para Cattáneo y Khen, el futuro del género parece depender menos de seguir tendencias y mucho más de mantener una voz propia, una filosofía que “Rogelito” resume a la perfección.

Hernán Cattáneo y Khen: una amistad de 15 años que finalmente se convirtió en música

Después de un prolongado período lejos de la actividad discográfica, Profetik vuelve a la escena electrónica con “Ophanim”, un lanzamiento que funciona tanto como declaración artística como carta de presentación para Seraph Records, su nuevo sello discográfico.



Aunque su producción pública estuvo en pausa durante los últimos cinco años, el productor continuó desarrollando música en privado, explorando nuevas ideas y refinando una visión sonora que hoy encuentra su expresión más clara. El resultado es una propuesta que se mueve entre el Melodic House y el Techno, combinando paisajes oscuros, texturas envolventes y una marcada sensibilidad cinematográfica.



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Inspirado por referencias que atraviesan imaginarios ancestrales y narrativas de carácter épico, Profetik construye una experiencia sonora que prioriza el viaje emocional sin perder de vista la energía necesaria para la pista de baile. En ese equilibrio entre profundidad y contundencia encuentra el eje central de su nueva identidad musical.



“Ophanim” comienza con una base sólida de percusión y un groove hipnótico que rápidamente da paso a capas de sintetizadores tensos y elementos atmosféricos en constante evolución. A medida que el track avanza, una línea melódica insistente impulsa la narrativa, mientras bajos robustos y ritmos precisos incrementan progresivamente la intensidad.



Uno de los momentos más destacados llega durante el breakdown, donde el sonido de una campana introduce un cambio de dinámica que abre espacio a arpegios oscilantes y una voz hablada cargada de presencia, reforzando la tensión antes del desenlace final. El resultado es una producción diseñada para grandes escenarios, capaz de combinar potencia, sofisticación y una energía cruda que mantiene al oyente en constante movimiento.



Más allá del lanzamiento en sí, “Ophanim” representa el comienzo de una nueva etapa para Profetik. Con Seraph Records como plataforma creativa, el artista busca desarrollar una visión más amplia y libre, construyendo un espacio donde su propuesta pueda evolucionar sin limitaciones externas.



Con nueva música ya en camino, Profetik inicia este nuevo capítulo reafirmando una dirección artística clara y una ambición renovada, manteniendo intactos los elementos que han definido su sonido mientras explora nuevos territorios dentro de la música electrónica contemporánea.



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Profetik inaugura una nueva etapa con “Ophanim”, el primer lanzamiento de Seraph Records

El nuevo lanzamiento de Fede Spamer no busca medias tintas. ‘Late Night Visions’ es una declaración directa: energía, carácter y una visión sonora que empieza a encontrar su forma más clara. Con base en Buenos Aires pero con una formación atravesada por una educación musical clásica y una mirada internacional, Spamer construye un EP que funciona tanto como carta de presentación como punto de evolución.



El trabajo se mueve en un terreno donde el melodic techno se encuentra con una estética más cruda e industrial, sin perder nunca el foco en la pista. A lo largo de tres tracks, el productor explora distintas intensidades dentro de un mismo universo sonoro.



El recorrido arranca con “Don’t Stop”, donde los leads sintéticos y las melodías de impronta robótica empujan un groove futurista, directo y efectivo. Luego, “Freak” profundiza en un clima más oscuro: capas que se expanden, tensión sostenida y un low-end que marca el pulso con precisión. Finalmente, “I Wanna Dance” cierra el EP con una energía más áspera, apoyada en arpegios rodantes y un diseño sonoro que refuerza ese carácter hipnótico y mecánico.



Más allá de su funcionalidad club, ‘Late Night Visions’ también deja ver una intención más amplia: la de construir experiencias que equilibren impacto físico y narrativa emocional. En ese cruce entre introspección y pista es donde Spamer empieza a diferenciarse.



Con este lanzamiento independiente, el artista no solo amplía su catálogo, sino que reafirma una dirección estética concreta. Sin depender de estructuras externas, el EP se siente como un movimiento estratégico: identidad clara, ejecución sólida y una proyección que apunta a seguir creciendo dentro del circuito electrónico.



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Fede Spamer presenta «Late Night Visions», un EP que captura su pulso más nocturno y contundente

El universo de Hekate continúa expandiéndose. La plataforma creada por Sara Landry presenta “Comfort In Chaos”, una colaboración explosiva entre el británico Alex Farell —frecuente aliado del sello— y el emergente MXGN, quien debuta oficialmente en el imprint. El lanzamiento llega en un momento estratégico, coincidiendo con su presentación b2b en el circuito europeo y tras haber sido probado en escenarios de máxima exposición como Ultra Music Festival.



Con una estética sonora orientada al peak time, “Comfort In Chaos” condensa el ADN de ambos artistas en un track de alto voltaje: kicks contundentes, líneas ácidas y una energía diseñada para impactar tanto en clubes como en grandes escenarios. La dualidad que propone —caos y control— se traduce en una pieza que mantiene groove mientras escala hacia momentos de máxima tensión, alineándose con la evolución reciente del hard techno.



Para Alex Farell, el release marca un nuevo capítulo dentro de su vínculo con Hekate, tras colaboraciones previas con Landry como “Prisoner” y “On My Mind”. Su crecimiento ha sido meteórico: comenzó a producir a los 12 años y rápidamente se posicionó como una de las figuras jóvenes más relevantes del circuito, con presencia en sellos como Exhale, We Are The Brave y Teletech, además de actuaciones en festivales como Creamfields y Parklife.



Por su parte, MXGN continúa consolidando su ascenso dentro de la escena techno del Reino Unido. Desde el lanzamiento de su proyecto en 2023, ha desarrollado una identidad marcada por sonidos acid-driven y una fuerte impronta rave, con lanzamientos en NineTimesNine, Filth on Acid y Teletech. Su track “Bounce Back” —con más de 25 millones de streams— funciona como carta de presentación de un artista que ahora da el salto a Hekate, ampliando su proyección internacional.



Con este lanzamiento, Hekate reafirma su posicionamiento como uno de los sellos clave dentro del hard techno contemporáneo, apostando por una curaduría que combina nombres consolidados con nuevas figuras en ascenso. “Comfort In Chaos” no solo captura el pulso actual de la escena, sino que también anticipa hacia dónde se dirige.



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Sara Landry impulsa el sonido de Hekate con “Comfort In Chaos”, junto a Alex Farell y el debut de MXGN

Hace ya un tiempo que Brasil se consolida como referencia creativa en el afro house mundial. En los últimos años, varios productores brasileños demostraron que pueden dialogar naturalmente con el género, trayendo sus propias raíces sonoras a esa conversación. Ahora, un nombre que empieza a ganar espacio en el radar internacional es el de Bengoxi, quien acaba de lanzar ‘QNQSE‘, uniendo un sample de un clásico de la MPB — un samba-rock/pop repleto de identidad brasileña — a la estructura contemporánea del afro house.



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La faixa es una colaboración con Gal (BR) y fue lanzada por Muzenga Records, sello brasileño que ya fue responsable de impulsar la carrera de diversos artistas en el país. Bengoxi cuenta que el punto de partida sucedió de forma despretensiosa: «Este sonido comenzó cuando probé un sample brasileño en una idea más de pista. Encajó muy rápido, principalmente en la parte rítmica», explica. Para él, el lado rítmico de la música brasileña conversa de forma muy natural con la estructura del Afro House.



A lo largo del proceso, cuenta que no intentó seguir ninguna referencia ni nada por el estilo. «En lugar de intentar llevarlo a un lado específico, dejé que el groove guiara. Eso hizo el proceso más directo y el resultado más orgánico.» Tanto es así que, a pesar de que el Afro House está en un momento de hype actualmente en la escena global, para él todavía existe espacio para traer identidad. «No es solo seguir la tendencia, hay margen para la personalidad.»



El lanzamiento llega en un momento donde Bengoxi viene consolidando su discografía. Anteriormente, el productor ya había presentado ‘Sweet Disposition‘ y ‘Sometimes‘, ambas por Muzenga Records en 2025, mostrando sus cartas al mundo y acumulando más de 200k streams con ellas. A principios de este año, lanzó ‘Calavera‘ por Go Deeva Records, expandiendo su presencia en los catálogos internacionales, reflejo de una trayectoria consistente que viene ganando cada vez más espacio.



‘QNQSE‘ es otro capítulo de una narrativa que apenas comienza — la de un productor brasileño que conoce su herencia cultural y que logra aplicarla de forma muy interesante dentro del contexto actual de la música electrónica. Vale la pena estar atento.



Seguí a Bengoxi en <a href="https://www.instagram.com/bengoximusic/" target="_blank" rel="noreferrer noopener">Instagram</a>

Bengoxi trae sample de clásico brasileño al afro house en «QNQSE»

Deckhaus irrumpe en la temporada de verano porteña con una propuesta que apunta a redefinir la experiencia de clubbing al aire libre. El ciclo se llevará a cabo durante enero, febrero y marzo en Oasis Open Air, Punta Carrasco, un venue privilegiado a orillas del Río de la Plata, y se presenta como una alternativa curada, sensorial y visualmente cuidada, pensada para quienes buscan algo más que una pista de baile tradicional.



Con un formato que abarca tarde y noche, Deckhaus pone el foco en la experiencia integral: música, entorno, narrativa visual y una selección artística que combina referentes internacionales con algunos de los nombres más sólidos de la escena local. La curaduría es el eje central del proyecto, alejándose deliberadamente de la propuesta estandarizada del momento para construir un clima propio, donde cada fecha funcione como un capítulo dentro de un mismo concepto.



<h3 class="wp-block-heading">Traumer & Mateo Dufour abren el ciclo</h3>



La primera fecha anunciada marca el inicio oficial de Deckhaus y llega de la mano de Estamos Felices presenta Traumer & Mateo Dufour en Buenos Aires, el sábado 17 de enero de 2026.



Desde París, Traumer regresa a Buenos Aires para abrir la temporada con su inconfundible sonido minimal y groove europeo. Fundador del sello Gettraum y residente de espacios clave como Rex Club y Rinse France, el productor francés construyó una carrera sólida explorando la fusión entre house y minimal, con lanzamientos en sellos como Cocoon y Desolat, y presentaciones en clubes y festivales de primer nivel alrededor del mundo, como Igloofest, Astropolis Festival y Exit Festival.



La noche se completa con la presencia del argentino Mateo Dufour, uno de los artistas nacionales más destacados de la nueva generación. Con un sonido profundo, dinámico y enfocado en la pista, Mateo viene consolidando su proyección internacional a través de lanzamientos en sellos reconocidos y presentaciones en distintos escenarios globales, posicionándose como un referente actual del house a nivel regional.



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<h3 class="wp-block-heading">Adam Sellouk encabeza la segunda fecha confirmada</h3>



Deckhaus despide enero con una segunda fecha ya anunciada: el sábado 31 de enero, Oasis Open Air recibirá a Adam Sellouk, en lo que será su último show en Buenos Aires.



Amigo de la casa, el DJ y productor de Melodic House & Techno, ampliamente supporteado por Anyma, llega tras una intensa gira por festivales como Afterlife y Zamna. Su sonido melódico, emocional y de gran impacto lo convirtió en uno de los nombres más respetados del circuito internacional.



En cabina lo acompañará Stjepanek, talento local con una trayectoria marcada por un criterio musical sólido, que lo llevó a compartir escenario con artistas como Massano, Innellea y Âme. El opening estará a cargo de Biøy y Cromind, directamente desde Tandil, completando una noche que refuerza la identidad curada del ciclo.



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<h3 class="wp-block-heading">Joris Voorn completa el inicio del ciclo</h3>



El viernes 16 de enero, Deckhaus suma una nueva fecha al inicio de su programación con la presentación de Joris Voorn en Oasis Open Air. Referente clave del house y techno global, el artista holandés es autor de álbumes fundamentales como <a href="https://open.spotify.com/intl-es/album/6dRe9EXoPnbd41eR5oME7V?si=ubEtWzFQRp6x474ZM6ulxQ">Nobody Knows</a> y de himnos atemporales como <a href="https://open.spotify.com/intl-es/track/0M6s1oElQyLnWfE8stuN7w?si=ee828aeafc9d4264">Ringo</a>, consolidando una trayectoria que lo posiciona entre los nombres más influyentes de la electrónica contemporánea.



La noche se completa con Xulnox, dúo argentino en pleno crecimiento internacional, con lanzamientos en Renaissance Records y una propuesta que ya recorrió los principales escenarios del país.



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Con Oasis Open Air como escenario —un espacio al aire libre frente al río que potencia la experiencia sensorial—, Deckhaus se perfila como uno de los ciclos a seguir de cerca durante el verano porteño. Estas primeras fechas funcionan como una carta de presentación de un proyecto que promete seguir creciendo con nuevos anuncios y una identidad clara dentro de la escena electrónica local.

Deckhaus inaugura un nuevo ciclo de verano en Oasis Punta Carrasco

Curol ha surgido como una fuerza imparable dentro de la nueva generación de DJs y productoras brasileñas que están rediseñando el mapa del house y el afro house con sensibilidad para la pista y una mirada atenta a las identidades culturales. Su trayectoria ya acumula presentaciones en lugares icónicos —desde DGTL y Zamna hasta Rock in Rio y Tomorrowland, además de giras junto a Black Coffee, Lee Burridge y Keinemusik.



Además de ser una DJ experimentada en los decks y con mucha sensibilidad para elegir cada track, Curol se diferencia por una curaduría que cruza el groove del afro y del house clásico sumado a los matices latinos, una identidad que se ha conectado con cada vez más personas en sus shows. Fue eso también lo que la hizo estar presente por cuarto año consecutivo en la lista Future Of Dance de la prestigiosa 1001 Tracklists.



En esta entrevista exclusiva para DJ Mag Latinoamérica, Curol habla sobre su conexión con el público sudamericano, los aprendizajes de las giras recientes, nuevos trabajos de estudio, remixes, y los planes que ya delinean su próxima fase internacional.



Curol, gracias por recibirnos. Para comenzar: nos gustaría saber un poco más sobre tu trayectoria. ¿Qué te motivó a apostar por la música electrónica y cómo ese camino fue moldeando a la artista que eres hoy? Empecé en la música electrónica desde los bastidores. Yo era fotógrafa, vivía detrás de los escenarios, observando la energía de las personas, captando las reacciones, la entrega de los artistas y la fuerza que tenía la música allí. Un día me di cuenta de que no quería solo registrar esa historia, yo quería ser parte de ella.



Cuando empecé a tocar y producir, entendí que mi identidad era mi mayor diferencial. Llevé mis referencias afrobrasileñas, mi lado espiritual, mis vivencias. Todo eso moldeó a quien soy hoy: una artista que crea a partir de mis raíces y de la forma en que siento el mundo.



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Hoy ya puedes estar orgullosa de haber tocado en lugares como Zamna, DGTL, Rock in Rio, Lollapalooza, Tomorrowland… pero sabemos que la industria no siempre es simple, especialmente para las mujeres. ¿Cuáles fueron algunos de los desafíos que enfrentaste y qué aprendiste en ese proceso? La escena electrónica puede ser dura, principalmente para las mujeres. Necesité demostrar mi valor muchas veces, incluso cuando ya entregaba más de lo que esperaban. También enfrenté resistencia por traer un sonido que no era el más «obvio» o comercial.



Pero todo eso me fortaleció. Aprendí a confiar en mi instinto y en mi identidad. Aprendí que insistir en mi verdad me llevaría más lejos que intentar agradar. Y fue precisamente eso lo que abrió puertas como Tomorrowland, DGTL, Zamna, Rock in Rio, Lolla y tantos otros escenarios con los que siempre soñé.



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En este proceso, ¿cómo describirías tu identidad artística hoy y de qué forma dialoga con el público sudamericano? Antes que nada, yo percibí que mi estilo aún es novedad para algunos países latinoamericanos. Puedo notar que el groove del beat afro es algo común para ellos, pero al mismo tiempo diferente, tal vez eso llame más su atención por «salir de lo obvio».



Mi identidad también carga influencias latinas, así que es interesante para mi momento actual mostrar no solo mi identidad, sino también mi versatilidad dentro de la house music.



A lo largo del año pasaste por ciudades como Bogotá, Lima, Mendoza, Mar del Plata y Santiago. ¿Notaste reacciones diferentes? ¿Qué aprendizajes dejaron estas experiencias? ¿Cómo piensas la construcción de tus sets para cada lugar? Para Bogotá y Medellín preparo sets con más Latin House, pero con un toque más oscuro. Para Lima, noté que las reacciones fueron más altas con el house clásico. Ya en las ciudades de Argentina siempre hago mezclas con Progressive y Organic House, pues ya es natural de ellos amar el estilo y tener a los mayores artistas de la subvertiente siendo de allá.



En Santiago, ya toqué 3 veces y noté que les gusta la música brasileña misma, con nuestro swing. Así que es perceptible durante el set hacer mezclas y notar esas reacciones.



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Tus sets generalmente llevan sonidos y mensajes que representan culturas muchas veces marginadas. ¿Cómo ves tu responsabilidad al trabajar con esas referencias? Llevo eso con mucho cuidado y respeto. Esas referencias son parte de mi historia, de mi vivencia y de la forma en que me conecto espiritualmente con la música. No son elementos que uso solo por estética, son parte de quien soy.



Cuando traigo esos sonidos y símbolos, investigo, respeto y tengo conciencia de que estoy representando algo más grande que yo. Mi objetivo es siempre honrar esas referencias y mostrar que tienen potencia, fuerza y lugar dentro de la música electrónica.



Hablando un poco sobre producción musical… en 2024 y 2025, lanzaste remixes importantes —para ZERB & The Chainsmokers, 3030 y Gadjo— siendo este último uno de los más vendidos de tu carrera, hoy Top 1 en tu Beatport. ¿Cuál es tu relación con el arte de los remixes? ¿Es un formato que te gusta explorar más? El remix es siempre una carta interesante en la vida del artista. En su gran mayoría es el gran punto de inflexión, y en mi vida no fue diferente. Los 3 remixes citados en la pregunta son los que más elevaron mi nombre en 2024 mundialmente.



Recibí innumerables apoyos y mis pedidos de bookings aumentaron considerablemente. Cuando involucra grandes nombres como esos, considero explorar ese formato por la expansión de los involucrados.



En noviembre del año pasado también lanzaste un remix para Ratier a través de D-Edge Records y haces tu debut en Watergate con un single colaborativo. ¿Qué nos puedes contar sobre cada uno de estos trabajos? Ratier es uno de los mayores impulsores de la escena brasileña, actualmente tiene los dos clubes más importantes en estados diferentes. Cuando me invitó a participar en el álbum de remixes no lo dudé dos veces; Abençoado fue hecha con mucho cariño.



En cuanto a Víbora, marca un deseo antiguo de lanzar en Watergate, el sello de uno de los clubes más importantes de Berlín que, lamentablemente, ya no está en funcionamiento. Tanto la marca Ratier como la marca Watergate tienen historia en la música electrónica mundial, e involucrarme con ambas es una gratificación y un hito de respeto para mí.



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Para quienes están conociendo tu trabajo ahora en países donde tu sonido aún es una novedad, ¿qué mensaje te gustaría dejar sobre tu música y sobre los shows que están por venir? ¡Gracias! Respeto mucho la historia de cada país y estaría muy feliz de que abrieran el corazón a lo «nuevo». Espero y tengo la intención de mostrar que podemos divertirnos juntos.

Curol: ritmo, identidad y creciente presencia en América Latina

Slim Soledad confirma el lanzamiento de su primer álbum de estudio, Noches Calientes de la Soledad, previsto para el 20 de marzo de 2026, y lo hace con la salida de un nuevo single que ya empieza a resonar fuerte en la escena club: “Mapoas Only”, junto a Clementaum.



Referente de la escena queer y latina en Brasil, Slim Soledad se ha consolidado como una figura clave del circuito electrónico underground, construyendo un lenguaje propio que cruza techno, ritmos latinos y una fuerte identidad cultural. “Mapoas Only” funciona como una carta de presentación del universo que desplegará en su álbum debut.



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El track se apoya en un groove percusivo constante y contenido, donde la energía se administra con sutileza. Lejos de la agresividad del peak time, la producción apuesta por el flujo, el espacio y la sensación física, permitiendo que la voz se integre con claridad y carácter. Es música de club pensada para horarios tardíos, after-hours y pistas donde la conexión prima sobre el impacto inmediato.



La participación de Clementaum, una de las artistas emergentes más interesantes de la electrónica brasileña, aporta una presencia vocal magnética y segura. El encuentro entre ambas construye un mensaje de sororidad, comunidad y movimiento compartido, alineado con la preservación y proyección de la historia LGBTQ+ dentro de la cultura club brasileña.



“Mapoas Only” anticipa el pulso de Noches Calientes de la Soledad: un álbum que promete explorar la intimidad de la pista de baile desde una mirada contemporánea, diversa y profundamente conectada con el cuerpo.



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Slim Soledad anuncia su álbum debut Noches Calientes de la Soledad

Con una identidad forjada entre raíces latinas y experiencias globales, el DJ y productor colombiano <a href="https://www.instagram.com/thisisjorgen_?igsh=MXZ1aHd0YXU4OHlqcg%3D%3D" target="_blank" rel="noreferrer noopener">Jörgen</a>, radicado en Los Ángeles, presenta su primer gran proyecto: LIBRE, un EP lanzado este  viernes 17 de octubre a través de<a href="https://www.instagram.com/greaterthandistribution/?hl=es" target="_blank" rel="noreferrer noopener"> Greater Than Distribution</a>. Cinco cortes diseñados para la pista, cargados de energía club y atravesados por una impronta personal que convierte este lanzamiento en el inicio de una nueva etapa en su trayectoria.



El sonido de LIBRE se sustenta en bases deep tech, bajos densos y sintetizadores hipnóticos, a los que Jörgen suma la cadencia de su herencia latina y las atmósferas recogidas de sus vivencias en Boston, Islandia, Colombia y Los Ángeles. El resultado es un viaje sonoro que, aunque pensado para las horas más intensas del club, conserva un trasfondo íntimo y auténtico.



El camino hacia este EP ya había dejado huellas claras. Montañas Oscuras destacó su influencia latina y fue incluido en playlists como Latin House de Spotify y Deezer. Más tarde, You Know I’ve Had Enough desplegó grooves hipnóticos y se posicionó en Fresh Finds: Dance de Spotify. Su más reciente sencillo previo al EP, I Lost Control, mostró la faceta más directa de Jörgen en la pista: bajos contundentes y una energía urgente que se siente de inmediato en el cuerpo.



Su propuesta no se queda en el estudio. Nombres como Westend, Haylee Wood, Tom & Collins, Leandro Da Silva, Felix Cartal, Tita Lau y Ferreck Dawn han respaldado sus producciones en sus propias cabinas, demostrando que el sonido de Jörgen trasciende fronteras y conecta con audiencias alrededor del mundo. A esto se suma su presencia en escenarios internacionales como SXSW y Beyond Wonderland, donde ha consolidado un perfil que crece tanto en vivo como en sus lanzamientos.



Más que un debut discográfico, LIBRE se presenta como una declaración artística. El título sintetiza lo que significa esta etapa para Jörgen: la libertad de moldear un sonido propio, de honrar sus raíces y de abrir las puertas hacia el futuro de su carrera.



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Jörgen – LIBRE, un debut que marca un nuevo capítulo

Trascendiendo fronteras, Midnight Generation —la banda de retro-pop-funk-electrónica originaria de Chihuahua— llegó por primera vez a Argentina como parte de su tour sudamericano. Con un sonido que fusiona influencias nostálgicas de los años ’70 con energía moderna y letras en inglés, ofrecieron una presentación vibrante en Niceto Club que agotó entradas y confirmó su creciente popularidad en la región.



Para quienes los descubren por primera vez, Midnight Generation se define como “una banda del norte de México inspirada profundamente en la música de los 70, en los sonidos limpios, los sintetizadores y la energía del escenario”. Su propuesta combina groove, melodías contagiosas y un espíritu festivo que invita a bailar desde el primer acorde. La decisión de componer en inglés fue natural: “La música que escuchamos y hacemos tiene casi todas sus referencias en inglés. Pero también crecimos escuchando música en español —desde Soda Stereo y Cerati hasta bandas argentinas como Los Ratones Paranoicos—, así que esas influencias también están presentes. Al final, la música es un idioma universal”, explican.



Tras presentarse en festivales como Estéreo Picnic en Colombia, Vive Latino en México y Quito Fest en Ecuador, llegar a Buenos Aires significó un hito especial para el grupo. “Para nosotros es algo muy importante. Argentina tiene una cultura musical muy rica y un público exigente. Hacer sold out en un lugar como Niceto en nuestra primera visita fue mind-blowing”, confiesan entre risas. El debut argentino formó parte de un tour regional que incluyó fechas en Bogotá, Quito, Lima, São Paulo, Rosario y Córdoba. “Ha sido muy energético y emotivo. Latinoamérica nos ha recibido con muchísimo cariño y en Argentina esperábamos mucho… y superó todo”, cuentan.



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Su nuevo álbum, Tender Love, representa un punto de inflexión en su trayectoria. “Fue el inicio de abrir mercados, internacionalizarnos y romper estigmas, como que los latinos tengamos que cantar únicamente en español. Queremos seguir evolucionando y tomando lo mejor de lo que la vida nos ponga en el camino”. El disco ya refleja un crecimiento notable en audiencia global, impulsado por singles virales como “Don’t Wait Up”, que acumula millones de reproducciones y se ha convertido en uno de los himnos de su repertorio actual.



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A la hora de componer, el proceso de Midnight Generation se basa en la improvisación colectiva y la experimentación. “A veces estamos todos en el estudio y surge un ritmo o una armonía. Vamos construyendo como si fueran Legos: lo que funciona se queda, lo que no, se descarta. Es importante también definir qué emoción queremos transmitir desde el inicio”. A los artistas jóvenes que sueñan con seguir un camino similar, les dejan un consejo simple pero poderoso: “Escuchen mucho, experimenten sin miedo y sean fieles a su sonido”.



Midnight Generation está integrada por Fernando Mares (voz, teclados y guitarra), Luis Carlos “Bica” Valderrama (teclados y coros), Carlos Amaya (bajo y teclados), Samuel Márquez (batería y coros) y Diego Bustillos (percusión). En pocos años lograron posicionarse como una de las bandas más frescas e innovadoras de la escena latina, con shows agotados en México y una presencia internacional en constante expansión



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