Esto no es una suposición: no habrá artista que detalle sus procesos mejor que lo que ha hecho BT. El norteamericano Brian Transeau se ha hecho un nombre en la escena bajo un alias minimalista conformado tan solo por sus dos iniciales. Sin embargo, nada está más lejos de ese adjetivo que sus procesos y los productos finales que salen de su inagotable fuente de creatividad.

Para nuestra sección, en donde dejamos hablar a los protagonistas, le pedimos que nos cuente en detalle tema por tema, track by track, cómo cobró vida “The Lost Art Of Longing”, reciente álbum de estudio que publicó en Black Hole Recordings.

El resultado, una completa inmersión en los alocados, complejos y por demás dedicados procesos de un legendario productor que, una vez más, demuestra completa vigencia. Así se creó “The Lost Art of Longing”.

Game Theory

“Esta canción comenzó como una gran imporvisación en un Eurorack de una hora de duración. Una especie de ‘Manuel Gottsching se encuentra con Tangerine Dream’. Mi sistema modular -tan antiguo como moderno- tiene un alma palpable y, a veces, está en el estado de ánimo exacto -supongo que yo también- para sacar algo hermoso de él. En este día, estaba jugando con algunas secuencias de pasos usando voces antiguas de Oberheim 2, un System-100a y un Arp 2600 que solían pertenecer a Pink Floyd. Todos los ostinatos empezaron ahí.

Como nota al margen, cuando terminé esta pieza, la pintura se estaba secando literalmente en mi hermoso nuevo estudio. Una de las cosas más emocionantes de esta nueva sala es que es la primera vez que tengo acceso a todos los sintetizadores que he estado recopilando desde que era un niño de 14 años en Rockville, Maryland, cortando césped para comprar esos primeros sintetizadores. Nunca han estado todos en una habitación y ahora están disponibles para mí, al mismo tiempo. De los cientos de instrumentos que hay, ninguno es ‘para mostrar’, o porque creo que ‘quizás lo necesite algún día’. Está lleno de instrumentos que amo, en los que he encontrado parte de mi voz creativa. Está sucediendo algo mágico en este espacio entre estos instrumentos y yo, y de ese espacio nació esta primera canción.

El siguiente paso fue superponer el movimiento y la progresión de acordes. Cuando esta pieza comenzó a aparecer, lo que imaginé eran las calles húmedas de la ciudad de Los Ángeles alrededor de 1983. Quería capturar ese tipo de sonido. La música es una experiencia increíblemente visual para mí. De hecho, estoy bastante seguro de que soy sinestésico. Muy a menudo, una melodía, un ritmo o una progresión de acordes evocan una imagen que luego estoy luchando por capturar en la composición.

Wildfire

“Esta pista tiene una historia muy loca. Escribí esta pieza musical hace años. Guitarras acústicas en vivo, piano y una programación muy detallada. Cuando mi nuevo estudio estuvo terminado, comencé a revisar algunas pistas viejas y esto surgió y pensé: ‘Vaya, esta tiene que estar terminada’. Trabajé con Brenna Remote -¡qué increíble cantante y compositora es!- en las letras. Es una canción sobre la esperanza y el anhelo, un tema recurrente en gran parte de mi trabajo. La pasamos muy bien escribiendo. Ella tiene mucho talento.

A medida que la voz se fusionó gradualmente, comencé a trabajar en el track y usé todos los elementos en vivo originales del demo. Si no recuerdo mal, la guitarra principal es mi Gibson 335 a través de un AC-30. El piano fue grabado en vivo en los estudios Omega en Rockville, Maryland. También, utilicé estos instrumentos realmente geniales llamados Boomwhackers y un metalafono acústico. La paleta de instrumentos me recuerda algo de la canción que escribí para Morgan Page llamada ‘In the Air’.

De todos modos, para darle vida y forma a esta pieza musical, comencé a incorporar la instrumentación original, con todas las nuevas habilidades de este nuevo estudio de ensueño. Me sentí como un niño en una tienda de dulces. Aterricé en una especie de corcheas encadenadas tipo Adam K o Deadmau5, usando el Jupiter 8 a través de un compresor EAR en el Lynx Aurora-n en capas con Serum. Esto se convirtió en la columna vertebral de la canción.

Usando la voz como inspiración, comencé a grabar todo tipo de ruidos relacionados con el fuego. Si prestas atención a toda la pieza, puedes escuchar los sonidos de la chimenea de nuestra casa, los fuegos artificiales, las bengalas, la llama de un globo aerostático y otras grabaciones de campo que hice. Sonidos de texturas como estas son los que hacen una pieza musical para mí. El diseño de sonido vive adyacente y separado del significado lírico. El fuego es destructivo y un conducto para el crecimiento. Aumenta drásticamente el nitrógeno en el suelo. Es como Shiva, el dios indio de la destrucción y la creación. Me encanta esto como metáfora y quería que estuviera representado en todo, desde la voz hasta el diseño de sonido. Este fue mucho trabajo al final, pero creo que valió la pena.”

Walk into the Water

“Es difícil elegir favoritos en este álbum porque estoy muy orgulloso de todo, pero esta canción está muy arriba para mí. Hay tantas cosas especiales sucediendo en esta canción que es difícil distinguirlas todas. Comenzó en mi carga automática de Cubase como una partitura. Los pianos en capas, los crescendos de cuerdas de conjuntos pequeños… Comenzó más como una gran canción con una partitura increíble que como una pieza de música de baile. Sin embargo, estaba en el tempo exacto para envolverlo en una gran pieza de música electrónica, así que puse manos a la obra. Se lo envié a la cantante Kristi Krings y a un joven productor cuyo trabajo amo: Matt Fax. Matt hizo una programación fantástica de bajos y baterías, y Kristi escribió un vocal absolutamente asombroso.

Empecemos por la voz. La voz de Kristi fue grabada a través del procesamiento Dolby-A y le da una increíble presencia y brillo. Había usado esta técnica antes solo una vez. Básicamente, se trata de reutilizar algo que tiene la intención de eliminar el ruido de una señal para hacer este extremo superior increíblemente aireado. Es un sonido extraordinario. Aric Johnson, el esposo de Kristi, grabó y procesó cada pista de esta voz. Sonaba absolutamente increíble.

Sin embargo, hubo un problema en el sentido de que era demasiado brillante y creaba muchos ruidos de respiración amplificados, y no en el buen sentido. Pasé unos 3 días en iZotope RX trabajando con cada pista de esta voz a un nivel espectral, para eliminar el ruido de labios, boca y respiración. Fue un proyecto enorme pero valió la pena al final. También, creé algunas técnicas y trucos nuevos trabajando en esta voz, cosas que nunca puedo dejar de hacer. De hecho, cuando Howard Jones escuchó esta canción, lo primero que dijo fue ‘¿Qué diablos le has hecho a esa voz? ¿Puedes hacérmelo a mí?’, algo que hice en las canciones que produje para su álbum actual. Realmente, se puede escuchar este efecto en la canción ‘The One to Love You’.

Otra cosa emocionante de esta canción es la bajada, que es el mayor giro de toda la pieza. Quería escribir algo realmente inesperado, que atrapara al oyente de una manera casi discordante e insegura. La mayoría de la música es tan predecible ahora -incluso las mejores-, porque se adapta a los algoritmos de Spotify. ¡No necesitamos preguntarnos cómo sonaría la inteligencia artificial haciendo música porque lo estamos haciendo actualmente!

Finalmente, el diseño de sonido es de grabaciones de campo recolectadas en viajes. Utilizo una grabadora de campo digital portátil Sony PCM D-100 con los micrófonos originales y edito todo a nivel molecular en iZotope RX. Esta canción, que tiene como tema el agua, contiene grabaciones de campo de todo, desde buceo en una GoPro hasta una playa con piedras lisas y grandes olas en Islandia –se escuchan al principio. Hay momentos en los que utilizo el low pass filter para simular la experiencia auditiva de la transición del aire al agua, como sumergirte lentamente en el agua cuando nadas. Encontrar este efecto de transición simple pero efectivo en el diseño de sonido hizo de esta una pieza notablemente visual para mí. Me encanta escucharla con los ojos cerrados. Cada vez que eso sucede, siento que me sumerjo en el mar y en las olas.

Podría escribir una tesis sobre la parte de Csound de esta pieza, pero esto es más que suficiente. Esta canción tardó aproximadamente 2 meses en terminarse.

1 AM in Paris

Esta es una colaboración con Matt Fax. Escribimos esto rápidamente, lanzando ideas de un lado a otro a través de Skype y el correo electrónico. Le envié a Matt un montón de figuras melódicas usando mi Prophet-5, Jupiter 8 y el Moog Model D de 1978. Trabajamos en estas ideas y, una vez que decidimos las melodías y progresiones, comenzamos a envolver la pista y los arreglos a su alrededor.

Como varias de las otras canciones del disco, lo cargué en mi consola y lo mezclé en vivo en el disco -como mezclar en vivo una cinta en el pasado. Hay un sentimiento que surge de esto cuando lo haces bien que no se parece a ningún otro sentimiento en la creación musical.

Lanzo sonidos con delays y reverbs, alimentando la consola sobre sí misma usando una entrada auxiliar loopeada y muchas otras cosas. Le debemos mucho a los pioneros de la música dub como King Tubby y otros posteriores, como Adrian Sherwood de Tackhead Sound System y Coldcut. Utilizo estas técnicas de mezcla en vivo todo el tiempo. Existe, tristemente, una generación de productores e ingenieros que nunca conocerán la alegría de los felices accidentes que provienen de la mezcla en consolas. ¡Es una tragedia estar relegado a interactuar con una canción a través de un mouse! Hablando de tecnologías perdidas y anticuadas, este es un ejemplo perfecto: es un dolor de cabeza hacerlo y lleva mucho más trabajo pero vale la pena. Muy divertido.”

“Existe, tristemente, una generación de productores e ingenieros que nunca conocerán la alegría de los felices accidentes que provienen de la mezcla en consolas. ¡Es una tragedia estar relegado a interactuar con una canción a través de un mouse!”

The Light is Always On

“Escribí esta canción con un artista llamado Mangal Suvarnan. Es un cantante e intérprete de bansuri fenomenal -uno de mis 2 instrumentos de viento favoritos. Queríamos escribir algo sobre la depresión y la ansiedad, ya que es algo que ambos hemos experimentado y hay muchas personas que luchan contra esto, en estos días. Afortunadamente, existe una creciente conciencia y compasión en torno a estos problemas y un clima de vergüenza cada vez menor para las personas que lo experimentan.

La letra fue un punto focal importante para este. Nos llevó bastante tiempo. Escribir con metáforas puede ser difícil, así que siempre busco inspiración en una pila de obras de Pablo Neruda, Sylvia Plath y otros poetas. La escritura de letras es un desafío, incluso en un buen día. Escuchar música country también me deja boquiabierto. Si hablamos de inspiración, esos son los mejores letristas que están vivos.

Una vez que la estructura y el ambiente de esta canción comenzaron a fusionarse, se lo envié a Au5, quien rápidamente me devolvió los stems para lo que es ahora la parte principal de la bajada. Nos lo pasamos genial tratando de superarnos entre nosotros respecto al diseño de sonido con las locas figuras que dominan esta sección.

Hice la maqueta orquestal al principio y ensamblé todo en una mezcla final. Esta pieza presenta bastantes partes de mi nuevo software, que aún no está disponible, ¡pero actualmente estamos entrando en beta! ¡¿QUÉ?!”

The War

“Este es otro de mis favoritos. Esta canción nació como una demo súper áspera de piano y voz de Irina Mancini y Paul Harris de Dirty Vegas. Suceden tantas cosas aquí que es difícil saber por dónde empezar. Esta es una de las piezas más complicadas, en cuanto a diseño de sonido, música y arreglos, de todo el álbum.

Es inusual para mí gravitar alrededor de un vocal casi terminado ya que, generalmente, estoy metido en la canción desde el inicio. Sin embargo, este simplemente me llamó la atención y me sentí increíblemente conectado con él. Hicimos algunos ajustes, pero esa letra ya estaba casi completamente hecha.

La primera pregunta que me hice fue: ¿Cómo puedo hacer que esto pase de sonar como una banda en vivo a una pieza esotérica con glitch, al mejor estilo trap o drum & bass? ¡Eso es lo que quiero hacer! ¿Por qué se me ocurren estas ‘grandes’ ideas que no puedo descartar?

Entonces, empecé. Dividí la canción en distintas versiones: Banda en vivo, trap o bass, drum & bass e IDM. Hice casi 4 versiones completamente formadas de la canción y las unifiqué en una versión final.

Hay una anécdota muy divertida sobre esta canción: Estaba en terapia, contando una historia frenéticamente y mencioné que mi hija tiene TDAH, a lo que mi terapeuta me interrumpió de inmediato y me dijo: ‘¿Alguna vez alguien te ha hecho una prueba de TDAH?’. Después de un largo silencio incómodo, agregó: ‘Porque tú también tienes TDAH’.

Entonces, el desglose en esta canción que tiene estas ediciones fractales y cortes de glitch micro-rítmicos se ha convertido en una broma familiar. Siempre que la escuchamos, todos me miran y dicen: ‘¿Alguien te han hecho una prueba de TDAH?’. En ese momento, todos mueren de risa. Sí, bueno, equipo #superenfocado. ¡Ya lo entendí!”

Weltanschauung

“Bueno… Primero que nada, el nombre. Soy de ascendencia alemana, francesa y noruega. También, me fascina la lingüística, la antropología paleolingüística, la etimología de las palabras y, en general, las palabras, frases o dichos que existen en otros idiomas, pero para los que no existe un equivalente en inglés.

Si buscan esta palabra en el traductor de Google, les dará un significado muy diferente al que dará una persona alemana. Google les dirá ‘una filosofía o visión particular de la vida’ o ‘la cosmovisión de un individuo o grupo’, mientras que alguien de habla alemana hará la distinción, esto se acumula a lo largo del tiempo y es más parecido a una especie de ‘pensamiento comunitario’.

Me encanta esto, que también influye en el título del álbum, así que me disculpo que no sea pronunciable -a menos que seas alemán-, pero adoro esta palabra.

Este track comenzó como un experimento mental y una progresión de acordes. Lo primero que tuve en mi cabeza durante un par de días fue la melodía para después del drop y la progresión de acordes con la quinta disminuida, algo al estilo Anjuna. Estaba viajando en ese momento y no pude grabarlo, así que estoy muy contento de haberlo recordado durante un par de días.

El experimento mental fue ‘¿Qué pasa si alguien entra en trance en los ochenta?’. ¡Qué pensamiento tan extraño! Una vez más, uno de mis pensamientos complejos que no puede ser desapercibido. Es la cruz que llevo. Entonces, me propuse hacer esta melodía y progresión usando todos estos sintetizadores analógicos antiguos y cajas de ritmos de mi era musical favorita, envueltos en un contexto y estilo moderno. Fue una auténtica maravilla

Los instrumentos destacados de importancia son el Linn Drum LM2, Oberheim DMX, Sequential Circuits DrumTracks  Roland 808, CR-8000 y el CR-78.

Para los efectos, intenté emular el efecto de “Electric Avenue” de Eddie Grant o algunas cosas de «Atomic Dog» de George Clinton en particular. Usé el MXR Pitch Transposer, una caja de finales de los setenta que se usaba mucho a principios de los ochenta. De hecho, construí un panel en mi Eurorack para poder enviar señales de gate y cambiar el estado de las caja usando un secuenciador por pasos. Es un efecto increíble. Lo oyes todo a través de la pista.

En el lado de los sintetizadores, están sucediendo muchas cosas por aquí. El bajo principal es una combinación de tres elementos: un Waldorf Wave, dos Moog Model D -uno antiguo y uno nuevo- y una pila de DX7. Los sonidos principales del sintetizador son de un Yamaha CS-15 -esa figura de ostinato de 16 notas-; luego, una buena porción es de un Roland JX-8P y hay Sequential Circuits T-8, Prophet 600, Kawai SX- 210, Roland Jupiter 6 y un montón de otras cosas que no puedo recordar.

De alguna manera, recuerdo que, cuando hice este sonido, se hizo tan bueno tan rápido que pensé: ‘Tengo que imprimir esto ahora’. En el desglose, hay algunos pianos en el Spitfire Audio, un Yamaha CP-70 y el enorme Yamaha CS-80 que se filtra a través de la bajada. El sonido del conjunto de cuerdas de Solina es, en realidad, el Kawai SX-210 -un sintetizador maravilloso y subestimado-, mucho mejor que el famoso Juno-106, para mis oídos.

Por último, pero no menos importante, esas enormes tomas que suenan a Miami Vice son un verdadero Simmons SDSV que tuve la suerte de encontrar hace un par de años en Craig’s List en un viaje por Carolina del Norte. Quería uno de esos desde que escuché por primera vez «She Blinded me with Science». Desde que lo encontré, lo uso obsesivamente. En total, esta es mi versión de cómo habría sonado el trance, si hubiera ocurrido alrededor de 1981 y 1983.”

“Esta es una de las dos canciones del álbum en la que estoy cantando. Cantar es gratificante. Soy, ante todo, compositor, ingeniero y productor. Cantar es algo que aporta mucho a la pieza adecuada y puedo sentir bastante presión, así que lo hago esporádicamente y solo cuando es apropiado.”

I Will Be Yours

“Esta es una canción que escribí junto a un compositor danés llamado Daniel Nitt. Esta es una de las dos canciones del álbum en la que estoy cantando. Cantar es gratificante. Soy, ante todo, compositor, ingeniero y productor. Cantar es algo que aporta mucho a la pieza adecuada y puedo sentir bastante presión, así que lo hago esporádicamente y solo cuando es apropiado. Me piden mucho que sea la voz invitada, desde que escribí y canté ‘Love Comes Again’ de Tiesto.

Hablando de voces, hay algunos tratamientos realmente locos y maravillosos aquí. En particular, el truco Dolby-A que mencioné en ‘Walk into the Water’ y una combinación del Roland VP-330, iZotope Vocal Synth 2 y Sound Toys Little Altar Boy. Como de costumbre, una gran combinación de hardware y software. Esa sesión de composición vocal tiene como unas 80 pistas de tratamientos. Eso solo fue un gran proyecto para obtener este tratamiento vocal mitad humano, mitad robótico pero natural.

Algunas otras cosas notables en ‘I Will Be Yours’ son el Fender P-Bass de 1989 en vivo. Esta fue una parte divertida tanto para escribir como para tocar y le da una sensación híbrida en algún lugar entre el house y una banda en vivo. Amo este sonido. Los hi hats en vivo o el bajo en vivo en la música electrónica me recuerdan los discos de Madonna de mediados de los ochenta.

Las guitarras en vivo las toca mi amigo y asombroso guitarrista -y productor- Jonny Radford de la banda Radford. Él y yo nos hemos hecho amigos durante los últimos cinco años y, a mediados de los noventa, compartimos al mismo manager horrendo. Siempre tenemos mucho de qué hablar y mucho en común, tanto en términos de experiencias de vida como de preferencias estéticas. Creo que podríamos hablar de los Smith y AC-30 vintage durante unos mil años.

La parte de guitarra que se parece a ‘Boys of Summer’ es en realidad una guitarra acústica reamplificada con overdrive. Amo mucho esta parte. Se me queda atascada en la cabeza cada vez que escucho la canción.

En cuanto a los sintetizadores, vuelve a aparecer mi ‘santa trinidad’ nuevamente: El Prophet 5, el Roland Jupiter 8 y un Mini-Moog Model-D clásico. Estos tres sintetizadores sustractivos juntos son las cosas de las que los sueños –al menos, los míos- están hechos. Los sintetizadores son, principalmente, estos tres. También, hay algunos instrumentos pequeños tocados con la mano.

Finalmente, una de mis partes favoritas del track es el breakdown de la banda en vivo hacia una programación LINN con referencias a ‘D.M.S.R.’ de Prince. Lo que puede sonar como samples soy yo sacando copias antiguas de Keyboard Magazine, leyendo sobre las técnicas de procesamiento que estaban haciendo en la caja de ritmos Linn durante ese tiempo y recreando estos sonidos desde cero. Esto fue muy divertido de hacer. Además, ese soy yo tocando el bajo con la técnica de slap en la bajada.  

En general, se trata de una de mis canciones favoritas centradas en el pop y la electrónica que he grabado.

If I Can Love You Right

Este es uno que escribí con Tydi y la cantante Lola Rhodes. Tyson y yo tenemos una larga amistad y relación fuera de la música. Me encanta su proyecto ‘Wish I Was’ y le dije que, cuando colaboremos, hagamos algo que sea una mezcla de ese sonido y mi material downtempo. Fue una maravilla simplemente intercambiar ideas y cuando pusimos notas en la página, todo se unió muy rápido.

Programé ese riff principal de electro-punteo apilando Nexus, Sylenth y el Jupiter 8. Como nota al margen, a menudo hago esto: superpongo sintetizadores suaves con sintetizadores analógicos sustractivos para dar un ataque simétrico con una ‘calidez’ orgánica superior, más aperiódica y estocástica. Es una combinación mágica de lo antiguo y lo nuevo. Empujarlos a todos a través de la compresión externa los une maravillosamente.

Los sintetizadores principales son Prophet T-8, Prophet VS, Jupiter 8, Oberheim OB-6 y muchos de mis complementos BreakTweaker -con iZotope-, más notablemente en el segundo verso. También, en esa parte hay un tratamiento vocal similar a ‘I’ll Be Yours’. Combinando el antiguo Roland VP-330 con iZotope Vocal Synth 2. Le da amplitud estéreo y calidez a ese segundo verso. También lo uso en los coros.”

Finalmente, estoy usando este extraño delay TOA de 50 dólares para ampliar la voz del coro. Es mejor que cualquier plug in que haya escuchado para hacer este tipo de ampliación. Tengo la sensación de que mucha de la magia del sonido está en la compresión analógica.” 

Never Odd or Even

Si no lo captaron, el título es un palíndromo, otra cosa con la que estoy obsesionado -audio, visual, palabras, lo que sea. Bucles bidireccionales. Amo esto como concepto y metáfora. Aquí hay un Easter egg –mensaje oculto- que no quiero revelar en torno al concepto de palíndromos que algunos de mis fanáticos del tipo programador / médico / criptólogo buscan obsesivamente en mis canciones, así que dejaré que lo encuentren. Como nota al margen final sobre esta intro -y outro-, utilicé una herramienta Google Project Magenta para generar fonémica aleatoria, una especie de «pseudo-discurso». Puede que sean demasiadas pistas.

Como es habitual, aquí están pasando muchas cosas. Empecemos por las guitarras: escribí y grabé todas las guitarras para esta canción primero en el piso de arriba de nuestra casa. La llamo mi sala de vivo pero, en realidad, es una sala de estar en la que guardo muchos instrumentos acústicos. Las principales guitarras utilizadas son la Gibson 335 de finales de los cincuenta, una Telecaster de los ochenta y un amplificador Roland JC-120 y 60 AC30. Se invirtió mucho tiempo y detalles meticulosos en escribir y grabar estas partes y una gran dosis de TOCs y correcciones.

En cuanto a los sintetizadores, me propuse hacer todo, menos la línea superior, usando solo mi Minimoog Model-D. En ‘These Hopeful Machines’ hice esto en varias pistas usando Sequential Circuits Pro-1. Me encanta limitar mis herramientas para una canción y ver qué se puede sacar de un solo instrumento. La línea superior en el coro es el Júpiter 8.

“Me encanta limitar mis herramientas para una canción y ver qué se puede sacar de un solo instrumento.”

La percusión estilo glitch se creó en el ordenador utilizando únicamente programación en script en un lenguaje de programación llamado CDP, creado por el brillante y pionero Trevor Wishart. Uso CDP, cSound y SuperCollider -todos los lenguajes de programación en script- y Max / MSP + Pure Data con regularidad para operaciones de diseño de sonido de alto nivel que no se pueden lograr con software de música normal disponible comercialmente. Yo uso habitualmente cSound para crear prototipos de ideas que luego se han convertido en software.

Lo mejor del track es que gran parte del mismo está programado y grabado en un Fairlight CMI III de la vida real. Este instrumento es algo que quería desde niño. Me inspiraron profundamente las producciones de Trevor Horns con The Art of Noise, Propaganda, Act, Grace Jones, The Pet Shop Boys, Peter Gabriel, Kate Bush, etc. Quería poder hacer ese tipo de sonidos cuando era niño. El Fairlight entonces costaba más que una casa y era tan raro como las lágrimas de unicornio. En estos días son aún más raros pero mucho menos codiciados, ya que puedes hacer algo similar -aunque en ninguna parte suena tan bien o inspirador para programar cosas- usando una computadora.

De todos modos, hace unos seis años encontré uno en Australia de un caballero llamado Peter que solía trabajar para Fairlight en su apogeo. Estaba vendiendo un sistema completo a un precio razonable, así que aproveché la oportunidad. Deben quedar unos 20 en buenas condiciones en todo el mundo. En pocas palabras, cuando llegó el servicio de paquetería literalmente lo tiró en la entrada. ¡Tengo fotos para probarlo! Fue completamente destruido. Monitor astillado, tarjetas en el mainframe arruinadas y el teclado roto.

Entonces, ¿qué hice? Lo que haría cualquier fanático de los sintetizadores que codiciara un Fairlight desde niño: pasé cuatro años restaurando hasta el metal. Se instalaron ventiladores silenciosos nuevos –son más ruidosos que un secador de pelo-, se pintó para combinar con las teclas, agregamos luz al teclado… Solo este proceso nos llevó unos seis meses en donde sacamos cada tecla, la mezclamos y pintamos con un compuesto viscoso y las pusimos bajo luz ultravioleta en la bañera, que parecía un laboratorio de metanfetamina de Breaking Bad.

¿Qué más? Ah, sí, una recapitulación completa. Cambié los discos duros viejos por unidades de tarjetas SD y CF y, luego, con mis amigos Andrei de Intel y Garth de Chicken Systems -y la ayuda de los creadores originales Peter Vogel y Steve Rance- hicimos ingeniería inversa del formato de samples y la información de metadatos para poder transferir los bancos de Kontakt a Fairlight y viceversa. Es una locura. Una de las cosas más geniales que he tenido.

Ahora, la gran pregunta: ¿por qué diablos te tomarías tanto trabajo? Bueno, dos razones: Primero, supe, por la música que se hizo en ellos -piensen en ‘Moments in Love’, o ‘Biko’, o ‘Owner of a Lonely Heart’-, que eran máquinas profundamente especiales, al igual que las personas que las usaban. ¡Tenía razón! Fuerzan un flujo de trabajo tan poderoso que no puedes evitar crear cosas mágicas con ellos.

En segundo lugar: Dios mío, el sonido. La gente ahora piensa en el sampleo como ‘Necesito un hi hat, agarro alguno de Kontakt o EXS’. Hemos olvidado colectivamente la alegría y el arte del sample –y, también, las limitaciones, que son una gran parte de la inspiración. Si sampleas un sonido de cuerdas o una onda de sierra de un sintetizador sustractivo en Fairlight y lo reproduces, es como si los cielos se hubieran abierto y los ángeles lloraran. Sin hipérboles, sin límites. Es así de extraordinario.

Todas las vocales y gran parte de las secuencias se realizaron en este glorioso e inspirador instrumento. Alguien en un hilo de un foro me dijo: ‘Amigo, puedes conseguir una aplicación para iPad por unos 3 dólares que hace lo mismo’. Lamentablemente, eso está muy alejado de la verdad. El Fairlight, tal como sospechaba cuando tenía 13 años, es como una especie de amuleto mágico o el Arca de la Alianza, o algo así. Es así de asombroso.”

Windows

Este es otro de mis favoritos absolutos del álbum. Esencialmente, una gran canción pop vestida de un paisaje sonoro electrónico moderno. Cuando escribí esta progresión de acordes, estaba muy emocionado con ella. Esto me sacó de mi flujo de trabajo normal y de mi zona de confort y fue una experiencia realmente positiva, una que estoy seguro de que volveré a visitar.

Tengo una nota en un tablón de anuncios en mi tienda que dice ‘Corre hacia la incertidumbre’. Eso resume encontrar esta voz. La cantante April Bender y yo nos conocimos a través de amigos en común. Ella lo hizo increíble. No tuve nada que ver con esta voz en absoluto, aparte de encontrarla.

Los momentos más notables en este son el uso de diferentes capas de soft synths y sintes analógicos apilados en capas. Hice una gran sesión de grabación usando solo el Yamaha CS-80. Ese sintetizador es posiblemente el mejor sintetizador analógico polifónico jamás creado. Dicho esto, es delicado para cuidar. Nunca haría esto yo mismo, así que hace un viaje por carretera miles de millas hasta Switched On en Austin, Texas para ajustes, cada unos dos años. El solo hecho de mantenerlo en funcionamiento ya es algo muy loco pero, cuando lo necesito, no hay nada igual en la tierra.

El sonido polifónico de electropluck en esta canción es del Serum y el CS-80 tocando la misma parte en tándem. Estoy abriendo manualmente los filtros, ajustando velocidades, parámetros del envelope y otras cosas más, todo grabado en vivo. Fue realmente difícil hacer bien esta parte, pero valió la pena por la canción.”