El británico Aphex Twin anunció que transmitirá en directo
su presentación en el club nocturno Warehouse Project de Manchester del año
pasado. El set fue grabado en septiembre y se compartirá en su totalidad a
través de las páginas de YouTube y Facebook de Warehouse Project. También irá
acompañado de imágenes interactivas por su colaborador de toda la vida,
Weirdcore.



La noticia llega luego de que Aphex Twin haya compartido seis nuevas canciones en la misteriosa cuenta de SoundCloud <a href="https://djmagla.com/aphex-twin-publico-nuevas-canciones-en-cuenta-de-soundcloud/" target="_blank" rel="noreferrer noopener" aria-label="user18081971 (se abre en una nueva pestaña)">user18081971</a>, donde ha estado subiendo música de su autoría desde el 2015.



El año pasado, dio su primer show de club en más de 10 años y todo se puede ver <a href="https://djmagla.com/mira-show-aphex-twin-dio-este-fin-semana/" target="_blank" rel="noreferrer noopener" aria-label="aquí (se abre en una nueva pestaña)">aquí</a>.

Aphex Twin transmitirá un set con visuales interactivos este fin de semana

En un panorama global donde muchas fórmulas se repiten y el techno corre el riesgo de volverse predecible, proyectos como <a href="https://www.instagram.com/cancel.official/?hl=tl" target="_blank" rel="noreferrer noopener" aria-label="Cancel (se abre en una nueva pestaña)">Cancel</a> irrumpen con una propuesta que no busca complacer, sino confrontar.



Autodenominado “manipulador de techno”, Cancel representa un giro completo hacia una estética sonora áspera, visceral y conceptual. Después de más de 15 años inmerso en la escena industrial hardcore, decidió recalibrar su visión artística y crear una nueva entidad: una que desdibujara las fronteras entre lo digital y lo analógico, lo estructurado y lo caótico.



Desde hace años, este artista viene puliendo un enfoque híbrido que combina síntesis modular, máquinas analógicas y recursos digitales para alcanzar un sonido que, más que escucharse, se encarna. La suya es una propuesta que desafía el statu quo desde las texturas, la intensidad y la confrontación emocional.



En el marco de su inminente gira por América Latina, conversamos con él sobre el arte del descontrol, la belleza en lo abrasivo y por qué cree que este continente tiene algo urgente que decir en el lenguaje del techno contemporáneo.



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Tu música ya dejó una marca fuerte en la escena, y ahora estás por comenzar una gira por América Latina. ¿Qué esperás encontrar en este nuevo capítulo de tu recorrido? Este tour marca un momento muy especial para mí, no solo como músico, sino como performer que busca conectar con una energía cultural nueva. Siempre me intrigó cómo se vive la música en América Latina: no se consume, se encarna. Hay una intensidad emocional y una entrega al sonido que va muy en línea con lo que busco generar en mis sets.



Lo que más me atrae es la imprevisibilidad. Estoy entrando a espacios donde el público quizás nunca escuchó algo parecido a lo que hago, y esa falta de familiaridad de ambos lados abre la puerta a algo crudo y auténtico. Cada noche se convierte en un circuito de retroalimentación emocional entre el público y yo.



Además, quiero ver cómo las influencias regionales están moldeando su manera de abordar esta música. Siento que en Latinoamérica no se está replicando la electrónica europea: se está reinventando. Y quiero ser parte de esa conversación.



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Venís de una escena tan intensa como el industrial hardcore. ¿Cómo sigue impactando ese origen en lo que hacés hoy? 
Ese legado es la base de todo. No fue solo una estética sonora, fue una forma de ver el arte y el sonido como resistencia, como declaración. Me enseñó a romper cosas, a distorsionar, a empujar los límites de lo aceptable. Aunque hoy trabajo en un territorio más híbrido, ese impulso sigue ahí. 
Todavía me atraen las texturas ásperas, los ritmos rotos, la distorsión, pero ahora los uso con más intención. Hay más capas, más matices. Aprendí que en lo abrasivo también puede haber belleza. Y eso está presente en cada track y en cada performance.



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Tus sets híbridos se describen como intensos, crudos y sin concesiones. ¿Cómo los construís? ¿Qué hay detrás de esa experiencia en vivo? 
Lo pienso como diseñar un organismo que respira. No se trata solo de tocar temas, sino de construir una narrativa que pueda mutar en tiempo real. Todo arranca en el estudio, donde creo una librería propia de sonidos y loops: algunos vienen de sintetizadores analógicos, otros de sistemas modulares o incluso de errores técnicos. 
Después, trazo un esqueleto, una curva de energía. No escribo cada detalle, pero sí sé en qué momentos quiero explotar o desarmar todo. Cuando estoy en el escenario, suelto ese mapa. El público se vuelve parte del instrumento, y yo reacciono tanto como ellos. Es un caos intencional. Un ritual en vivo.



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Trabajás con una configuración híbrida: analógica, modular y digital. ¿Qué lugar ocupa la experimentación en tu proceso creativo? 
La experimentación no es una parte del proceso. Es el proceso. Justamente, el sistema híbrido me permite abrir todo el espectro posible de sonidos. Lo analógico me da calidez y errores felices, el modular introduce caos controlado y lo digital me permite precisión y estructura. 
No me siento con una idea cerrada. Empiezo armando cadenas raras de efectos, ruteando señales por lugares no convencionales. Muchas veces lo mejor surge de un error: feedbacks que se desbordan, glitches, ruidos que otros borrarían. 
Y también experimento con géneros. Me gusta traer elementos del noise, del drone o incluso del ambient. No para suavizar, sino para generar contrastes que potencien la brutalidad. Ahí es donde pasan las cosas más interesantes.



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Hoy el hard techno y el industrial están explotando en América Latina. ¿Sentís que tu sonido resuena diferente en regiones donde la escena todavía está en formación? 
Totalmente. Hay algo muy poderoso en tocar en lugares donde la música electrónica todavía está en construcción. En América Latina el crecimiento es rápido y sin inhibiciones. No hay tanta presión por seguir fórmulas ni tradiciones, y eso habilita más libertad tanto para los artistas como para el público. 
La reacción que veo acá es visceral. La gente no viene con expectativas prefabricadas, reacciona desde el cuerpo, desde el instinto. No es solo bailar: es absorber, experimentar, incluso cuestionar lo que está sonando. 
Y también hay algo del contexto social y político. En lugares donde hay tensión, crisis o lucha, la gente conecta con un sonido que refleje esa realidad. El industrial techno deja de ser solo entretenimiento. Se convierte en espejo. Y ahí es donde mi música cobra un sentido más honesto.



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¿Qué viene después de la gira? ¿Hay lanzamientos en camino? Sí. Hay varias cosas en marcha, aunque todavía no puedo contar todo. Pero puedo adelantar algo que me emociona mucho: estoy por lanzar un EP de remixes de “Sleep Is the Cousin of Death”, un tema que fue un punto de quiebre en mi carrera.



Convocamos a productores que respeto mucho: Luciid, H! Dude, The Salade, I:Gor y ORYMA. Cada uno llevó la idea original a lugares totalmente distintos, y yo también sumé una versión VIP 2025.



No es solo un remix EP. Es una reafirmación de hacia dónde voy, de los estándares que manejo y de la comunidad sonora que quiero construir. Sale pronto. Estén atentos.

Cancel: “La música puede ser un espejo incómodo, y eso es lo que más me interesa”

La DJ, productora y curadora parisina <a rel="noreferrer noopener" aria-label="CHLOÉ (se abre en una nueva pestaña)" href="https://www.instagram.com/listentochloe/" target="_blank">CHLOÉ</a> continúa consolidando el perfil sonoro de <a rel="noreferrer noopener" aria-label="Lumière Noire (se abre en una nueva pestaña)" href="https://www.instagram.com/lumierenoirerecords/" target="_blank">Lumière Noire</a>, su sello discográfico, con el lanzamiento de la segunda entrega de Flash, una serie de compilaciones orientadas al club que combinan sensibilidad artística con potencia para la pista de baile. El EP verá la luz el 6 de junio y reúne a figuras clave de la electrónica europea como LAUER, Costello, Paresse y Destiino, el alias experimental de Yuksek.



La apertura está a cargo de Paresse con ‘SEM EMS’, una pieza que entrelaza melodías dub y grooves motorizados, marcada por una estructura progresiva que se detiene abruptamente, generando un impacto dramático. Le sigue Costello, quien en ‘Fresh Flesh’ combina elementos de dark disco y minimal house, a través de una melodía fragmentada y una atmósfera cargada de órganos sombríos.



Uno de los momentos más destacados del VA es ‘Venere’, una colaboración entre CHLOÉ y Destiino, donde los sonidos sintéticos, bajos gruesos y efectos desfasados componen un track de estética robótica y pulsos abstractos. Es una producción que explora territorios sonoros poco convencionales, reafirmando el interés del sello por piezas con un enfoque artístico y experimental.



La contribución de LAUER, titulada ‘H00V’, vio la luz hoy – viernes 23 de mayo – como un adelanto de lo que se viene.



Inspirado en la energía del garage británico de los años 2000, el track se sostiene sobre una base rítmica 4×4, bajos distorsionados y un diseño sonoro que remite al pasado sin perder contemporaneidad.



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Con Flash Vol. 2, CHLOÉ y Lumière Noire refuerzan su propuesta de electrónica híbrida: una colección de piezas pensadas tanto para clubes como para espacios de arte contemporáneo. El compilado mantendrá una línea coherente y arriesgada, reafirmando la identidad del sello como uno de los más innovadores dentro de la escena electrónica actual.

CHLOÉ continúa redibujando la noche con su sello Lumière Noire y la segunda entrega de «Flash»

Desde Chicago y con la fuerza que la distingue, <a rel="noreferrer noopener" aria-label=" (se abre en una nueva pestaña)" href="https://www.instagram.com/avisic/" target="_blank">Avi Sic</a> vuelve a alzar la vara con «Truth or Dare«, su más reciente lanzamiento editado por el sello <a href="https://www.instagram.com/forceofhabitrecs/?hl=en" target="_blank" rel="noreferrer noopener" aria-label="Force of Habit (se abre en una nueva pestaña)">Force of Habit</a>. Dueña de una trayectoria que no para de crecer, la DJ y productora demuestra una vez más que su visión de la música electrónica es tan comprometida como audaz.



Lejos de seguir fórmulas, Avi Sic compone desde cero cada uno de los elementos que conforman este nuevo single, en el que se cruzan la tensión del tech house con la elegancia melódica del progressive. El resultado es un track potente, magnético y dinámico, con ganchos que se quedan en la cabeza y una arquitectura sonora pensada para explotar en la pista de baile.



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Truth or Dare se apoya en un low-end pulido y penetrante, beats que golpean con precisión y sintetizadores que evolucionan en capas. Pero también hay una actitud juguetona que se cuela en los detalles: los quiebres están bien medidos, las voces —grabadas por la propia artista— aportan personalidad, y los drops saben exactamente cuándo irrumpir.



Este nuevo corte representa no solo un paso firme en el camino artístico de <a href="https://djmagla.com/tags/avi-sic" target="_blank" rel="noreferrer noopener" aria-label="Avi Sic (se abre en una nueva pestaña)">Avi Sic</a>, sino también un manifiesto de identidad: su sonido está en movimiento constante, pero siempre anclado en una producción cuidada, energética y con foco en el groove. Como DJ, su versatilidad es evidente; como productora, su propuesta no se diluye entre tendencias, sino que busca avanzar con personalidad.



Truth or Dare ya está disponible en todas las plataformas, y es una excelente excusa para sumergirse en el universo sónico de una artista que entiende la pista como un territorio de exploración y placer.



Con cada lanzamiento, Avi Sic deja en claro que su carrera es una de las que vale la pena seguir de cerca.



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Avi Sic apuesta fuerte con «Truth or Dare»: groove afilado desde Chicago

El panorama electrónico de 2025 está siendo transformado por una oleada de sonidos frescos y propuestas innovadoras. Dentro del indie house, dos nombres resuenan con fuerza: Adam Ten y <a href="https://www.beatport.com/es/artist/dvirnuns/1124731?srsltid=AfmBOoo0vTvSRFPdmHdHQ4UwzY4rG59XeEe2G_66d2BI72ENisYZEHYk" target="_blank" rel="noreferrer noopener">DvirNuns.</a> Con su nuevo track “Comusa”, ambos productores —reconocidos por su constante presencia en los rankings de Beatport— han logrado una colaboración que ya se perfila como una de las más relevantes del año.



Editado bajo el prestigioso sello internacional <a rel="noreferrer noopener" href="https://www.beatport.com/es/label/life-and-death/17532" target="_blank">Life & Death</a>, propiedad del icónico<a rel="noreferrer noopener" href="https://www.instagram.com/djtennis/?hl=es" target="_blank"> DJ Tennis</a>, Comusa ha escalado rápidamente hasta el tercer lugar del chart de Indie House y se mantiene firme en el Top 100 general de Beatport. Pero más allá de las cifras, el sencillo ha capturado la atención de curadores, DJs y programadores por su estética sonora singular: líneas melódicas envolventes, estructuras rítmicas precisas y un diseño que evita las fórmulas predecibles del género.



El israelí Adam Ten, con una carrera consolidada en la escena global, es conocido por fusionar influencias del Medio Oriente con electrónica contemporánea. Su sonido distintivo ha resonado en escenarios icónicos como Burning Man y clubes de Ibiza. Su aporte a Comusa revela una etapa de madurez artística, sin perder el filo experimental que lo caracteriza.



Por su parte, <a rel="noreferrer noopener" href="https://soundcloud.com/dvirnuns" target="_blank">DvirNuns,</a> oriundo de Herzliya, Israel, ofrece una visión más ecléctica y experimental. Con formación musical clásica y una inclinación por los detalles acústicos y analógicos, ha construido un catálogo que navega entre lo emocional y lo técnico. Temas como First Choice y Sax A Boom no solo encabezaron los rankings del género, sino que también captaron la atención de referentes como Solomun y Patrick Topping.



<figure class="wp-block-image size-large"><img src="https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2025/05/DvirNuns_PRESS_MENESES-1-1024x683.png" alt="" class="wp-image-1170003" srcset="https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2025/05/DvirNuns_PRESS_MENESES-1-1024x683.png 1024w, https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2025/05/DvirNuns_PRESS_MENESES-1-300x200.png 300w, https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2025/05/DvirNuns_PRESS_MENESES-1-768x512.png 768w, https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2025/05/DvirNuns_PRESS_MENESES-1-212x140.png 212w, https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2025/05/DvirNuns_PRESS_MENESES-1-950x633.png 950w, https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2025/05/DvirNuns_PRESS_MENESES-1.png 1200w" sizes="(max-width: 1024px) 100vw, 1024px" /></figure>



Life & Death, reconocido por apostar por propuestas que desafían los límites de la música electrónica, ha encontrado en Comusa un reflejo perfecto de su línea editorial: música que funciona en la pista de baile pero también invita a una escucha atenta. Con este lanzamiento, el sello reafirma su rol como plataforma para artistas con visión propia y autenticidad sonora.



Lejos de ser una colaboración aislada, Comusa podría marcar el inicio de una nueva etapa conjunta para ambos productores. Su excelente recepción en clubes, festivales y plataformas digitales sugiere que el tema tiene un largo recorrido por delante y que futuras colaboraciones podrían estar en camino.



En un momento en que el indie house expande sus fronteras y redefine su identidad, la alianza entre <a rel="noreferrer noopener" href="https://open.spotify.com/intl-es/artist/05tmGPn4fFdVpnsMt0YW5S?si=huqTH6LXQQKXVc3rpw3xFQ" target="_blank">Adam Ten</a> y <a rel="noreferrer noopener" href="https://open.spotify.com/intl-es/artist/5RIPjT0oNRQ8XGPcnwBL8n?si=RqECjXs4S_mu6M8LoPVH_w" target="_blank">DvirNuns</a> surge como un punto de referencia clave. Comusa no solo confirma el talento de dos de sus exponentes más influyentes, sino que abre nuevas posibilidades estéticas para el género.



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Adam Ten y DvirNuns  presentan “Comusa»

La noche del 28 de marzo, la Ciudad de México fue escenario de una velada inolvidable gracias a la colaboración entre EVØKE y AMPLIZO, dos iniciativas que están transformando la escena electrónica local. La excusa perfecta: la <a href="https://www.instagram.com/p/DHT0bRJhi7M/" target="_blank" rel="noreferrer noopener">Wait for the Sax Release Party</a>, una celebración exclusiva en un speakeasy secreto de la Condesa, concebida para marcar el lanzamiento del nuevo sencillo Wait for the Sax de EVØKE.



EVØKE, el dúo de DJs y productores integrado por Eduardo Aguirre y Rodrigo Ortiz, ha trazado un camino firme dentro del house y sus diversas vertientes, explorando desde la profundidad del deep house hasta la sofisticación del jazz house.



Por su parte, AMPLIZO se ha consolidado como un colectivo y plataforma que transforma cada evento en una experiencia sensorial completa, cuidando cada detalle: la atmósfera, el diseño y, sobre todo, la conexión emocional con el público.



La curaduría musical de la noche incluyó actos como <a rel="noreferrer noopener" href="https://www.instagram.com/lumontmusic/?hl=es" target="_blank">Lumont</a> (quien es residente del colectivo), <a rel="noreferrer noopener" href="https://www.instagram.com/noi__music?igsh=MXcwYWR0aTFkbzA2Zw%3D%3D" target="_blank">NOI</a> (Rodrigo Fernández y Pablo Chinchilla), <a rel="noreferrer noopener" href="https://www.instagram.com/malisgomezleal?igsh=MXN3ZmhvczhvcnVzYg%3D%3D" target="_blank">Maliz </a>y Solorio. Todos ellos, artistas afines al espíritu del colectivo, construyeron una narrativa sonora envolvente: beats sutiles al inicio, crescendo progresivo y un clímax donde jazz y electrónica se fundieron con naturalidad.



<div class="wp-block-image"><figure class="aligncenter size-large"><img src="https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2025/05/EVOKE-_PRESS_MENESES-2-1024x683.jpg" alt="" class="wp-image-1169999" srcset="https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2025/05/EVOKE-_PRESS_MENESES-2-1024x683.jpg 1024w, https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2025/05/EVOKE-_PRESS_MENESES-2-300x200.jpg 300w, https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2025/05/EVOKE-_PRESS_MENESES-2-768x512.jpg 768w, https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2025/05/EVOKE-_PRESS_MENESES-2-212x140.jpg 212w, https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2025/05/EVOKE-_PRESS_MENESES-2-950x633.jpg 950w, https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2025/05/EVOKE-_PRESS_MENESES-2.jpg 1200w" sizes="(max-width: 1024px) 100vw, 1024px" /></figure></div>



Desde su creación, AMPLIZO se ha posicionado por generar experiencias inmersivas donde la música dialoga con una ambientación visual meticulosamente diseñada. Fundado por Eduardo Aguirre, Rodrigo Ortiz y Diego Zárate —quien también lidera el management de EVØKE desde <a href="https://www.instagram.com/loudagency.mx/" target="_blank" rel="noreferrer noopener">LOUD Agency</a>—, el colectivo ha hecho de su estética un sello inconfundible. Su ícono: un cubo morado iluminado que simboliza la fusión creativa de ambas marcas.



Wait for the Sax representa con fidelidad el ADN de EVØKE: una apuesta por el house con instrumentación en vivo, que rompe con la rigidez digital del género y suma una dimensión cálida y humana. Aunque no es la primera vez que incorporan saxofón, guitarras o trompetas, este lanzamiento marca un hito en su evolución artística.



Con eventos sold out, una comunidad cada vez más sólida y una visión estética coherente, <a href="https://www.instagram.com/amplizo/" target="_blank" rel="noreferrer noopener">AMPLIZO</a> se consolida como una plataforma clave en el circuito underground de la CDMX. Al mismo tiempo, <a href="https://www.instagram.com/callusevoke/" target="_blank" rel="noreferrer noopener">EVØKE</a> continúa afinando su identidad sonora con nuevos lanzamientos, colaboraciones y una gira que promete llevar su música a nuevas latitudes.



La Wait for the Sax Release Party no fue simplemente un show más: fue una declaración de principios. EVØKE y AMPLIZO no solo están haciendo música. Están creando un movimiento.



Conoce mas sobre <a rel="noreferrer noopener" href="https://www.instagram.com/callusevoke/" target="_blank">EVØKE </a>y <a rel="noreferrer noopener" href="https://www.instagram.com/amplizo/" target="_blank">AMPLIZO </a>



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EVØKE lanza «Wait for the Sax» y enciende la noche con AMPLIZO, su marca de experiencias electrónicas

Llevo más de dos décadas cubriendo música electrónica, y aún me conmueve cuando un artista logra salirse del molde y, en lugar de entregarnos otro EP funcional, nos propone un viaje. Eso es exactamente lo que logra Luca Draccar con The Dark Side, su nueva obra lanzada por el sello Lush Point. Cuatro tracks que no están hechos para encajar: están hechos para desafiar.



Con raíces italianas pero forjado en el crisol berlinés, Draccar ha venido desarrollando desde 2018 un lenguaje propio: oscuro, exótico, plástico, con un pie en la pista de baile y otro en el abismo existencial. En The Dark Side, sin embargo, da un paso más profundo. Lo suyo aquí no es una colección de tracks; es una narración sonora. Un descenso controlado hacia los claroscuros de la mente.



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El EP abre con “Bad at Love Since Forever”, una declaración melancólica y ambigua donde sintetizadores etéreos se enfrentan con golpes rítmicos crudos. Hay un duelo constante entre fragilidad y contundencia, una sensación de estar siempre al borde de quebrarse, pero sin romperse nunca. Draccar parece sugerir que la pista de baile no solo es un espacio de euforia: también puede ser un lugar de duelo, introspección y catarsis.



Luego llega “Outlaws Division”, más lineal en estructura, pero cargado de detalles hipnóticos que bordean lo tribal. Aquí se siente su herencia techno, pero siempre filtrada por un lente personal. No hay fórmulas; hay pulsaciones que se retuercen y se expanden como pensamientos obsesivos. La pista se convierte en mantra.



El tercer track, “Reckless Flower”, es posiblemente el más luminoso del conjunto. Draccar, que recientemente ha sumado el piano a su arsenal creativo, lo utiliza aquí para crear una pieza surrealista pero emocionalmente accesible. La flor imprudente del título es, tal vez, una metáfora de sí mismo: creciendo entre el concreto del techno y la humedad de lo sentimental.



Y finalmente, “Branded Your Brain” cierra el EP con una potencia casi alucinógena. Es una explosión de texturas que remiten al hyper-pop, al post-techno, al ruido y al deseo. Una pista donde conviven el sudor del club y la introspección del cuarto propio. 



Draccar no busca agradar. Busca remover. Su techno no es hedonista: es reflexivo. No es cómodo, pero sí profundamente honesto. The Dark Side no solo es su obra más madura; es también una de las más intrigantes del año. Y lo digo con la certeza de alguien que ha escuchado demasiado.



En un momento donde la escena electrónica corre el riesgo de saturarse de fórmulas, trabajos como este nos recuerdan que el arte —también el que se baila— puede y debe incomodar, conmover, descolocar. Luca Draccar lo sabe. Y con The Dark Side, nos lo graba en la mente.



Si te gustó, no dudes en adquirirlo en Beatport:



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“The Dark Side” de Luca Draccar: cuando el techno se convierte en una experiencia filosófica

En una escena electrónica global donde el groove puede diluirse entre fórmulas predecibles, <a href="https://www.instagram.com/ronyseikaly/" target="_blank" rel="noreferrer noopener" aria-label="Rony Seikaly (se abre en una nueva pestaña)">Rony Seikaly</a> sigue demostrando por qué es un nombre que se sostiene por mérito propio. Su nuevo trabajo, Mariposa EP, que vio la luz a través de su sello Stride, es otra muestra de la madurez sonora que el artista ha cultivado con el tiempo: tres cortes precisos, elegantes y profundamente conectados con la pista de baile.



Lejos de ser una estrella reciclada del deporte —recordemos que brilló en la NBA—, Seikaly se ha consolidado como un productor de house respetado y consistente, con un enfoque honesto y visceral hacia la música. Su EP anterior escaló al Top 20 de Beatport, y Mariposa parece listo para seguir ese mismo camino. Aquí no hay trucos, solo música bien hecha.



El tema que da nombre al EP abre con una atmósfera cálida, sensual, donde las vocales suaves y un piano envolvente construyen una narrativa emocional sin caer en lo cursi. «Mami», el segundo track, ahonda en un terreno más hipnótico, con un bajo envolvente y percusiones que seducen sin estridencias. Y cerrando el recorrido, “New Day” brilla como una pieza de house etéreo, liviano, con vocales delicadas y una línea melódica que parece elevarte sin esfuerzo.



Escuchalo ahora:



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Más allá del sonido, este lanzamiento también dice mucho sobre Stride, su plataforma creativa. En un mercado saturado de sellos impersonales, Stride se perfila como un faro de coherencia artística. Y Seikaly, con su ojo curatorial bien afinado, no sólo lanza música, sino que plantea una estética, una dirección.



En tiempos donde el hype muchas veces supera al contenido, Rony Seikaly mantiene su autenticidad como bandera. Con el respaldo de artistas como Bedouin, Seth Troxler, Joseph Capriati o Guy Gerber, y con un sonido que se sostiene tanto en el estudio como en el booth, Mariposa EP es otra prueba de que cuando se trata de groove y elegancia, Seikaly juega en primera.

Rony Seikaly: groove, profundidad y elegancia en su nuevo EP «Mariposa»

La música del DJ y productor brasileño <a rel="noreferrer noopener" aria-label="holandês (se abre en una nueva pestaña)" href="https://www.instagram.com/holandes77" target="_blank">holandês</a> no obedece ni conoce fronteras. Criado en el calor de las calles de Recife, una de las mayores ciudades de la región Noreste de Brasil, encontró en la música electrónica un medio para amplificar los sonidos que escuchó al crecer. El groove crudo del funk, la cadencia hip-hop, la pulsación percusiva del maracatu —todo se fusiona con los bajos quebrados del breakbeat, la velocidad del jungle y la distorsión del electro—. Esta colisión de universos define su trabajo y ahora gana un nuevo capítulo con el lanzamiento de su segundo álbum, NA MIRA.



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Aquí, esa identidad sonora se manifiesta sin ningún tipo de freno. El disco es un recorte de la música de pista contemporánea, donde la cultura periférica brasileña dialoga con las raves europeas —ya que el álbum fue finalizado tras su primera gira por Europa, a finales de 2024—. Bajos distorsionados, drum breaks acelerados y texturas ásperas construyen un ambiente de alta octanaje, donde voces y líneas de bajo parecen competir por espacio con la misma intensidad de una fiesta al aire libre. Holandês conecta referencias globales sin perder el acento, transformando el caos urbano de Recife en combustible para la pista.



La consolidación de este sonido llegó junto con una trayectoria ascendente. A los 23 años, Holandês ya ha tenido temas tocados por Skrillex en Berghain, Valentina Luz en Boiler Room y RHR en Dekmantel, además de una gira europea donde llevó su sello sonoro a clubes como Razzmatazz, Musicbox y La Gravière.



Con NA MIRA, refuerza su posición como uno de los artistas más auténticos de la escena electrónica brasileña y prueba que su sonido no tiene dirección fija —pero siempre lleva la marca de donde vino—.



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El DJ y productor holandês presenta NA MIRA, un álbum que ofrece un choque sonoro entre sonidos de la periferia y de la pista

El productor británico CASH ONLY y el rapero de West London VSTRV (pronunciado «ASTRA») se unen en el lanzamiento de “No Way”, un track que fusiona elementos del Afro House con una estructura melódica y vocal que ya ha comenzado a sonar en sets de DJs de referencia en la escena electrónica.



El sello Famous When Dead Records —fundado por CASH ONLY en conjunto con el artista visual Famous When Dead— publica esta producción como parte de su catálogo FWDR005. La propuesta combina percusiones afro con bajos marcados, sintetizadores cortantes y líneas de piano, mientras que la voz de VSTRV aporta una lírica de fuerte identidad urbana influenciada por el R&B, el Hip-Hop y los sonidos afro contemporáneos del Reino Unido.



“No Way” refleja una colaboración en la que tanto el productor como el vocalista aportan sus respectivos lenguajes. En palabras de CASH ONLY: “Este track fue una herramienta clave en mis sets durante los últimos 18 meses. Pasó por varias versiones hasta llegar a esta versión final, que representa lo que más me gusta de este estilo de House. VSTRV tiene un talento enorme y espero poder lanzar más cosas con él pronto”.



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El track cuenta con el respaldo de artistas como Don Diablo, Sam Divine, Hector Romero, Shiba San, Soul Central, Re-Tide y Robert Owens. Con letras que abordan temas de resistencia y autoafirmación, la colaboración busca posicionarse como un punto de cruce entre la escena underground y los espacios donde el contenido vocal cobra protagonismo.



Desde su regreso al estudio a fines de 2023, CASH ONLY ha publicado tracks junto a artistas como Reigns y China Charmeleon, alcanzando el segundo puesto en el Afro Chart TS y acercándose al millón de reproducciones. Actualmente cuenta con más de 30 mil oyentes mensuales en plataformas de streaming y lanzamientos en sellos como Dvine Sounds, Nervous y King Street Sounds. Además, tiene previstas presentaciones en festivales como Glastonbury, Defected Croatia, Reading y Parklife.



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Famous When Dead Records continúa funcionando como un espacio donde convergen música electrónica y arte visual desde una perspectiva crítica y experimental. En su catálogo ya han participado artistas como Xamount, Konstantin Kobra y Reigns. Con esta nueva colaboración, el sello suma a VSTRV a su red de proyectos emergentes.



“No Way” estará disponible en todas las plataformas digitales el próximo jueves 16 de mayo.



La discografía de los artistas está disponible en plataformas digitales como Spotify, y se puede encontrar más información a través de sus redes sociales @<a href="https://www.instagram.com/vstrv_archive">vstrv_archive</a>,  @<a href="https://www.instagram.com/cashonlynocards/">cashonlynocards</a> y @<a href="https://www.instagram.com/famouswhendeadmusic">famouswhendeadmusic</a>

CASH ONLY y VSTRV presentan «No Way», nueva colaboración de Afro House

El referente uruguayo del Minimal Deep Tech y Tech House inicia su primera gira por Europa, con fechas confirmadas en más de seis ciudades clave del circuito internacional. Este tour marca un antes y un después en su carrera, consolidando años de evolución artística y crecimiento sostenido.



Con presentaciones aseguradas en destinos icónicos como Ibiza, Palma de Mallorca, Barcelona, Madrid, Italia e Irlanda, el tour refleja la proyección global que Santi viene construyendo. En Ibiza —epicentro mundial de la música electrónica— actuará dos veces en el reconocido club OUT: una dentro del colectivo TPGP y otra en el evento REMIND x BALCOBOYS. Además, será parte de dos fechas de ORUM, una fiesta multisensorial que fusiona arte, tecnología y electrónica, impulsada por talentos del Cirque du Soleil y Fuerza Bruta. Estas participaciones no solo demuestran su alcance internacional, sino también su capacidad de integrarse a proyectos vanguardistas dentro de la escena global.



Desde niño, Santi respiró música. Su tío, Aníbal Dominguez, guitarrista de la banda La Gran Estafa —precursora de No Te Va Gustar— fue una influencia temprana. Aunque los ensayos ocurrían antes de que él naciera, la figura de su tío dejó huella. A esto se sumó la fuerte carga musical en casa: sus padres lo expusieron a sonidos que moldearían su estilo. A los siete años ya tocaba la guitarra, abriendo su mente al rock, reggae, hip hop, blues, jazz, y más adelante, a la música electrónica.



Lo que empezó como una afición pronto se transformó en una carrera con propósito. Hoy, con 27 años y una década de trayectoria, Santi Dominguez es DJ, productor y empresario, consolidado como una de las figuras clave de la escena electrónica en Uruguay y América Latina.



Su talento lo ha llevado a escenarios icónicos de Uruguay como Key Producciones, Danzeria, Boombox y <a href="https://www.instagram.com/hub.evnt/" target="_blank" rel="noreferrer noopener">HUB</a>, donde rápidamente se convirtió en un actor clave de la escena local. Su proyección lo ha catapultado a clubes y festivales en Argentina, Brasil y Europa, destacándose especialmente en Ibiza, Madrid, Barcelona y Palma de Mallorca.



A lo largo de su carrera, ha compartido cabina con nombres de peso como Ilario Alicante, Loco Dice, WADE, Mahony, Manda Moor, GORDO, Kolombo, Dimmish, Lexlay, Shitake, Jay de Lys y Sergio Saffe, reafirmando su presencia en la élite electrónica internacional.



<figure class="wp-block-image size-large"><img src="https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2025/05/SANTI_PRESS_MENESES-02-1024x683.jpg" alt="" class="wp-image-1169902" srcset="https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2025/05/SANTI_PRESS_MENESES-02-1024x683.jpg 1024w, https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2025/05/SANTI_PRESS_MENESES-02-300x200.jpg 300w, https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2025/05/SANTI_PRESS_MENESES-02-768x512.jpg 768w, https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2025/05/SANTI_PRESS_MENESES-02-212x140.jpg 212w, https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2025/05/SANTI_PRESS_MENESES-02-950x633.jpg 950w, https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2025/05/SANTI_PRESS_MENESES-02.jpg 1200w" sizes="(max-width: 1024px) 100vw, 1024px" /></figure>



Pero su visión va más allá de los decks. Santi también impulsa proyectos como HUB, una serie de fiestas inmersivas que ya celebra su octava edición. Concebidas como puntos de encuentro para la comunidad electrónica, estas fiestas combinan arte, sonido y experiencia en un mismo lugar.



En el plano discográfico, su huella es cada vez más firme. Ha firmado música con más de 30 sellos internacionales como Distance Music, House of Hustle, Criminal Hype, Material Series, Delicious Recordings y Huambo Records. Sus lanzamientos han escalado las listas de Beatport, con seis entradas en el Top 100 Global Releases, catorce en Tech House, tres en Minimal/Deep Tech y una en House, además de menciones en Best New Hype Tracks.



El 28 de marzo de 2025 lanzó su más reciente producción:<a href="https://www.beatport.com/es/release/come-feel-the-vibe/4946115" target="_blank" rel="noreferrer noopener"> “Come Feel The Vibe” </a>junto a Lu Pedrido, bajo el prestigioso sello House of Hustle. El resultado fue inmediato: en menos de un mes, el track alcanzó el puesto #10 en el Top 100 House Releases, #79 en el Top 100 Global y #74 en el Top 100 Hype House.



Con el respaldo de referentes como Marco Carola, Steve Aoki, wAFF, Melanie Ribbe, Syreeta, Yaya, Lexlay, James Hype y Paco Osuna, Santi sigue sumando hitos. “Lo que siento es inmenso. Este tour representa un sueño que vengo construyendo hace años. Es el comienzo de una nueva etapa y voy a mostrar lo mejor de mí en cada ciudad que visite. Estoy profundamente agradecido”, afirma.



El futuro de Santi Dominguez se perfila con más fuerza que nunca. Próximamente lanzará un nuevo EP bajo el sello <a href="https://www.beatport.com/es/label/distance-music/70367" target="_blank" rel="noreferrer noopener">Distance Music,</a> reafirmando su compromiso con una evolución constante y una propuesta sonora cada vez más madura. Su primera gira europea no solo es un logro personal: es la confirmación de que la pasión, la visión y el trabajo sostenido abren puertas a una carrera con verdadero impacto internacional.



Conoce más sobre <a rel="noreferrer noopener" href="https://www.instagram.com/santidominguezdj/" target="_blank">Santi Dominguez </a>

Santi Dominguez da el salto: su primer tour europeo ya es una realidad

En los últimos años, Yubik ha consolidado su nombre como una de las figuras más destacadas de la escena europea de techno melódico. Originario de Alemania y actualmente radicado en Múnich, el productor ha desarrollado un sonido característico que equilibra intensidad rítmica, texturas atmosféricas y una profunda carga emocional, elementos que le han valido lanzamientos en sellos como Afterlife, Radikon, ATLANT, Siamese y TAU, además del respaldo constante de nombres como Tale Of Us, Adriatique, Innellea y Mind Against.



Más que cifras o tendencias, Yubik ha construido una carrera basada en identidad, consistencia y profundidad artística. Su música no se basa en fórmulas: está creada para generar impacto en la pista de baile, pero siempre con un fuerte enfoque en la narrativa, el detalle y la autenticidad.



Su último lanzamiento, “Paradox of Perception”, marca un paso simbólico hacia el mercado latinoamericano. El tema, publicado en el sello brasileño ERRORR —dirigido por los hermanos Ruback—, representa su primera colaboración oficial con un sello sudamericano, reforzando su intención de ampliar horizontes y conectarse con escenas que comparten una misma sensibilidad estética.



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Hablamos con Yubik sobre este importante nuevo capítulo en su carrera, el proceso creativo detrás del lanzamiento y sus novedades para 2025.



Hola Yubik, gracias por acompañarnos. Comencemos hablando de tu nuevo lanzamiento, “Paradox of Perception”. ¿Cómo fue el proceso creativo de este tema y cómo decidiste publicarlo a través de ERRORR? ¿Cómo surgió esa conexión inicialmente?



Gracias por recibirme. “Paradox of Perception” surgió de un lugar de reflexión. Estaba explorando cómo interpretamos el mundo que nos rodea, cómo la percepción no siempre es realidad. Musicalmente, quería crear algo que transmitiera profundidad, inmersión e hipnosis, pero que aún tuviera fuerza para la pista de baile. Hace tiempo que conozco al equipo de ERRORR y siempre he admirado su dirección curatorial aguda y su identidad visual sólida. Llevábamos un tiempo intercambiando ideas, y este tema parecía encajar perfectamente con su visión, así que todo fluyó de forma natural.



ERRORR tiene un fuerte enfoque curatorial en música narrativa y cargada de emociones, algo que también parece central en tu propia visión artística. ¿Qué elementos clave consideras al crear un tema que busca generar una experiencia emocional duradera?



Para mí, siempre empieza con el estado de ánimo. Intento visualizar una historia o un escenario y luego construyo alrededor de eso: ya sea tensión, melancolía, euforia o algo más ambiguo. Me atraen las texturas y armonías que evolucionan lentamente pero permanecen memorables. Capas sutiles, contraste entre suavidad y empuje, y una sensación de tensión no resuelta: esas son las herramientas que uso para mantener vivo el arco emocional.



Curiosamente, Paradox of Perception llegó casi un año después de tu anterior lanzamiento, en abril de 2024. ¿Fue ese período de silencio intencional, tal vez parte de un reinicio personal o creativo? ¿Qué representó ese tiempo para ti, tanto artística como personalmente?



Aunque no fue exactamente una pausa planificada, resultó ser algo necesario. Me tomé ese tiempo para desacelerar, experimentar en el estudio sin presión y reconectar con la razón por la que hago esto. También he estado presentándome mucho y probando nuevas ideas en la gira, lo que me dio una mejor perspectiva de lo que realmente quería expresar con mi próximo lanzamiento. Esa pausa me dio claridad y me devolvió con una energía creativa más fuerte.



Has estado asociado con sellos importantes como Afterlife, TAU y Radikon, pero siempre has mantenido un enfoque muy coherente y auténtico en tu carrera. ¿Qué impulsa tus decisiones al elegir dónde publicar tu música?



Autenticidad y confianza, ante todo. Busco sellos que compartan una visión similar, no solo musicalmente, sino también en términos de narrativa y apoyo a los artistas. Cada lanzamiento es parte de un viaje más grande, así que quiero asegurarme de que llegue al lugar adecuado, donde la estética, la historia y la comunidad estén alineadas con mi rumbo.



Más allá de la pista de baile, muchos artistas están explorando otros caminos creativos: bandas sonoras, proyectos visuales, colaboraciones interdisciplinarias. ¿Hay algún proyecto fuera del ámbito club que hayas estado desarrollando o planees explorar en los próximos meses?



Últimamente me interesa expandir mi universo más allá del audio, llevándolo a formatos visuales y digitales que puedan existir por sí mismos o en diálogo con la música. He colaborado con artistas visuales y diseñadores para construir identidades sólidas en mis próximos lanzamientos, y también exploro nuevas formas de presentar mi trabajo mediante espectáculos en vivo inmersivos y, potencialmente, conceptos basados en instalaciones. Sigue arraigado en la energía de la cultura club, pero con una mirada más amplia sobre cómo interactúan el sonido, la imagen y el espacio físico.



Mirando hacia 2025, ¿qué puedes compartir sobre tus próximos pasos? ¿Podemos esperar nuevos lanzamientos, fechas de gira en nuevos territorios u otros avances emocionantes? ¡Gracias!



El 2025 se perfila como un gran año. Tengo varios lanzamientos planeados en sellos con los que no había trabajado antes, lo cual me entusiasma mucho, además de colaboraciones que llevan tiempo gestándose. En cuanto a giras, tocaré en ciudades y países nuevos, algo siempre revitalizante. Y más allá de eso, espero concretar por fin algunos proyectos audiovisuales. ¡Gracias de nuevo! ¡Estoy ansioso por compartir más pronto!



Sigue a <a href="https://www.instagram.com/yubikmusic/" target="_blank" rel="noreferrer noopener" aria-label="Yubik en Instagram (se abre en una nueva pestaña)">Yubik en Instagram</a>.

Hablamos con Yubik

La escena electrónica brasileña siempre ha sido un semillero de talentos, pero son pocos los artistas que logran llevar su música a nivel global. Gabss es uno de esos casos. Con una trayectoria de más de una década, el DJ y productor del sur de Brasil ha consolidado su posición como uno de los nombres más prometedores de la escena brasileña y ahora está en plena expansión, conquistando nuevos territorios con sus producciones afiladas y con mucho feeling de pista.



Sus tracks, muchos de ellos aún inéditos, han cruzado fronteras y se han convertido en una constante en los sets de artistas como Michael Bibi, The Martinez Brothers, Jamie Jones, Marco Carola, Solomun, CamelPhat, Maceo Plex, Adam Ten, Loco Dice y Mochakk. Esta lista de nombres dice mucho sobre la fuerza de su sonido: no estamos hablando de un artista que se conforme con lo obvio, sino de un productor que ha encontrado un espacio propio entre el groove del House y la intensidad del Tech House, creando canciones que funcionan tanto en grandes festivales como en clubes más íntimos, sin limitarse nunca a un solo género musical.



El reconocimiento global también se refleja en las discográficas que han empezado a apostar por su trabajo. Hasta ahora, ha lanzado temas en sellos respetados como Hellbent Records, Maccabi House, Shout Label, Organic Pieces, CUFF, Dogghaüz Records y Encasa Records, pero ahora está alcanzando ese nivel en el que los grandes actores de la industria buscan su música, y no al revés, por lo que esta lista de sellos probablemente crecerá mucho en breve.



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Este nivel de consistencia y madurez artística es uno de los motivos por los cuales Vintage Culture, uno de los principales embajadores de la electrónica brasileña en el exterior, lo nombró el mejor productor de Brasil en la actualidad. Los dos, de hecho, tienen colaboraciones en marcha, incluyendo el esperado remix de «Lost», además de tres canciones más por revelar. El hecho de que un artista del calibre de Vintage reconozca esta identidad habla mucho sobre el impacto de Gabss en la escena.



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Si 2024 marcó un punto de inflexión, 2025 se perfila como un año de expansión para Gabss. Después de haber consolidado su nombre entre los principales productores musicales de Brasil, ahora apunta a nuevos mercados, busca ampliar su agenda internacional y posicionarse como un artista indispensable en los lineups, sin nunca dejar de lado su sonido original que lo llevó hasta aquí.



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