



<p>Como
esta columna ha estado afirmando, el 2020 fue un año decisivo para los
conciertos dentro de los videojuegos, desde Travis Scott, Steve Aoki y Dillon
Francis en Fortnite hasta Ava Max y Lil Nas X en Roblox. Sin embargo,
irónicamente, los promotores de conciertos tradicionales, incluso los líderes
del mercado como Live Nation y AEG, han sido eliminados casi por completo del
boom de los conciertos dentro del universo gamer.</p>



<p>En
cambio, los desarrolladores de juegos como Epic Games y Roblox han asumido el papel
de promotores y espacios, ellos mismos de una sola vez, aprovechando su
infraestructura virtual existente, su conjunto de habilidades y conexiones de
audiencia para impulsar la interacción, en lugar de depender de terceros para hacer
el trabajo. Incluso, los eventos centrados en los juegos que no tienen lugar
directamente dentro de los juegos han eliminado a los promotores de conciertos
tradicionales. Por ejemplo, el 15 de enero de este año, Twitch y Riot Games se
asociaron en la transmisión en vivo híbrida de EDM y videojuegos “wwFest:
Valorant”, que contó con artistas como Madeon, ARMNHMR y Whipped Cream en lo
que parecía una programación estándar de festivales, pero no hubo promotor del
festival a la vista en el comunicado de prensa o copia de marketing del evento.</p>



<p>Esto no es necesariamente por malicia intencional, y no es como si los promotores de conciertos no estuvieran colaborando con los mundos de los juegos y los deportes electrónicos antes de COVID. De hecho, alrededor de 2018, hubo un aumento en los eventos IRL que combinaron las habilidades de los promotores, desarrolladores de juegos y marcas de deportes electrónicos en nuevas experiencias de entretenimiento híbridas, desde el festival PLAY de Insomniac hasta el festival Hyperplay de Riot Games. Más bien, a medida que todo el ecosistema de música en vivo se ha movido al plano virtual en el último año, los límites entre las funciones laborales tradicionales se han difuminado, de una manera que podría hacer que algunos roles parezcan redundantes.</p>



<p>La mayoría de las veces, las empresas que “promueven” conciertos en in-game, ya sea un importante desarrollador de juegos o una plataforma de contenido como Twitch, también son las que contratan el talento, construyen el escenario y son dueñas de la audiencia. Esto representa una verticalización y centralización de operaciones y oportunidades, y difícilmente presenta un “futuro” viable para la música en vivo online, ya que no apoya un ecosistema más abierto y descentralizado de promotores que son libres de fomentar sus propios eventos y comunidades como ellos lo ven oportuno.</p>



<p>Entonces,
¿cómo resolvemos esto? Hay un área en la que los promotores de conciertos no
son redundantes, especialmente en un contexto virtual: crear experiencias que
se adapten a las geografías específicas y las comunidades musicales de nicho
que mejor conocen.</p>



<p>En general, para que los conciertos in-game se conviertan realmente en el futuro de la música en vivo, tienen que presentar mucho más que espectáculos verticalizados para el 1% de los mejores artistas.</p>



<p>Con
esto en mente, creo que los desarrolladores de juegos deberían brindar a los
promotores herramientas más accesibles y flexibles para crear sus propios
mundos virtuales y lugares en el metaverso, de una manera que se alinee con sus
respectivas estrategias de programación y participación comunitaria. Esta
mentalidad puede ser valiosa en todo el espectro de promotores. Sony acaba de
anunciar un nuevo “estudio de música inmersivo” interno que organizará
espectáculos virtuales para sus artistas. No hay ninguna razón por la que otros
gigantes de la industria no puedan desarrollar sus propios lugares virtuales
también.</p>



<p>En
el lado más indie y “hágalo usted mismo”, los promotores carecen de espacios
públicos virtuales donde puedan experimentar libremente con integraciones en
juegos. Esta es la razón por la que tantos artistas electrónicos y
organizadores de eventos han elegido Minecraft como su juego preferido, debido
a la personalización y flexibilidad de la interfaz del juego y la capacidad
para que cualquiera pueda construir cualquier tipo de escenario y entorno que
desee en su propio servidor. Por esta razón, Roblox, que también es una
plataforma de juegos abiertos con un componente más social, también emergerá
como un importante competidor para las asociaciones de promotores este año.</p>



<p>Hay algunas iniciativas interesantes en la comunidad de música electrónica clandestina, como la serie de tutoriales “Virtual Utopia” de George Clanton, que se centran en el intercambio abierto de habilidades para crear eventos de transmisión en vivo en 3D utilizando herramientas de desarrollo de juegos como Unity y Unreal Engine. Con todo, para que los conciertos in-game se conviertan realmente en el futuro de la música en vivo, tienen que presentar mucho más que espectáculos verticalizados para el 1% de los mejores artistas. También, tienen que convertirse en una plataforma viable para una industria multimillonaria que, incluso tras un año de pandemia, sigue luchando por su vida.</p>



<p>¿Quieres
conocer más? Listo la columna “State of Play” del mes pasado donde Cherie Hu
analiza FUSER, el nuevo juego para DJs de los creadores del Guitar Hero.</p>



<p><em>Traducido del artículo original “</em><a href="https://djmag.com/longreads/state-play-game-concert-boom" target="_blank" rel="noreferrer noopener" aria-label=" (se abre en una nueva pestaña)">State of Play: the in-game concert boom</a><em>” escrito por Cherie Hu en DJ Mag.</em></p>


State of Play: el boom de los conciertos in-game





<p>Cuando Harmonix lanzó su nuevo juego de DJs llamado <a rel="noreferrer noopener" aria-label=" (se abre en una nueva pestaña)" href="https://djmagla.com/se-viene-un-nuevo-videojuego-interactivo-para-convertirse-en-dj" target="_blank">Fuser</a> el 10 de noviembre de 2020, justo después del 15 aniversario del lanzamiento de su juego más popular, Guitar Hero, había muchas razones para pensar que causaría furor entre los gamers. Gran parte del mundo ya había estado encerrado por algunos meses por la pandemia, esperando con sus energías reprimidas que volvieran los espectáculos en vivo. </p>



<p>El extenso catálogo de Fuser de más de 130 canciones había promocionado grandes éxitos como “Bad Guy” de Billie Eilish y “The Middle” de Zedd, además de algunos avances exclusivos de pistas de productores más nuevos como Cade7. Pero el juego parece haber caído en el silencio total, tal vez, por haber llegado unos años más tarde de la explosión del EDM. Al momento de escribir esto, Fuser solo tiene alrededor de 5.100 seguidores en Twitch, muy por detrás de otros juegos de ritmos como el Beat Saber y Just Dance 2021.</p>



<p>Creo que una gran parte de la dificultad para comunicar
el valor de algo como Fuser está en el juego en sí. En un juego de música
típico, como Guitar Hero o Just Dance, todo se mide por la precisión, no por la
creatividad; el objetivo es tocar todas las notas o movimientos de baile en el
momento perfecto y, por lo general, solo hay una forma de hacerlo bien. Por el
contrario, el DJ, como la creación musical en sí, es mucho más difícil de
puntuar cuantitativamente, porque hay muchas formas diferentes de mezclar y
combinar un catálogo de 130 canciones en un controlador de cuatro decks.</p>



<p>El modo de campaña de Fuser, que lleva al jugador a
través de una serie de escenarios similares a Tomorrowland con promotores
ficticios guiando el camino, intenta encajar un cuadrado de DJ en el agujero
redondo de la “puntuación” objetiva, hasta el punto en que, a menudo, te
incentivan para hacer mezclas que son simplemente malas, con el espíritu de
cambiar constantemente las canciones para acumular puntos. Dado que la música y
el DJ son en gran parte actividades sociales, también fue decepcionante ver que
el modo social de Fuser era bastante limitado y solo permitía a los jugadores
compartir mezclas de 32 compases de duración. El modo de batalla se sintió más
atractivo y arriesgado, pero, nuevamente, el objetivo principal implica cambiar
de pista de una manera caótica e incoherente para noquear a tu oponente, algo que
nunca funcionaría en un club real.</p>



<figure class="wp-block-image size-large"><img src="http://djmagla.com/wp-content/uploads/2021/03/State-of-Play-2-1024x576.jpg" alt="" class="wp-image-1154999" srcset="https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2021/03/State-of-Play-2-1024x576.jpg 1024w, https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2021/03/State-of-Play-2-300x169.jpg 300w, https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2021/03/State-of-Play-2-768x432.jpg 768w, https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2021/03/State-of-Play-2-950x535.jpg 950w, https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2021/03/State-of-Play-2.jpg 1400w" sizes="(max-width: 1024px) 100vw, 1024px" /></figure>



<p>Dicho esto, el juego en sí ofrece una introducción sólida
a las acciones básicas del DJing, la mayoría de los cuales se desbloquean a
medida que los jugadores avanzan en el modo de campaña. También aprecié la
profundidad de la personalización de los avatares de los jugadores, desde la
amplia gama de opciones de ropa y tono de piel hasta el hecho de que el tipo de
cuerpo y el vello facial no se ajustaban a un género específico. Los
principales promotores en el juego eran en su mayoría personas de color -negros,
del Medio Oriente y del este de Asia-, lo cual fue bueno para ver en un clima
donde la industria de la música está lidiando con problemas de diversidad.</p>



<p>Habiendo dicho esto, mi modo favorito en Fuser es el
estilo libre, que no implica puntuación ni evaluación en absoluto y, en cambio,
permite a los jugadores pinchar continuamente desde un deck personalizado hasta
24 canciones de su elección. Cuando hice la demo del juego por primera vez, el equipo
de Fuser me dijo que, si bien el modo de campaña estaba más reglamentado en su
puntuación, el estilo libre se trataba más de lograr cierto “flow” y alentar
más la experimentación y el descubrimiento de canciones sin penalización. Esto se
pareció mucho más al verdadero placer de ser DJ en la vida real, y me llevó a
la pregunta fundamental sobre este juego: ¿Qué está vendiendo Fuser realmente?</p>



<p>En sus materiales de marketing, Fuser parece querer
lograr un objetivo similar al de la franquicia Guitar Hero: vender el
estrellato aspiracional en el escenario mundial. Pero, en la práctica, creo que
Fuser está vendiendo permisos para experimentar, para expresarse libremente con
la materia prima de la música existente, una hazaña que es cada vez más difícil
de lograr en una era de cortes por derecho de autor. Este encuadre de un juego
como punto de entrada a la experimentación creativa debería ser la principal
propuesta de valor que Fuser y sus socios discográficos promuevan en el futuro.
En particular, agregar más canciones al jueg. Con el tiempo, podría aumentar su
valor significativamente, como una caja digital en constante expansión.</p>



<p>Hay un punto en Fuser en el que uno de los promotores le da una charla al jugador y abarca cuál debería ser el verdadero espíritu del juego: “Los ‘errores’ son simplemente innovaciones poco convincentes, así que sal e innova.”</p>



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<p><em>Traducido del artículo original “</em><a href="https://djmag.com/longreads/state-play-fuser-new-dj-video-game-makers-guitar-hero">State of Play: FUSER, the new DJ video game from the makers of Guitar Hero</a><em>” escrito por Cherie Hu en DJ Mag.</em></p>


State of Play: FUSER; el nuevo juego para DJs de los creadores del Guitar Hero





<p>Después de una primera columna donde exploró <a rel="noreferrer noopener" aria-label="el auge de los conciertos detro de los videojuegos (se abre en una nueva pestaña)" href="https://djmagla.com/state-of-play-el-auge-de-los-conciertos-musicales-en-videojuegos" target="_blank">el auge de los conciertos detro de los videojuegos</a>, Cherie Hu analiza la manera en que los juegos pueden crear nuevas formas de pensar sobre la creatividad y la narración de historias en la música, y examina dónde se encuentran las oportunidades para este ecosistema en 2021.</p>



<div style="height:30px" aria-hidden="true" class="wp-block-spacer"></div>



<p>A medida que nos acercamos al final de 2020,
quiero dedicar esta columna no solo a reflexionar sobre el año en música y
videojuegos sino a reevaluar dónde se encuentran las “oportunidades” reales en
el ecosistema virtual para este 2021.</p>



<p>Parece haber habido mucha preocupación en la industria de la música con el
impacto financiero y comercial de los juegos. Después de todo, en 2019, la
industria global de los videojuegos generó casi 150 mil millones de dólares en
ingresos, más de tres veces la que generaron los sectores de música grabada y
música en vivo combinados. A diferencia de los conciertos en vivo, la industria
del gaming ha prosperado durante la pandemia y está dispuesta a pagar el mayor
precio para atraer a los mejores talentos musicales, desde pagos multimillonario
a Travis Scott por montar un show en Fortnite, hasta un acuerdo exclusivo de
siete cifras de Logic con Twitch.</p>



<p>Pero, en mi opinión, una oportunidad igualmente emocionante, si no más,
radica en cómo los juegos pueden conducir a formas completamente nuevas de
pensar sobre la creatividad y la narración de historias en la música, de una
manera que atraiga la influencia directa de los fanáticos.</p>



<p>Los shows de Travis Scott en Fortnite y de Lil Nas X en Roblox pintan una imagen de un mundo donde la música cambia de un producto terminado estático a un sistema audiovisual dinámico e inmersivo. Pero estos shows<em> in-game</em> fueron 100% premeditados, y los fanáticos no pudieron interactuar con el artista o influir en el contenido o el resultado de la actuación en sí, más allá de caminar o volar por encima del set. Esto equivale más a una película inmersiva que a un juego interactivo. ¿Qué pasaría si hicieran uso de la tecnología de los videojuegos para hacer que la experiencia en torno a una pieza musical determinada sea más dinámica y receptiva a las formas en que se comportan los jugadores de manera individual?</p>



<div style="height:30px" aria-hidden="true" class="wp-block-spacer"></div>



<figure class="wp-block-image size-large"><img src="http://djmagla.com/wp-content/uploads/2020/12/State-of-Play-2.jpg" alt="State of Play" class="wp-image-1153827" srcset="https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2020/12/State-of-Play-2.jpg 920w, https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2020/12/State-of-Play-2-300x169.jpg 300w, https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2020/12/State-of-Play-2-768x432.jpg 768w" sizes="(max-width: 920px) 100vw, 920px" /></figure>



<div style="height:30px" aria-hidden="true" class="wp-block-spacer"></div>



<p>Hay diferentes maneras de abordar esta cuestión. Uno es con hardware. Es
decir, con las consolas de juegos. La muy publicitada Sony PlayStation 5
incluye tecnología patentada que puede incorporar las acciones y emociones de
los jugadores como <em>inputs</em> para bandas
sonoras generadas por procedimientos en los juegos. Si un jugador pasa más
tiempo en una secuencia de batalla intensa, la inteligencia artificial puede
aumentar automáticamente el tempo o la densidad de la música de fondo. Las
implicaciones de esta tecnología son importantes para los artistas que quieran
colaborar con una serie de videojuegos compatible con PS5 en una nueva forma de
experimentar su propia música.</p>



<p>Otro enfoque podría ser con software. Curiosamente, no he visto a casi ningún artista hacer una continuación del trabajo que Björk y su equipo lanzaron en 2011 en forma de aplicación móvil interactiva, donde los fanáticos podían jugar con las raíces del álbum de la artista “Biophilia”, creando sus propias adaptaciones personales en las canciones; o el juego de realidad alternativa de 18 meses que Nine Inch Nails lanzó para su álbum conceptual de 2007 “Year Zero”, el cual tenía a los fanáticos tratando de descifrar carteles, camisetas de tours e incluso unidades USB para descubrir las narrativas más profundas y distópicas del proyecto; o la asociación de 2018 entre Sigur Rós y Magic Leap en “Tónandi”, un proyecto musical de realidad mixta donde los fanáticos solo podían hacer que los sonidos originales del juego cobren vida moviendo sus cuerpos a través de objetos naturalistas que aparecerían en el entorno que los rodeaba.</p>



<div style="height:30px" aria-hidden="true" class="wp-block-spacer"></div>



<figure class="wp-block-image size-large"><img src="http://djmagla.com/wp-content/uploads/2020/12/State-of-Play-3.jpg" alt="State of Play" class="wp-image-1153828" srcset="https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2020/12/State-of-Play-3.jpg 920w, https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2020/12/State-of-Play-3-300x169.jpg 300w, https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2020/12/State-of-Play-3-768x432.jpg 768w" sizes="(max-width: 920px) 100vw, 920px" /></figure>



<div style="height:30px" aria-hidden="true" class="wp-block-spacer"></div>



<p>Para 2021, deberíamos preguntarnos: ¿Por qué estos ejemplos de hace 10
años o más todavía se sienten frescos? ¿Cómo podemos utilizar las herramientas
y aplicaciones tecnológicas que, hoy en día, son mucho más amplias y más
disponibles, para dar seguimiento a estas innovaciones?</p>



<p>La dirección en la que se dirigen muchas sociedades importantes de música y videojuegos corre el riesgo de priorizar las ventas y la convocatoria por sobre la artesanía. Espero que los artistas estén más abiertos a las posibilidades creativas que presenta el mundo de los videojuegos, en términos de la oportunidad de co-crear y co-narrar historias con sus fans… </p>



<div style="height:30px" aria-hidden="true" class="wp-block-spacer"></div>



<p><em>Traducido del artículo original “<a rel="noreferrer noopener" aria-label="State of Play: Games are tools for creativity in music, not just profit (se abre en una nueva pestaña)" href="https://djmag.com/longreads/state-play-games-are-tools-creativity-music-not-just-profit" target="_blank">State of Play: Games are tools for creativity in music, not just profit</a>” escrito por Cherie Hu en DJ Mag. </em></p>


State of Play: los videojuegos no solo son apuestas económicas





<p><strong>En nuestra nueva
columna mensual llamada State of Play, Cherie Hu explora la creciente
intersección entre la música y la industria de los videojuegos: cómo estos
mundos se unen para crear nuevas experiencias, tanto para los gamers como para
los fanáticos de la música. Para esta primera edición, Hu analiza el aumento de
los conciertos dentro de los juegos y el nuevo papel que cumplen los gamers
como intérpretes.</strong><strong></strong></p>



<div style="height:30px" aria-hidden="true" class="wp-block-spacer"></div>



<p><em>¡Hola! Soy Cherie,
una escritora que se centra en la intersección de la música y la tecnología. En
un nivel superior, estoy interesado en cómo la tecnología y las empresas
tecnológicas influyen en la forma en que los artistas se ganan la vida,
construyen sus marcas y llegan a su público. Los juegos han servido como una
parte indispensable de esta ecuación durante las últimas décadas,
proporcionando tanto un espacio inmersivo de creatividad para los artistas como
un modelo de negocio lucrativo para las compañías de música y los dueños de los
derechos. A raíz de la pandemia en particular, los videojuegos y los mundos de
los videojuegos han surgido como posibles alternativas digitales a los espacios
para shows en persona y como salidas para paradigmas completamente nuevos de
entretenimiento interactivo en el hogar. En esta columna, exploraré los
conceptos teóricos y los estudios de casos del mundo real que están dando forma
a cómo estas experiencias híbridas de juegos musicales cobran vida hoy, con la
esperanza de abrir sus mentes a lo que es posible dentro de este ecosistema que
cambia y crece rápidamente. </em></p>



<div style="height:30px" aria-hidden="true" class="wp-block-spacer"></div>



<p>Los conciertos dentro de los juegos, como <a href="https://djmagla.com/marshmello-sorprendio-millones-personas-fortnite" target="_blank" rel="noreferrer noopener" aria-label="los shows de Marshmello en Fortnite (se abre en una nueva pestaña)">los shows de Marshmello en Fortnite</a> y los festivales Open Pit en Minecraft, se han convertido en el pináculo de una nueva generación de entretenimiento musical inmersivo en medio de la pandemia del COVID-19. Los beneficios claves de este paradigma incluyen la capacidad de diseñar entornos inmersivos fantásticos, más grandes que y más increíbles, sin las limitaciones físicas del mundo real, así como experiencias más interactivas y auto dirigidas que son fundamentales para la experiencia del receptor en cualquier juego o vivencia.</p>



<p>Sin embargo, ha habido una capa completamente separada de
espectadores que se ha mantenido en gran parte sin explotar hasta la fecha. Es
decir, iniciar sesión directamente en el juego no es la única forma de ver un show
dentro del juego. Los fanáticos también pueden experimentar el espectáculo a
otro nivel, al ver a otros jugadores transmitir esos espectáculos en tiempo
real en una plataforma de transmisión en vivo como Twitch, YouTube o Facebook.
Esto crea una situación en la que no solo los artistas sino también los gamers
pueden ser intérpretes, mostrando sus propias interacciones y perspectivas
sobre el concierto para que otros las consuman.</p>



<p>La noción de un jugador como intérprete tiene sus raíces
tanto en la investigación académica de videojuegos como en estudios de casos
del mundo real. En su artículo de 2009 titulado “Play’s The Thing”, la
investigadora Clara Fernández-Vara explicó que la forma en que un jugador
interactúa activamente con un entorno de juego dado, tratando de descubrir y
representar la mecánica del juego en tiempo real, lo convierte inherentemente
en un actor y, como un actor, manifiesta las direcciones de un guión escrito en
el escenario. A su vez, “los videojuegos incluyen la figura del espectador”,
dice Fernández-Vara. «El jugador actúa dentro del juego, por lo que otras
personas también pueden ver esa actuación».</p>



<p>Este concepto ya está normalizado en el mundo de los e-sports.
Antes de la pandemia, los torneos de campeonato para juegos como Overwatch y
League Of Legends agotaban estadios en todo el mundo, con capacidades de cinco
cifras que se terminaban en días o, incluso, segundos, un logro con el que
sueña cualquier celebridad de la música moderna.</p>



<div style="height:30px" aria-hidden="true" class="wp-block-spacer"></div>



<figure class="wp-block-image size-large"><img src="http://djmagla.com/wp-content/uploads/2020/11/State-of-Play-2.jpg" alt="State of Play" class="wp-image-1153222" srcset="https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2020/11/State-of-Play-2.jpg 920w, https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2020/11/State-of-Play-2-300x169.jpg 300w, https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2020/11/State-of-Play-2-768x432.jpg 768w" sizes="(max-width: 920px) 100vw, 920px" /></figure>



<div style="height:30px" aria-hidden="true" class="wp-block-spacer"></div>



<p>Más allá de los grandes torneos de deportes electrónicos,
también existe toda una industria artesanal de jugadores cotidianos que se
transmiten a sí mismos jugando desde sus habitaciones, algo que genera públicos
verdaderamente masivos . El show de Travis Scott en Fortnite fue un excelente
ejemplo de cómo funciona esta economía en la práctica: más de 27 millones de usuarios
únicos vieron el show desde adentro del juego Fortnite pero, si buscas en
Youtube con una frase como «Travis Scott Fortnite Concert Full», encontrarás
casi 200 mil resultados de videos de reacciones de terceros con millones de
vistas colectivas, en su mayoría subidos por fanáticos.</p>



<p>El video de reacción más popular del show de Travis Scott
es de una de las máximas figuras del mundo de los videojuegos y el streaming: Ninja,
el jugador de videojuegos profesional que tiene una carrera con un valor
estimado de 25 millones de dólares y que ha estado colaborando frecuentemente
con la industria de la música en el pasado. Lo que hace que su transmisión sea
tan interesante es que, si bien los elementos visuales del show estuvieron
premeditados por Scott y Epic Games, los desarroladores del juego, el propio
Ninja fue quien controló la perspectiva de su propio avatar.</p>



<p>La manera de captar la totalidad de las imágenes y
animaciones de 360 ​​grados que se desarrollaban a su alrededor no era
simplemente sentándose y asimilando todo, como podríamos hacer en un
espectáculo presencial, sino controlando deliberadamente a su propio personaje,
corriendo alrededor del mapa y cambiando constantemente sus ángulos de cámara
en el juego. La perspectiva resultante es única, representa la personalidad de
Ninja y se manifiesta en sus videos de reacción de una manera que resulta
intrigante y entretenida para los fanáticos. Este video de reacción al show de
Scott aporto otras 12 millones de vistas más.</p>



<div style="height:30px" aria-hidden="true" class="wp-block-spacer"></div>



<figure class="wp-block-image size-large"><img src="http://djmagla.com/wp-content/uploads/2020/11/State-of-Play-3.jpg" alt="State of Play" class="wp-image-1153223" srcset="https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2020/11/State-of-Play-3.jpg 920w, https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2020/11/State-of-Play-3-300x169.jpg 300w, https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2020/11/State-of-Play-3-768x432.jpg 768w" sizes="(max-width: 920px) 100vw, 920px" /></figure>



<div style="height:30px" aria-hidden="true" class="wp-block-spacer"></div>



<p>Esta situación es bastante familiar en algunas dinámicas
de fanáticos que ya se apoderan de ciertos géneros, independientemente de los
juegos, como cuando las fancams del K-pop se acercan deliberadamente a un
artista específico durante un concierto en vivo. De hecho, las posibilidades de
marketing en torno a las presentaciones en videojuegos, al destacar tanto la experiencia
de los fanáticos en el juego como el nivel secundario de los espectadores que agrega,
permanece, en gran parte, sin explotar.</p>



<p>Debido a posibles problemas de derechos de autor y
licencias, la mayoría de los músicos y sellos parecen querer evitarlo, pero
¿qué pasaría si pudieras incorporar este ecosistema de contenidos impulsado por
los fanáticos en torno a un show dentro del juego en la forma en que
comercializas tus próximos trabajos? La experiencia del jugador, no solo la performance
del artista en sí, es fundamental para la experiencia del evento dentro del
juego. Esto debe ser reconocido tanto por los artistas como por los desarrolladores
de juegos.</p>



<p>De hecho, en su forma más poderosa, un «concierto
in-game” no es en realidad “un concierto”. Es un sistema visual dinámico e
inmersivo con una banda sonora con música cautivadora que los fanáticos pueden
recorrer, explorar y trazar sus propios caminos. El artista simplemente
controla el conjunto de posibilidades de cómo se ven esos caminos. La
naturaleza misma de un concierto cambia cuando ya no es la misma experiencia
estática para todos los espectadores, sino un mundo abierto para la exploración
y el descubrimiento individual que los fanáticos pueden planear por sí mismos y
en el que pueden llevar a otros fanáticos a dar un paseo.</p>



<div style="height:30px" aria-hidden="true" class="wp-block-spacer"></div>



<p>Traducido del artículo original “<a href="https://djmag.com/longreads/state-play-rise-game-concerts" target="_blank" rel="noreferrer noopener" aria-label="State of Play: the rise of in-game concerts (se abre en una nueva pestaña)">State of Play: the rise of in-game concerts</a>” escrito por Cherie Hu en DJ Mag.</p>


Autor | Cherie Hu

State of Play: el boom de los conciertos in-game

State of Play: FUSER; el nuevo juego para DJs de los creadores del Guitar Hero

State of Play: los videojuegos no solo son apuestas económicas

State of Play: el auge de los conciertos musicales en videojuegos