Nacido en Estados Unidos pero actualmente radicado en la Ciudad de México, <a href="https://www.instagram.com/allenhulsey/" data-type="link" data-id="https://www.instagram.com/allenhulsey/">Allen Hulsey</a> es mucho más que un productor: es un performer que ha estado revolucionando los limites de la electrónica en vivo. Su propuesta mezcla Melodic House, Afro, Indie, Techno e influencias del rock con vocales cantados en inglés y turco, guitarras distorsionadas, sintetizadores analógicos y hasta un kanun — instrumento tradicional de 78 cuerdas, típico de la corte otomana.



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Después de una larga trayectoria por escenarios como Zamna Tulum, The Brooklyn Mirage, Scorpios Mykonos y Cova Santa en Ibiza, el artista acaba de lanzar ABAQ, un nuevo sello dedicado a músicas híbridas, que fusionan lo tradicional con lo futurista. 



Dos temas marcaron el debut del sello: ‘Hole in the Sky’ abre el camino con un enfoque distópico y cinematográfico, que combina guitarra con arco y letras introspectivas. ‘Control’ trae una estructura más clubbing y urgente, con un groove hipnótico y reflexiones sobre poder, libertad y autonomía. Ambos tracks reflejan la esencia del artista: una visión cruda y sofisticada, que se aleja del formato de DJ tradicional y apuesta por experiencias inmersivas, físicas y profundamente autorales.



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ABAQ nace como una extensión de ese concepto. El nombre tiene origen en una palabra ancestral que remite a “fragancia”, “piedra”, “persistencia” — uma metáfora para la música que deja huellas. El objetivo de Allen es expandir el sello a nivel global y transformarlo en una plataforma para artistas que también desafían las fórmulas convencionales de la música electrónica.



También se prepara para lanzar su primer álbum, Fables, a través del propio sello, cuyo lanzamiento está previsto para finales de este año.

Allen Hulsey lanza su nuevo sello ABAQ con dos poderosos singles

por Ágatha Prado



Reconocido como una de las figuras líderes del Afro House y pionero del Ancestral Soul, <a href="https://www.instagram.com/boddhisatva/?hl=en" target="_blank" rel="noreferrer noopener" aria-label="Boddhi Satva (se abre en una nueva pestaña)">Boddhi Satva</a> ha construido una carrera que trasciende no solo fronteras musicales, sino también culturales. Su capacidad para fusionar ritmos tradicionales africanos con la sofisticación de la música electrónica moderna lo ha convertido en una figura central e inspiradora del género. A lo largo de su trayectoria, Satva ha creado una plataforma para que la herencia africana resuene más allá de su continente, conectando tradiciones antiguas con audiencias de todo el mundo.



Con más de una década de experiencia y tres álbumes en su trayectoria —incluido el aclamado Manifestation, que reunió una amplia red de artistas—, ahora inicia un nuevo capítulo con su cuarto álbum de estudio: In Spite of Everything, lanzado a través de su propio sello Offering Records. Esta narrativa musical abarca 21 pistas que combinan introspección, resiliencia e innovación, explorando temas relacionados con los desafíos personales del artista mientras celebra la diversidad cultural mediante la inclusión de diversos idiomas y dialectos.



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En esta entrevista, Boddhi Satva comparte los desafíos e inspiraciones detrás de su nuevo álbum, su inmersión cultural, el impacto del Ancestral Soul y más detalles sobre su último lanzamiento y futuros planes.



Tu trayectoria musical está marcada por innovaciones que ayudaron a definir el Afro House y consolidarte como una referencia global en la escena. ¿Cuáles momentos o proyectos consideras fundamentales en la construcción de tu identidad artística y tu posición como referente en el Afro House?



Mi camino cambió significativamente después de lanzar dos EP junto a Alton Miller en ATAL Music. Alton, uno de mis primeros mentores, me brindó un apoyo clave que ayudó a ganar reconocimiento. Sin embargo, fue la energía y la vibra únicas de mis producciones lo que comenzó a distinguirme.



Durante este período, también estuve involucrado en Urban Grooves, un programa de radio presentado por Daniel Vega en Radio Vibration de Bruselas. Este papel me permitió conectar con varios artistas, incluido Osunlade, quien acababa de lanzar Aquarian Moon en BBE. A través de su agente Peter Boonen, organicé una entrevista con él en Stéréo Sushi en Amberes, un lugar clave para la escena underground belga.



Esa noche sigue grabada en mi memoria. Después de la entrevista, Osunlade y yo conectamos profundamente en un nivel espiritual. Dedicó su actuación a mí, y por primera vez lloré mientras bailaba. Fue como una poderosa limpieza emocional. Inspirado por esa experiencia, produje The Offering EP, que Osunlade firmó con Yoruba Records. Ese proyecto marcó oficialmente el nacimiento del sonido Ancestral Soul, solidificando mi identidad artística y contribuyendo al Afro House como género.



Otro capítulo crucial ocurrió cuando fui presentado a Louie Vega. Lo entrevisté años antes para Urban Grooves, pero esta vez la conexión sucedió en 2008 a través de Lou Gorbea y Mr. V mediante AOL Messenger. En ese momento, estaba visitando a mis padres en Bamako, Malí, y sentando las bases para lo que sería mi primer álbum.



Durante ese período, grabé canciones como Ngnari Konon con Oumou Sangaré, Punch Koko con Yacoub y Nankoumandjan con el fallecido Mangala Camara, muchas de las cuales se convirtieron en clásicos de mi álbum debut Invocation.



Después de años refinando su identidad sonora, Invocation fue lanzado por Vega Records en 2012. Ese álbum marcó un cambio sonoro innegable en la industria y solidificó mi posición como pionero y referente global del Afro House.



El Ancestral Soul es más que un género musical; lleva la misión de difundir la cultura ancestral africana en un contexto global. ¿Cómo ves el impacto de este movimiento en la valorización de las tradiciones africanas y su conexión con audiencias de diferentes partes del mundo?



El Ancestral Soul ha tenido un impacto profundo no solo en el Afro House, sino también en géneros como el Afro Beats y el Amapiano, con productores prominentes de estas escenas siendo de los primeros en creer en su innovación y adaptabilidad. Lo que distingue al Ancestral Soul es su capacidad para evolucionar y cruzar fronteras manteniéndose arraigado en su autenticidad: es música que lleva espíritu, cultura y narración.



Para las audiencias africanas, es una reafirmación de orgullo y herencia. Para las audiencias globales, es una puerta de entrada a la profundidad de las tradiciones africanas y la espiritualidad. He visto a personas de todos los ámbitos conectarse profundamente con la música, ya sea a través del baile o la emoción, porque trasciende el idioma y la cultura.



A través de colaboraciones con artistas como Oumou Sangaré, Kaysha, Badi, Nelson Freitas, Fredy Massamba, Geoffrey Oryema, Daara J Family y más, siempre he buscado amplificar voces que lleven la riqueza cultural de África. El movimiento sigue demostrando que la música africana no es solo una tendencia, sino una fuerza atemporal que da forma a géneros, inspira a productores, bailarines, DJs y conecta a las personas en todo el mundo.



 Con 21 temas, tu último álbum In Spite of Everything es una obra ambiciosa que no solo requiere creatividad, sino también una cuidadosa curaduría para mantener la cohesión entre diferentes estados de ánimo y narrativas. ¿Cuáles fueron los mayores desafíos al estructurar un proyecto tan extenso, y cómo lograste conectar las atmósferas de cada pista para crear una experiencia fluida e inmersiva para el oyente?



Cualquiera que me conozca sabe que soy un disruptor: nunca he sido de seguir una fórmula única. Como productor, tengo la capacidad de crear en múltiples géneros. Como DJ, soy reconocido como uno de los grandes padres del Afro House. Y como amante de la Música con M mayúscula, llevo un profundo amor por el arte en todas sus formas.



El mayor desafío con In Spite of Everything fue reunir todos estos aspectos de quién soy en un cuerpo de trabajo cohesivo, logrando que fuera honesto, cualitativo y nunca aburrido. Con 21 pistas, es ambicioso por diseño, pero también es un reflejo natural de cómo abordo los álbumes. Siempre me he sentido atraído por la profundidad, la diversidad y el desafío de empujar los límites.



Esta vez, hay una clara energía electrónica que atraviesa el álbum, pero está equilibrada con melodías complejas y empujes llenos de alma que le otorgan peso emocional. Se trataba de encontrar ese hilo conductor: curar las atmósferas, las transiciones y las dinámicas sonoras para que el oyente pudiera moverse fluidamente de una pista a otra, mientras se sumergía en la narrativa general.



Para mí, la cohesión no significa repetición. Se trata de contar una historia que refleje mi versatilidad mientras permanezco fiel a mi identidad, sin disculpas. In Spite of Everything logra exactamente eso.



La inclusión de diferentes idiomas y dialectos en el álbum aporta una riqueza cultural significativa a la narrativa de In Spite of Everything. ¿Hubo alguna inmersión cultural específica o experiencias significativas que inspiraron esta elección? ¿Cómo influyeron estos encuentros en la forma en que tradujiste estas culturas a tu lenguaje musical?



Mi amor por los idiomas siempre ha sido una piedra angular de mi trabajo. Lenguas como el bambara de Mali y el lingala de la República Democrática del Congo son mucho más que medios de comunicación: son recipientes de emoción, historia y espiritualidad. Poseen una energía mística que resuena profundamente, algo que se encuentra en muchas lenguas africanas.



Como enfatizó Cheikh Anta Diop en sus estudios sobre las civilizaciones africanas, los idiomas son vehículos de sabiduría ancestral y tradiciones orales, intrínsecamente tejidos en la identidad africana. Cargan un peso espiritual que trasciende las palabras, encarnando tanto poesía como ritmo en su núcleo. Esta musicalidad natural los hace ideales para expresar el alma y el espíritu de un pueblo. Para mí, incorporar el bambara y el lingala en mi música es tanto una elección deliberada como instintiva: una forma de honrar estas culturas, amplificar su belleza y dejar que su poder atemporal resuene en un escenario global.



Gran parte de esto proviene de mis experiencias grabando en Bamako y trabajando con artistas congoleños. Estos momentos me permitieron sumergirme en el espíritu de estos idiomas y sus comunidades. La energía, los ritmos y las tonalidades que absorbí se tradujeron naturalmente en mis producciones, otorgando a mi música una profundidad emocional cruda que conecta con los oyentes a un nivel espiritual.



La música es universal, pero los idiomas africanos aportan una riqueza añadida que es imposible ignorar. Al incluirlos en In Spite of Everything, quise continuar celebrando su belleza, preservar su esencia y compartir su poder con el mundo.



El concepto de tu nuevo álbum In Spite of Everything parece estar profundamente conectado con la resiliencia y la introspección. ¿Cómo influyeron estos temas no solo en la narrativa del álbum, sino también en tu enfoque hacia la composición, producción y selección de elementos sonoros?



In Spite of Everything es un reflejo de los desafíos que he enfrentado en los últimos años, tanto a nivel personal como profesional y espiritual. La resiliencia no es solo un tema para mí; es una experiencia vivida. Este álbum trata de navegar esas dificultades, mantenerse firme y encontrar fortaleza en los momentos de adversidad. Esa introspección dio forma a cada parte del proceso, desde la narrativa hasta las elecciones sonoras.



En términos de composición y producción, busqué equilibrar la vulnerabilidad con la fuerza. Algunas pistas son minimalistas, crudas y meditativas, reflejando momentos de profunda reflexión. Otras llevan una urgencia y complejidad en capas, evocando la resiliencia y el impulso para seguir adelante.



Sonoramente, me incliné hacia texturas que mezclan lo espiritual con lo moderno: ritmos ricos, melodías intrincadas y atmósferas que evocan tanto tensión como liberación. Idiomas como el bambara, lingala y yoruba fueron herramientas esenciales para traducir el peso emocional de la música. Cada uno de estos idiomas tiene una energía mística y una resonancia espiritual profunda que amplifica los temas de fortaleza, perseverancia y orgullo cultural.



En última instancia, el álbum es un espejo de la vida misma: momentos de silencio y contemplación, momentos de lucha y momentos de triunfo. Cada ritmo, melodía y transición fue cuidadosamente elegido para sumergir al oyente en un viaje que se siente honesto, fluido y profundamente personal.



Has mencionado antes que la música sirve como refugio en tiempos difíciles. Sin embargo, en este álbum, también parece funcionar como un espacio de transformación. ¿Dirías que el proceso creativo fue terapéutico para ti? ¿Cómo refleja el álbum tu crecimiento tanto como artista como persona?



Absolutamente. La música siempre ha sido mi refugio, pero con In Spite of Everything se convirtió en algo más: fue un salvavidas. Este álbum nació de algunos de los momentos más difíciles de mi vida. He enfrentado pérdidas, traiciones, problemas financieros y desafíos que me hicieron cuestionar mi lugar y mi propósito. Hubo momentos en los que me sentí como un león enjaulado, lleno de potencial pero incapaz de avanzar.



El proceso creativo fue profundamente terapéutico, a veces doloroso y a veces sanador. Me obligó a confrontar esos sentimientos de desesperación y transformarlos en algo bello, algo significativo. Con cada ritmo y cada melodía, dejaba ir la ira, la decepción y el miedo, mientras me reconectaba con la resiliencia que me ha sostenido en tantos momentos.



Como artista, este álbum refleja mi negativa a ser encasillado. Muestra mi versatilidad, mi amor por la música en todas sus formas y mi disposición a evolucionar mientras sigo siendo fiel a mis raíces. La inclusión de idiomas como el bambara, lingala y yoruba no es casualidad; poseen el tipo de poder espiritual que necesitaba canalizar durante este proceso.



Como persona, In Spite of Everything representa supervivencia. Es un testimonio de mi capacidad para seguir adelante sin importar lo difíciles que se pongan las cosas. Se trata de reclamar mi historia y mi poder, no ignorando las luchas, sino abrazándolas.



Así que sí, este álbum es una transformación: del dolor al propósito, del silencio al sonido, de los desafíos a algo que puede resonar con otros. Espero que la gente pueda escuchar eso en la música y encontrar su propia fortaleza y sanación a través de ella, tal como yo lo hice.



Con el lanzamiento de In Spite of Everything, ¿cuáles son tus próximos pasos? ¿Ya tienes planes para proyectos futuros, como nuevas colaboraciones o remixes de las pistas del nuevo álbum?



En este momento, estoy enfocado en dejar que In Spite of Everything viva y respire, permitiendo que las personas se conecten con él a su propio ritmo. Dicho esto, siempre estoy creando. Ya sea remixes, nuevas colaboraciones o incluso algo inesperado, hay ideas en marcha, pero prefiero dejar que las cosas se desarrollen de forma natural.



Mis tres primeros álbumes—Invocation, Transition y Manifestation—fueron hitos en sí mismos, aunque siguen siendo subestimados. Espero que este cuarto álbum abra nuevas oportunidades y arroje más luz sobre mi extenso catálogo.



Incluso podría darme un nuevo desafío: lanzar un álbum cada año a partir de 2025. Pero esperemos y veamos—¡sin promesas todavía! (risas).

Boddhi Satva presenta «In Spite of Everything»: Entrevista

El club nocturno Watergate de Berlín cerrará a finales de 2024, después de 22 años.



El cierre fue anunciado esta mañana (martes, 17 de septiembre) en las <a rel="noreferrer noopener" aria-label="redes sociales del lugar (se abre en una nueva pestaña)" href="https://www.instagram.com/p/DAAfm5CMG69/?img_index=1" target="_blank">redes sociales del lugar</a>: «Con gran pesar, hemos decidido poner fin a nuestras operaciones en Watergate a finales de año y no renovar nuestro contrato de alquiler. Con la presión de los crecientes costos y el cambio en la cultura de los clubes, esta es la única decisión sensata y responsable«.



Hablando con <a href="https://ra.co/news/81177" target="_blank" rel="noreferrer noopener" aria-label="Resident Advisor, (se abre en una nueva pestaña)">Resident Advisor,</a> el cofundador Ulrich Wombacher profundizó en las presiones que ha enfrentado el club en los últimos años.



«Lamentablemente, las realidades de la inflación, la crisis energética, el aumento general de los costos y, no menos importante, el alto alquiler de este hermoso lugar en el corazón de la ciudad, en Oberbaumbrücke, junto al Spree, nos alcanzaron«, dijo. «Estamos enfrentando una enorme presión financiera, lo que nos llevó, finalmente, a la decisión de no extender el contrato de arrendamiento del club«.



Wombacher también mencionó el aumento de la atracción pública hacia eventos y festivales de mayor escala como otra razón detrás de la decisión de cerrar, describiendo a Watergate como un lugar «basado en la idea original del club como un lugar definitorio para toda una generación musical». El sello, Watergate Records, continuará operando a pesar del cierre del club.



Watergate fue fundado en 2002 por Wombacher, Steffen Hack y Niklas Eichstädt, y ha jugado un papel crucial en la historia de la escena nocturna de Berlín. A pesar de tener una capacidad menor que otros clubes contemporáneos (como Berghain y Tresor), el lugar con capacidad para 800 personas ha destacado a lo largo de los años con una programación progresiva que incorpora los desarrollos más recientes de la música house. También ha sido clave en el desarrollo de talentos emergentes, como Anja Schneider, Dixon y el megaestrella Solomun.



Watergate organizará una serie de fiestas de clausura desde su aniversario en octubre hasta su cierre definitivo en la víspera de Año Nuevo 2024. Charlotte de Witte, Sven Väth, Marlon Hoffstadt, DJ Minx, Richie Hawtin y Kerri Chandler están entre los nombres confirmados, según RA, junto con fiestas como Multisex, Mala Junta, Club Heartbroken y New Kids on Acid. El cartel completo se confirmará en los próximos meses.



«Mirando hacia atrás, hemos vivido y dado forma activa a años emocionantes de esta escena, ayudando a poner a Berlín en el mapa como uno de los principales destinos de vida nocturna en el mundo«, se lee en la declaración de cierre. «Watergate ha estado a la vanguardia de la escena internacional de clubes durante 22 años, convirtiéndose rápidamente en un lugar de referencia para invitados de todo el mundo. Y así es como queremos despedirnos, con gracia«.



«En los próximos meses, hasta el final del año, organizaremos una serie de eventos de primer nivel. Ningún artista querrá perderse la oportunidad de celebrar un último amanecer con nosotros en el club, ningún colectivo dejará pasar la ocasión para una última reunión, y ningún visitante perderá la última oportunidad de una noche memorable en Watergate«.



«Nos despedimos y lo hacemos con estilo, porque, como dicen: ‘La fiesta ha terminado, ¡larga vida a la fiesta!‘».



A principios de este año, el colectivo <a rel="noreferrer noopener" aria-label="Rave the Planet de Berlín tuvo éxito en su intento de inscribir el techno de Berlín en la lista de Patrimonio Cultural Inmaterial de la UNESCO (se abre en una nueva pestaña)" href="https://djmagla.com/el-techno-de-berlin-fue-nombrado-patrimonio-cultural-por-la-unesco" target="_blank">Rave the Planet de Berlín tuvo éxito en su intento de inscribir el techno de Berlín en la lista de Patrimonio Cultural Inmaterial de la UNESCO</a>. Entre otras cosas, quienes respaldan la candidatura esperan que la campaña presione al gobierno local para hacer más por proteger los clubes.

El club Watergate de Berlín cerrará a finales de 2024

Con más de 400.000 asistentes en total este año, casi medio millón de personas vivieron momentos increíbles en Tomorrowland.



En cuanto a la música, «Move» de Adam Port, Keinemusik, Stryv y Malachiii (el original, el remix de Anyma & Cassian y el remix de Victor Garde) fue la canción más tocada en el segundo fin de semana del festival. Después de eso, hubo muchos éxitos del pasado: «Reload» de Sebastian Ingrosso & Steve Angello y «Don’t You Worry Child» de Swedish House Mafia con John Martin.



La cuarta canción más tocada en el segundo fin de semana fue «It’s That Time» de Marlon Hoffstadt, también conocido como DJ Daddy Trance. La quinta no debería ser una sorpresa, ya que Chase & Status y Bou han dominado las pistas de baile durante todo el año con su canción «Baddadan» con Trigga & IRAH & Flowdan & Takura.



Completando el top diez están las siguientes cinco canciones: el remix de PACS de «Innerbloom» de RÜFÜS DU SOL, «Aria» de Argy & Omnya, la colaboración de John Summit y Hayla «Where You Are», «Papi» de KAAZE con Alna Pozi y, finalmente, «Allein Allein» de Alok, Innerverse y Frey.



Tomorrowland sabía que su aniversario número 20 no podía ser olvidado, por lo que ahora puedes ver casi 130 sets del festival de este año haciendo <a href="https://djmagla.com/los-sets-en-vivo-de-tomorrowland-ya-estan-disponibles-en-youtube" target="_blank" rel="noreferrer noopener" aria-label="clic aquí (se abre en una nueva pestaña)">clic aquí</a>.



Escucha las canciones más tocadas del segundo fin de semana de Tomorrowland a continuación:



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Te dejamos las 10 canciones más tocadas en el segundo fin de semana de Tomorrowland 2024

El viaje musical de un DJ y productor está lleno de aprendizajes y conocimientos adquiridos a lo largo de los años, escuchando y creando música. Después de un recorrido lleno de beats y STEMS, llega el tan anhelado reconocimiento, y con él, una firma de sonido que lo diferencia de otros artistas, logrando así entrar en los prestigiosos circuitos de clubes y festivales creados para los grandes.



Así es el viaje del cantante, showman y DJ productor italiano Alessandro Fabbri, conocido artísticamente como Fabbrix. su colorida creatividad musical la demuestra en cada uno de sus sencillos, como «<a rel="noreferrer noopener" href="https://www.beatport.com/release/haka-haka/2849861" target="_blank">Haka Haka»</a> y <a rel="noreferrer noopener" href="https://open.spotify.com/album/5PCw19mWDjlBf696qTEvOn?si=VgT04rYnRqWGyeG2BwPofg" target="_blank">«Rocket»</a>, ambos firmados por el sello de Bucarest Ensis Records. Continuamente, los lanzamientos siguieron con <a rel="noreferrer noopener" href="https://open.spotify.com/album/7pkFIA1kzgO6NTNFlnUfkU?si=J9_d50OyTlmRr8m6T0JllA" target="_blank">«Don’t Go»</a> bajo el sello Storm Music, logrando el apoyo de reconocidos DJ productores internacionales como Nicky Romero, Blasterjaxx, R3hab y Brooks, entre otros. Su música lo ha llevado a formar parte del World Club Tour Powered by Billboard Radio China en Ámsterdam, Países Bajos, y a presentarse en el prestigioso club <a rel="noreferrer noopener" href="https://www.instagram.com/p/C4GUVLXtlnK/" target="_blank">Ministry Of Sound en Londres,</a> donde ha compartido escenario con DJ productores como Maddix y Mike Williams.



<div class="wp-block-image"><figure class="aligncenter size-large"><img loading="lazy" decoding="async" width="1024" height="683" src="https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2024/06/FABBRIX_PRESS_MENESES-1-1024x683.jpg" alt="" class="wp-image-1167608" srcset="https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2024/06/FABBRIX_PRESS_MENESES-1-1024x683.jpg 1024w, https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2024/06/FABBRIX_PRESS_MENESES-1-300x200.jpg 300w, https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2024/06/FABBRIX_PRESS_MENESES-1-768x512.jpg 768w, https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2024/06/FABBRIX_PRESS_MENESES-1-212x140.jpg 212w, https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2024/06/FABBRIX_PRESS_MENESES-1-950x633.jpg 950w, https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2024/06/FABBRIX_PRESS_MENESES-1.jpg 1200w" sizes="auto, (max-width: 1024px) 100vw, 1024px" /><figcaption>Fabbrix</figcaption></figure></div>



Su música ha sido bailada en todo el mundo gracias al apoyo de reconocidos artistas como Fedde Le Grand, Showtek, R3HAB, Timmy Trumpet, Dimitri Vegas & Like Mike entre otros mas. Desde su natal Roma, Italia, su exploración de ritmos y sonidos ha logrado el reconocimiento global. Con el cover de «4 Non Blondes», transformándolo en un sencillo festivalero titulado<a href="https://open.spotify.com/album/6OaZKTGWXLZT6UoJMeqQaI?si=Na_1kHO5SSOPsUEqPz-E7A" target="_blank" rel="noreferrer noopener"> «Said Hey (What’s Up)» </a>junto a la cantante y coreógrafa Scarlett Quinn y el DJ productor belga Bryan V, y  luego mas tarde conquistó la posición 81 en las listas principales de iTunes USA con el remix para el dúo 39 Kingdom y su track titulado «Make Love Not War», logrando firmarlo con el major label Universal Music Vietnam. Otro de sus éxitos, el electro house «Paradise», es una colaboración junto al italiano Cirillo JR. 



Fabbrix regresó con otra magnífica colaboración con el sencillo «I BELIEVE», esta vez al lado de los italianos <a rel="noreferrer noopener" href="https://www.instagram.com/cirillo_jr_deejay/" target="_blank">Cirillo JR </a>y <a rel="noreferrer noopener" href="https://www.instagram.com/jeanmarie.official/" target="_blank">Jean Marie </a>y con ultra reconocido DJ y productor portugués <a rel="noreferrer noopener" href="https://www.instagram.com/djdiegomiranda/" target="_blank">Diego Miranda,</a> quien ocupa actualmente el puesto<a rel="noreferrer noopener" href="https://djmag.com/top100djs/2023/80/Diego-Miranda" target="_blank"> #80 en el Top 100 DJs </a>de la prestigiosa lista de DJ Mag. que tiene un recorrido de presentaciones alrededor del mundo, destacando Tomorrowland en Bélgica, Ultra en Miami y Rock in Rio en Portugal y Brasil, Diego Miranda cuenta con presencia en clubes de relevancia como Ushuaia y Hi en Ibiza, Green Valley en Brasil y Octagon en Corea del Sur.



Este track, titulado «I Believe», ha sido firmado por Virgin Music / Universal Music Group y el subsello Fuck Records y estara disponible desde Y este 31 de Mayo en todas las plataformas digitales, «I BELIEVE», de seguro dejara  un buen precedente en la carrera artística de Fabbrix.



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Conoce más a <a href="https://www.instagram.com/fabbrix_dj_official/" target="_blank" rel="noreferrer noopener">Fabbrix </a>

Escucha «I Believe» de Fabbrix junto al DJ y productor portugués Diego Miranda, y los Italianos Cirillo Jr y Jean Marie

Partaï es un festival de música electrónica que nació en 2012 en Valencia, Venezuela y desde entonces se ha convertido en el evento más importante de su género en el país. Lo que comenzó como un sueño de promover la cultura musical electrónica ha evolucionado hasta convertirse en un fenómeno reconocido a nivel internacional.



A lo largo de más de 10 años en el mercado, Partaï ha logrado destacarse 
como una empresa líder en la industria de festivales en Venezuela. Su 
compromiso con la calidad musical y la producción impecable ha llevado 
a la marca a trascender fronteras y participar en festivales alrededor del 
mundo, incluyendo República Dominicana, Ecuador, Estados Unidos, 
Colombia, Aruba, Panamá, España, Italia, entre otros países.



Sin embargo, es en la Isla de Margarita donde Partaï ha dejado una huella significativa. Con sus festivales de 3 y 4 días, han logrado no solo consolidarse como una empresa reconocida a nivel nacional, sino también contribuir al turismo en el país. La Isla de Margarita se ha convertido en un destino atractivo para los amantes de la música electrónica, atrayendo a miles de personas nacionales e internacionales que disfrutan de una experiencia única en un entorno paradisíaco.



Partaï se enorgullece de apoyar tanto al talento nacional como 
internacional, brindando una plataforma para que los artistas muestren su 
arte y conecten con el público. Su compromiso con la escena musical 
electrónica ha ayudado a fomentar el crecimiento y la diversidad en el 
panorama musical de Venezuela.



A medida que el tiempo avanza, Partaï sigue en constante crecimiento, buscando siempre superar las expectativas y ofrecer experiencias inolvidables a su público. Su pasión por la música electrónica y su dedicación a la excelencia los han convertido en un referente en la industria de los festivales.



Ese es el compromiso en su segunda edición del año, que llevará por nombre «Partaï Beyond Fantasy«, en la Universidad Simón Bolívar de Caracas.



«Partaï Beyond Fantasy» promete ser una experiencia inolvidable para los amantes de la música electrónica. Con un estimado de 5,000 asistentes, el festival reunirá a una selección de reconocidos DJs internacionales y talento local.



Entre los destacados invitados internacionales se encuentran ANOTR, un 
dúo holandés que hará su primera aparición en Venezuela, y AJ Christou, 
quien llegará desde Inglaterra para cautivar al público con su energía y 
estilo único. Además, el talento colombiano estará representado por 
Reeler, mientras que los talentosos artistas venezolanos Miguelle & Tons 
regresarán a su país natal para presentar un estreno mundial en el día del 
evento. Sumados a ellos, representando a Venezuela también estarán 
Marlon Córdoba y Keisgner, y en los visuales VJ Sánchez.

Prepárate para vivir una experiencia única en una nueva edición de Partaï

¡Si vas a Tomorrowland es hora que empieces a prepararte! Tomorrowland tiene previsto dar la bienvenida a más de 400 de los mejores artistas de música electrónica del mundo en 16 fascinantes escenarios durante dos fines de semana mágicos en De Schorre (Bélgica).



Tomorrowland Bélgica 2024 se llevará a cabo del 19 al 21 de julio y del 26 al 28 de julio, reuniendo a más de 400.000 personas de más de 200 países. El line up completo está disponible en <a rel="noreferrer noopener" aria-label="tomorrowland.com. (se abre en una nueva pestaña)" href="http://tomorrowland.com" target="_blank">tomorrowland.com</a>



<figure class="wp-block-image size-large"><img loading="lazy" decoding="async" width="819" height="1024" src="http://djmagla.com/wp-content/uploads/2024/01/tomorrowland_1706191217_3288092711402854320_366581549-819x1024.jpg" alt="" class="wp-image-1166749" srcset="https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2024/01/tomorrowland_1706191217_3288092711402854320_366581549-819x1024.jpg 819w, https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2024/01/tomorrowland_1706191217_3288092711402854320_366581549-240x300.jpg 240w, https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2024/01/tomorrowland_1706191217_3288092711402854320_366581549-768x960.jpg 768w, https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2024/01/tomorrowland_1706191217_3288092711402854320_366581549-1229x1536.jpg 1229w, https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2024/01/tomorrowland_1706191217_3288092711402854320_366581549-950x1187.jpg 950w, https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2024/01/tomorrowland_1706191217_3288092711402854320_366581549.jpg 1350w" sizes="auto, (max-width: 819px) 100vw, 819px" /></figure>



En esta nueva edición Tomorrowland satisface todos los géneros de la música electrónica con una impresionante gama ecléctica de artistas. Entre los cientos de actos destacados que se presentarán en la edición de este año se encuentran ACRAZE, Adam Beyer, Adriatique, Afrojack, Agents Of Time, Alesso, Alok, Amber Broos, Amelie Lens, Amémé, Andromedik, ANNA, Antdot, Anyma, Argy, Armin van Buuren, A-Trak B2B The Magician, Bassjackers, Bhaskar, B Jones, Bonobo, Bora Uzer, Boris Brejcha, Brina Knauss, Cat Dealers, Chris Avantgarde, Dannic, Dan Shake, Da Tweekaz, David Guetta, Denis Sulta, Dimension, Dimitri Vegas & Like Mike, Dixon, DJ Heartstring, Dom Dolla, Don Diablo, DVBBS, DYEN, Elderbrook, Eliza Rose, Felix Jaehn, Ferreck Dawn, Fideles, Four Tet, Goodboys, HAAi, Hardwell, Henri PFR, HI-LO, Hugel, Indira Paganotto, Jay Hardway, Joel Corry, John Newman, Joris Voorn B2B Yotto, Keinemusik, Kevin de Vries, Kölsch, Konstantin Sibold, Koven, Kungs, Like Mike, Lost Frequencies, Lucas & Steve, Mahmut Orhan, MANDY, Marlon Hoffstadt, Mathame, MATTN, Mau P, Meduza, Mike Williams, Mind Against, Miss Monique, MORTEN, MRAK, NERVO, Netsky, Nicky Romero, Otto Knows, OGUZ, Oliver Heldens, Olympe, Öwnboss, Pretty Pink, Purple Disco Machine, R3HAB, REZZMAU5, Rose Ringed, Sama’ Abdulhadi, Sam Feldt, Salvatore Ganacci, Sara Landry, Sebastian Ingrosso, Solomun, Steve Angello, Sub Focus, Sub Zero Project, Sunnery James & Ryan Marciano, Swedish House Mafia, Tale Of Us, Tchami B2B Malaa, The Blessed Madonna, Third Party, Tiësto, Timmy Trumpet, Topic, TSHA, USED, Vini Vici, Vintage Culture, VIDO, WhoMadeWho, W&W, Yves V, y muchos más.



Actos a tener en cuenta durante el 20º aniversario de Tomorrowland: Aunque un poco diferente de lo que esperábamos para un 20º aniversario, este line-up tiene mucho que ofrecer. Esto es lo que debes tener en cuenta:



Planaxis: Este verano, Tomorrowland será el hogar de 16 escenarios diferentes, incluido el nuevo escenario Planaxis. Espera sumergirte en un hermoso mundo submarino con una amplia variedad de sonidos durante los dos fines de semana del festival, presentados por Adriatique, Amémé, Brina Knauss, Elderbrook, Fideles, Hugel, Mahmut Orhan, Mind Against, Philou Louzolo, Sunnery James & Ryan Marciano, y muchos más.



Swedish House Mafia: El legendario trío Swedish House Mafia, compuesto por Axwell, Sebastian Ingrosso y Steve Angello, regresará al Mainstage después de 11 años, el 19 y el 26 de julio.



Afterlife: El innovador sello musical fundado por el dúo italiano Tale Of Us, curará el line-up en el escenario Freedom el 21 y el 28 de julio, invitando a artistas como Anyma, Argy, Chris Avantgarde, Kevin de Vries, MRAK, Olympe y más. El 27 de julio, Tale Of Us ofrecerá una show inolvidable en el famoso Mainstage.



REZZMAU5: El dúo canadiense REZZMAU5, la icónica combinación de los renombrados artistas REZZ y Deadmau5, se reunirá en el escenario Freedom el 20 de julio.



CORE: Después de su espectacular estreno mundial en la jungla de Tulum, el nuevo escenario CORE viajará de vuelta a los bosques encantadores de Tomorrowland. Rodeado de naturaleza y sonidos más deep, el impresionante nuevo stage recibirá actuaciones de Bonobo, Denis Sulta, Dixon, DJ Heartstring, Eliza Rose, HAAi, Marlon Hoffstadt, Shanti Celeste, The Blessed Madonna, TSHA, y muchos más.



Fechas de venta de entradas para Tomorrowland Bélgica 2024:



<ul class="wp-block-list"><li>Preventa Mundial: comienza el 27 de enero a las 17:00 CET</li><li>Venta Mundial de Entradas: comienza el 3 de febrero a las 17:00 CET Utiliza tu cuenta de Tomorrowland o crea una en my.tomorrowland.com para preinscribirte y recibir acceso a las ventas de entradas de Tomorrowland 2024.</li></ul>

Tomorrowland anunció su line up para este año

Desde sus comienzos como ingeniera y productor musical hasta embarcarse en su propio proyecto de techno melódico como Plasmatique, ha recorrido un camino musical fascinante.



Zuzana Retkesova, mejor conocida como Plasmatique, comenzó su carrera trabajando en la ingeniería de sonido y colaborando con músicos locales. Es así que se sumergió en el proceso de producción musical y puedo explorar lo que se esconde detrás de la creación musical. Sin embargo, su gran avance llegó cuando conoció a Thomas Helmich: “Me dio la oportunidad de trabajar como asistente de ingeniería y desarrollar mis habilidades. Después de un tiempo, estaba segura de que estaba creando mi propia música y, finalmente, comencé con Plasmatique en tiempos de Covid.”



Cuando se trata de su sonido, Plasmatique lo describe como “muy enérgico”. Su objetivo es que la música haga mover a la gente, y dice: “Pero también que sea épica, creando piel de gallina y desencadenando emociones.” Un elemento esencial de su sonido son las líneas de bajo vibrantes que impulsan sus pistas y son una característica distintiva de su música.



Plasmatique se inspira en artistas como Stephan Bodzin, Innellea, Adriatique y Thomas Helmich, quienes han influido en su estilo de diversas maneras. Estas influencias han moldeado su música, permitiéndole crear pistas que evocan una variedad de emociones.



“Creo que inconscientemente todos los músicos están influenciados por las pistas que les gustan y escuchan. Todavía estoy en el proceso de darle forma a mi sonido, de encontrar mi ADN sonoro. Un proceso que ojalá nunca se detenga y que al final marque la diferencia.”



Su último lanzamiento, “<a rel="noreferrer noopener" aria-label="Nucleus (se abre en una nueva pestaña)" href="https://djmagla.com/plasmatique-presenta-su-nuevo-sencillo-nucleus" target="_blank">Nucleus</a>”, es una obra que combina elementos épicos con un toque hipnótico. El proceso creativo detrás de esta pista fue fluido y espontáneo, pero así cuenta que nació la inspiración detrás del track: “Estaba jugueteando con una IA creando imágenes y apareció la foto de portada y me gustó. Para mí parecía un núcleo, complejo, así que tuve la idea de llamarlo ‘Nucleus’.” La pista se desarrolló a partir de una muestra vocal que Plasmatique había estado trabajando durante algún tiempo y un efecto de gate que finalmente dio vida a la pista.



<figure class="wp-block-embed-spotify wp-block-embed is-type-rich is-provider-spotify wp-embed-aspect-21-9 wp-has-aspect-ratio"><div class="wp-block-embed__wrapper">
<iframe title="Spotify Embed: Nucleus" style="border-radius: 12px" width="100%" height="152" frameborder="0" allowfullscreen allow="autoplay; clipboard-write; encrypted-media; fullscreen; picture-in-picture" loading="lazy" src="https://open.spotify.com/embed/track/4oGlwYeT7Ux8J15vYO8LYk?si=8a13d4dc9b754686&utm_source=oembed"></iframe>
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Mirando hacia el futuro, Plasmatique espera mantenerse saludable y seguir creando música excepcional, así como presentarse en los escenarios más grandes de todo el mundo.

Plasmatique, de ingeniería a maestra del techno melódico

Los cuerpos de al menos 260 asistentes a un festival de música trance en el sur de Israel han sido recuperados tras un ataque sorpresa por parte de militantes de Hamás en las primeras horas de la mañana del sábado (7 de octubre), confirmó la agencia de rescate israelí Zaka.



Aproximadamente 3.500 personas asistieron el viernes por la noche al Festival Supernova en el desierto de Negev, cerca del kibutz Re’im, a 5 km de la <a rel="noreferrer noopener" aria-label="barrera Gaza-Israel (se abre en una nueva pestaña)" href="https://es.wikipedia.org/wiki/Franja_de_Gaza" target="_blank">barrera Gaza-Israel</a>. Días después del ataque, muchos de ellos siguen desaparecidos y hay <a rel="noreferrer noopener" aria-label="informes (se abre en una nueva pestaña)" href="https://edition.cnn.com/2023/10/07/middleeast/israel-gaza-fighting-hamas-attack-music-festival-intl-hnk/index.html" target="_blank">informes</a> de que varios han sido tomados como rehenes.



Organizado por Tribe of Nova, el evento fue una edición israelí del festival brasileño Universo Parallelo y tenía como objetivo celebrar el final de la festividad judía de Sucot, que dura una semana. El ataque al festival se llevó a cabo como parte de la operación Inundación Al-Aqsa de Hamás, en la que el grupo militante, que gobierna el sitiado enclave palestino de Gaza, lanzó un ataque desde varios frentes en varios lugares a lo largo de la valla fronteriza que divide los dos territorios.



El ataque a Supernova comenzó alrededor de las 6:30 de la mañana del sábado, cuando sonaron las sirenas de advertencia para alertar a los ravers sobre los cohetes entrantes desde Gaza. <a href="https://www.theguardian.com/world/2023/oct/09/how-the-hamas-attack-on-the-supernova-festival-in-israel-unfolded" target="_blank" rel="noreferrer noopener" aria-label="The Guardian (se abre en una nueva pestaña)">The Guardian</a> informa que algunos asistentes al festival confundieron estos sonidos con música y no se dieron cuenta de lo que estaba sucediendo hasta que militantes armados abrieron fuego contra la multitud.



Las imágenes compartidas tras el ataque muestran a cientos de asistentes al festival intentando huir a pie y en coche. En declaraciones al Canal 12 de Israel, y reportado por la BBC, un asistente llamado Ortel describió la escena: “Cortaron la electricidad y de repente, de la nada, ellos [los militantes] entran con disparos, abriendo fuego en todas direcciones”. Y además agregó que había jeeps llenos de hombres armados que siguieron y continuaron disparando contra los autos que escapaban.



“Dispararon ráfagas y llegamos a un punto en el que todos detuvieron sus vehículos y empezaron a correr. Me estrellé contra un árbol, un arbusto como este, y empezaron a rociar a la gente. Vi masas de heridos arrojados y me encontré en un árbol y tratando de entender qué está pasando”.



Raz Gaster, un manager de artistas presente que estaba trabajando con varios actos programados para tocar en el festival, incluido el DJ británico Martin Freeland, también conocido como A Man With No Name, compartió su parte con <a href="https://www.billboard.com/music/music-news/israel-music-festival-attack-artist-manager-account-massacre-1235436829/" target="_blank" rel="noreferrer noopener" aria-label="Billboard (se abre en una nueva pestaña)">Billboard</a>. “Alrededor de las 6:30 de la mañana comenzamos a escuchar explosiones”, dijo. “Salimos del backstage y vimos un bombardeo total por todas partes. Fueron cientos de cohetes y morteros volando desde todas partes y explosiones a nuestro alrededor.”



«La gente se escondía en zanjas, en los arbustos, en los bosques, en cualquier lugar que se pudiera imaginar”, añadió. “Recibimos mensajes horribles de amigos que decían: ‘Por favor, ayúdennos, están disparando a la gente que está a nuestro lado’”.



Entre los desaparecidos del festival se encuentra Jake Marlowe, un británico de 26 años que trabajaba como seguridad en el festival. Las imágenes de drones compartidas después del ataque muestran el lugar del festival en ruinas, lleno de vehículos abandonados y dañados.



Un vídeo que ha circulado ampliamente en las redes sociales muestra a una joven, identificada como Noa Argamani, siendo conducida en una motocicleta por dos miembros de Hamás, mientras que su novio, llamado Avinatan Or, es llevado a pie por otros dos. En una entrevista con CBS News, el padre de Argamani dijo: “Ella es una persona increíble, una niña dulce… No puedo creerlo”. Añadió que quiere que el gobierno israelí rescate a su hija, pero “sólo mediante medidas pacíficas”. “Necesitamos actuar con sensibilidad”, dijo. «Ellos [los palestinos] también tienen madres que lloran, al igual que nosotros”.



La violencia ha aumentado en los días transcurridos desde que Hamás lanzó la operación Inundación de Al-Aqsa, en la que una excavadora derribó una sección de la valla en la frontera entre Israel y Gaza en lo que se ha descrito como la “escalada más grave” del conflicto en la región desde la guerra de 11 días de 2021. El primer ministro israelí, Benjamín Netanyahu, ha declarado que el país está “en guerra”, y que las represalias militares provocaron una ola de ataques aéreos contra Gaza. A partir de hoy, Israel ha ordenado un bloqueo total en la Franja de Gaza, deteniendo las entregas de alimentos, combustible y suministros a sus 2,3 millones de habitantes, según Associated Press.



En el momento de redactar este informe, se informa que, desde el sábado, más de 800 israelíes y más de 500 palestinos han muerto como resultado de la escalada del conflicto.

Al menos 260 muertos en un festival de música electrónica en medio del conflicto entre Gaza e Israel

Con 15 millones de reproducciones – y contando-, el track ha alcanzando el puesto número 1 en la lista de Beatport y ha sido añadido a la lista de reproducción BBC Radio 1 B List.



El video fue dirigido por Corey Wilson, cuyos créditos incluyen trabajos con Aston Martin, Ralph Lauren y Audemars Piguet. ‘Take It Off’ también cuenta con un destacado elenco de artistas marciales y bailarines, incluyendo al antiguo campeón de peso medio de UFC y Strikeforce, Luke Rockhold, y Marlon ‘Chito’ Vera, interpretando una variedad de feroces personajes de juegos de arcade.



Combinando un bajo cargado de funk, sintetizadores envolventes y la adictiva voz de AATIG, ‘Take It Off’ es la joya de una temporada de clubes y festivales cargada para la superestrella australiana. FISHER está en racha en el verano europeo 2023, con una residencia semanal en Hi Ibiza, su residencia en TAO Vegas y apariciones en Parklife, Elrow London, Outside Lands, BBC Radio1 Weekend Ibiza Weekend y Saga Festival, por nombrar algunos. El primer festival curado por FISHER, TRIIP, en Malta, también tuvo lugar en junio, con un gran cartel que incluía a Claptone, Eats Everything y Loco Dice.



Conocido por su salvaje sentido del humor y su enérgico estilo de DJ, FISHER irrumpió por primera vez en la escena electrónica con los temas «Stop It» y «Ya Kidding», y desde entonces se ha convertido en uno de los talentos más solicitados de la escena. 



Mira el video aquí abajo:



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FISHER comparte el video de «Take It Off»

Amparo Battaglia, conocida tanto en el circuito electrónico y en las artes plásticas como Catnapp, es la argentina que desde su país natal comenzó a impactar la escena underground con su propuesta sonora. Sus primeros pasos musicales y artísticos le permitieron abrir un camino al expresionismo emocional y los ritmos intensos donde su voz se convirtió en un elemento clave al momento de acercarse a su música.



Comenzó autoeditando su música como artista y productora musical donde su audaz composición y estética milenaria de vanguardia le permitió firmar con uno de los sellos más aclamados del género como Monkeytown Records. Es un sello en el cual muchos artistas sueñan estar para explotar más su interés musical y lograr llevar su sonido a otro nivel, un nivel que la misma Amparo ha ido alcanzando y mejorando: sus producciones se volvieron cada vez más distintas, sus canciones cada vez más elaboradas y su estilo de interpretación fue ampliamente reconocido, llevando a pasar por diferentes festivales y clubes reconocido alrededor del mundo. 



Aprovechamos la vista de la artista por Latinoamérica para conversar un poco sobre ella y su visión de la música e interpretación.



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Para empezar, me gustaría que hablemos un poco sobre el tema de las ideas. Para ti, ¿es necesario que haya ideas concretas, o lo que algunos han llamado una ‘visualización’ del trabajo terminado? ¿Cómo es para ti el equilibrio entre la planificación y el azar de un trabajo?



Hay poca planificación, o sea existe la planificación, existen las ideas y a lo que apuntó a hacer, pero después, en el proceso, eso cambia mucho porque las cosas que van pasando o quizás quiero hacer algo en concreto, pero cuando voy al estudio me doy cuenta que… no sé, que la canción feliz que quería hacer no la puedo hacer porque realmente no estoy feliz o viceversa. — Piensa — No me sale mucho trabajar con conceptos pre planeados y si lo hago al final no suele funcionar muy bien — dice entre risas — así que sí, hay mucho de improvisación en realidad en lo que hago cuando produzco. Es más o menos ver qué sale.



En esa idea de visualización, ¿tienes ciertos rituales para ponerte en la mentalidad adecuada para crear? Por ejemplo, ¿qué papel juegan ciertos alimentos o estimulantes como el café, la iluminación, los aromas, el ejercicio o la lectura en tu música?



Café 100%. Tengo que tener mi taza de café para producir, porque si no, no puedo, nada más, en realidad no consumo otras cosas para producir. Eso sí, tiene que ser un lugar muy ameno. Por ejemplo, yo tengo mi estudio que es muy alejado, como un poco aislado de la ciudad donde no me tiene que interrumpir nadie y no tengo que tener distracciones alrededor, y así puedo saber que tengo todo el día entero para poder hacer eso, es decir, como que si tengo algún compromiso a veces me pongo como, por ejemplo: producir antes y después tengo que chequear los emails o tener una reunión; y si estoy apurada a la hora de producir, no me sale, por eso tengo que estar libre.



<h4 class="wp-block-heading">“Me gusta más sentarme y producir, pero siento que me gustaría tener muchas más herramientas técnicas para poder planear una canción y llegar a ese lugar o a esa meta […]”</h4>



Cuando empiezas a crear y componer, ¿qué tan difícil es esa primera línea de texto, la primera nota? ¿O cómo es tu proceso al momento de crear una pieza?



Es bien improvisado. Digamos… si me está pasando algo en particular que esté haciendo que me inspire y que quiera escribir sobre eso, es un poco más fácil, como que ya las ideas salen solas — dice entre risas — Aunque depende del día, a veces cuesta un montón y otros días es muy fácil. Lo que es más difícil para mi es escribir las letras, porque siento que es mucho más personal que hacer una melodía o que hacer un beat, o sea es una palabra, literalmente palabras que tienen un mensaje muy directo y hay muchas inseguridades que juegan también en eso.



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Muchos escritores han afirmado que tan pronto como entran en el proceso de la creación, ciertos aspectos de la narración se les escapan de las manos. ¿Te gusta mantener un control estricto sobre el proceso o tienes la sensación de seguir las cosas hacia donde te lleven?



Hacia donde me lleven en un 100%, o sea a veces trato de tener el control sobre ‘quiero que el álbum trate de esto’, ‘quiero escribir sobre esto’, pero a veces se puede y otras no, y muchas veces elijo el concepto o veo el concepto después de terminar el disco, porque ahí veo que fue lo que hice y digo: ‘Ah, ok de esto se trata’, pero si quiero como escribir de algo en particular, al final me terminan saliendo otras cosas, como que el inconsciente me lleva a otra parte 



<figure class="wp-block-image size-large"><img loading="lazy" decoding="async" width="1024" height="576" src="http://djmagla.com/wp-content/uploads/2023/01/catnapp-1024x576.jpg" alt="" class="wp-image-1162812" srcset="https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2023/01/catnapp-1024x576.jpg 1024w, https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2023/01/catnapp-300x169.jpg 300w, https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2023/01/catnapp-768x432.jpg 768w, https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2023/01/catnapp-950x534.jpg 950w, https://api.djmagla.com/wp-content/uploads/2023/01/catnapp.jpg 1366w" sizes="auto, (max-width: 1024px) 100vw, 1024px" /><figcaption>Foto: Juan Bermejo</figcaption></figure>



Especialmente en la era digital, el proceso de escritura y producción tiende al infinito. ¿Qué marca el final del proceso para ti? ¿Cómo se termina una obra?



Cuando me gusta — se ríe —, porque hay mucha gente que le cuesta mucho eso. A mí no me cuesta hacerlo, es muy natural, es como que directamente si suena bien, si me gusta: lo termino. No sé cómo más responderte. 



<h4 class="wp-block-heading">“Me gusta mucho utilizar samples, es de lo que parto siempre, como que agarrar pedacitos de canciones de otras personas o sonidos que me gustan y transformarlos completamente y, a partir de ahí, jugar con eso […]”</h4>



Las posibilidades de las herramientas de producción modernas han permitido a los artistas realizar sonidos cada vez más refinados o extremos. ¿Hay algún sonido que personalmente te gustaría crear pero que aún no has podido?



Un montón… Siento que aún me faltan muchas habilidades técnicas que me gustaría tener. Admiro mucho a la gente que ve miles de tutoriales en YouTube y aprende las cosas, y las hace. A mí me da mucha pereza aprender cosas nuevas. Me gusta más sentarme y producir, pero siento que me gustaría tener muchas más herramientas técnicas para poder planear una canción y llegar a ese lugar o a esa meta, porque también parte de lo que me impide llegar a esa meta es una falta de conocimiento, me falta la paciencia quizás de sentarme a aprender. Porque hay mucho por aprender y es abrumador en un punto.



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<iframe loading="lazy" title="Catnapp x Modeselektor - The Mover" width="1055" height="593" src="https://www.youtube.com/embed/G644W5ZJcag?feature=oembed" frameborder="0" allow="accelerometer; autoplay; clipboard-write; encrypted-media; gyroscope; picture-in-picture; web-share" allowfullscreen></iframe>
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Derek Bailey definió la improvisación como la búsqueda de material infinitamente transformable. Independientemente de si estás o no de acuerdo con tu perspectiva, ¿qué tipo de materiales se han vuelto particularmente transformables y estimulantes para ti?



Me gusta mucho utilizar samples, es de lo que parto siempre, como que agarrar pedacitos de canciones de otras personas o sonidos que me gustan y transformarlos completamente y, a partir de ahí, jugar con eso, como que me sale mucho más hacer eso que ponerme a cantar o improvisas letras, como que me da más agarrar un cachito (pedazo de sample), darle vuelta y transformarlo en otra cosa.



Entrevista por Camilo Bernal y Mauricio Atencia.

Catnapp: “Me gusta más sentarme y producir, pero me gustaría tener muchas más herramientas técnicas”

Francisco Rotta y Mateo Moreno son viejos amigos que hicieron posible NonCitizens. De Argentina para el mundo, tocaron en miles de clubes de distintas partes del mundo, como en Ibiza, Londres, París, Tulum, entre otros. 



Sus residencias le abrieron las puertas para compartir cabina con grandes nombres de la música electrónica, como guy Gerber, Sven Väth, Dubfire, y muchísimos más.



¡Hola NonCitizens! Gracias por estar con nosotros en DJ Mag Latinoamérica. ¿Desde donde nos hablan hoy?



Muy buenas, antes que nada gracias por la invitación y el espacio. Actualmente nos encontramos en Barcelona, España. Hace varios años decidimos mudarnos acá, y la verdad es que estamos muy contentos, ya que acá tenemos montado nuestro estudio.



Para quienes no los conocen mucho, ¿cómo se describirían a sí mismos? ¡Preséntense a su mejor manera!



Alegres, siempre con una sonrisa, viendo el lado positivo de las cosas, y sin complicaciones. – Y entre risas agregaron – y amantes de la comida.



¿Cómo y cuándo decidieron formar este dúo? ¿Por qué «NonCitizens»?



El dúo lo formamos hace ya casi 8 años, pero, ¡nos conocemos hace más de 25! NonCitizens surgió cuando estábamos viajando, sin un lugar fijo, sabiendo que de Buenos Aires nos queríamos ir, pero aún no teníamos un nuevo lugar llamado Casa. Estábamos en Los Angeles, quedándonos en casa de unos amigos, y esto recién empezaba, nos faltaba Miami, Londres, Barcelona, Ibiza y hasta ahí sabíamos… Lo que pasara después era pura incógnita.



Y fue ahí cuando empezamos a pensar que éramos del mundo, no podíamos quedarnos quietos en un solo lugar, necesitábamos conocer. Si bien nacimos ambos en Argentina, nos sentíamos del planeta tierra. Queríamos un nombre en inglés, y con todo lo que estábamos atravesando, pusimos dos opciones, y NonCitizens fue la que más nos atrajo. Hoy en día nos seguimos sintiendo muy identificados con el nombre, y lo volveríamos a elegir.



¿Cómo comenzaron a producir juntos?



Ya desde chicos estuvimos ligados a la música, Pancho Rotta tocaba la batería de muy chico, y Teo Moreno el piano en la misma academia. Después nos unimos a la banda del colegio: Pancho en la trompeta y Teo en el Trombón. El profesor nos metió ahí, si fuera por nosotros, no elegiríamos esos instrumentos – dicen entre risas.



Cuando terminamos el colegio, Teo arrancó producción en Arjaus y Pancho empezó a tener sus primeras fechas como DJ. Dos años más tarde Teo seguía avanzando en la producción con varios cursos más, y ahí es cuando Pancho empieza en Arjaus y ahí decidimos recorrer este camino juntos.. Teníamos una amistad muy grande, más que amigos, hermanos, y encima compartíamos la misma pasión y los mismos sueños.



Sabíamos que no es una carrera fácil, entonces qué mejor que hacerlo juntos. Si tenes una relación como la que tenemos, es todo mucho más fácil, más llevadero, hay que tener en cuenta que estar tanto tiempo viajando no es fácil, menos solo…



«Lost Trumpet in Space» es su último tema que la sigue rompiendo desde su lanzamiento en 2021. Cuéntenos cómo fue el proceso de este track y qué significó en su carrera.



La verdad que si, como vos decís la sigue rompiendo y estamos demasiado felices por eso, jamás imaginamos que siga teniendo tanta fuerza y que muchos DJs lo sigan eligiendo para sus sets / playlist. El proceso de ese track fue algo muy lindo ya que tuvimos la oportunidad de trabajar y conocer grandes personas.



Empezó siendo un track más en el estudio pero tomó una gran forma cuando productores amigos nos facilitaron unos samples fascinantes y poderosos que nos ayudaron a crear ese Groove con percusiones y batería increíbles. Y luego lo que caracterizó tanto el tema fue la trompeta y su solo que grabó Gabriel Charrier.



¡Significó algo grande para nosotros ya que logramos sellar en MoBlack! Sello #1 de Afro house, estuvo #3 del Afro house, y hasta el día de hoy, se sigue manteniendo en el Top 70.



Este Track nos abrió las puertas a poder lanzar música en otros labels, que nos respete, y a partir de esto mucha gente nos escribió para hacer colaboraciones, y nosotros felices de poder hacer cosas distintas, y poder aprender de otros productores.



Tuvieron varias residencias que marcaron un antes y un después en su carrera (como Rumors Ibiza, Void Mykonos, y Tox en la noche en Destino Ibiza). ¿Cómo los ayudaron a crecer como artistas y a formar su carrera?



Uf!!! Esas residencias nos ayudaron mucho a crecer y formarnos en nuestra carrera. Descubrimos un mundo nuevo, al que no acostumbrabamos, éramos chicos, y estábamos abriéndole a uno de nuestros ídolos, en uno de los mejores lugares del mundo, y rodeados de leyendas.



Nos ayudo muchísimo en lo musical, aprendimos lo que era el arte del warm up, que hoy se está perdiendo un poco… En el caso de Rumors siempre era Warm Up de grandes artistas pero después de las 23, la fiesta seguía en un club abajo de Destino, TOX!



Gracias a estas residencias pudimos conocer a mucha gente de la industria, y aprender de ellos. Void era los Jueves en Mykonos, nosotros de 1 a 3 y Guy de 3 a cierre, también una locura, porque la gente ya entraba apenas abrían las puertas, entonces era un Warm up, pero con la gente con ganas de bailar. A veces, teníamos la suerte de poder cerrar la última hora, eso ya era tocar el cielo con las manos para nosotros.



La residencia de Rumors claramente fue la más especial, ya que era como una familia, y éramos parte. Aparte de darnos mucha más exposición, que nos llevaron a poder pinchar en diferentes paises del mundo.



¡En diciembre debutarán en «Rumors» en su ciudad Buenos Aires! ¿Qué sienten al ser parte de este evento, además de volver a sus raíces?



Felicidad extrema, es algo increíble poder volver a nuestro país, tocar para nuestra gente, y por nuestra gente… Es increíble ir del invierno Europeo directo al verano con nuestra familia y amigos. Pasar las fiestas conellos es impagable.



Muy agradecidos con Guy por tenernos en cuenta, y poder ser parte de este evento tan increíble. Volver a tu país en un evento como es Rumors nos motiva en todo sentido.



Muy pronto lanzarán nuevo material a través de MoBlack Records, Wierd, Radiant y algunos más. ¿Qué sienten al firmar en sellos tan importantes dentro de la escena de la electrónica?



Poder volver a grabar con sellos discográficos tan importantes y con tanta exposición nos da un sensación de que estamos en el camino correcto. Es una alegría enorme recibir un feedback tan positivo de los labels más reconocidos. Nos permite llegar a más gente, que confíen más en nosotros y nos abre muchas puertas.



Si pudieran crear su propio evento NonCitizens… ¿En qué parte del mundo sería? ¿A quién invitarían al evento para tocar juntos a ustedes?



Si pudiéramos crear nuestro propio evento sin dudas sería en Ibiza y en la mejor ciudad del mundo, Buenos Aires. El evento sería al atardecer y al aire libre, creemos que nuestro sonido va muy bien acompañado con el Sunset.



Nos encantaría que toquen todos nuestros amigos de la escena, artistas emergentes y poder invitar a los más grandes, para darle una experiencia única a todos. Nos imaginamos una cabina en el medio de la pista, para poder estar más cerca de todos.



¿Qué consejo le darían a los DJs que están dando sus primeros pasos en la industria?



Lo primordial sería meterse de lleno en la producción, lleva tiempo, pero es lo que mejor resultados trae, son a largo plazo, pero son pasos sólidos. Es clave enfocarse en encontrar un género con el cual se sientan identificados, su propio sonido. Creemos que es fundamental aprender de todos en esta industria, aprender varias formas de producir y de dominar un género. De todo se aprende, y está bueno tomarlo todo así, cada error o paso en falso, es un aprendizaje, no hay que presionarse, sino disfrutar el camino.

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